La Collection d’art roman est l’une des plus importantes et emblématiques du Musée pour sa série exceptionnelle d’ensembles de peintures murales. En fait, son caractère unique est inégalé dans aucun autre musée au monde. Beaucoup de ces peintures, provenant de petites églises rurales des Pyrénées et d’autres parties de la vieille Catalogne, étaient connues et appréciées dès les premières années du XXe siècle, en particulier après l’expédition pyrénéenne (1907) d’une mission de l’Institut d’Estudis Catalans. , qui a ensuite publié Les peintures murales catalanes. Des années plus tard, on a découvert qu’un groupe de financiers et d’antiquaires étrangers avait acheté la plupart des tableaux en vrac aux États-Unis. Bien qu’à cette époque, il n’existait pas en Espagne de loi interdisant l’expatriation des œuvres d’art, le Conseil des musées a mené une opération efficace de sauvetage, déracinement et transfert au Musée de Barcelone (1919-1923), puis au parc de la Ciutadella, pour protéger ce patrimoine roman, un art d’unicité totale qui a été considéré comme un symbole de la naissance et de la formation de la Catalogne.

Le parcours des salles d’art roman est fondamentalement chronologique et stylistique, et montre les différentes tendances artistiques de l’art roman en Catalogne, avec des œuvres qui appartiennent essentiellement aux XIe, XIIe et XIIIe siècles.

L’itinéraire commence par les peintures murales de Sant Joan de Boí, proches de la tradition franco-carolingienne, et se poursuit par les ensembles d’influence italienne qui dominent la scène picturale depuis la fin du XIe siècle, sans doute liés à l’élan de Réforme grégorienne, avec des exemples tels que les peintures murales de Sant Quirze de Pedret, Santa Maria d’Àneu ou Sant Pere del Burgal.

L’un des chefs-d’œuvre de la collection est les peintures de l’abside de Sant Climent de Taüll, avec le célèbre Pantocrator ou Christ en majesté, le chef-d’œuvre incontesté du XIIe siècle, et un test tangible du pouvoir créatif de la peinture catalane. c’est l’ensemble de Santa Maria de Taüll, l’exemple le plus important d’un intérieur d’église romane entièrement peint qui a conservé une grande partie de cette décoration.

La fin de la visite se concentre sur les peintures de San Pedro de Arlanza et celles de la salle capitulaire de Sixena. En ce qui concerne ce dernier, il s’agit de l’un des plus beaux tableaux du style du renouveau de 1200 en Europe et est conservé au Musée après le grave incendie qui a souffert en 1936, pendant la guerre civile.

La visite montre également d’autres techniques qui distinguent l’art catalan, comme la peinture sur bois ou la sculpture sur bois, et d’autres qui complètent la vision esthétique de l’art roman, comme l’orfèvrerie ou la sculpture sur pierre.

La collection de peinture sur table, unique en Europe, est également une section unique de la peinture romane, à la fois en termes de quantité et d’antiquité des œuvres catalanes qui sont préservées – également le résultat de l’intérêt romain pour l’art roman de la fin de la XIXe siècle – quant à la qualité et la diversité technique qu’ils montrent. Des frontières comme les soi-disant Apôtres ou La Seu d’Urgell, celles d’Alós d’Isil, d’Avià ou de Cardet peuvent être considérées comme les paradigmes d’une technique picturale originale et d’un grand intérêt artistique. D’autre part, la collection de sculptures sur bois offre une vue large et complète de l’art roman, avec des œuvres exceptionnelles dans divers types tels que la Vierge d’Allemagne, le Majestic Batlló ou les sculptures de la descente d’Erill la Vall.

Il convient également de mentionner les exemples de sculpture sur pierre, parmi lesquels quelques pièces de Ripoll et un grand groupe d’œuvres de toute la ville de Barcelone, avec les chapiteaux en marbre raffiné de l’ancien hôpital. Saint-Nicolas. Enfin, la collection comprend un échantillon important d’émaux, principalement produits à Limoges, comme la tige Mondoñedo.

Entre décembre 2010 et juin 2011, les salles de la collection romane ont été fermées en raison de l’entretien et de la rénovation du discours du musée. Pendant ce temps, l’éclairage, les conditions de conservation préventive, ainsi que les parties les plus usées de la chaussée ont été améliorées. Ils ont été rouverts le 29 juin 2011, dans un acte présenté par Narcís Serra.

L’architecture comme cadre des arts
Au cours des XIe, XIIe et XIIIe siècles, les constructions civiles et militaires telles que palais et fortifications ont pris une importance majeure. Il y a peu de vestiges qui sont conservés si nous les comparons avec des types d’œuvres religieuses, c’est pourquoi une grande partie des connaissances que nous avons aujourd’hui sur l’architecture et l’art de l’époque romane sont liées aux églises, ainsi qu’aux ensembles cathédrale et monastique.

Pour comprendre le sens de la plupart des œuvres romanes, il faut tenir compte du fait que l’édifice est le cadre du reste de la production. L’espace intérieur s’adapte aux besoins liturgiques de chaque centre, et est donc hiérarchique. L’un des points les plus pertinents est l’autel et ses environs, le presbytère, où se déroule l’acte essentiel de la messe: l’Eucharistie. La forme la plus courante de l’autel est la mensa ou la table, avec un revêtement qui peut être soit des serviettes, soit des panneaux peints ou des sculptures, ou peut être recouvert de métaux précieux tels que l’or ou l’argent. La plupart des objets ou œuvres sont destinés à cet espace (baldaquins, frontispices d’autel, images, etc.). Dans l’ensemble, l’abside, qui préside le presbytère et l’autel, est généralement le lieu de l’église où se trouve la représentation picturale la plus importante, avec une théophanie ou représentation de la divinité au centre.

L’église de Santa Maria de Taüll est l’exemple le plus complet conservé de la décoration picturale d’un intérieur roman. Vous pouvez trouver sur la voûte de l’abside l’Épiphanie ou l’adoration des Rois, avec la Mère de Dieu comme trône pour l’enfant Jésus. Cet ensemble est complété par des scènes du procès final et d’autres histoires bibliques sur les murs, ainsi que sur les colonnes et les arcs de séparation des nefs. Les différences stylistiques mettent en évidence la main de deux maîtres, celui qui a peint l’abside et l’auteur du Procès Final.

L’intérieur d’un bâtiment roman était beaucoup plus somptueux qu’on ne peut l’imaginer à partir des vestiges d’aujourd’hui. Il est nécessaire d’inclure les objets destinés au culte, des images aux gobelets sacrés utilisés autour de l’autel. Dans ces cas, la production était très variée en termes de matériaux et de techniques, mais il convient de souligner les ateliers des orfèvres et orfèvres spécialisés dans le travail de l’or, de l’argent et de l’émail.

À l’extérieur des bâtiments, il y a une décoration sculpturale et picturale dans les points les plus remarquables qui sont autour des portes et des cloîtres, ainsi que dans le mobilier liturgique ou celui utilisé à des fins funéraires. Un exemple paradigmatique de décoration sculpturale se trouve sur le portail monumental de Santa Maria de Ripoll.

Aspects formels
Malgré son internationalisation, l’art roman présente une grande variété de mouvements stylistiques qui dépendent du moment et de la région, mais aussi du contexte culturel et artistique des promoteurs et des artistes. De manière générale, dans les arts figuratifs, les formes ont tendance à être déformées par rapport aux formes naturelles, vers une dépendance aux motifs géométriques, l’abstraction et une certaine rigidité. Mais des solutions pourraient aussi être apportées, basées sur une certaine expressivité et dynamisme, ou d’autres inspirées de l’art de l’antiquité.

Une autre caractéristique du roman est la vivacité des couleurs. La densité des plis et des contours clairement définis dans les corps sans aucune référence à la troisième dimension. Vers l’an 1200, cependant, l’art subit une forte rénovation, comme par exemple le moulage des corps, avec plus de volume, un traitement plus proche du mouvement et des gestes, et des visages plus expressifs.

En ce qui concerne la sculpture, le sens du moulage a été récupéré, qui a recherché des contrastes de lumière et d’ombre dans la pierre. La contribution de l’Antiquité est particulièrement visible dans certains ensembles inspirés des anciens sarcophages romains (cette contribution est particulièrement importante dans le célèbre travail de Mestre de Cabestany), ainsi que dans les capitoles de type corinthien. On peut le voir ainsi dans les capitales de Besalú, avec un schéma basé sur deux ou trois rangées de feuilles d’acanthe et dans les voûtes développées en angles. Parallèlement à cette attention aux thèmes végétaux, des représentations figuratives ont également été développées, comme en témoignent les piliers de Sant Miquel de Camarasa.

Le cadre historique de l’art roman
L’art roman répond à un contexte historique spécifique, marqué par les conditions favorables qui se sont produites à partir du milieu du Xe siècle, lorsque l’Europe occidentale s’est progressivement rétablie après une période d’instabilité. Cela s’est traduit par des améliorations des techniques agricoles, une augmentation démographique, une revitalisation du commerce et une amélioration des communications. C’était l’époque du féodalisme, basé sur une structure sociale très hiérarchisée.

L’Église a participé à cette structure, dès le départ en tant que défenseur des valeurs spirituelles. Depuis la papauté à Rome, une profonde réforme a été entreprise, connue sous le nom de Réforme grégorienne, dans le but de lutter contre l’assouplissement moral du clergé et visant également à renforcer l’indépendance de l’Église par rapport au pouvoir séculier. Cet environnement de rénovation s’est traduit par une politique de construction impressionnante, qui a favorisé la construction de nouveaux bâtiments et la rénovation d’autres déjà existants.

L’intérêt pour la Terre Sainte (Jérusalem, Bethléem, etc.), où Jésus-Christ avait vécu, et pour les centres qui possédaient les reliques des saints les plus précieux (en particulier Rome et Saint Jacques de Compostelle), a conduit au développement d’une série de voies de communication pour les pèlerinages, qui ont contribué à l’internationalisation de l’art. La circulation des connaissances a conduit à l’arrivée en Occident de l’influence de l’art byzantin, tant sous forme de peintures que de sculptures. Les croisades, expéditions chrétiennes pour libérer la Terre Sainte des musulmans, qui ont commencé à la fin du XIe siècle, ont également favorisé l’intensification des contacts. La relation avec le monde islamique a également apporté un grand enrichissement dans les domaines culturel et artistique.

Les promoteurs et les artistes
L’initiative des constructions a été principalement réalisée par les comtes et les autorités ecclésiastiques et la noblesse, qu’ils ont financée principalement par des dons. Un bon exemple de cela est les peintures de l’abside de l’église du monastère de Santa Maria del Burgal, dans lesquelles, en plus des personnages bibliques, il y a une représentation du promoteur et de la famille du comte: la comtesse Llúcia, épouse du comte Arnau I de Pallars Sobirà. Elle apparaît avec une attitude d’offrande, d’apparence respectueuse, en accord avec le moment solennel de l’offrande.

Le portail monumental de Ripoll est un autre bon exemple de l’importance des promoteurs. Son vaste programme sculptural peut avoir un sens au-delà de celui strictement religieux pour évoquer la consécration de l’église par l’abbé Oliba, en 1032, qui était un entrepreneur de grande activité de construction qui est évident dans l’importance de Ripoll en tant que centre monastique de l’international pertinence.

L’architecte ou le maître d’oeuvre, ainsi que les ateliers ou sculpteurs et peintres, ont travaillé à l’initiative du promoteur et suivant un programme défini, en apportant leur capacité à réaliser le projet et leur maîtrise technique. Les artistes ont fait leur travail sur la base de modèles établis, malgré le fait qu’il fallait aussi accepter certaines marges de créativité. Par ailleurs, on sait que certains d’entre eux ont été intégrés dans les communautés. Contrairement à une époque plus récente, il est plus facile de connaître les noms des promoteurs et non ceux des artistes, une situation qui ne changera pas avant l’art gothique.

L’un des rares dont nous connaissons le nom en Catalogne était le sculpteur Arnau Cadell, qui s’est représenté en sculptant un chapiteau dans le cloître de Sant Cugat del Vallès. Plus tard, bien au XIIIe siècle, le fronton aragonais de Gia contient une inscription avec le nom de l’auteur, Joan, un geste qui doit être interprété comme un signe d’affirmation de soi et de fierté.

Les historiens de l’art utilisent le terme maître pour désigner l’auteur d’une œuvre ou d’une série d’œuvres stylistiquement liées. La nature même des œuvres a déterminé que les architectes, sculpteurs sur pierre et peintres muraux devaient se déplacer, travailler d’un endroit à l’autre, assister aux commandes qu’ils recevaient. Mais il y avait aussi des ateliers stables, comme on le sait grâce à la production d’émaux venus de Limoges.

Ces ateliers, ateliers et groupes artistiques itinérants étaient situés à proximité des sièges les plus importants des diocèses et des grandes abbayes, qui étaient leurs principaux clients. Nous ne savons presque rien des ateliers qui ont fonctionné en Catalogne à l’époque romane. Seulement, et à titre d’hypothèse, l’existence est évoquée d’un atelier basé sur des affinités stylistiques ou des techniques dans divers travaux. En Catalogne, on parlait d’ateliers supposés comme ceux de Ripoll, de la Seu d’Urgell, de Vic ou de Gérone.

L’art roman en Catalogne et sa relation avec l’art européen
Dans les comtés catalans, l’art roman s’est manifesté dès le début du XIe siècle et a perduré jusqu’au XIIIe siècle. Dans l’architecture et dans l’art, elle appartenait aux grands centres européens, notamment ceux de l’Italie et du Languedoc, de telle sorte que les influences extérieures étaient déterminantes pour les transformations successives.

Au début, les centres artistiques les plus importants reflétaient la continuité par rapport au Xe siècle, marquée par la tradition carolingienne, comme on peut le voir dans l’église du monastère de Sant Pere de Rodes. Pendant la majeure partie du XIe siècle, l’architecture a présenté des solutions dérivées de la fin du monde antique et de l’Italie, qui étaient également utilisées dans une grande partie de la Méditerranée occidentale. L’exemple le plus important, parmi ceux conservés, est celui de Sant Vicenç de Cardona. Et il ne faut pas oublier l’illustration de manuscrits comme ceux du monastère de Ripoll.

La peinture, notamment vers 1100, présente différentes tendances, certaines marquées par les influences italiennes, d’autres plus étroitement liées aux centres artistiques français. C’est à ces moments-là qu’un peintre extraordinaire travaillait à Sant Climent de Taüll, l’église consacrée en 1123.

L’apport de mouvements et d’ateliers étrangers serait une constante qui nourrirait également les transformations architecturales et artistiques entre la seconde moitié du XIIe siècle et vers 1200. Les influences arrivées de Toulouse du Languedoc seraient la base la plus significative de la sculpture de milieu du XIIe siècle. Vers 1200, une profonde rénovation, clairement favorisée par l’aristocratie et les tribunaux, représente l’incorporation en Catalogne des tendances byzantines. Dans certains cas, les manifestations reflétaient les dernières tendances de l’époque qui conduiraient au gothique, à un stade ultérieur.

Le roman en contexte: où, quand et comment
Le terme roman a été adopté au XIXe siècle pour désigner certains mouvements artistiques considérés comme redevables à l’art romain de l’Antiquité, notamment en termes d’architecture. Depuis lors, ce mot a été appliqué, mais il faut tenir compte du fait que l’art qui s’est développé au cœur du moyen âge, fondamentalement au cours des XIe et XIIe siècles, présentait une grande variété de tendances.

À ses débuts, il était lié au monde carolingien (des dernières décennies du VIIIe siècle au IXe siècle) et au monde ottonien (du milieu du Xe siècle au premier tiers du XIIIe siècle), tandis qu’au il coexista avec les premières manifestations de l’art gothique, qui émergèrent approximativement à partir de 1140.

Géographiquement, il constitue une partie très importante de l’Europe, en particulier le sud et l’ouest, de la Scandinavie à la Méditerranée, bien qu’il ait également été introduit en Terre Sainte. Le roman est le premier art médiéval occidental à atteindre l’homogénéité et l’internationalisation, même s’il présente de nombreuses variations régionales.

La composante symbolique
L’art roman est marqué par le symbolisme, de telle sorte que les épisodes et les personnages doivent être interprétés selon leur valeur symbolique, plus que leur récit. Le répertoire thématique est fondamentalement basé sur la Bible et la vie des saints.

Les thèmes choisis et leur emplacement au sein de l’église répondent à différents objectifs. Tout d’abord, un sens didactique en vue des fidèles, à qui il fallait illustrer les aspects essentiels de la religion: les images sont la Bible des analphabètes. Souvent, les thèmes apparaissent comme un avertissement des dangers de tomber dans le péché, ou comme une image de la lutte entre le bien et le mal. Le culte et la liturgie influencent également l’organisation des thèmes, en ce sens qu’ils sont le reflet des cérémonies et des événements qui peuvent avoir lieu à l’intérieur ou à l’extérieur des églises. Dans certains cas, un sens politique peut également être observé, compris comme une référence à la démonstration du pouvoir ou comme une référence aux dirigeants.

Mais derrière le symbolisme le plus immédiat des scènes, il y a aussi d’autres niveaux d’interprétation qui n’étaient pas toujours à la portée des spectateurs. Certains sujets sont difficiles à interpréter ou apparaissent à des endroits éloignés de l’œil du spectateur.

La technique de la peinture murale. Dépose, transfert et arrivée au musée
La partie la plus importante de la collection de peinture murale du musée a été réunie dans une opération réalisée entre 1919 et 1923. Il avait été découvert que les peintures romanes de l’église de Santa Maria de Mur, dans le Pallars Jussà, avaient été vendu et retiré du mur. Il a donc été considéré que le reste de la peinture murale romane catalane était en danger. L’action décisive du Conseil des musées et de Joaquim Folch i Torres, alors directeur du musée, a inversé la donne. Entre l’automne 1919 et 1923, les peintures ont été acquises, elles ont été retirées de leur support d’origine, les murs des églises, et elles ont été transférées à Barcelone, où elles ont été fixées sur un autre support et préparées pour être exposées au musée .

Presque toutes les peintures murales romanes du musée ont été retirées des murs en utilisant la technique Strappo, c’est-à-dire que seule la couche picturale est extraite, laissant le revêtement de plâtre sur le mur d’origine.

Dans le processus technique de peinture sur un mur en plein air, les pigments sont appliqués sur le mur sur une couche de mortier encore humide. Lorsque le mortier sèche, les pigments cristallisent avec le mortier lui-même.

En Catalogne, les pigments les plus utilisés à l’époque romane étaient les terres naturelles des Pyrénées: hématites pour le rouge ou aérinite pour le bleu. Dans des cas exceptionnels, ceux importés ont été utilisés, comme le lapis-lazuli ou l’azurite pour le bleu.

Musée national d’art de Catalogne
Le Musée National d’Art de Catalogne, également connu sous son acronyme MNAC, est un musée d’art de la ville de Barcelone qui rassemble tous les arts dont la mission est de préserver et d’exposer la collection du monde le plus important de l’art catalan, montrant tout du roman à nos jours. Son directeur actuel est Josep Serra.

Le MNAC est un consortium doté de sa propre personnalité juridique, constitué par la Generalitat de Catalunya, la mairie de Barcelone et l’administration générale de l’État. En plus des administrations publiques, des individus et des entités privées collaborant avec l’administration sont représentés au conseil d’administration du musée.

Le siège principal est situé dans le Palais national de Montjuïc, ouvert en 1929 à l’occasion de l’Exposition internationale. Trois autres institutions font également partie du musée dans son ensemble: la bibliothèque du musée Víctor Balaguer à Vilanova i la Geltrú, le musée Garrotxa à Olot et le musée Cau Ferrat à Sitges, dont la gestion est indépendante et sa propriété est basée sur les conseils respectifs .