Neo-Dada

Neo-Dada era un movimento con manifestazioni audio, visive e letterarie che avevano somiglianze nel metodo o nell’intento con le precedenti opere d’arte di Dada. Negli Stati Uniti il ​​termine fu reso popolare da Barbara Rose negli anni ’60 e si riferisce principalmente, anche se non esclusivamente, al lavoro creato in questo e nel decennio precedente. C’era anche una dimensione internazionale del movimento, in particolare in Giappone e in Europa, che serviva da fondamento di Fluxus, Pop Art e Nouveau réalisme.

Neo-Dada è stato esemplificato dal suo uso di materiali moderni, immagini popolari e contrasto assurdo. È stata una reazione all’emotività personale dell’Espressionismo astratto e, prendendo spunto dalla pratica di Marcel Duchamp e Kurt Schwitters, ha negato i concetti tradizionali di estetica.

Il termine neo-dadaismo comprende una combinazione delle prime tendenze della Pop Art americana per affrontare il mondo del consumismo, così come i tentativi del Nouveau Réalisme francese di combinare arte e vita portando materiali della vita quotidiana nelle loro vite. Produzione artistica e ho cercato di creare un “riferimento sociologico” nelle loro opere. Un’espressione speciale dello sforzo di armonizzare l’arte e la vita è la messa in scena della realtà nell’arte d’azione. Soprattutto nello sviluppo di questa forma d’arte, c’è stata una parziale cooperazione tra gli artisti di entrambi i continenti.

Il neodadá spiana le strade che portano alla pop art; artisti la cui percezione fa un’arte diversa e contraria all’espressionismo astratto, sebbene senza essere un’arte fredda e spersonalizzata come il pop di Andy Warhol; il neodadá continua i principi del surrealismo, ma portato su un’altra scala, a un altro livello e al linguaggio artistico.

Gli artisti più rappresentativi di questo movimento sono:

Robert Rauschenberg (nato nel 1925), con i suoi materiali banali come vecchi copriletti o tessuti mescolati con carte che danno una trama diversa e con nuove sfumature, un lavoro completamente diverso molto singolare. Rauschenberg raccoglie gli elementi che ha intorno a sé, come una lattina di birra o una bottiglia di coca cola, una gomma, ecc; così come la sua opera i cui elementi sono una capra e una gomma, anche come gioco compositivo.
Jasper Johns (nato nel 1930), l’artista che usa l’encausto, una miscela di resina con cera vergine e pigmento, per dare consistenza alle sue opere di bersagli e bandiere.
Il movimento neodadaista innova con altri materiali, finora rari in campo artistico; si noti il ​​lavoro di sculture morbide di Claes Oldenburg, il principale precursore della pop art.

Claes Oldenburg “fabbrica” ​​cibo spazzatura con materiali come gesso o gesso, ma si evolverà in oggetti giganti in mezzo a grandi città americane, come un grande cucchiaio come un ponte e alla sua punta contiene un’immensa ciliegia rossa.

Infine, con Joseph Beuys, la pretesa di Neo-Dada di combinare arte e vita nasce in un “concetto espanso di arte” della scultura sociale. Le forme espressive sviluppate ulteriormente nel Neo-Dada comprendono Object Art, Environment, Assemblage, Combine Painting, Happening, Fluxus.

Nel 2002, il gruppo Fondation Kroesus occupava il vacante Cabaret Voltaire a Zurigo, Spiegelgasse 1, la città natale del dadaismo. Lì hanno organizzato tre mesi di happening, concerti, palchi aperti, fiere Dada, letture, workshop e festival di Dada fino allo sdoganamento della polizia.

tendenze
L’interesse per Dada è seguito alla pubblicazione di pubblicazioni documentarie, come The Dada Painters and Poets (1951) di Robert Motherwell e pubblicazioni in lingua tedesca del 1957 e successive, a cui hanno contribuito alcuni ex dadaisti. Tuttavia, molti dei dadaisti originali hanno denunciato l’etichetta Neo-Dada, in particolare nelle sue manifestazioni negli Stati Uniti, per il fatto che il lavoro era derivato piuttosto che fare nuove scoperte; quel piacere estetico fu trovato in quelle che erano originariamente proteste contro i concetti estetici borghesi; e perché ha assecondato il mercantilismo.

Molti degli artisti che si sono identificati con la tendenza si sono successivamente spostati su altre specialità o identificati con diversi movimenti artistici e in molti casi solo alcuni aspetti delle loro prime opere possono essere identificati con essa. Per esempio, la Consacrazione dell’arte dell’uovo sodo di Piero Manzoni (Consacrazione artistica dell’uovo sodo, 1959), che firmò con una impronta del pollice, o le sue lattine di merda (1961) il cui prezzo era ancorato al valore del loro peso in oro, satirizzando il concetto di creazione personale dell’artista e l’arte come merce.

Un approccio alleato si trova nella creazione di collage e assemblaggi, come nelle sculture spazzatura dell’americano Richard Stankiewicz, le cui opere create da scarti sono state confrontate con la pratica di Schwitters. Questi oggetti sono “trattati in modo tale da essere meno scartati di quelli trovati, objets trouvés”. Le fantastiche macchine di Jean Tinguely, notoriamente l’autodistruttiva Homage to New York (1960), erano un altro approccio alla sovversione della meccanica.

Sebbene tecniche come collage e assemblaggi possano essere servite come ispirazione, sono stati trovati termini diversi per gli oggetti prodotti, sia negli Stati Uniti che in Europa. Robert Rauschenberg etichettato come “combina” opere come “Bed” (1955), che consisteva in una trapunta incorniciata e un cuscino coperto di vernice e montato sul muro. Arman etichettava come “accumuli” le sue raccolte di dadi e tappi per bottiglie, e come “poubelles” il contenuto di bidoni della spazzatura racchiusi in plastica. Daniel Spoerri creò “immagini rullanti” (tableaux piège), di cui la più antica fu “Kichka’s Breakfast” (1960), e in cui i resti di un pasto erano incollati al tessuto e montati sul piano del tavolo apposto al muro.

poesie
Nei Paesi Bassi i poeti associati alla “rivista per i testi”, Barbarber (1958-71), in particolare J. Bernlef e K. Schippers, estesero il concetto del readymade in poesia, scoprendo la suggestione poetica in articoli di uso quotidiano come pubblicità di un giornale su una tartaruga smarrita e un foglio di prova per macchine da scrivere. Un altro gruppo di poeti olandesi si infiltrò nella rivista sperimentale belga Gard Sivik e cominciò a riempirlo di frammenti apparentemente insignificanti di conversazioni e dimostrazioni di procedure verbali. Gli scrittori comprendevano C.B. Vaandrager (1935-92), Hans Verhagen e l’artista Armando. Su questo approccio il critico Hugo Brems ha commentato che “il ruolo del poeta in questo tipo di poesia non era quello di parlare sulla realtà, ma di evidenziare particolari frammenti di esso che sono normalmente percepiti come non-poetici. Questi poeti non erano creatori d’arte, ma scopritori “.

L’impersonalità a cui aspiravano tali artisti fu espressa nel modo migliore da Jan Schoonhoven (1914-94), teorico del gruppo di artisti olandese Nul, al quale apparteneva anche Armando: “Zero è innanzitutto una nuova concezione della realtà, in cui il il ruolo individuale dell’artista è ridotto al minimo. L’artista Zero semplicemente seleziona, isola parti della realtà (materiali e idee derivanti dalla realtà) e le espone nel modo più neutrale. Evitare i sentimenti personali è essenziale per Zero. “Questo a sua volta lo collega ad alcuni aspetti della pratica della Pop Art e di Nouveau Réaliste e sottolinea il rifiuto dell’Espressionismo.

Gli albori di Poesia Concreta e montaggio di testi nel Wiener Gruppe sono stati rinviati all’esempio delle poesie di Raoul Hausmann. Tali tecniche possono anche dover qualcosa agli esperimenti tipografici di H.N. Werkman nei Paesi Bassi che erano stati esposti per la prima volta nel Museo Stedelijk nel 1945.

Artisti legati al termine
Genpei Akasegawa
Joseph Beuys
Jaap Blonk
George Brecht
John Cage
John Chamberlain
Jim Dine
Dick Higgins
Kommissar Hjuler
Jasper Johns
Allan Kaprow
Yves Klein
Alison Knowles
George Maciunas
Piero Manzoni
Yoko Ono
Robin Page
Nam June Paik
Robert Rauschenberg
Ushio Shinohara
Wolf Vostell

Neo-dada in Italia
Dopo la seconda guerra mondiale, in Italia, c’era un certo interesse per la poetica dell’oggetto, anche all’interno di quell’arte informale denigrata dagli artisti pop. Basti pensare ai sacchi di cui Alberto Burri ha usato nei suoi dipinti, i frammenti di pietre e vetro di Fontana, i pezzi di ferro rielaborati nelle creazioni di Ettore Colla e anche i collage e gli assemblaggi di Enrico Baj e Brajo Fuso.

Tuttavia, solo grazie agli artisti Pino Pascali e Piero Manzoni si può parlare di un’efficace affermazione del neo-dadaismo italiano. A differenza degli artisti americani, tuttavia, in essi si concentra tutta l’ironia del dadaismo storico, insieme al gusto per il gioco. A sostegno di questo sono le scatole di Merda d’artista (1961) di Piero Manzoni, con cui si riferisce alla trasformazione del lavoro artistico in beni di consumo, pronti per essere collocati sugli scaffali di un supermercato e venduti.

L’arte è immediata ed esauribile, come le uova sode che Manzoni firma nel 1959 con l’impronta del pollice (consacrazione dell’arte dell’uovo sodo), o i modelli che diventano sculture viventi, o le linee avvolte in cilindri di cartone e venduto in un momento al metro.

Se Manzoni pensa con tono divertito alla commercializzazione dell’arte e al ruolo del singolo artista, Pascali, al contrario, è convinto che tra arte e gioco esista una complementarietà reciproca. Realizza rettili in miniatura e tela di dinosauri, seta di baco da seta attraverso scope in plastica (setole dei bachi da seta, 1968), tarantole in acrilico e armi con ferraglia. Anche i suoi dipinti, come Primo piano labbra (1964), subiscono un processo di oggettizzazione, facendoli apparire come giocattoli grandi e misteriosi.