Laberinto de Roma, Colección de Arte Románico, Museo Nacional de Arte de Cataluña.

La Colección de Arte Románico es una de las más importantes y emblemáticas del Museo por su excepcional serie de juegos de pintura mural. De hecho, su singularidad no tiene paralelo en ningún otro museo del mundo. Muchas de estas pinturas, de pequeñas iglesias rurales en los Pirineos y otras partes de la antigua Cataluña, fueron conocidas y valoradas desde los primeros años del siglo XX, especialmente después de la expedición pirenaica (1907) de una misión del Institut d’Estudis Catalans. , que más tarde publicó Les pinturas murales catalanes. Años más tarde se descubrió que un grupo de financieros extranjeros y anticuarios había comprado la mayoría de las pinturas a granel en los Estados Unidos. Aunque en ese momento no había leyes en España que prohibieran la expansión de obras de arte, la Junta de Museos llevó a cabo una operación eficiente de rescate, desarraigo y transferencia al Museo de Barcelona (1919-1923), luego en el Parque de la Ciutadella, para proteger Esta herencia románica, un arte de total singularidad que ha sido visto como un símbolo del nacimiento y la formación de Cataluña.

La ruta de las salas de arte románico es básicamente cronológica y estilística, y muestra las diferentes tendencias artísticas del arte románico en Cataluña, con obras que pertenecen básicamente a los siglos XI, XII y XIII.

El itinerario comienza con las pinturas murales de Sant Joan de Boí, cercanas a la tradición franco-carolingia, y continúa con los conjuntos de influencia italiana que han dominado la escena pictórica desde finales del siglo XI, sin duda conectada con el impulso de Reforma gregoriana, con ejemplos como las pinturas murales de Sant Quirze de Pedret, Santa Maria d’Àneu o Sant Pere del Burgal.

Una de las obras maestras de la colección son las pinturas del ábside de Sant Climent de Taüll, con el famoso Pantocrátor o Cristo en Majestad, la obra maestra indiscutible del siglo XII, y una prueba tangible del poder creativo de la pintura catalana. Junto a Es toda Santa María de Taüll, el ejemplo más importante del interior de una iglesia románica totalmente pintada que ha conservado gran parte de esta decoración.

El final del recorrido se centra en las pinturas de San Pedro de Arlanza y las de la sala capitular de Sixena. Con respecto a este último, esta es una de las pinturas más magníficas en el estilo de renovación de 1200 en Europa y se conserva en el Museo después del severo incendio que sufrió en 1936, durante la Guerra Civil.

El recorrido también muestra otras técnicas que distinguen el arte catalán, como pintar sobre madera o escultura en madera, y otras que complementan la visión estética del arte románico, como la orfebrería o la escultura en piedra.

La colección de pintura sobre la mesa, única en Europa, es también una sección única de la pintura románica, tanto en términos de la cantidad como de la antigüedad de las obras catalanas que se conservan, también el resultado del interés romano en el arte románico desde el final del siglo XX. siglo XIX – en cuanto a la calidad y diversidad técnica que muestran. Las fronteras como los llamados Apóstoles o La Seu d’Urgell, las de Alós d’Isil, de Avià o Cardet pueden considerarse paradigmas de una técnica pictórica original y de gran interés artístico. Por otro lado, la colección de esculturas en madera ofrece una visión amplia y completa del románico, con destacadas obras en diversos tipos como la Virgen de Ger, la Majestad Batlló o las tallas del Descenso de Erill la Vall.

Cabe mencionar también los ejemplos de escultura en piedra, entre los que se encuentran algunas piezas de Ripoll y un gran grupo de obras de toda la ciudad de Barcelona, ​​con los refinados capiteles de mármol del antiguo hospital. San Nicolás. Finalmente, la colección tiene una muestra significativa de esmaltes, producidos principalmente en Limoges, como el tallo Mondoñedo.

Entre diciembre de 2010 y junio de 2011, las salas de la colección románica se cerraron debido al mantenimiento y la renovación del discurso del museo. Durante este tiempo se mejoró la iluminación, las condiciones de conservación preventiva, así como las partes más desgastadas del pavimento. Fueron reabiertos el 29 de junio de 2011, en un acto presentado por Narcís Serra.

La arquitectura como marco de las artes.
Durante los siglos XI, XII y XIII, las construcciones civiles y militares, como los palacios y las fortificaciones, cobraron gran importancia. Hay pocos restos que se conservan si los comparamos con los tipos de obras religiosas, por esta razón, gran parte del conocimiento que tenemos hoy sobre la arquitectura y el arte del período románico está relacionado con las iglesias, así como con los conjuntos monásticos y de la catedral.

Para comprender el sentido de la mayoría de las obras románicas, debe tenerse en cuenta que el edificio es el marco para el resto de la producción. El espacio interior se adapta a las necesidades litúrgicas de cada centro y, por lo tanto, es jerárquico. Uno de los puntos más relevantes es el altar y sus alrededores, el presbiterio, donde se realiza el acto esencial de la misa: la Eucaristía. La forma más habitual del altar es el mensa o la mesa, con una cubierta que puede ser toallas o paneles pintados o tallados, o puede cubrirse con metales preciosos como el oro o la plata. La mayoría de los objetos u obras están destinados a este espacio (baldaquines, frontispicios de altar, imágenes, etc.). En general, el ábside, que preside el presbiterio y el altar, suele ser el lugar de la iglesia en el que se encuentra la representación pictórica más importante, con una teofanía o representación de la divinidad en el centro.

La iglesia de Santa María de Taüll es el ejemplo más completo que se conserva de la decoración pictórica de un interior románico. Puedes encontrar en la bóveda del ábside la Epifanía o la adoración de los Reyes, con la Madre de Dios como trono para el niño Jesús. Este conjunto se completa con escenas del Juicio Final y otras historias bíblicas en las paredes, así como en las columnas y los arcos de separación de las naves. Las diferencias estilísticas destacan la mano de dos maestros, el que pintó el ábside y el autor del Juicio Final.

El interior de un edificio románico era mucho más suntuoso de lo que se puede imaginar de los restos de hoy. Es necesario incluir los objetos destinados al culto, desde imágenes hasta las copas sagradas que se usan alrededor del altar. En estos casos, la producción fue muy variada en cuanto a materiales y técnicas, pero cabe destacar los talleres de los orfebres y plateros especializados en trabajos en oro, plata y esmalte.

En el exterior de los edificios hay una decoración escultórica y pictórica en los puntos más notables que se encuentran alrededor de las puertas y claustros, y también en los muebles litúrgicos o que se utilizan con fines funerarios. Un ejemplo paradigmático de decoración escultórica se puede encontrar en el portal monumental de Santa María de Ripoll.

Aspectos formales
A pesar de su internacionalización, el arte románico presenta una gran variedad de movimientos estilísticos que dependen del momento y el área, y también el trasfondo cultural y artístico de los promotores y los artistas. En general, en las artes figurativas, las formas tendían a distorsionarse en comparación con las formas naturales, hacia una dependencia de los patrones geométricos, la abstracción y una cierta rigidez. Pero también se podrían proporcionar soluciones, basadas en una cierta expresividad y dinamismo, o en otras inspiradas en el arte de la antigüedad.

Otra característica del románico es la vivacidad de los colores. La densidad de los pliegues y contornos limpiamente definidos en los cuerpos sin ninguna referencia a la tercera dimensión. Alrededor del año 1200, sin embargo, el arte sufrió una fuerte renovación, como por ejemplo el moldeado de los cuerpos, con más volumen, un tratamiento más similar al movimiento y los gestos, y de rostros más expresivos.

En cuanto a la escultura, se recuperó la sensación de moldura, que buscaba contrastes de luces y sombras en la piedra. La contribución de la antigüedad es especialmente visible en algunos conjuntos inspirados en los antiguos sarcófagos romanos (esta contribución es especialmente significativa en la famosa obra de Mestre de Cabestany), y también en los capitolios de tipo corintio. Se puede ver de esta manera en los capitols de Besalú, con un esquema basado en dos o tres hileras de hojas de acanto y en las bóvedas desarrolladas en ángulos. Junto a esta atención a los temas vegetales, también se desarrollaron representaciones figurativas, como se puede ver en los pilares de Sant Miquel de Camarasa.

El marco histórico del arte románico.
El arte románico responde a un contexto histórico específico, marcado por las condiciones favorables que se produjeron a partir de mediados del siglo X en adelante, cuando Europa occidental se recuperó gradualmente después de un período de inestabilidad. Esto resultó en mejoras en las técnicas agrícolas, en un aumento demográfico, en la revitalización del comercio y en una mejor comunicación. Fue el período del feudalismo, basado en una estructura social muy jerárquica.

La Iglesia participó en esta estructura, desde el principio como defensora de los valores espirituales. Desde el papado en Roma se emprendió una profunda reforma, conocida como la Reforma Gregoriana, con el objetivo de luchar contra la relajación moral del clero y también con el objetivo de fortalecer la independencia de la Iglesia con respecto al poder secular. Este ambiente de renovación resultó en una impresionante política de construcción, que promovió la construcción de nuevos edificios y la renovación de otros ya existentes.

El interés por la Tierra Santa (Jerusalén, Belén, etc.), donde vivió Jesucristo, y por los centros que poseían las reliquias de los santos más preciados (especialmente Roma y Santiago de Compostela), condujo al desarrollo de una serie de formas de comunicación para las peregrinaciones, que contribuyeron a la internacionalización del arte. La circulación del conocimiento condujo a la llegada al oeste de la influencia del arte bizantino, tanto en forma de pinturas como de esculturas. Las cruzadas, expediciones cristianas para liberar a Tierra Santa de los musulmanes, que comenzaron a fines del siglo XI, también favorecieron la intensificación de los contactos. La relación con el mundo islámico también trajo consigo un gran enriquecimiento en los campos cultural y artístico.

Los promotores y los artistas.
La iniciativa de las construcciones fue llevada a cabo principalmente por los condes y las autoridades de la iglesia, y la nobleza, que financiaron principalmente a través de donaciones. Un buen ejemplo de esto son las pinturas del ábside de la iglesia del monasterio de Santa María del Burgal, en el que, además de los personajes bíblicos, hay una representación del promotor y la familia del conde: la condesa Llúcia, esposa del conde Arnau I de Pallars Sobirà. Ella aparece con una actitud de ofrenda, con respeto, de acuerdo con el momento solemne de la ofrenda.

El portal monumental de Ripoll es otro buen ejemplo de la importancia de los promotores. Su extenso programa escultórico puede tener un sentido más allá del estrictamente religioso para evocar la consagración de la iglesia por el abad Oliba, en 1032, que fue un emprendedor de una importante actividad de construcción que es evidente en la importancia de Ripoll como centro monástico internacional. Relevancia.

El arquitecto o el maestro de obras, junto con los talleres o escultores y pintores, trabajaron de acuerdo con la iniciativa del promotor y siguiendo un programa definido, aportando su capacidad para llevar a cabo el proyecto y su dominio técnico. Los artistas hicieron su trabajo basándose en modelos establecidos, a pesar de que también era necesario aceptar algunos márgenes de creatividad. Además, se sabe que algunos de ellos se integraron en las comunidades. A diferencia de los tiempos más recientes, es más fácil conocer los nombres de los promotores y no los de los artistas, una situación que no cambiaría hasta el arte gótico.

Uno de los pocos cuyo nombre conocemos en Cataluña fue el escultor Arnau Cadell, quien se representó esculpiendo un capitolio en el claustro de Sant Cugat del Vallès. Más adelante, hasta bien entrado el siglo XIII, el frontal aragonés de Gia contiene una inscripción con el nombre del autor, Joan, un gesto que debe interpretarse como un signo de autoafirmación y orgullo.

Los historiadores del arte usan el término maestro para designar al autor de una obra o serie de obras relacionadas estilísticamente. La naturaleza misma de las obras determinó que los arquitectos, escultores de piedra y pintores murales tuvieran que viajar, trabajando de un lugar a otro, atendiendo las comisiones que recibían. Pero también hubo talleres estables, como se sabe por la producción de esmaltes que vinieron de Limoges.

Estos estudios, talleres y grupos artísticos itinerantes estaban ubicados cerca de los asientos más importantes de las diócesis y las principales abadías, que eran sus principales clientes. No sabemos casi nada sobre los talleres que trabajaron en Cataluña en el período románico. Solo, y como hipótesis, se habla de la existencia de un taller basado en afinidades estilísticas o técnicas en diversas obras. En Cataluña se habló de supuestos talleres como los de Ripoll, la Seu d’Urgell, Vic o Girona.

El arte románico en Cataluña y su relación con el arte europeo.
En los condados catalanes, el arte románico se manifestó desde principios del siglo XI y duró hasta bien entrado el siglo XIII. En la arquitectura y en el arte pertenecía a los principales centros europeos, especialmente los de Italia y el Languedoc, de tal manera que las influencias externas fueron determinantes para las sucesivas transformaciones.

Al principio, los centros artísticos más importantes reflejaban la continuidad con respecto al siglo X, marcada por la tradición carolingia, como se puede ver en la iglesia del monasterio de Sant Pere de Rodes. Durante la mayor parte del siglo XI, la arquitectura presentó soluciones derivadas del fin del mundo antiguo y de Italia, que también se utilizaron en gran parte del Mediterráneo occidental. El ejemplo más importante, entre los conservados, es el de Sant Vicenç de Cardona. Y no hay que olvidar la ilustración de manuscritos como los del monasterio de Ripoll.

La pintura, especialmente alrededor de 1100, presentaba diferentes tendencias, algunas marcadas por las influencias italianas y otras más estrechamente vinculadas a los centros artísticos franceses. Fue en esos momentos que un pintor extraordinario estaba trabajando en Sant Climent de Taüll, la iglesia consagrada en 1123.

La contribución de los movimientos y talleres del exterior sería una constante que alimentaría las transformaciones arquitectónicas y artísticas también entre la segunda mitad del siglo XII y alrededor de 1200. Las influencias que llegaron de Toulouse del Languedoc serían la base más importante de la escultura de mediados del siglo XII. Alrededor de 1200, una profunda renovación, claramente fomentada por la aristocracia y los tribunales, representó la incorporación en Cataluña de las tendencias bizantinas. En algunos casos, las manifestaciones reflejaron las últimas tendencias de la época que conducirían al gótico, en una etapa posterior.

El románico en contexto: dónde, cuándo y cómo
El término románico fue adoptado en el siglo XIX para designar algunos movimientos artísticos que se consideraban en deuda con el arte romano de la antigüedad, especialmente en términos de arquitectura. Desde entonces, esta palabra se ha aplicado, pero debe tenerse en cuenta que el arte que se desarrolló en el corazón de la Edad Media, fundamentalmente durante los siglos XI y XII, presentaba una amplia variedad de tendencias.

En sus inicios estuvo vinculado con el mundo carolingio (desde las últimas décadas del siglo VIII hasta el siglo IX) y con el mundo ottoniano (desde mediados del siglo X hasta el primer tercio del siglo XIII), mientras que en el Al final coexistió con las primeras manifestaciones del arte gótico, que surgieron aproximadamente desde 1140 en adelante.

Geográficamente, constituye una parte muy importante de Europa, especialmente el sur y el oeste, desde Escandinavia hasta el Mediterráneo, aunque también se introdujo en Tierra Santa. El románico es el primer arte medieval occidental que debía lograr homogeneidad e internacionalización, a pesar de que presentaba numerosas variaciones regionales.

El componente simbólico.
El arte románico está marcado por el simbolismo, de tal manera que los episodios y los personajes deben interpretarse de acuerdo con su valor simbólico, más que con su narración. El repertorio temático se basa fundamentalmente en la Biblia y en la vida de los santos.

Los temas seleccionados y su ubicación dentro de la iglesia responden a varios objetivos. En primer lugar, un sentido didáctico con una visión de los fieles, a quienes era necesario ilustrar los aspectos esenciales de la religión: las imágenes son la Biblia de los analfabetos. A menudo, los temas aparecen como una advertencia de los peligros de caer en el pecado, o como una imagen de la lucha entre el bien y el mal. La adoración y la liturgia también influyen en la organización de los temas, ya que son un reflejo de las ceremonias y eventos que pueden tener lugar dentro o fuera de las iglesias. En algunos casos, también se puede observar un sentido político, entendido como una referencia a la demostración de poder o como una referencia a los gobernantes.

Pero detrás del simbolismo más inmediato de las escenas, también hay otros niveles de interpretación que no siempre estuvieron al alcance de los espectadores. Algunos temas son difíciles de interpretar o aparecen en puntos alejados del ojo del espectador.

La técnica de la pintura mural. Desmontaje, traslado y llegada al museo.
La parte más importante de la colección de pintura mural del museo se reunió en una operación realizada entre 1919 y 1923. Se descubrió que las pinturas románicas de la iglesia de Santa Maria de Mur, en el Pallars Jussà, habían sido Vendido y quitado de la pared. Por lo tanto, se consideró que el resto de la pintura mural románica catalana estaba en riesgo. La acción decisiva de la Junta de Museos y Joaquim Folch i Torres, el director del museo en ese momento, cambió la situación. Entre el otoño de 1919 y 1923, se adquirieron las pinturas, se retiraron de su soporte original, las paredes de las iglesias, y se transfirieron a Barcelona, ​​donde se fijaron a otro soporte y se prepararon para exhibirse en el museo. .

Casi todas las pinturas murales románicas del museo se eliminaron de las paredes utilizando la técnica Strappo, es decir, solo se extrajo la capa pictórica, dejando el revestimiento de yeso en la pared original.

En el proceso técnico de pintar en una pared al aire libre, los pigmentos se aplican en la pared sobre una capa de mortero que todavía está húmeda. Cuando el mortero se seca, los pigmentos se cristalizan junto con el mortero mismo.

En Cataluña, los pigmentos más utilizados en el período románico fueron las tierras naturales de los Pirineos: hematitas para el rojo o aerinita para el azul. En casos excepcionales se utilizaron los importados, como lapislázuli o azurita para azul.

Museo Nacional de Arte de Cataluña
El Museo Nacional de Arte de Cataluña, también conocido por sus siglas MNAC, es un museo de arte en la ciudad de Barcelona que reúne todas las artes cuya misión es preservar y exhibir la colección del mundo más importante del arte catalán, mostrando todo desde el románico hasta el presente. Su actual director es Josep Serra.

El MNAC es un consorcio con personalidad jurídica propia constituido por la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y la Administración General del Estado. Además de las administraciones públicas, los individuos y las entidades privadas que colaboran con la administración están representados en el consejo de administración del museo.

La sede principal se encuentra en el Palacio Nacional de Montjuïc, inaugurado en 1929 con motivo de la Exposición Internacional. Otras tres instituciones también forman parte del museo en su conjunto: la Biblioteca del Museo Víctor Balaguer en Vilanova i la Geltrú, el Museo Garrotxa en Olot y el Museo Cau Ferrat en Sitges, cuya gestión es independiente y su propiedad se basa en los respectivos consejos .