네오 다다 (Neo-Dada)는 이전의 다다 (Dada) 작품과 방법이나 의도가 비슷한 오디오, 시각 및 문학적 표현이있는 운동이었습니다. 미국에서이 용어는 1960 년대 바바라 로즈 (Barbara Rose)에 의해 대중화되었으며, 독점적이지는 않지만 독점적으로, 그리고 지난 10 년 동안 창안 된 것을 일컫습니다. Fluxus, Pop Art 및 Nouveau réalisme의 기초 역할을하는 일본과 유럽에서 특히 운동에 대한 국제 차원이있었습니다.

네오 다다 (Neo-Dada)는 현대 재료, 인기있는 이미지 및 부조리 한 대조를 사용하여 그 예가되었습니다. 그것은 추상 표현주의의 개인 감정주의에 대한 반응이었고, Marcel Duchamp와 Kurt Schwitters의 관습을 이끌어 내면서 미학에 대한 전통적인 개념을 부인했습니다.

네오 다다이즘이라는 용어는 소비주의의 세계를 다루는 미국 팝 아트의 초기 경향과 일상 생활의 재료를 삶으로 가져옴으로써 예술과 삶을 결합시키는 프랑스 누보의 시도를 결합한 것입니다. 그들의 작품에서 “사회 학적 참고 문헌”을 만들려고 노력했다. 예술과 삶을 조화시키려는 노력의 특별한 표현은 행동 예술에서의 현실의 발판이다. 특히이 예술 형식의 개발에서 두 대륙의 예술가들간에 부분적인 협력이있었습니다.

neodadá는 팝 아트로 이어지는 길을 열어줍니다. 앤디 워홀 (Andy Warhol)의 팝과 같은 냉담하고 비 개인성이없는 예술이 아니더라도, 다른 예술을 만들고 추상적 표현주의에 반대하는 예술가; neodadá 초현실주의의 원칙을 계속하지만 또 다른 규모, 다른 수준과 예술적 언어로 이동합니다.

이 운동의 가장 대표적인 예술가는 다음과 같습니다.

로버트 Rauschenberg (1925 년생), 오래된 침대보 또는 직물과 같은 평범한 재료와 다른 질감과 새로운 뉘앙스와 완전히 다른 작업을주는 종이와 혼합. Rauschenberg는 맥주 또는 코카콜라 한 병, 타이어 등 캔 주위에있는 요소를 수집합니다. 그의 구성 요소는 염소와 타이어, 구성 적 게임이기도하다.
재스퍼 존스 (Jasper Johns, 1930 년생)는 불타는 왁스와 안료를 혼합 한 수지로 불타는 색소를 사용하여 표적과 깃발 작품에 질감을 부여합니다.
neodadaist 운동은 예술적 분야에서 지금까지 희소 한 다른 물자로 혁신한다; 팝 아트의 주요 선구자 인 클레 스 올덴 부르크 (Claes Oldenburg)의 부드러운 조각 작품에 주목하십시오.

Claes Oldenburg는 회 반죽이나 석고와 같은 재료로 간식을 “제조”하지만 다리와 같은 커다란 숟가락과 같은 거대한 미국 도시의 한가운데있는 거대한 물건으로 진화 할 것입니다.

마지막으로 조셉 보이스 (Joseph Beuys)와의 네오 다다 (Neo-Dada)의 예술과 삶의 결합에 대한 주장은 사회적 조각의 “예술의 확장 된 개념”에서 나타났습니다. 네오 다다에서 더욱 발전된 표현 형태로는 오브제 아트, 환경, 조립, 회화, 결실, 플럭서스가 있습니다.

2002 년 Fondation Kroesus 그룹은 Dadaism의 발상지 인 Spiegelgasse 1을 취리히의 빈 Cabaret Voltaire에서 점령했습니다. 그곳에서 경찰은 3 개월간의 사건, 콘서트, 공개 무대, 다다 페어, 독서, 워크샵, 다다 페스티벌을 조직했습니다.

트렌드
Dada에 대한 관심은 Robert Motherwell의 The Dada Painters and Poets (1951) 및 1957 년 이후의 독일 출판물과 같은 다큐멘터리 출간에 이어 이전 Dadaists가 기고 한 바있다. 그러나 원래의 다다 이스트들 중 몇몇은 네오 다다 (Neo-Dada)라는 레이블을 비난했다. 부르주아의 미적 개념에 항의하는 시위에서 미학적 쾌락이 발견되었다. 그리고 그것이 상업주의로 떠돌 았기 때문에.

추세로 확인 된 많은 예술가들은 다른 전문 분야로 옮겨 갔거나 다른 예술 운동으로 확인되었으며, 많은 경우 초기 작품의 특정 측면 만이 그 예술 작품으로 식별 될 수 있습니다. 예를 들어, Piero Manzoni의 Consacrazione dell’arte dell’uovo sodo (1951 년 하드 계란의 예술적 봉헌)는 그의 엄지의 흔적으로 서명했거나 그의 깡통 (1961)은 그의 가격이 예술가의 개인적 창작 개념과 상품으로서의 예술을 풍자적으로 채우는 황금 무게로

미국의 리차드 스탄 키비 츠 (Richard Stankiewicz)의 폐물 조각과 같이 콜라주와 조립품을 만드는 데서도 연관성이있다. 스크랩으로 만든 작품은 Schwitters의 관행과 비교된다. 이 물체는 “그렇게 취급되어서 발견 된 것보다 덜 버려 지도록 처리됩니다.”Jean Tinguely의 환상적인 기계, 악명 높은 뉴욕에 대한 경의 (Homage to New York, 1960)는 기계의 파괴에 대한 또 다른 접근법이었습니다.

콜라주 및 조립과 같은 기술이 영감을 얻었지만 미국 및 유럽에서 제작 된 개체의 용어가 다릅니다. 로버트 라우스 첸 베르크 (Robert Rauschenberg)는 벽에 걸린 페인트로 덮인 틀 이불과 베개로 구성된 “침대”(1955)와 같은 작품을 “결합”했다고 분류했습니다. Arman은 주사위와 병 꼭대기의 “축적 물”이라고 표시하고 쓰레기통의 내용물을 플라스틱으로 포장 한 “poubelles”로 표시했습니다. Daniel Spoerri는 “Snare pictures”(tableaux piège)를 만들었는데, 가장 초기의 것은 “Kichka ‘s Breakfast”(1960)이었고, 식사 잔재는 천에 붙어 벽에 부착 된 탁자 위에 올려 놓았다.

시
네덜란드에서는 ‘텍스트를위한 잡지’, Barbarber (1958-71), 특히 J. Bernlef와 K. Schippers와 관련된 시인들은 레디 메이드의 개념을 시로 확장하여 신문 광고와 같은 일상적인 항목에서 시적인 암시를 발견했습니다 잃어버린 거북이와 타자기 테스트 시트에 관한 이야기. 네덜란드 시인의 다른 그룹은 벨기에의 실험적 잡지 인 Gard Sivik에 침투 해 대화의 논리적 파편과 구두 절차의 시위로 가득 채우기 시작했다. 작가는 C.B. Vaandrager (1935-92), Hans Verhagen 및 예술가 Armando를 포함했습니다. 이 접근법에서 비평가 휴고 브 렘스 (Hugo Brems)는 “시의 이런 종류의 시인의 역할은 현실을 논하는 것이 아니라 일반적으로 비 시적인 것으로 인식되는 특정 단편을 강조하는 것이었다. 이 시인들은 예술을 창조 한 것이 아니라 발견 자들입니다. ”

그러한 예술가들이 열망 한 비 성실성은 아르만도가 속한 네덜란드 누 그룹의 이론가 인 얀 쉰 호벤 (Jan Schoonhoven, 1914 ~ 94)이 가장 잘 표현했다. “제로는 맨 처음 현실의 새로운 개념이며, 아티스트의 개인적인 역할은 최소한으로 유지됩니다. 제로 아티스트는 현실의 일부 (현실뿐 아니라 재료도 선택)를 선택하고 가장 중립적 인 방식으로 전시합니다. Zero에게는 개인적인 감정을 피하는 것이 필수적입니다. “이것은 Pop Art와 Nouveau Réaliste 연습의 일부 측면과 연결되어 표현주의의 거부를 강조합니다.

Wiener Gruppe의 Concrete Poetry와 텍스트 몽타주의 시작은 Raoul Hausmann의 편지시에 다시 언급되었습니다. 이러한 기술은 1945 년에 Stedelijk Museum에 처음 전시 된 H. N. Werkman의 네덜란드 인쇄술 실험에 빚을 지기도합니다.

용어와 연결된 아티스트
겐 페이 아카 세가와
조셉 보이스
야프 블론 크
조지 브레히트
존 케이지
존 체임벌린
짐 다인
딕 히긴스
코미 서르 쥴러
재스퍼 존스
앨런 카프로
이브 클라인
앨리슨 놀스
조지 마퀴 누스
피에로 만조 니
요코 오노
로빈 페이지
백남준
로버트 러센 베르그
Ushio Shinohara
늑대 보스텔

이탈리아의 네오 다다
2 차 세계 대전이 끝난 후, 이탈리아에서는 팝 아티스트가 폄하 한 비공식적 인 예술 속에서도 대상에 대한 시적인 관심이있었습니다. 알베르토 버리 (Alberto Burri)가 그의 그림에서 사용한 자루, 돌 조각과 폰타나 잔,에 토레 콜라 (Ettore Colla)의 작품에서 재가공 된 철 조각, 그리고 엔리코 바즈 (Enrico Baj)와 브라 조 후소 (Brajo Fuso)의 콜라주와 조립을 생각해보십시오.

그러나 예술가 피노 파스칼리 (Pino Pascali)와 피에로 만조 니 (Piero Manzoni) 덕분에 이탈리아 네오 다다이즘에 대한 효과적인 확인이 가능합니다. 그러나 미국의 예술가 들과는 달리, 역사적인 다다이즘의 모든 아이러니는 게임의 취향과 함께 집중되어 있습니다. 이를 지원하기 위해 피에로 만조 니 (Piero Manzoni)가 제작 한 Merda d’ artista (1961)의 상자가 있는데, 여기에는 미술 작품을 소비재로 변형하여 슈퍼마켓 선반에 놓고 판매 할 준비가되어있다.

1959 년 Manzoni가 엄지 손가락의 인쇄물 (단단한 삶아 알의 예술을 간직한 것)이나 살아있는 조각이되는 모형, 또는 실린더에 싸인 줄과 함께 Manzoni가 서명 한 단단한 계란과 같이 예술은 즉각적이고 다 써 버릴 수 있습니다. 마분지에서 한 번에 판매합니다.

Manzoni가 미술품의 상업화와 개별 예술가의 역할에 즐겁게 들리는 톤으로 생각한다면 Pascali는 미술과 놀이 사이에 상보적인 보완 관계가 있음을 확신합니다. 미니어처 파충류 및 공룡 캔버스, 플라스틱 빗자루 (Silkworms bristle, 1968)를 통한 누에 실크, 고철로 아크릴 및 무기의 타란툴라 성으로 실현하십시오. Primo piano labbra (1964)와 같은 그의 그림조차도 크고 신비스러운 장난감처럼 보이게 만드는 오브제의 과정을 거친다.