イルミネーションは視覚芸術の重要な概念です。ドローイングまたはペインティングの主題の照明は芸術作品を作成する上で重要な要素であり、光と影の相互作用は、アーティストのツールボックスにおける貴重な方法です。光源の配置は、表示されるメッセージのタイプにかなりの違いをもたらす可能性があります。複数の光源は、例えば、人の顔のしわを洗い流し、より若々しい外観を与えることができます。対照的に、過酷な日光などの単一の光源は、テクスチャや興味深い機能を強調するのに役立ちます。照明の処理は、コンピュータービジョンとコンピューターグラフィックスの重要な概念です。
芸術におけるキアロスクロは、明るい部分と暗い部分の強いコントラストを使用することであり、通常は大胆なコントラストが全体の構成に影響を与えます。また、アーティストや美術史家が光のコントラストを使用して、3次元のオブジェクトや図形をモデリングする際にボリューム感を実現するために使用する専門用語でもあります。映画や写真における同様の効果は、キアロスクーロとも呼ばれます。
この用語のさらに特殊な使用法には、それぞれが異なる色のインクを使用して異なるブロックで印刷された色の木版画のためのキアロスクーロ木版画が含まれます。暗い媒体で白いハイライトで色紙に描くためのキアロスクロの描画。
基本的な原理は、フォームの堅牢性は、それに当たる光によって最もよく達成されるということです。テクニックの開発で知られるアーティストには、レオナルドダヴィンチ、カラヴァッジョ、レンブラントなどがあります。それは白黒写真と控えめな写真の主力です。これは、ルネッサンスアートの色を塗る方法の1つです（カンジャンテ、スフマート、ユニオンと並んで）。キアロスクーロの使用で有名なアーティストには、レンブラント、カラヴァッジョ、フェルメール、ゴヤなどがあります。
このテクニックはマニエリスタにも課されており、この例では、ティントレットの最後の晩餐または2つの肖像画を使用しています。オランダの画家は、キアロスクーロの最も目立った修行者の1人であり、彼の構図に光を使用して彼の特定のオブジェクトのみを強調しています。
イタリア語のキアロスクロという用語は、明らかに同じことを意味しますが、より具体的には、木版画でエッチングする技法に使用されます。補色の版を通して、まるで水彩画に描かれたかのように画像に色を付けます。この意味でのこの用語の最初の既知の使用法は、16世紀のイタリア人彫刻家ウゴダカルピに起因します。この技法に取り組んだ他の彫刻家は、Antonio da TrentoとAndrea Andreaniでした。ダカルピのエッチングでは、キアロスクーロ効果により、通常、絵画の平面にはない光源によって照らされた中心人物が強調されます。ただし、暗い領域は、キアロスクーロ、カラヴァッジョ、ジョバンニバグリオーネの主な放送局の作品で見られるほど強調されていません。
歴史
1977年以降のマケドニアの墓の発見は、古代ギリシャの偉大な画家によるキアロスクロの非常に優れた習得の証拠を明確に示しています。この点で、ヘレニズム時代のギリシャの芸術は、先行するキアロスクーロのない絵画とは異なります。黒像式の陶磁器と赤い数字のある絵画、現在保存されているギリシャの絵画の主要部分を構成する絵画以上のグラフィックソリューション。そこには、彫り込まれた、刻まれた、または描かれた線によって人物が描かれ、大きなフラットブラックが形または背景のいずれかを構成しています。一方、キアロスクーロは、現代とは非常に異なる方法に従って、微妙な色とハッチングを使ったモデリングでヘレニズム時代の絵画に描かれています。ヴェルギナの墓でペルセポネの腕に見られるように。
キアロスクーロ画の起源
キアロスクロという用語は、ルネサンス期に色紙に描くことから始まりました。アーティストは紙のベーストーンから、白いガッシュを使用して明るい色に、そしてインク、ボディカラー、または水彩を使用して暗い色に向かって作業しました。これらは次に、紫に染めたベラムのローマ帝国後期の写本にまで遡る、照らされた写本の伝統に基づいています。そのような作品は「キアロスクロの絵」と呼ばれますが、「白いボディカラーで強調された準備された紙にペン」などの式でのみ、現代の博物館の用語で説明できます。キアロスクーロの木版画は、この技法の模倣として始まりました。イタリアの芸術について議論するとき、この用語は、モノクロまたは2色で描かれたイメージを意味するために使用されることがあります。より一般的には、フランス語でグリザイユによって英語で知られています。
中世からルネサンスへ
中世の伝統的なプロセスによれば、Cennino Cennini（1370-1440）がまだ助言しているように、モデリングは、ローカルカラーの彩度、または日陰（（それ）cangiantismo）の色の変化によって行われます。パドヴァのジョットのフレスコ画でそれを見ます。彼の後、アルベルティは「光の受容」を絵画の3番目の部分にしました。これは、影に与えられた重要性によってレオナルドダヴィンチを告げるものです。アンドレシャステルによれば、ヴィンチにとって、「「レリーフ」への懸念は、モデリングを支持する色の犠牲につながります。しかし、それは、早い段階で定式化し始め、（それ）sfumatoで終わる輪郭と反射の衝突に備えます。
ダニエルアラッセは、「概要」ではなく、遠近法の幾何学とその統一原理による図の碑文を呼び起こし、遠近法よりも重要な絵画の統一原理としての影に置き換えられるこの瞬間を発展させます。そして、その「本当の」色を知覚することは不可能です。1500年から1508年までのカーテンの研究で見られるキアロスクロ（（it）：キアロスクロ）は、ブラシ、黒のインク、灰色のウォッシュを使用した複雑な作業によって、石の磨かれた側面に到達し、水色に白で強調されますウォッシュされた紙（水色のウォッシュ）。16世紀初頭から、キアロスクーロの描画は、ハーフトーンで着色された紙の上で行われ、明確なハイライトを備えた明るい部分が描かれています。
キアロスクーロモデリング
キアロスクーロという用語のより技術的な使用は、絵画、描画、または版画におけるライトモデリングの効果であり、3次元のボリュームは、色の値のグラデーションと、光と影の形状の分析的な区分によって示唆されます。 。西洋におけるこれらの効果の発明、「スキアグラフィア」または「影絵」は古代ギリシャ人に伝統的に紀元前5世紀の有名なアテナイの画家、アポロドロスに帰せられました。古代ギリシャの絵画はほとんど残っていませんが、光のモデリングの効果に関する彼らの理解は、マケドニアのペラの紀元前4世紀後半のモザイク、特にヘレンの拉致の家にあるクワガタ狩りモザイクで見ることができます。 gnosis epoesen、または「知識はそれをした」。
この技法は、ビザンチン美術ではかなり粗雑な標準化された形式でも存続し、中世には再び洗練されて、15世紀初頭にイタリアとフランダースの絵画と原稿の照明で標準となり、その後すべての西洋美術に広まりました。
芸術史家であるマルシアB.ホールの理論によれば、キアロスクーロは、イタリアのルネサンス期の画家がカンジアンテ、スフマート、ユニオンと一緒に利用できる4つの絵画モードの1つです。
左から光が当たるラファエルの絵は、モデルのボディにボリュームを与える繊細なモデリングキアロスクロと、明るいモデルと非常に暗い背景とのコントラストにおける、より一般的な意味での強いキアロスクロの両方を示しています葉の。ただし、問題をさらに複雑にするために、2つの要素がほぼ完全に分離されているため、モデルと背景の間のコントラストの合成キアロスクロはおそらくこの用語を使用して説明されません。この用語は主に、主な構成の少なくとも一部の主要な要素が明るい部分と暗い部分の遷移を示す構成を表すために使用されます。
キアロスクロのモデリングは当たり前のことですが、反対者もいます。つまり、イギリスの肖像画のミニチュアニコラスヒリアードは、彼の作品で私たちが目にする最小限の使用を除いて、絵画に関する彼の論文に注意を向け、彼の守護者であるイングランドのエリザベス女王1世の見解を反映しています。むしろオープンライト…女王陛下…その目的のために、木がなく、影もまったくない、良い庭園のオープンな路地に座る場所を選びました…」
図面やプリントでは、chiaroscuroのモデリングは、多くの場合、ハッチングまたは平行線による陰影を使用して行われます。ウォッシュ、スティプルまたはドット効果、および版画における「表面トーン」は、他のテクニックです。
キアロスクーロ木版画
キアロスクーロ木版画は、異なる色で印刷された2つ以上のブロックを使用した木版画の古いマスタープリントです。彼らは必ずしも明るいと暗いの強いコントラストを備えていません。彼らは最初にキアロスクーロの図面と同様の効果を達成するために作成されました。本の印刷におけるいくつかの初期の実験の後、2つのブロックのために考案された本当のキアロスクーロ木版画は、おそらく1508年または1509年にドイツのルーカスクラナッハ長老によって最初に発明されました。モノクロ印刷の場合は、ハンスバーグクメール長老がすぐに続きます。ウサダカルピでのイタリアの優先権についてのヴァサリの主張にもかかわらず、彼の最初のイタリアの例は約1516年まで遡ることは明らかですが、他の情報筋が示唆するように、最初のキアロスクーロ木版画はジュリアスシーザーの勝利であり、
この技法を使用した他のプリントメーカーには、Hans Wechtlin、Hans Baldung Grien、Parmigianinoなどがあります。ドイツでは1520年頃にその人気が最も高まりましたが、16世紀を通じてイタリアで使用されました。ゴルツィウスのような後の芸術家は時々それを利用しました。ほとんどのドイツの2ブロックプリントでは、キーブロック（または「ラインブロック」）は黒で印刷され、トーンブロックまたはブロックには色の平らな領域がありました。イタリアでは、キアロスクーロの木版画は非常に異なる効果を達成するためにキーブロックなしで生産されました。
カラヴァッジョへの合成キアロスクーロ
多くの分野でそうであるように、原稿の照明は、結果がパブリックディスプレイ用ではなかったため、野心的な照明効果を試みる際に特に実験的でした。構成的なキアロスクーロの開発は、非常に人気のある神秘主義者であるスウェーデンのセントブリジットのイエスのキリスト降誕のビジョンから、北ヨーロッパでかなりの刺激を受けました。彼女は幼児のイエスを光を放っていると説明した。描写はこの効果を強調するためにシーンの他の光源をますます減らし、キリスト降誕はバロックまでキアロスクロで非常に一般的に扱われたままでした。Hugo van der Goesとその追随者たちは、ろうそくまたは幼児キリストからの神聖な光だけで照らされた多くのシーンを描きました。後の一部の画家と同様に、彼らの手には、バロック時代に使用されるドラマではなく、静寂で穏やかな効果がありました。
強いキアロスクーロは、16世紀にマニエリスムとバロックアートで人気のある効果となりました。神の光は、ティントレット、ヴェロネーゼ、およびそれらの多くの信者の構成を、しばしばかなり不十分に照らし続けました。単一の狭く、しばしば見えない光源からの光の軸によって劇的に照らされた暗い被写体の使用は、ウゴダカルピ（c。1455 – c。1523）、ジョバンニバグリオーネ（1566–1643）、およびカラヴァッジョによって開発された構成装置でした（1571–1610）、最後はテネブリズムのスタイルを開発するのに重要であり、劇的なキアロスクーロが支配的な文体装置になります。
バロック時代
逆に、私たちはテネブリズムについて話します。明るい部分が非常に暗い部分で劣化せずにすぐに肩をこすり、コントラストの効果を生み出し、影が画像全体を支配する場合です。これは、特にxvii世紀初頭に実践を発展させるカラヴァッジョの作品に当てはまります。最も強調されたキアロスクーロの体系化は、カラヴァッジョの絵画に意味を持っています。地上の世界は、無知で暗闇に陥り、神の侵入は重要な行動の光によって示されます。このプロセスは、劇的な緊張を高め、正確な瞬間に態度を凍結し、強くマークされたボリュームで救済の錯覚を与えることを可能にします-これはアーティストのノウハウを証明しています。
カラヴァッジョは、特にフランスのヴァレンティンドブローニュの絵画に見られますが、劇的なキアロスクーロという光の効果だけを考慮したものではありません。カラヴァッジョの追随者であるバルトロメオマンフレディが完成させた方法では、特定の特権のある主題、たとえば1分の1の縮尺で描かれた時代衣装のミュージシャンのグループ、クローズアップビューなどが考慮されます。一部のオランダ語イタリアへの旅をし、ユトレヒト、ホントホルスト、テルブルッゲン、バビューレンの学校に集まった画家たちは、この方法を採用しています。フランダースでは、ルイフィンソンは別として、これらの芸術家はイタリアへの旅行をしなかったが、彼のキャリアのほとんどをイタリアでそして次にフランスで過ごしたので、現象はより制限され、はるかに大きな自由で解釈されました。これらのフレミングスは今日ヨルダンであり、しかし、彼はカラバギズムから非常に遠いです。遠い波が到着しますが、Jan LievensとRembrandt、さらにはフェルメールまで、より複雑で拡散的な方法で到達します。しかし、これらすべてのアーティストは、同時代のすべてのアーティストと同様に、明らかにキアロスクーロを練習しています。
古典期
絵画の多くの概念と同様に、キアロスクーロはフランスで激しい議論の対象となっています。古典的なフランス人はカラヴァッジョの対比を非難します。なぜなら、それらは高貴な形の提示を妨げるからです。1765年、ディドロとワテレットはキアロスクーロを技術的および審美的な問題として定義しました：「影と光の公平な配分」。彼は「光の効果」を認めず、「段階的な分布」と「光の真実」を称賛している。風景の中のキアロスクーロには、大気の視点が含まれています。肖像画では、彼はボリュームの錯覚を作成します。
17世紀と18世紀
テネブリズムは、スペインとスペインが統治するナポリ王国でフセペデリベラとその信者によって特に実践されていました。ローマに住むドイツ人アーティスト、アダムエルスハイマー（1578–1610）は、主に火と月光に照らされたいくつかの夜景を作り出しました。カラヴァッジオのものとは異なり、彼の暗い領域は非常に微妙なディテールと興味を含んでいます。カラヴァッジョとエルスハイマーの影響は、The Raising of the Cross（1610–1611）のような絵画の劇的な効果のためにテネブロシティへのそれぞれのアプローチを利用したピーターポールルーベンスに強いものでした。カラヴァッジョの信奉者であったバロック芸術家のアルテミシアジェンティレスキ（1593–1656）も、テネブリズムとキアロスクーロの傑出した指数でした。
開発された特定のジャンルは、キャンドルライトに照らされた夜間のシーンで、Geertgenなどの以前の北部のアーティストがシンタヤンを始め、よりすぐに、カラヴァッジョとエルスハイマーの革新を振り返っていました。このテーマは、17世紀の最初の数十年間でローカントリーの多くのアーティストと出会い、ゲリットファンホントホルストやディルクファンバビューレンなどのユトレヒトカラバギスティや、ジェイコブヨルダーンスなどのフランドルバロックの画家たちと結びついた。1620年代のレンブラントファンレイン（1606〜1669）の初期の作品でも、シングルキャンドル光源が採用されました。17世紀半ば、Gerrit DouやGottfried Schalkenなどの子供たちの作品に、小規模な夜景がキャンドルライトに照らされました。
暗闇の影響に対するレンブラント自身の関心は、彼の成熟した作品に移りました。彼は、17世紀半ばのエッチングに見られる要因である、前世代のイタリアの影響を特徴づける明暗の鋭いコントラストにあまり依存していませんでした。その媒体では、彼はイタリアの同時代のジョヴァンニベネデットカスティリオーネと多くの類似点を共有しました。彼の版画制作の仕事により、彼はモノタイプを発明しました。
ロー・カントリー以外では、フランスのジョルジュ・ド・ラ・トゥールやトロピム・ビゴ、イギリスのダービーのジョセフ・ライトなどのアーティストが、キャンドルランプのような明かりの強いキアロスキュロを続けました。ヴァトーは彼のfitesギャランテの緑豊かな背景に穏やかなキアロスクーロを使用し、これは多くのフランスの芸術家、特にフラゴナールによる絵画で続けられました。19世紀の終わりに、フセリと他の人々は、19世紀のドラクロワと他の人がそうであったように、ロマンチックな効果のために重いキアロスクーロを使用しました。
19世紀とxx世紀の写真
写真は、焦点が合うとすぐに、1850年頃、キアロスクーロのみです。この現象は、絵画やデッサンに近い効果を生み出すことを楽しむ絵描きまで再現されています。彼らの方法は、写真機器のすべての可能なパラメーターで遊ぶことです：カメラとそのレンズ、額入りの被写体に関連する光、感光紙とコンポーネント、実験室での作業、そして常に可能なレタッチ。アルフレッドスティーグリッツは、この写真実践の推進者の1人でした。しかし、彼のEntrepontmanifestsは、すべてニュアンスのある古典的なキアロスクーロです。写真は、フレーミングの選択と、裕福な旅行者のために確保されたアッパーデッキの明確な部分、貧困層の移民のために確保されたロワーデッキとその暗い領域など、社会情勢を明確に表現することで近代化されています。
エドワード・シュタイヘンのロダンの肖像画のバックライトは、背景にキアロスクーロを確保し、その上で人物は完全に黒いシルエットで際立っています。ポールストランド（ウォールストリート。ニューヨーク市[1915]）、さらには1929年頃のファサードの見方によるウォーカーエヴァンスは、キアロスクロがほぼ完全に排除された2つの優れた例外的な例です。アンディ・ウォーホルのポラロイドと、同じプロセスの一部をスクリーン印刷して絵を描く操作。キアロスクロの色合いを取り除き、色または黒の平らな色合いのみを統一します。
写真家のドガに関しては、彼の写真の中で彼の肖像画を絵画家の肖像画と比較することはできません。「彼のキアロスクーロは、1900〜1905年頃のエドワードシュタイヘンの肖像画を発表しているようです」。
19世紀と20世紀の絵画
光と影の表現の問題は、色の色調の価値を利用する印象派とポスト印象派の絵画を用いた現代美術の他の解決策を見つけました。また、Franz Marcが表現する形状に任意の色を適用してモデルの表現を簡略化する場合など、古いソリューションを最新化しました。たとえば、これはジョットの絵などで以前に行われましたが、ジョットは最終的に別の色を使用しましたが、色調の値に応じて、マルクは同じ色を使用します。
応用
クレアオブスクルという用語のフランスでの使用は、17世紀の芸術評論家のロジェドピレスによって、ドローイングと絵画の色の相対的なメリットについての有名な議論（Débatsur le coloris）の過程で導入されました（彼の1673年の対話は、デバトへの主要な貢献でした。
英語では、イタリア語は少なくとも17世紀後半から使用されています。19世紀後半以降、この用語はあまり使われなくなりましたが、表現主義や他の現代の運動は効果を大いに利用しています。
特に20世紀にカラヴァッジョの評判が高まったため、専門家以外の使用では、この用語は主に彼またはレンブラントのような強いキアロスクロ効果に使用されます。テートが言うように：「キアロスクーロは一般に、それが作品の特に際立った特徴であるとき、通常、アーティストが明暗の極端なコントラストを使用しているときにのみ注目されます」。写真や映画もこの用語を採用しています。用語の歴史については、Rene Verbraeken、Clair-obscur、historie d’un mot（Nogent-le-Roi、1979）を参照してください。
テネブリスモ
テネブリズムと呼ばれるスタイルは、全体的に暗い背景から照らされている主題的に中心的な人物だけが際立つキアロスクロの根本的な適用にすぎません。カラヴァッジョの影響により、または並行して開発されたため、カタルーニャフランシスコリバルタの作品から16世紀後半から17世紀初頭のスペイン絵画において、そのスタイルが非常に重要になるかどうかは不明です。リバルタは、色と光を使用して人物にボリュームを与え、彼の宗教的なフレスコ画の俳優、いくつかの素晴らしい美しさを強調しました。才能のある教師である彼のスタイルは、早期に亡くなった息子のフアンリバルタとビセンテカステッロのスタイルに影響を与えます。間接的には、それはスルバランとスペインのテネブリスタで最も有名なホセ・デ・リベラにも重きを置くでしょう。後者はスタイルを成熟させるでしょう、
図面で
厳密な意味でのキアロスクーロは、グラフィックアートに関連しており、技術的には線画の次のステップです。線の描画とライト/シャドウの時間的な関係は、後者から始めて逆になる場合があります。
キアロスクーロを通して、ボリューム、マテリアル、スペースのアイデアを与えることが可能です。標識を見えるようにする方法（ハッチング、実線など）から、標識を見えなくする方法（陰影、緩やかなパッセージなど）まで、さまざまな方法があります。キアロスクーロは、影を1つ以上の色（木炭、サンギンなど）でペイントするか、サポートの色に対してライトを明るくすることによってのみ適用できます。ライトのドラフティングは「ハイライト」と呼ばれ、たとえば、黄土色のシートに白いクレヨンを使用して行うことができます。
塗装中
絵画では、キアロスクーロは色の使用に関連しています。
古代の絵画で使用され、ビザンチン美術や中世美術では重要性を失いました。そこでは、人物の象徴性はプラスチック空間のレリーフを必要としませんでした。光と影の効果を作成するために、せいぜい細かいハッチングを使用しました。
イタリアでは、13世紀の終わりに、チマブエは最も繊細な色合いの使用を復活させ、光の問題と、それが体のさまざまな部分、材料、異なる表面をさまざまな方法で照らす方法を再発見しました。この意味での傑作は、サンタクローチェの十字架でした。ジョットを使用すると、色合いの色合いの範囲が広くなり、実際の光にますます似たものになります。その後の画家たちはこれらの技法を開発し、キアロスクーロを19世紀まで絵画表現の重要な要素にしました。それ以来、印象派が最初に（純粋な光と色の絵画にリンクされて）、キュビストが（平面的で幾何学的な形状を再発見した）、キアロスクロの克服につながった。たとえば、マチスはそれなしで完全に成功した。
彫刻と建築
より一般的な意味では、キアロスクーロとは、表面で生成される光と影の遊びを意味します。たとえば、建築では、完全なボリュームと空のボリュームの遊びが平坦な表面の単調性に関して変化の効果を生み出すときのキアロスクーロについて話します。キアロスクーロの価値のある建物の例は、モデナ大聖堂の外観です。ファサードと側面を移動する目的でのみ偽のロッジアが作成されています。
また、彫刻では、レリーフが光と自然の影のコントラストを生成するときのキアロスクーロについて話します。キアロスクロは、彫刻の動きを表現したい場合の基本的な要素です。確かに、光と影の効果が強いほど、シーンはより騒然とします。最もよく知られている例には、ローマ美術のポルトナッチョの石棺、聖アンドリューの無罪の虐殺、ジョヴァンニピサーノの説教壇、ミケランジェロのケンタウロスの戦いなどがあります。
その他の芸術
キアロスクロの技法は、彫刻家だけでなく絵画でも人気がありましたが、長い間使われなくなっていました。20世紀前半の映画では、著しく構造化された構成の趣味とドイツの表現主義の衝撃的な構成によって、人気が再び生まれます。表現主義者たちは、主題の効果を高めるためにいくつかのプラスチック作品に来ましたが、エゴンシーレのクロスターノイブルクやオスカーココシュカのアドルフルースの肖像画などの写真では、映画でのキアロスクロの使用は、主にオリジナルの開発でした。フィルムの技術的な制限と音の不足を解決するために使用され、それを補うために強力な視覚的スタイルが必要でした。
ドイツの表現主義は短命です-存続しましたが、影響力のある作品は、キアロスクーロが中心的な役割を果たすFWムルナウのシンフォニー・デ・グラウエンス、ノスフェラトゥを望みます。ナチズムの台頭の結果としての多くのドイツの映画製作者の米国への転送は、アメリカの犯罪小説の物語の慣習と表現主義の視覚的影響力を組み合わせた映画ジャンルの開発につながります：フィルムノワール..異常な割合の影の使用（画面の最大90％、従来の50％から60％に対して）と劇的な工夫としての使用-示唆的な方法で要素を暗くするか、画面に画面を表示する目に見えないオブジェクトのシルエット—フィルムノワールは、キアロスクーロをビジュアルメディアとして使用して、テーマの道徳的な曖昧さを発達させました。マルタの鷹のような映画では、
映画と写真
Chiaroscuroは、映画で特に極端に低いキーと高いコントラストの照明を示すために使用され、フィルム、特に白黒フィルムに明暗の異なる領域を作成します。古典的な例は、カリガリ博士の内閣（1920年）、ノスフェラトゥ（1922年）、メトロポリス（1927年）、ノートルダムの鐘（1939年）、悪魔とダニエルウェブスター（1941年）、アンドレイタルコフスキーのストーカーの白黒シーンです。 （1979）。
たとえば、メトロポリスでは、明暗の照明を使用して、明るい部分と暗い部分のシーンとシーンのコントラストを作成します。この効果は主に、資本主義エリートと労働者の違いを強調することです。
写真では、「レンブラント照明」を使用してキアロスクーロを実現できます。より高度に開発された写真プロセスでは、この手法は「アンビエント/ナチュラルライティング」と呼ばれることもありますが、効果のためにそうした場合、外観は人工的であり、一般にドキュメンタリーではありません。特に、ビルヘンソンは、W。ユージーンスミス、ジョセフクデルカ、ギャリーウィノグラン、ローターウォレー、アニーリーボヴィッツ、フローリアシジスモンディ、ラルフギブソンなどの他の人と一緒に、ドキュメンタリー写真におけるキアロスクロの現代の巨匠の1人と見なされます。
おそらく、映画制作におけるキアロスクーロの最も直接的な使用目的は、スタンリーキューブリックの1975年の映画バリーリンドンでしょう。キャンドルライトのみを使用して壮大な宮殿を舞台にした衣装ドラマを撮影するのに十分な口径のレンズが現在ないことを知らされたとき、キューブリックはこれらの目的のために特別なレンズを購入して改造しました：改良されたミッチェルBNCカメラと厳しい宇宙用に製造されたツァイスレンズ写真、f / 0.7の最大絞り値。映画の自然に補われていない照明状況は、東ヨーロッパ/ソビエト映画製作の伝統の外で最も極端な映画作品の控えめで自然な照明を例証しました（それ自体、ソビエト映画製作者セルゲイアイゼンシュタインによって採用された過酷な控えめな照明スタイルによって例証されています）。
Ingmar Bergmanの長年の協力者であるSven Nykvistも、キアロスクーロのリアリズムで彼の写真の多くを知らせました。グレッグトーランドもそうです。窓や出入り口を貫通する地平線レベルのキー照明。有名なフィルムノワールの伝統の多くは、キランドロスロに関連する30年代初頭に完成したTolandの手法に依存しています（ただし、ハイキー照明、舞台照明、正面照明、およびその他の効果は、キアロスクロの主張を損なうように散在しています）。