L’illuminazione è un concetto importante nelle arti visive. L’illuminazione del soggetto di un disegno o di un dipinto è un elemento chiave nella creazione di un’opera artistica e il gioco di luci e ombre è un metodo prezioso nella cassetta degli attrezzi dell’artista. Il posizionamento delle sorgenti luminose può fare una notevole differenza nel tipo di messaggio che viene presentato. Molteplici fonti di luce possono eliminare le rughe dal viso di una persona, ad esempio, e dare un aspetto più giovane. Al contrario, una singola fonte di luce, come la dura luce del giorno, può servire per evidenziare qualsiasi consistenza o caratteristiche interessanti. L’elaborazione dell’illuminazione è un concetto importante nella visione artificiale e nella computer grafica.

Il chiaroscuro, in arte, è l’uso di forti contrasti tra chiaro e scuro, contrasti solitamente audaci che interessano un’intera composizione. È anche un termine tecnico usato da artisti e storici dell’arte per l’uso di contrasti di luce per ottenere un senso di volume nella modellazione di oggetti e figure tridimensionali. Effetti simili nel cinema e nella fotografia sono anche chiamati chiaroscuro.

Ulteriori usi specializzati del termine includono la xilografia in chiaroscuro per xilografie colorate stampate con blocchi diversi, ciascuno con un inchiostro colorato diverso; e disegno in chiaroscuro per disegni su carta colorata in un mezzo scuro con evidenziazione bianca.

Il principio fondamentale è che la solidità della forma si ottiene al meglio con la luce che cade contro di essa. Artisti noti per lo sviluppo della tecnica includono Leonardo da Vinci, Caravaggio e Rembrandt. È un pilastro della fotografia in bianco e nero e low-key. È uno dei modi di dipingere il colore nell’arte rinascimentale (insieme a cangiante, sfumato e unione). Artisti famosi per il loro uso del chiaroscuro includono Rembrandt, Caravaggio, Vermeer e Goya.

La tecnica si impone anche tra i manieristi, esempi di questo uso l’Ultima Cena del Tintoretto o Ritratto di due, che fa presagire composizioni Rembrandt. Il pittore olandese è stato uno dei più vistosi praticanti del chiaroscuro, utilizzando la luce nella sua composizione per evidenziare solo il suo oggetto specifico.

Il termine chiaroscuro italiano, anche se apparentemente significa lo stesso, è utilizzato più specificamente per una tecnica di incisione su legno, che attraverso lastre complementari dona colore alle immagini come se fossero dipinte l’acquerello. Il primo uso noto del termine, con questo significato, è attribuito all’incisore italiano del XVI secolo Ugo da Carpi, che avrebbe tratto l’idea da composizioni di origine tedesca o fiamminga. Altri incisori che lavorarono su questa tecnica furono Antonio da Trento e Andrea Andreani. Nelle acqueforti di Da Carpi l’effetto chiaroscurale evidenzia una figura centrale illuminata da una sorgente luminosa normalmente assente dal piano del dipinto; tuttavia, le zone scure non sono così accentuate come si sarebbe visto nei lavori delle principali emittenti di Chiaroscuro, Caravaggio e Giovanni Baglione.

Storia
La scoperta di tombe macedoni dal 1977 in poi mostra chiaramente la prova di una grandissima padronanza del chiaroscuro da parte dei più grandi pittori dell’antica Grecia. In questo, l’arte greca ellenistica si differenzia dai dipinti senza chiaroscuro che hanno preceduto: le ceramiche a figure nere e quelle a figure rosse, soluzioni grafiche più che pittoriche, che costituiscono la parte principale dei dipinti greci attualmente conservati. Le figure sono tracciate lì, da linee incise, incise o dipinte e grandi flatblack costituiscono la forma o lo sfondo. Il chiaroscuro è invece visibile nei dipinti ellenistici con una modellazione dai colori sfumati e dal tratteggio, secondo un metodo molto diverso dall’epoca moderna: come si può vedere sul braccio di Persefone, nella tomba della Vergina.

Origine nel disegno in chiaroscuro
Il termine chiaroscuro ha avuto origine durante il Rinascimento come disegno su carta colorata, dove l’artista ha lavorato dal tono di base della carta verso la luce usando la tempera bianca e verso l’oscurità usando inchiostro, colore del corpo o acquerello. Questi a loro volta hanno attinto alle tradizioni nei manoscritti miniati che risalgono ai manoscritti tardo imperiali romani su pergamena tinta di viola. Tali opere sono chiamate “disegni in chiaroscuro”, ma possono essere descritte nella terminologia dei musei moderni solo con formule come “penna su carta preparata, accentuata con il colore del corpo bianco”. Le xilografie in chiaroscuro sono nate come imitazioni di questa tecnica. Quando si parla di arte italiana, il termine a volte è usato per indicare immagini dipinte in monocromia o due colori, più generalmente conosciute in inglese dall’equivalente francese, grisaglia.

Dal Medioevo al Rinascimento
Secondo il processo tradizionale nel Medioevo, ancora consigliato da Cennino Cennini (1370-1440), la modellazione viene eseguita o per saturazione del colore locale, o per cambio di colore all’ombra (il cangiantismo), come lo si vede nell’affresco di Giotto a Padova. Dopo di lui, l’Alberti ha realizzato la “ricezione delle luci” la terza parte del dipinto, che preannuncia Leonardo da Vinci per l’importanza data alle ombre. Secondo André Chastel, per Vinci, “La preoccupazione per il“ rilievo ”porta al sacrificio del colore a favore della modellazione. Ma prepara al conflitto di contorno e riflessi che comincia a formarsi presto e che finisce in (lo) sfumato ”.

Daniel Arasse sviluppa questo momento in cui, più che parlare di “contorno”, evoca l’iscrizione di figure per geometria prospettica e il suo principio unificatore, che sarà sostituito dall’ombra come principio unificante del dipinto più importante della prospettiva. E quel colore “vero” è impossibile da percepire. Il chiaroscuro ((it): chiaroscuro) che vediamo su uno studio di panneggi del 1500-1508 raggiunge l’aspetto levigato della pietra, mediante un complesso lavoro a pennello, inchiostro nero e acquarello grigio, accentuato di bianco su azzurro carta lavata (lavaggio azzurro). Dall’inizio del Cinquecento il disegno in chiaroscuro viene eseguito su carta colorata a mezzitoni, e per le parti più chiare con evidenti riflessi.

Modellazione in chiaroscuro
L’uso più tecnico del termine chiaroscuro è l’effetto della modellazione della luce nella pittura, nel disegno o nella stampa, dove il volume tridimensionale è suggerito dalla gradazione di valore del colore e dalla divisione analitica delle forme di luce e ombra, spesso chiamata “ombreggiatura” . L’invenzione di questi effetti in Occidente, “skiagraphia” o “pittura delle ombre” per gli antichi greci, è stata tradizionalmente attribuita al famoso pittore ateniese del V secolo aC, Apollodoro. Sebbene siano sopravvissuti pochi dipinti della Grecia antica, la loro comprensione dell’effetto della modellazione della luce può ancora essere vista nei mosaici della fine del IV secolo a.C. di Pella, in Macedonia, in particolare il mosaico della caccia al cervo, nella casa del rapimento di Elena, inscritto gnosis epoesen, o “la conoscenza l’ha fatto”.

La tecnica sopravvisse anche in una forma standardizzata piuttosto rozza nell’arte bizantina e fu nuovamente raffinata nel Medioevo per diventare standard all’inizio del XV secolo nella pittura e nell’illuminazione di manoscritti in Italia e nelle Fiandre, per poi diffondersi in tutta l’arte occidentale.

Secondo la teoria della storica dell’arte Marcia B. Hall, che ha ottenuto un notevole consenso, il chiaroscuro è uno dei quattro modi di dipingere i colori a disposizione dei pittori italiani dell’Alto Rinascimento, insieme a cangiante, sfumato e unione.

Il dipinto di Raffaello illustrato, con luce proveniente da sinistra, mostra sia delicati chiaroscuri modellati per dare volume al corpo del modello, sia forti chiaroscuri nel senso più comune, nel contrasto tra il modello ben illuminato e lo sfondo molto scuro di fogliame. A complicare ulteriormente le cose, tuttavia, il chiaroscuro compositivo del contrasto tra modello e sfondo probabilmente non sarebbe descritto con questo termine, in quanto i due elementi sono quasi completamente separati. Il termine è usato principalmente per descrivere composizioni in cui almeno alcuni elementi principali della composizione principale mostrano la transizione tra luce e buio, come nei dipinti di Baglioni e Geertgen tot Sint Jans illustrati sopra e sotto.

La modellazione in chiaroscuro è ormai scontata, ma ha avuto alcuni avversari; vale a dire: il ritratto miniaturista inglese Nicholas Hilliard ammonì nel suo trattato sulla pittura contro tutto, tranne l’uso minimo che vediamo nelle sue opere, riflettendo le opinioni della sua protettrice, la regina Elisabetta I d’Inghilterra: “vedere che il meglio per mostrarsi non ha bisogno dell’ombra del luogo ma piuttosto la luce aperta … Sua Maestà … ha scelto il suo posto per sedersi a tale scopo nel vicolo aperto di un bel giardino, dove nessun albero era vicino, né alcuna ombra … ”

Nei disegni e nelle stampe, la modellazione del chiaroscuro viene spesso ottenuta mediante l’uso del tratteggio o dell’ombreggiatura con linee parallele. Lavaggi, effetti di punteggiatura o punteggiatura e “tonalità di superficie” nell’incisione sono altre tecniche.

Xilografie in chiaroscuro
Le xilografie in chiaroscuro sono stampe antiche in xilografia che utilizzano due o più blocchi stampati in diversi colori; non presentano necessariamente forti contrasti di luce e buio. Sono stati inizialmente prodotti per ottenere effetti simili ai disegni in chiaroscuro. Dopo alcuni primi esperimenti nella stampa di libri, la vera xilografia in chiaroscuro concepita per due blocchi fu probabilmente inventata per la prima volta da Lucas Cranach il Vecchio in Germania nel 1508 o 1509, anche se retrodatò alcune delle sue prime stampe e aggiunse blocchi di tono ad alcune stampe prodotte per la prima volta per la stampa monocromatica, rapidamente seguita da Hans Burgkmair il Vecchio. Nonostante la rivendicazione del Vasari per la precedenza italiana in Ugo da Carpi, è chiaro che i suoi, i primi esempi italiani, risalgono al 1516 circa Ma altre fonti suggeriscono, la prima xilografia in chiaroscuro per essere il Trionfo di Giulio Cesare,

Altri incisori che hanno utilizzato questa tecnica includono Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien e Parmigianino. In Germania, la tecnica raggiunse la sua massima popolarità intorno al 1520, ma fu utilizzata in Italia per tutto il XVI secolo. Gli artisti successivi come Goltzius a volte ne fecero uso. Nella maggior parte delle stampe tedesche a due blocchi, il blocco dei tasti (o “blocco di riga”) era stampato in nero e il blocco o i blocchi di tonalità avevano aree di colore piatte. In Italia, le xilografie in chiaroscuro sono state prodotte senza blocchi di tasti per ottenere un effetto molto diverso.

Chiaroscuro compositivo al Caravaggio
L’illuminazione dei manoscritti è stata, come in molte aree, particolarmente sperimentale nel tentare ambiziosi effetti di illuminazione poiché i risultati non erano per la visualizzazione pubblica. Lo sviluppo del chiaroscuro compositivo ha ricevuto un notevole impulso nel nord Europa dalla visione della Natività di Gesù di santa Brigida di Svezia, una mistica molto popolare. Descrisse che il bambino Gesù emetteva luce; le raffigurazioni riducevano sempre più le altre fonti di luce nella scena per enfatizzare questo effetto, e la Natività rimase molto comunemente trattata con il chiaroscuro fino al barocco. Hugo van der Goes ei suoi seguaci dipinsero molte scene illuminate solo dalla candela o dalla luce divina del Cristo bambino. Come con alcuni pittori successivi, nelle loro mani l’effetto era di quiete e calma piuttosto che il dramma con cui sarebbe stato usato durante il barocco.

Il forte chiaroscuro divenne un effetto popolare durante il XVI secolo nel Manierismo e nell’arte barocca. La luce divina continuava ad illuminare, spesso in modo inadeguato, le composizioni di Tintoretto, Veronese e dei loro numerosi seguaci. L’uso di soggetti scuri drammaticamente illuminati da un raggio di luce proveniente da un’unica fonte ristretta e spesso invisibile, era un dispositivo compositivo sviluppato da Ugo da Carpi (c.1455 – c.1523), Giovanni Baglione (1566–1643) e Caravaggio (1571–1610), l’ultimo dei quali fu cruciale nello sviluppo dello stile del tenebrismo, dove il chiaroscuro drammatico diventa un dispositivo stilistico dominante.

Età barocca
Al contrario, parliamo di tenebrismo quando le parti chiare si accostano immediatamente a parti molto scure senza degradarsi, creando effetti di contrasti, e l’ombra domina l’intera immagine. Questo è particolarmente il caso dell’opera di Caravaggio, che svilupperà la pratica all’inizio del XVII secolo. La sistematizzazione dei chiaroscuri più accentuati ha un significato nella pittura di Caravaggio: il mondo terrestre è immerso nell’oscurità, nell’ignoranza, mentre l’intrusione divina è segnalata dalla luce su un’azione significativa. Questo processo permette di aumentare la tensione drammatica, di congelare gli atteggiamenti in un momento preciso, di dare l’illusione del rilievo con un volume fortemente marcato – che testimonia il saper fare dell’artista.

Il Caravaggio, particolarmente visibile nei dipinti del francese Valentin de Boulogne, non è da considerare solo in termini di giochi di luce, chiaroscuro drammatico. Il metodo messo a punto dal seguace di Caravaggio, Bartolomeo Manfredi, tiene conto di alcuni soggetti privilegiati, come gruppi di musicisti in costumi d’epoca, dipinti in scala di uno (1/1), in primo piano, ecc. i pittori che hanno fatto il viaggio in Italia e che sono riuniti in una scuola di Utrecht, Honthorst, ter Brugghen, Baburen, hanno adottato questo metodo. Nelle Fiandre il fenomeno è più limitato e interpretato con molta più libertà perché questi artisti non fecero il viaggio in Italia, a parte Louis Finson, ma che trascorse gran parte della sua carriera in Italia e poi in Francia .. L’artista più famoso di questi fiamminghi oggi sono Jordaens, ma è molto distante dal caravagismo. Arriverà un’onda lontana, ma in modo più complesso e diffuso fino a Jan Lievens e Rembrandt, o anche a Vermeer. Ma tutti questi artisti ovviamente praticano il chiaroscuro, come tutti i loro contemporanei.

Periodo classico
Come la maggior parte dei concetti in pittura, il chiaroscuro è oggetto di aspre discussioni in Francia. Il classico francese condanna i contrasti di Caravaggio, perché interferiscono con la presentazione di una forma nobile, perfetta. Nel 1765 Diderot, così come Watelet, definì il chiaroscuro un problema tecnico ed estetico: “la giusta distribuzione delle ombre e delle luci”. Disapprova gli “effetti di luce” ed esalta una “distribuzione graduata” e la “verità delle luci”. Il chiaroscuro, in un paesaggio, include la prospettiva atmosferica; nel ritratto crea l’illusione del volume.

XVII e XVIII secolo
Il tenebrismo era particolarmente praticato in Spagna e nel Regno di Napoli governato dagli spagnoli, da Jusepe de Ribera e dai suoi seguaci. Adam Elsheimer (1578–1610), un artista tedesco residente a Roma, produsse diverse scene notturne illuminate principalmente dal fuoco e talvolta dalla luce della luna. A differenza di Caravaggio, le sue aree scure contengono dettagli e interesse molto sottili. Le influenze di Caravaggio ed Elsheimer furono forti su Peter Paul Rubens, che sfruttò i rispettivi approcci alla tenebrosità per ottenere effetti drammatici in dipinti come The Raising of the Cross (1610–1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), artista barocca seguace di Caravaggio, fu anche un’eccezionale esponente del tenebrismo e del chiaroscuro.

Un genere particolare che si sviluppò fu la scena notturna illuminata a lume di candela, che guardava indietro ai primi artisti del nord come Geertgen tot Sint Jans e, più immediatamente, alle innovazioni di Caravaggio ed Elsheimer. Questo tema si è svolto con molti artisti dei Paesi Bassi nei primi decenni del XVII secolo, dove è stato associato ai Caravaggisti di Utrecht come Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen, e con pittori barocchi fiamminghi come Jacob Jordaens. Anche i primi lavori di Rembrandt van Rijn (1606–1669) del 1620 adottarono la sorgente di luce a candela singola. La scena notturna a lume di candela riemerse nella Repubblica olandese alla metà del XVII secolo su scala minore nelle opere di fijnschilders come Gerrit Dou e Gottfried Schalken.

L’interesse di Rembrandt per gli effetti dell’oscurità si spostò nelle sue opere mature. Si affidava meno ai forti contrasti di luce e buio che contrassegnavano le influenze italiane della generazione precedente, un fattore che si trova nelle sue acqueforti della metà del XVII secolo. In quel mezzo condivideva molte somiglianze con il suo contemporaneo in Italia, Giovanni Benedetto Castiglione, il cui lavoro nell’incisione lo ha portato a inventare il monotipo.

Al di fuori dei Paesi Bassi, artisti come Georges de La Tour e Trophime Bigot in Francia e Joseph Wright di Derby in Inghilterra, continuarono con un chiaroscuro così forte, ma graduale, a lume di candela. Watteau usava un delicato chiaroscuro negli sfondi frondosi delle sue fêtes galantes, e questo fu continuato nei dipinti di molti artisti francesi, in particolare Fragonard. Alla fine del secolo Fuseli e altri usarono un chiaroscuro più pesante per un effetto romantico, come fecero Delacroix e altri nell’Ottocento.

Fotografia del xix e xx secolo
La fotografia, appena messa a fuoco, intorno al 1850, è solo chiaroscuro. Questo fenomeno viene riprodotto fino ai pittorialisti che si divertiranno a produrre effetti vicini alla pittura e al disegno. Il loro metodo consiste nel giocare con tutti i parametri possibili del dispositivo fotografico: la macchina fotografica e il suo obiettivo, la luce in relazione al soggetto inquadrato, le carte e i componenti fotosensibili, il lavoro di laboratorio e il ritocco sempre possibile. Alfred Stieglitz è stato uno dei grandi promotori di questa pratica fotografica. Ma il suo Entrepont manifesta un classico chiaroscuro, tutto in sfumature. La fotografia entra nella modernità attraverso la chiara espressione della situazione sociale nella scelta dell’inquadratura e con la parte chiara dell’upper deck riservata ai ricchi viaggiatori, e il lower deck e le sue zone buie, riservate ai migranti indigenti.

Il controluce, nel ritratto di Rodin di Edward Steichen, riserva il chiaroscuro sullo sfondo, su cui spicca la figura in una silhouette totalmente nera. Paul Strand (Wall Street. New York City [1915]), e più ancora Walker Evans, nelle sue vedute delle facciate, intorno al 1929, sono due buoni esempi eccezionali in cui il chiaroscuro è stato quasi completamente eliminato. Le Polaroid di Andy Warhol e l’operazione di dipingere quadri in serigrafia fanno parte dello stesso processo che elimina le sfumature del chiaroscuro, mantenendo unite solo le tinte piatte del colore o del nero.

Quanto a Degas, il fotografo, nelle sue fotografie, i suoi ritratti non possono essere paragonati a ritratti pittorialisti, “i suoi chiaroscuri sembrano annunciare i ritratti realizzati da Edward Steichen, intorno al 1900-1905”.

Dipinto xix e xx secolo
La questione della rappresentazione della luce e dell’ombra ha trovato altre soluzioni nell’arte moderna con i dipinti degli impressionisti e dei postimpressionisti che sfruttano il valore tonale dei colori. Abbiamo anche modernizzato vecchie soluzioni, come quando Franz Marc applica un colore arbitrario alla forma che rappresenta e semplifica la rappresentazione del modello. Questo è stato fatto in precedenza, nella pittura di Giotto, ad esempio, ma mentre Giotto alla fine ha usato un altro colore, a seconda del suo valore tonale, Marc usa semplicemente lo stesso colore, che è più “scuro” pur rimanendo “puro”.

Applicazione
L’uso francese del termine, clair-oscur, fu introdotto dal critico d’arte del diciassettesimo secolo Roger de Piles nel corso di un famoso argomento (Débat sur le coloris), sui relativi meriti del disegno e del colore nella pittura (il suo Dialogues sur le coloris, 1673, è stato un contributo chiave al Débat).

In inglese, il termine italiano è stato utilizzato almeno dalla fine del XVII secolo. Il termine è usato meno frequentemente nell’arte dopo la fine del XIX secolo, sebbene gli espressionisti e altri movimenti moderni facciano un grande uso dell’effetto.

Tanto più che la forte ascesa novecentesca della fama di Caravaggio, nell’uso non specialistico il termine è usato principalmente per forti effetti chiaroscurali come il suo o quello di Rembrandt. Come dice la Tate: “Il chiaroscuro viene generalmente notato solo quando è un elemento particolarmente importante dell’opera, di solito quando l’artista usa contrasti estremi di luci e ombre”. Anche la fotografia e il cinema hanno adottato il termine. Per la storia del termine, vedere René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d’un mot (Nogent-le-Roi, 1979).

Tenebrismo
Lo stile chiamato tenebrismo non è altro che un’applicazione radicale del chiaroscuro per cui risaltano solo le figure tematicamente centrali illuminate da uno sfondo generalmente scuro. Non si sa se, a causa dell’influenza del Caravaggio o per uno sviluppo parallelo, lo stile sarebbe diventato molto importante nella pittura spagnola della fine del XVI e dell’inizio del XVII secolo per opera del catalano Francisco Ribalta. Ribalta userà il colore e la luce per dare volume alle figure e per mettere in risalto gli attori nei suoi affreschi religiosi, alcuni di grande bellezza; insegnante di talento, il suo stile avrebbe influenzato quello di suo figlio Juan Ribalta, morto prematuramente, e Vicente Castelló. Indirettamente peserebbe anche su Zurbarán e sul più importante dei tenebristi spagnoli, José de Ribera; quest’ultima porterebbe a maturità lo stile,

Nel disegno
Il chiaroscuro in senso stretto è legato all’arte grafica, ed è tecnicamente il passo successivo al disegno lineare. A volte la relazione temporale tra il disegno di linee e luci / ombre può essere invertita, a partire da queste ultime.

Attraverso il chiaroscuro è possibile dare un’idea di volumi, materiali, spazi. Esistono varie tecniche, che vanno da quelle che permettono di vedere il segno (tratteggio, linee continue, ecc.) A quelle che lo rendono invisibile (ombreggiatura, passaggi graduali, ecc.). Il chiaroscuro può essere applicato solo dipingendo le ombre, con uno o più colori (carboncino, sanguigno, ecc.) O schiarendo le luci rispetto al colore del supporto. La stesura delle luci si chiama “evidenziazione” e può essere eseguita, ad esempio, utilizzando un pastello bianco su un foglio ocra.

Nella pittura
Nella pittura il chiaroscuro è legato all’uso dei colori.

Utilizzato nella pittura antica, ha perso la sua importanza nell’arte bizantina e medievale, dove il simbolismo delle figure non necessitava di un rilievo plastico-spaziale. Per creare effetti di luci e ombre si utilizzava al massimo un tratteggio, a grana più o meno fine.

In Italia, alla fine del XIII secolo, Cimabue ripropone l’uso delle tonalità più delicate, riscoprendo il problema della luce e il modo in cui essa illumina in modi diversi le diverse parti di un corpo, i materiali e le superfici disparate. Un capolavoro in questo senso è stato il Crocifisso di Santa Croce. Con Giotto la gamma cromatica delle sfumature si amplia, arrivando ad assomigliare sempre di più alla luce reale. Pittori successivi svilupparono queste tecniche, facendo del chiaroscuro un elemento essenziale della rappresentazione pittorica fino all’Ottocento. Da allora gli impressionisti prima (legati a una pittura di luce e colore puri) e poi i cubisti (che hanno riscoperto forme piatte e geometriche) hanno portato al superamento del chiaroscuro: Matisse ad esempio ne ha fatto completamente a meno.

Nella scultura e nell’architettura
In senso più generale si parla di chiaroscuro, inteso come gioco di luci e ombre che si produce sulle superfici. Ad esempio in architettura si parla di chiaroscuro quando il gioco di volumi pieni e vuoti crea un effetto di variazione rispetto alla monotonia di una superficie piana. Un esempio di edificio con valori in chiaroscuro è l’esterno del Duomo di Modena, con le false logge realizzate al solo scopo di spostare facciata e lati.

Anche in scultura si parla di chiaroscuro quando il rilievo genera un contrasto tra luce e ombra naturale, che può forse far risaltare le figure e far risaltare alcuni dettagli. Il chiaroscuro è un elemento fondamentale quando si vuole rappresentare il movimento nella scultura; anzi, più forti sono gli effetti di luci e ombre, più tumultuosa sarà la scena. Tra gli esempi più noti ci possono essere il sarcofago di Portonaccio dell ‘arte romana, la Strage degli Innocenti di Sant’Andrea il pulpito di Giovanni Pisano, oppure la Battaglia dei Centauri di Michelangelo.

Altre arti
La tecnica del chiaroscuro era popolare tra gli incisori così come la pittura, ma cadde in disuso per un lungo periodo. Raggiungerebbe una rinascita popolarità nel cinema della prima metà del XX secolo, attraverso il gusto per le composizioni marcatamente strutturate e il trucco scioccante dell’espressionismo tedesco; sebbene alcune opere plastiche espressioniste vi si fossero rivolte per migliorare l’effetto dei loro soggetti -in immagini come Klosterneuburg di Egon Schiele o il ritratto di Adolf Loos di Oskar Kokoschka-, l’uso del chiaroscuro nel cinema era in gran parte uno sviluppo originale, che fu utilizzato per risolvere i limiti tecnici del film e la mancanza di suono, che ha richiesto una forte stilizzazione visiva per compensare.

L’espressionismo tedesco avrebbe vita breve ma opere influenti come Nosferatu, eine Symphonie des Grauens di FW Murnau, in cui il chiaroscuro gioca un ruolo centrale. Il trasferimento di molti registi tedeschi negli Stati Uniti come conseguenza dell’ascesa del nazismo porterebbe allo sviluppo di un genere cinematografico che combinava le convenzioni narrative della fiction poliziesca americana con l’influenza visiva dell’Espressionismo: il film noir. uso di proporzioni insolite di ombra (fino al 90% dello schermo, contro il 50% convenzionale al 60%) e il suo uso come un artificio drammatico – sia oscurando gli elementi in modo suggestivo, sia portando sullo schermo il sagoma di un oggetto invisibile – il film noir ha utilizzato il chiaroscuro come mezzo visivo per sviluppare l’ambiguità morale dei suoi temi. In film come Il falco maltese,

Cinema e fotografia
Il chiaroscuro è utilizzato anche in cinematografia per indicare un’illuminazione estremamente bassa e ad alto contrasto per creare aree distinte di luce e oscurità nei film, specialmente nei film in bianco e nero. Esempi classici sono The Cabinet of Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis (1927) The Hunchback of Notre Dame (1939), The Devil and Daniel Webster (1941), e le scene in bianco e nero in Stalker di Andrei Tarkovsky (1979).

Ad esempio, in Metropolis, l’illuminazione in chiaroscuro viene utilizzata per creare contrasto tra mise-en-scene e figure chiare e scure. L’effetto di questo è principalmente quello di evidenziare le differenze tra l’elite capitalista e i lavoratori.

In fotografia, il chiaroscuro può essere ottenuto con l’uso dell ‘”illuminazione Rembrandt”. In processi fotografici più sviluppati, questa tecnica può anche essere definita “illuminazione ambientale / naturale”, sebbene quando viene eseguita per l’effetto, l’aspetto è artificiale e generalmente non documentario. In particolare, Bill Henson insieme ad altri, come W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi e Ralph Gibson possono essere considerati alcuni dei moderni maestri del chiaroscuro nella fotografia documentaria.

Forse l’uso previsto più diretto del chiaroscuro nel cinema sarebbe il film di Stanley Kubrick del 1975 Barry Lyndon. Quando fu informato che nessun obiettivo aveva attualmente un’apertura abbastanza ampia per girare un dramma in costume ambientato in grandi palazzi usando solo la luce delle candele, Kubrick acquistò e adattò un obiettivo speciale per questi scopi: una fotocamera Mitchell BNC modificata e un obiettivo Zeiss fabbricato per i rigori dello spazio fotografia, con un’apertura massima di f / .7. Le situazioni di illuminazione naturalmente non aumentate nel film hanno esemplificato l’illuminazione naturale e di basso profilo nella produzione cinematografica nella sua forma più estrema al di fuori della tradizione cinematografica europea orientale / sovietica (a sua volta esemplificata dal duro stile di illuminazione basso impiegato dal regista sovietico Sergei Eisenstein).

Sven Nykvist, il collaboratore di lunga data di Ingmar Bergman, ha anche informato gran parte della sua fotografia con il realismo del chiaroscuro, così come Gregg Toland, che ha influenzato cineasti come László Kovács, Vilmos Zsigmond e Vittorio Storaro con il suo uso di una messa a fuoco profonda e selettiva aumentata con una forte illuminazione chiave a livello dell’orizzonte che penetra attraverso le finestre e le porte. Gran parte della celebre tradizione del film noir si basa su tecniche perfezionate da Toland all’inizio degli anni Trenta che sono legate al chiaroscuro (sebbene l’illuminazione high-key, l’illuminazione del palcoscenico, l’illuminazione frontale e altri effetti siano intervallati in modi che diminuiscono l’affermazione del chiaroscuro).