A iluminação é um conceito importante nas artes visuais. A iluminação do tema de um desenho ou pintura é um elemento-chave na criação de uma peça artística, e a interação de luz e sombra é um método valioso na caixa de ferramentas do artista. A localização das fontes de luz pode fazer uma diferença considerável no tipo de mensagem que está sendo apresentada. Várias fontes de luz podem eliminar quaisquer rugas no rosto de uma pessoa, por exemplo, e dar uma aparência mais jovem. Em contraste, uma única fonte de luz, como a forte luz do dia, pode servir para destacar qualquer textura ou características interessantes. O processamento de iluminação é um conceito importante em visão computacional e computação gráfica.

O claro-escuro, na arte, é o uso de contrastes fortes entre claro e escuro, geralmente contrastes ousados ​​afetando toda uma composição. É também um termo técnico usado por artistas e historiadores da arte para o uso de contrastes de luz para obter uma sensação de volume na modelagem de objetos e figuras tridimensionais. Efeitos semelhantes no cinema e na fotografia também são chamados de claro-escuro.

Outros usos especializados do termo incluem xilogravura claro-escuro para xilogravuras coloridas impressas com blocos diferentes, cada um usando uma tinta de cor diferente; e desenho em claro-escuro para desenhos em papel colorido em meio escuro com destaque branco.

O princípio subjacente é que a solidez da forma é melhor alcançada quando a luz incide sobre ela. Artistas conhecidos por desenvolver a técnica incluem Leonardo da Vinci, Caravaggio e Rembrandt. É um pilar da fotografia em preto e branco e discreta. É um dos modos de pintar a cor na arte renascentista (ao lado do cangiante, do sfumato e do unione). Artistas bem conhecidos por seu uso do claro-escuro incluem Rembrandt, Caravaggio, Vermeer e Goya.

A técnica também se impõe entre manieristas, exemplos disso usam a Última Ceia de Tintoretto ou Retrato a dois, que pressagia composições de Rembrandt. O pintor holandês foi um dos mais conspícuos praticantes do claro-escuro, usando a luz em sua composição para destacar apenas seu objeto específico.

O termo claro-escuro italiano, embora aparentemente signifique o mesmo, é usado mais especificamente para uma técnica de gravura em xilogravura, que por meio de placas complementares dá cor às imagens como se fossem pintadas em aquarela. O primeiro uso conhecido do termo, com este significado, é atribuído ao gravador italiano do século XVI Ugo da Carpi, que teria tirado a ideia de composições de origem alemã ou flamenga. Outros gravadores que trabalharam nesta técnica foram Antonio da Trento e Andrea Andreani. Nas águas-fortes de Da Carpi, o efeito claro-escuro destaca uma figura central iluminada por uma fonte de luz normalmente ausente do plano da pintura; no entanto, as áreas escuras não são tão acentuadas como viriam a ser vistas nas obras das principais emissoras de Chiaroscuro, Caravaggio e Giovanni Baglione.

História
A descoberta das tumbas macedônias de 1977 em diante mostra claramente a prova de um grande domínio do claro-escuro pelos maiores pintores da Grécia antiga. Nisto, a arte grega helenística difere das pinturas sem claro-escuro que as precederam: as cerâmicas de figuras negras e as de figuras vermelhas, soluções gráficas mais do que pictóricas, que constituem a parte principal das pinturas gregas preservadas atualmente. As figuras são traçadas ali, por linhas incisas, gravadas ou pintadas e grandes letras pretas constituem a forma ou o fundo. O claro-escuro é, por outro lado, visível nas pinturas helenísticas com uma modelagem por cores matizadas e por incubação, segundo um método muito diferente da era moderna: como se vê no braço de Perséfone, no túmulo de Virgina.

Origem no desenho claro-escuro
O termo claro-escuro surgiu durante o Renascimento como desenho em papel colorido, onde o artista trabalhava do tom de base do papel para a luz usando guache branco e para o escuro usando tinta, cor do corpo ou aquarela. Estes, por sua vez, baseavam-se em tradições em manuscritos iluminados que remontavam aos manuscritos do Império Romano tardio em pergaminho tingido de roxo. Essas obras são chamadas de “desenhos de claro-escuro”, mas só podem ser descritas na terminologia dos museus modernos por fórmulas como “caneta sobre papel preparado, realçada com a cor branca do corpo”. A xilogravura em claro-escuro começou como uma imitação dessa técnica. Ao discutir a arte italiana, o termo às vezes é usado para significar imagens pintadas em monocromático ou duas cores, mais geralmente conhecido em inglês pelo equivalente francês, grisaille.

Da Idade Média ao Renascimento
De acordo com o processo tradicional da Idade Média, ainda aconselhado por Cennino Cennini (1370-1440), a modelagem é feita seja por saturação da cor local, seja por mudança de tonalidade (o (o) cangiantismo), conforme pode-se vê-lo no afresco de Giotto em Pádua. Depois dele, Alberti fez da “recepção das luzes” a terceira parte da pintura, que prenuncia Leonardo da Vinci pela importância dada às sombras. Segundo André Chastel, para a Vinci, “A preocupação com o“ relevo ”leva ao sacrifício da cor em favor da modelagem. Mas se prepara para o conflito de contornos e reflexos que começa a se formular cedo e que termina em (it) sfumato ”.

Daniel Arasse desenvolve este momento quando, ao invés de falar de “contorno”, evoca a inscrição das figuras pela geometria em perspectiva e seu princípio unificador, que será substituído pela sombra como princípio unificador da pintura mais importante do que a perspectiva. E essa cor “verdadeira” é impossível de perceber. O claro-escuro ((it): claro-escuro) que vemos em um estudo de cortina de 1500-1508 atinge o aspecto polido da pedra, por um trabalho complexo com pincel, tinta preta e lavagem cinza, realçado com branco sobre azul claro papel lavado (uma lavagem azul claro). Desde o início do século XVI, o desenho do claro-escuro é realizado em papel tingido em meio-tom, e para as partes mais claras com realces claros.

Modelagem claro-escuro
O uso mais técnico do termo claro-escuro é o efeito da modelagem de luz na pintura, desenho ou gravura, onde o volume tridimensional é sugerido pela gradação de valor da cor e pela divisão analítica das formas de luz e sombra – frequentemente chamada de “sombreamento” . A invenção desses efeitos no Ocidente, “skiagraphia” ou “pintura de sombras” aos gregos antigos, foi tradicionalmente atribuída ao famoso pintor ateniense do século V aC, Apollodoros. Embora poucas pinturas da Grécia Antiga tenham sobrevivido, sua compreensão do efeito da modelagem de luz ainda pode ser vista nos mosaicos do final do século IV aC de Pella, na Macedônia, em particular o Mosaico Caça ao Veado, na Casa do Rapto de Helena, inscrito gnosis epoesen, ou ‘o conhecimento o fez’.

A técnica também sobreviveu em uma forma padronizada bastante crua na arte bizantina e foi refinada novamente na Idade Média para se tornar padrão no início do século XV em pintura e iluminação de manuscritos na Itália e Flandres, e então se espalhou para toda a arte ocidental.

De acordo com a teoria da historiadora da arte Marcia B. Hall, que ganhou considerável aceitação, o claro-escuro é um dos quatro modos de pintura das cores disponíveis para os pintores da Alta Renascença italiana, junto com o cangiante, o sfumato e o unione.

A pintura de Rafael ilustrada, com luz vinda da esquerda, demonstra tanto o delicado claro-escuro modelado para dar volume ao corpo da modelo, quanto o claro-escuro forte no senso mais comum, no contraste entre o modelo bem iluminado e o fundo muito escuro de folhagem. Para complicar ainda mais as coisas, no entanto, o claro-escuro composicional do contraste entre o modelo e o fundo provavelmente não seria descrito usando este termo, já que os dois elementos estão quase completamente separados. O termo é usado principalmente para descrever composições em que pelo menos alguns elementos principais da composição principal mostram a transição entre a luz e a escuridão, como nas pinturas de Baglioni e Geertgen tot Sint Jans ilustradas acima e abaixo.

A modelagem em claro-escuro agora é considerada um dado adquirido, mas teve alguns oponentes; a saber: o retratista miniaturista inglês Nicholas Hilliard alertou em seu tratado sobre a pintura contra tudo, exceto o uso mínimo que vemos em suas obras, refletindo as opiniões de sua patrona, a rainha Elizabeth I da Inglaterra: “ver que é melhor se mostrar não precisa de sombra mas sim a luz aberta … Sua Majestade … escolheu seu lugar para sentar-se para esse propósito no beco aberto de um belo jardim, onde nenhuma árvore estava por perto, nem sombra alguma … ”

Em desenhos e gravuras, a modelagem do claro-escuro costuma ser obtida com o uso de hachuras ou sombreamento por linhas paralelas. Lavagens, efeitos pontilhados ou pontilhados e “tom de superfície” na gravura são outras técnicas.

Xilogravuras de claro-escuro
As xilogravuras em claro-escuro são gravuras antigas em xilogravura usando dois ou mais blocos impressos em cores diferentes; eles não apresentam necessariamente fortes contrastes de luz e escuridão. Eles foram produzidos pela primeira vez para alcançar efeitos semelhantes aos desenhos de claro-escuro. Depois de algumas experiências iniciais na impressão de livros, a verdadeira xilogravura de claro-escuro concebida para dois blocos foi provavelmente inventada por Lucas Cranach, o Velho na Alemanha em 1508 ou 1509, embora ele tenha retroagido algumas de suas primeiras impressões e adicionado blocos de tons a algumas das primeiras impressões produzidas para impressão monocromática, seguido rapidamente por Hans Burgkmair, o Velho. Apesar da reivindicação de Vasari da precedência italiana em Ugo da Carpi, é claro que seus primeiros exemplos italianos datam de cerca de 1516. Mas outras fontes sugerem que a primeira xilogravura de claro-escuro foi o Triunfo de Júlio César,

Outros gravadores que usaram essa técnica incluem Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien e Parmigianino. Na Alemanha, a técnica atingiu sua maior popularidade por volta de 1520, mas foi usada na Itália ao longo do século XVI. Artistas posteriores, como Goltzius, às vezes fizeram uso dele. Na maioria das impressões alemãs de dois blocos, o bloco-chave (ou “bloco de linha”) era impresso em preto e o bloco ou blocos de tons tinham áreas planas de cor. Na Itália, as xilogravuras de claro-escuro eram produzidas sem blocos de teclas para obter um efeito muito diferente.

Claro-escuro composicional para Caravaggio
A iluminação do manuscrito era, como em muitas áreas, especialmente experimental na tentativa de efeitos de iluminação ambiciosos, uma vez que os resultados não eram para exibição pública. O desenvolvimento do claro-escuro composicional recebeu um impulso considerável no norte da Europa a partir da visão da Natividade de Jesus de Santa Brígida da Suécia, um místico muito popular. Ela descreveu o menino Jesus como emitindo luz; as representações reduziram cada vez mais outras fontes de luz na cena para enfatizar esse efeito, e a Natividade permaneceu muito comumente tratada com claro-escuro até o barroco. Hugo van der Goes e seus seguidores pintaram muitas cenas iluminadas apenas por velas ou pela luz divina do menino Cristo. Como aconteceu com alguns pintores posteriores, em suas mãos o efeito era de quietude e calma, e não o drama com o qual seria usado durante o barroco.

O claro-escuro forte tornou-se um efeito popular durante o século XVI no maneirismo e na arte barroca. A luz divina continuou a iluminar, muitas vezes de forma inadequada, as composições de Tintoretto, Veronese e seus muitos seguidores. O uso de assuntos escuros dramaticamente iluminados por um feixe de luz de uma única fonte restrita e muitas vezes invisível, foi um dispositivo de composição desenvolvido por Ugo da Carpi (c. 1455 – c. 1523), Giovanni Baglione (1566–1643) e Caravaggio (1571-1610), o último dos quais foi crucial no desenvolvimento do estilo de tenebrismo, onde o claro-escuro dramático se torna um dispositivo estilístico dominante.

Era barroca
Por outro lado, falamos de tenebrismo quando as partes claras imediatamente coincidem com as partes muito escuras sem degradação, criando efeitos de contrastes, e a sombra domina todo o quadro. Esse é particularmente o caso da obra de Caravaggio, que desenvolverá a prática no início do século xvii. A sistematização do claro-escuro mais acentuado tem sentido na pintura de Caravaggio: o mundo terrestre mergulha na escuridão, na ignorância, enquanto a intrusão divina é sinalizada pela luz sobre uma ação significativa. Este processo permite aumentar a tensão dramática, congelar as atitudes num momento preciso, dar a ilusão de relevo com um volume fortemente marcado – o que atesta o saber-fazer do artista.

O Caravaggio, particularmente visível nas pinturas do francês Valentin de Boulogne, não deve ser considerado apenas em termos de efeitos de luz, claro-escuro dramático. O método que o seguidor de Caravaggio, Bartolomeo Manfredi, aperfeiçoou, leva em consideração certos temas privilegiados, como grupos de músicos em trajes de época, pintados na escala de um (1/1), em close-up etc. Alguns holandeses pintores que fizeram a viagem à Itália e que estão reunidos em uma escola em Utrecht, Honthorst, ter Brugghen, Baburen, adotaram esse método. Na Flandres, o fenômeno é mais limitado e interpretado com muito mais liberdade porque esses artistas não fizeram a viagem para a Itália, além de Louis Finson, mas que passou a maior parte de sua carreira na Itália e depois na França. O artista mais famoso de estes flamengos hoje sendo Jordaens, mas ele está muito distante do caravagismo. Uma onda distante chegará, mas de forma mais complexa e difusa até Jan Lievens e Rembrandt, ou mesmo Vermeer. Mas todos esses artistas obviamente praticam o claro-escuro, como todos os seus contemporâneos.

Período clássico
Como a maioria dos conceitos da pintura, o claro-escuro é objeto de amarga discussão na França. O francês clássico condena os contrastes de Caravaggio, pois interferem na apresentação de uma forma nobre, perfeita. Em 1765, Diderot, assim como Watelet, definiu o claro-escuro como um problema técnico e estético: “a distribuição justa de sombras e luzes”. Ele desaprova os “efeitos de luz” e exalta a “distribuição gradativa” e a “verdade das luzes”. O claro-escuro, em uma paisagem, inclui a perspectiva atmosférica; no retrato, ele cria a ilusão de volume.

Séculos 17 e 18
O tenebrismo foi praticado especialmente na Espanha e no Reino de Nápoles, governado pelos espanhóis, por Jusepe de Ribera e seus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), um artista alemão que viveu em Roma, produziu várias cenas noturnas iluminadas principalmente por fogo e, às vezes, pelo luar. Ao contrário de Caravaggio, suas áreas escuras contêm detalhes e interesses muito sutis. As influências de Caravaggio e Elsheimer foram fortes em Peter Paul Rubens, que explorou suas respectivas abordagens à tenebrosidade para obter um efeito dramático em pinturas como O levantamento da cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593–1656), uma artista barroca seguidora de Caravaggio, também foi uma expoente notável do tenebrismo e do claro-escuro.

Um gênero particular que se desenvolveu foi a cena noturna iluminada por velas, que remontava aos primeiros artistas do norte, como Geertgen tot Sint Jans e, mais imediatamente, às inovações de Caravaggio e Elsheimer. Esse tema foi tocado por muitos artistas dos Países Baixos nas primeiras décadas do século XVII, onde se tornou associado aos Utrecht Caravaggisti, como Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen, e a pintores barrocos flamengos, como Jacob Jordaens. Os primeiros trabalhos de Rembrandt van Rijn (1606-1669) da década de 1620 também adotaram a fonte de luz de uma única vela. A cena noturna à luz de velas ressurgiu na República Holandesa em meados do século XVII em uma escala menor nas obras de crianças como Gerrit Dou e Gottfried Schalken.

O próprio interesse de Rembrandt nos efeitos da escuridão mudou em suas obras maduras. Ele confiava menos nos contrastes nítidos de claro e escuro que marcaram as influências italianas da geração anterior, um fator encontrado em suas águas-fortes de meados do século XVII. Nesse meio, ele compartilhou muitas semelhanças com seu contemporâneo na Itália, Giovanni Benedetto Castiglione, cujo trabalho na gravura o levou a inventar o monótipo.

Fora dos Países Baixos, artistas como Georges de La Tour e Trophime Bigot na França e Joseph Wright of Derby na Inglaterra continuaram com um claro-escuro à luz de velas tão forte, mas graduado. Watteau usou um claro-escuro suave nos fundos frondosos de suas fêtes galantes, e isso foi continuado em pinturas de muitos artistas franceses, notadamente Fragonard. No final do século, Fuseli e outros usaram um claro-escuro mais pesado para efeito romântico, como fizeram Delacroix e outros no século XIX.

Fotografia século xix e xx
A fotografia, logo que está em foco, por volta de 1850, é apenas claro-escuro. Esse fenômeno se reproduz até os pictorialistas que vão gostar de produzir efeitos próximos à pintura e ao desenho. Seu método consiste em brincar com todos os parâmetros possíveis do dispositivo fotográfico: a câmera e sua lente, a luz em relação ao tema emoldurado, os papéis e componentes fotossensíveis, o trabalho de laboratório e os retoques sempre possíveis. Alfred Stieglitz foi um dos grandes promotores dessa prática da fotografia. Mas seu Entrepontmanifests um clássico claro-escuro, tudo em nuances. A fotografia entra na modernidade pela expressão clara da situação social na escolha do enquadramento e com a parte límpida do convés superior reservada aos viajantes abastados, e o convés inferior e suas áreas escuras, reservadas aos migrantes carentes.

A luz de fundo, no retrato de Rodin de Edward Steichen, reserva o claro-escuro de fundo, no qual a figura se destaca em uma silhueta totalmente negra. Paul Strand (Wall Street. New York City [1915]), e mais ainda Walker Evans, em suas visões das fachadas, por volta de 1929, são dois bons exemplos excepcionais em que o claro-escuro foi quase completamente eliminado. As Polaroids de Andy Warhol e operação de pintura de quadros por serigrafia fazem parte do mesmo processo que elimina os tons do claro-escuro, mantendo unidos apenas os matizes lisos de cor ou preto.

Quanto a Degas, o fotógrafo, nas suas fotografias os seus retratos não se comparam aos retratos pictorialistas, “o seu claro-escuro parece anunciar os retratos feitos por Edward Steichen, por volta de 1900-1905”.

Pintura do século xix e xx
A questão da representação da luz e da sombra encontrou outras soluções na arte moderna com as pinturas dos impressionistas e pós-impressionistas que exploram o valor tonal das cores. Também modernizamos soluções antigas, como quando Franz Marc aplica uma cor arbitrária à forma que representa e simplifica a representação do modelo. Isso já foi feito antes, na pintura de Giotto, por exemplo, mas enquanto Giotto acabou usando outra cor, dependendo de seu valor tonal, Marc simplesmente usa a mesma cor, que é mais “escura”, mas permanece “pura”.

Inscrição
O uso francês do termo, clair-obscur, foi introduzido pelo crítico de arte do século XVII Roger de Piles no decorrer de uma famosa discussão (Débat sur le coloris), sobre os méritos relativos do desenho e da cor na pintura (seu Dialogues sur le coloris, 1673, foi uma contribuição chave para o Débat).

Em inglês, o termo italiano é usado pelo menos desde o final do século XVII. O termo é usado com menos frequência para a arte após o final do século XIX, embora o expressionista e outros movimentos modernos façam grande uso do efeito.

Especialmente desde a forte ascensão da reputação de Caravaggio no século XX, no uso não especializado o termo é usado principalmente para fortes efeitos de claro-escuro, como o dele ou de Rembrandt. Como afirma a Tate: “O claro-escuro geralmente só é observado quando é uma característica particularmente proeminente da obra, geralmente quando o artista usa contrastes extremos de luz e sombra”. A fotografia e o cinema também adotaram o termo. Para a história do termo, ver René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d’un mot (Nogent-le-Roi, 1979).

Tenebrismo
O estilo denominado tenebrismo nada mais é do que uma aplicação radical do claro-escuro, pelo qual apenas as figuras tematicamente centrais se destacam iluminadas por um fundo geralmente escuro. Não se sabe se, pela influência de Caravaggio ou por um desenvolvimento paralelo, o estilo se tornaria muito importante na pintura espanhola do final do século XVI e início do século XVII a partir da obra do catalão Francisco Ribalta. Ribalta usaria a cor e a luz para dar volume às figuras e destacar os atores de seus afrescos religiosos, alguns de grande beleza; professor talentoso, seu estilo influenciaria o de seu filho Juan Ribalta, falecido prematuramente, e o de Vicente Castelló. Indiretamente também pesaria sobre Zurbarán e sobre o mais destacado dos tenebristas espanhóis, José de Ribera; o último traria o estilo à maturidade,

No desenho
O claro-escuro em sentido estrito está ligado à arte gráfica e é tecnicamente a próxima etapa do desenho linear. Às vezes, a relação temporal entre o desenho de linhas e luzes / sombras pode ser revertida, começando com o último.

Através do claro-escuro é possível dar uma ideia de volumes, materiais, espaço. Existem várias técnicas, desde aquelas que permitem a visualização do sinal (hachuras, linhas sólidas, etc.) até as que o tornam invisíveis (sombreamento, passagens graduais, etc.). O claro-escuro só pode ser aplicado pintando as sombras, com uma ou mais cores (carvão, sanguíneo, etc.) ou iluminando as luzes no que diz respeito à cor do suporte. O traçado das luzes é denominado “realce” e pode ser feito, por exemplo, com a utilização de um lápis branco sobre uma folha ocre.

Em pintura
Na pintura, o claro-escuro está ligado ao uso de cores.

Utilizado na pintura antiga, perdeu importância na arte bizantina e medieval, onde o simbolismo das figuras não exigia um relevo plástico-espacial. Para criar efeitos de luz e sombra, utilizou-se no máximo uma incubação, com grão mais ou menos fino.

Na Itália, no final do século XIII, Cimabue reviveu o uso das sombras mais delicadas, redescobrindo o problema da luz e a forma como ela ilumina as diferentes partes de um corpo, materiais e superfícies díspares de maneiras diferentes. Uma obra-prima neste sentido foi o Crucifixo de Santa Croce. Com Giotto a gama cromática de tons tornou-se mais ampla, passando a se assemelhar cada vez mais à luz real. Pintores posteriores desenvolveram essas técnicas, fazendo do claro-escuro um elemento essencial da representação pictórica até o século XIX. Desde então, os impressionistas primeiro (ligados a uma pintura de luz e cor puras) e os cubistas (que redescobriram formas planas e geométricas) levaram a uma superação do claro-escuro: Matisse, por exemplo, ficou completamente sem ele.

Em escultura e arquitetura
Em um sentido mais geral, falamos de claro-escuro, significando o jogo de luz e sombra que é produzido nas superfícies. Por exemplo, em arquitetura, falamos de claro-escuro quando o jogo de volumes cheios e vazios cria um efeito de variação em relação à monotonia de uma superfície plana. Um exemplo de edifício com valores de claro-escuro é o exterior da Catedral de Modena, com as falsas loggias criadas exclusivamente com o propósito de movimentar a fachada e os lados.

Também na escultura falamos de claro-escuro quando o relevo gera um contraste entre a luz e a sombra natural, o que talvez possa fazer sobressair as figuras e realçar alguns detalhes. O claro-escuro é um elemento fundamental quando se quer representar o movimento na escultura; na verdade, quanto mais fortes os efeitos das luzes e sombras, mais tumultuada será a cena. Entre os exemplos mais conhecidos estão o sarcófago de Portonaccio de ‘arte romana, o Massacre dos Inocentes de Santo André no púlpito de Giovanni Pisano, ou a Batalha dos Centauros de Michelangelo.

Outras artes
A técnica do claro-escuro era popular entre os gravadores e também na pintura, mas cairia em desuso por um longo período. Renasceria no cinema da primeira metade do século XX, pelo gosto por composições marcadamente estruturadas e pela chocante maquiagem do expressionismo alemão; embora algumas obras de plástico expressionistas tenham chegado a ele para aumentar o efeito de seus temas -em imagens como Klosterneuburg de Egon Schiele ou o retrato de Adolf Loos de Oskar Kokoschka-, o uso do claro-escuro no cinema foi em grande parte um desenvolvimento original, que foi usado para resolver as limitações técnicas do filme e a falta de som, o que exigia uma forte estilização visual para compensar.

O expressionismo alemão teria obras de curta duração, mas influentes como Nosferatu, eine Symphonie des Grauens de FW Murnau, em que o claro-escuro desempenha um papel central. A transferência de muitos cineastas alemães para os Estados Unidos como consequência do surgimento do nazismo levaria ao desenvolvimento de um gênero cinematográfico que combinava as convenções narrativas da ficção policial americana com a influência visual do expressionismo: filme noir. Caracterizado pelo uso de proporções incomuns de sombra (até 90% da tela, contra os convencionais 50% a 60%) e como um artifício dramático – seja escurecendo elementos de forma sugestiva, seja trazendo para a tela o silhueta de um objeto invisível – o filme noir usou o claro-escuro como meio visual para desenvolver a ambigüidade moral de seus temas. Em filmes como O Falcão Maltês,

Cinema e fotografia
O claro-escuro também é usado em cinematografia para indicar iluminação extremamente baixa e de alto contraste para criar áreas distintas de luz e escuridão em filmes, especialmente em filmes em preto e branco. Exemplos clássicos são The Cabinet of Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis (1927) The Hunchback of Notre Dame (1939), The Devil and Daniel Webster (1941) e as cenas em preto e branco em Stalker de Andrei Tarkovsky (1979).

Por exemplo, em Metrópolis, a iluminação claro-escuro é usada para criar contraste entre mise-en-scene clara e escura e figuras. O efeito disso é principalmente destacar as diferenças entre a elite capitalista e os trabalhadores.

Na fotografia, o claro-escuro pode ser obtido com o uso da “iluminação de Rembrandt”. Em processos fotográficos mais desenvolvidos, essa técnica também pode ser denominada “iluminação ambiente / natural”, embora, quando feita para o efeito, o visual seja artificial e geralmente não documentário por natureza. Em particular, Bill Henson, juntamente com outros, como W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi e Ralph Gibson podem ser considerados alguns dos mestres modernos do claro-escuro na fotografia documental.

Talvez o uso mais direto pretendido para o claro-escuro na produção cinematográfica seja o filme de Stanley Kubrick, Barry Lyndon, de 1975. Quando informado de que nenhuma lente atualmente tinha uma abertura grande o suficiente para filmar um drama de fantasia ambientado em grandes palácios usando apenas velas, Kubrick comprou e adaptou uma lente especial para esses fins: uma câmera Mitchell BNC modificada e uma lente Zeiss fabricada para os rigores do espaço fotografia, com uma abertura máxima de f / .7. As situações de iluminação naturalmente não aumentadas no filme exemplificam a iluminação natural e discreta no cinema em seu ponto mais extremo fora da tradição cinematográfica da Europa Oriental / Soviética (ela própria exemplificada pelo estilo de iluminação severo e discreto empregado pelo cineasta soviético Sergei Eisenstein).

Sven Nykvist, colaborador de longa data de Ingmar Bergman, também informou muito de sua fotografia com realismo claro-escuro, assim como Gregg Toland, que influenciou cineastas como László Kovács, Vilmos Zsigmond e Vittorio Storaro com seu uso de foco profundo e seletivo aumentado com forte iluminação chave no nível do horizonte penetrando pelas janelas e portas. Grande parte da tradição do célebre filme noir depende de técnicas que Toland aperfeiçoou no início dos anos 30 que estão relacionadas ao claro-escuro (embora a iluminação de alta intensidade, iluminação de palco, iluminação frontal e outros efeitos sejam intercalados de maneiras que diminuem a afirmação do claro-escuro).