Neo-Dada foi um movimento com manifestações audiovisuais e literárias que tinham semelhanças de método ou intenção com a obra de Dada anterior. Nos Estados Unidos, o termo foi popularizado por Barbara Rose na década de 1960 e refere-se principalmente, embora não exclusivamente, ao trabalho criado naquela e na década anterior. Havia também uma dimensão internacional para o movimento, particularmente no Japão e na Europa, servindo como base para Fluxus, Pop Art e Nouveau réalisme.

Neo-Dada foi exemplificado pelo uso de materiais modernos, imagens populares e contraste absurdo. Foi uma reação ao emocionalismo pessoal do Expressionismo Abstrato e, tomando a dianteira na prática de Marcel Duchamp e Kurt Schwitters, negou os conceitos tradicionais de estética.

O termo Neo-Dadaism inclui uma combinação das tendências iniciais da American Pop Art para lidar com o mundo do consumismo, bem como as tentativas do Nouveau Réalisme francês de combinar arte e vida trazendo materiais da vida cotidiana para suas vidas. e tentou criar uma “referência sociológica” em suas obras. Uma expressão especial do esforço para harmonizar arte e vida é a encenação da realidade na arte de ação. Especialmente no desenvolvimento desta forma de arte, houve uma cooperação parcial entre os artistas de ambos os continentes.

O neodadá pavimenta os caminhos que levam à arte pop; artistas cuja percepção faz uma arte diferente e oposta ao expressionismo abstrato, embora sem ser uma arte fria e despersonalizada como o pop de Andy Warhol; o neodadá continua os princípios do surrealismo, mas levado a outra escala, a outro nível e linguagem artística.

Os artistas mais representativos deste movimento são:

Robert Rauschenberg (nascido em 1925), com seus materiais mundanos como colchas antigas ou tecidos misturados com papéis que dão uma textura diferente e com nuances novas, um trabalho completamente diferente e muito singular. Rauschenberg recolhe os elementos que tem ao seu redor, como uma lata de cerveja ou uma garrafa de coca cola, um pneu, etc; bem como seu trabalho cujos elementos são uma cabra e um pneu, também como um jogo de composição.
Jasper Johns (nascido em 1930), o artista que usa encáustica, uma mistura de resina com cera virgem e pigmento, para dar texturas às suas obras de alvos e bandeiras.
O movimento neodadaísta inova com outros materiais, até então raros em um campo artístico; observe o trabalho de esculturas suaves de Claes Oldenburg, o principal precursor da pop art.

Claes Oldenburg “fabrica” ​​junk food com materiais como gesso ou gesso, mas vai evoluir para objetos gigantes em meio a grandes cidades americanas, como uma colher grande como uma ponte e em sua ponta contém uma imensa cereja vermelha.

Finalmente, com Joseph Beuys, a alegação de Neo-Dada de combinar arte e vida surgiu em um “conceito ampliado de arte” da escultura social. As formas de expressão mais desenvolvidas no Neo-Dada incluem Arte Objeto, Ambiente, Montagem, Combinar Pintura, Acontecendo, Fluxus.

Em 2002, o grupo Fondation Kroesus ocupou o Cabaret Voltaire vago em Zurique, Spiegelgasse 1, o berço do dadaísmo. Lá eles organizaram três meses de acontecimentos, concertos, palcos abertos, feiras de Dada, leituras, oficinas e festivais de Dada até a autorização da polícia.

Tendências
O interesse em Dada seguiu-se à sequência de publicações documentais, como The Dada Painters and Poets (1951) de Robert Motherwell e publicações em língua alemã de 1957 e posteriores, às quais alguns antigos dadaístas contribuíram. No entanto, vários dos dadaístas originais denunciaram o rótulo Neo-Dada, especialmente em suas manifestações nos EUA, alegando que o trabalho era derivado, em vez de fazer novas descobertas; que o prazer estético foi encontrado naquilo que eram originalmente protestos contra conceitos estéticos burgueses; e porque isso favorecia o comercialismo.

Muitos dos artistas que se identificaram com a tendência subseqüentemente mudaram-se para outras especialidades ou identificaram-se com diferentes movimentos artísticos e, em muitos casos, apenas certos aspectos de seus primeiros trabalhos podem ser identificados com ela. Por exemplo, Consacrazione dell’arte dell’uovo sodo (Consagração artística do ovo cozido, 1959) de Piero Manzoni, que ele assinou com uma marca de seu polegar, ou suas latas de merda (1961) cujo preço estava atrelado ao valor de seu peso em ouro, satirizando o conceito de criação pessoal do artista e a arte como mercadoria.

Uma abordagem aliada é encontrada na criação de colagens e montagens, como nas esculturas de lixo do americano Richard Stankiewicz, cujas obras criadas a partir da sucata foram comparadas com a prática de Schwitters. Esses objetos são “tão tratados que se tornam menos descartados do que os encontrados, os objets trouvés”. As máquinas fantásticas de Jean Tinguely, notoriamente a autodestrutora Homenagem a Nova York (1960), eram outra abordagem à subversão da mecânica.

Embora técnicas como colagem e montagem possam ter servido como inspiração, diferentes termos foram encontrados para os objetos produzidos, tanto nos EUA quanto na Europa. Robert Rauschenberg rotulado como “combina” obras como “Bed” (1955), que consistia em uma colcha e travesseiro emoldurados cobertos de tinta e montados na parede. Arman rotulou como “acumulações” suas coleções de dados e tampas de garrafas, e como “poubelles” o conteúdo de lixeiras envoltas em plástico. Daniel Spoerri criou “quadros de armadilha” (tableaux piège), dos quais o primeiro foi “Café da manhã de Kichka” (1960), e em que os restos de uma refeição foram colados ao tecido e montados na mesa afixada na parede.

Poemas
Na Holanda, os poetas associados à ‘revista para textos’, Barbarber (1958-71), particularmente J. Bernlef e K. Schippers, ampliaram o conceito do readymade para a poesia, descobrindo a sugestividade poética em itens cotidianos como um anúncio de jornal. sobre uma tartaruga perdida e uma folha de teste de máquina de escrever. Outro grupo de poetas holandeses se infiltrou na revista experimentalista belga Gard Sivik e começou a preenchê-lo com fragmentos aparentemente aparentemente inconseqüentes de conversas e demonstrações de procedimentos verbais. Os escritores incluíram CB Vaandrager (1935-92), Hans Verhagen e o artista Armando. Sobre essa abordagem, o crítico Hugo Brems comentou que “o papel do poeta nesse tipo de poesia não era discursar sobre a realidade, mas destacar fragmentos particulares dela que são normalmente percebidos como não-poéticos. Esses poetas não foram criadores de arte, mas descobridores ”.

A impessoalidade que tais artistas ambicionavam era mais bem expressa por Jan Schoonhoven (1914-94), o teórico do grupo de artistas holandeses Nul, ao qual Armando também pertencia: “Zero é, antes de tudo, uma nova concepção de realidade, na qual o o papel individual do artista é reduzido ao mínimo. O artista Zero meramente seleciona, isola partes da realidade (materiais e também idéias oriundas da realidade) e as exibe de maneira mais neutra. Evitar os sentimentos pessoais é essencial para Zero. ”Isto, por sua vez, liga-o a alguns aspectos da prática do Pop Art e do Nouveau Réaliste e sublinha a rejeição do Expressionismo.

Os primórdios da Poesia Concreta e da montagem de textos no Grupo Wiener também foram remetidos ao exemplo dos poemas de cartas de Raoul Hausmann. Tais técnicas também podem dever alguma coisa às experiências tipográficas de HN Werkman na Holanda, que foram expostas pela primeira vez no Museu Stedelijk em 1945.

Artistas ligados ao termo
Genpei Akasegawa
Joseph Beuys
Jaap Blonk
George Brecht
John Cage
John Chamberlain
Jim Dine
Dick Higgins
Kommissar Hjuler
Jasper Johns
Allan Kaprow
Yves Klein
Alison Knowles
George Maciunas
Piero Manzoni
Yoko Ono
Robin Page
Nam June Paik
Robert Rauschenberg
Ushio Shinohara
Wolf Vostell

Neo-Dada na Itália
Após a Segunda Guerra Mundial, na Itália, houve certo interesse na poética do objeto, mesmo dentro daquela arte informal denegrida por artistas pop. Basta pensar nos sacos que Alberto Burri usava em suas pinturas, nos fragmentos de pedras e vidro de Fontana, nas peças de ferro retrabalhadas nas criações de Ettore Colla e também nas colagens e montagens de Enrico Baj e Brajo Fuso.

No entanto, só graças aos artistas Pino Pascali e Piero Manzoni se pode falar de uma afirmação efetiva do neodadaismo italiano. Ao contrário dos artistas americanos, no entanto, neles se concentra toda a ironia do dadaísmo histórico, juntamente com o gosto pelo jogo. Em apoio a isso são as caixas de Merda d’artista (1961) por Piero Manzoni, com o qual ele se refere à transformação do trabalho artístico em bens de consumo, pronto para ser colocado nas prateleiras de um supermercado e vendido.

A arte é imediata e esgotável, como os ovos cozidos que Manzoni assina em 1959 com uma marca de seu polegar (consagração da arte do ovo cozido), ou os modelos que se tornam esculturas vivas, ou as linhas envoltas em cilindros de papelão e vendido de cada vez pelo medidor.

Se Manzoni pensa com um tom divertido na comercialização da arte e no papel do artista individual, Pascali, ao contrário, está convencido de que entre arte e brinquedo há uma complementaridade recíproca. Percebe como répteis em miniatura e dinossauros lona, ​​silk seda através de vassouras de plástico (Silkworms cerdas, 1968), tarântulas de acrílico e armas com sucata de metal. Mesmo suas pinturas, como Primo piano labbra (1964), passam por um processo de objetivação, fazendo com que pareçam grandes e misteriosos brinquedos.