조명은 시각 예술에서 중요한 개념입니다. 그림이나 그림의 주제를 조명하는 것은 예술 작품을 만드는 데 핵심 요소이며 빛과 그림자의 상호 작용은 작가의 도구 상자에서 중요한 방법입니다. 광원의 배치는 표시되는 메시지 유형에 상당한 차이를 만들 수 있습니다. 예를 들어 여러 광원은 사람의 얼굴에있는 주름을 씻어내어 더 젊어 보이게 할 수 있습니다. 대조적으로, 거친 일광과 같은 단일 광원은 모든 질감이나 흥미로운 특징을 강조하는 데 사용할 수 있습니다. 조명 처리는 컴퓨터 비전 및 컴퓨터 그래픽에서 중요한 개념입니다.

예술에서 Chiaroscuro는 빛과 어둠 사이의 강한 대비를 사용하며 일반적으로 전체 구성에 영향을 미치는 대담한 대비를 사용합니다. 또한 3 차원 물체와 인물을 모델링 할 때 볼륨 감을 얻기 위해 빛의 대비를 사용하기 위해 예술가와 미술사 학자들이 사용하는 기술 용어입니다. 영화와 사진에서 유사한 효과를 chiaroscuro라고도합니다.

이 용어의 추가 특수 용도에는 각각 다른 색의 잉크를 사용하는 다른 블록으로 인쇄 된 색이있는 목판에 대한 chiaroscuro 목판; 흰색 강조 표시와 함께 어두운 매체의 색종이에 그림을 그리는 chiaroscuro.

근본적인 원칙은 형태의 견고 함은 빛에 반사되는 빛에 의해 가장 잘 달성된다는 것입니다. 이 기술을 개발 한 것으로 알려진 예술가로는 Leonardo da Vinci, Caravaggio 및 Rembrandt가 있습니다. 흑백 및 낮은 키 사진의 주류입니다. 르네상스 미술의 색상 페인팅 모드 중 하나입니다 (cangiante, sfumato 및 unione와 함께). chiaroscuro 사용으로 잘 알려진 예술가로는 Rembrandt, Caravaggio, Vermeer 및 Goya가 있습니다.

이 기술은 또한 manieristas 사이에 부과되며,이 예에서는 렘브란트 작곡을 조장하는 Tintoretto의 최후의 만찬 또는 두 사람의 초상화를 사용합니다. 네덜란드 화가는 자신의 특정 대상만을 강조하기 위해 그의 구도에서 빛을 사용하여 가장 눈에 띄는 chiaroscuro 수행자 중 한 명입니다.

이탈리아어 chiaroscuro라는 용어는 분명히 동일한 의미이지만 목판화 에칭 기술에 더 구체적으로 사용됩니다.이 기술은 보완 판을 통해 마치 수채화를 칠한 것처럼 이미지에 색상을 부여합니다. 이 의미를 가진 용어의 첫 번째 사용은 독일 또는 플랑드르 기원의 구성에서 아이디어를 취했을 16 세기 이탈리아 조각사 Ugo da Carpi에 기인합니다. 이 기술을 작업 한 다른 조각가는 Antonio da Trento와 Andrea Andreani입니다. Da Carpi의 에칭에서 chiaroscuro 효과는 일반적으로 그림의 평면에없는 광원에 의해 조명 된 중심 인물을 강조합니다. 그러나 어두운 영역은 Chiaroscuro, Caravaggio 및 Giovanni Baglione의 주요 방송사의 작업에서 볼 수있는 것처럼 강조되지 않습니다.

역사
1977 년 이후로 마케도니아 무덤의 발견은 고대 그리스의 가장 위대한 화가들에 의해 키아로 스쿠로에 대한 매우 위대한 숙달의 증거를 분명히 보여줍니다. 이 점에서 헬레니즘 그리스 미술은 그 이전의 chiaroscuro가없는 그림 들과는 다릅니다 : 검은 그림 도자기와 붉은 그림이있는 그림, 현재 보존되어있는 그리스 그림의 주요 부분을 구성하는 그림 이상의 그래픽 솔루션. 그림은 절개, 각인 또는 페인트 선으로 추적되어 있으며 큰 플랫 블랙은 형태 또는 배경을 구성합니다. 반면에 Chiaroscuro는 페르세포네의 팔, Vergina의 무덤에서 볼 수 있듯이 현대 시대와 매우 다른 방법에 따라 뉘앙스 된 색상과 부화로 모델링 한 헬레니즘 그림에서 볼 수 있습니다.

chiaroscuro 그림의 기원
chiaroscuro라는 용어는 르네상스 시대에 색종이에 그림을 그리는 것으로 시작되었으며, 예술가는 종이의 기본 톤에서 흰색 구 아슈를 사용하여 빛으로, 잉크, 바디 컬러 또는 수채화를 사용하여 어두운쪽으로 작업했습니다. 이들은 차례로 자주색으로 염색 된 양피지에있는 후기 로마 제국 사본으로 돌아가는 조명 사본의 전통을 이끌어 냈습니다. 이러한 작품은 “키아로 스쿠로 드로잉”이라고 불리지 만 “준비된 종이에 펜, 흰색 바디 컬러로 강화”와 같은 공식으로 현대 박물관 용어로만 설명 될 수 있습니다. Chiaroscuro 목판화는이 기술의 모방으로 시작되었습니다. 이탈리아 예술을 논의 할 때이 용어는 때때로 단색 또는 두 가지 색상으로 칠해진 이미지를 의미하는 데 사용되며, 일반적으로 프랑스와 동등한 grisaille에 의해 영어로 알려져 있습니다.

중세부터 르네상스까지
Cennino Cennini (1370-1440)가 여전히 조언하는 중세의 전통적인 과정에 따르면 모델링은 지역 색상의 채도 또는 그늘의 색상 변경 ((그것) cangiantismo)에 의해 수행됩니다. 파도바에있는 조토의 프레스코 화에서 그것을 본다. 그 후 Alberti는 그림의 세 번째 부분에“빛의 수용”을 만들었으며, 그림자에 주어진 중요성으로 Leonardo da Vinci를 예고했습니다. André Chastel에 따르면 Vinci의 경우 “”구제 “에 대한 관심은 모델링에 유리한 색상 희생으로 이어집니다. 그러나 그것은 초기에 공식화되기 시작하고 (it) sfumato로 끝나는 등고선과 반사의 충돌에 대비합니다.

다니엘 아라스는 ‘개요’를 말하는 것이 아니라 원근법보다 더 중요한 그림의 통일 원리로서 그림자로 대체 될 원근 기하학과 통일 원리로 인물의 비문을 불러 일으키는이 순간을 전개한다. 그리고 그 “진정한”색상은 지각 할 수 없습니다. 1500-1508 년의 휘장 연구에서 볼 수있는 chiaroscuro ((it) : chiaroscuro)는 브러시, 검정 잉크 및 회색 세척을 사용한 복잡한 작업을 통해 돌의 광택면에 도달하고 밝은 파란색에 흰색으로 강조 표시됩니다. 세척 된 종이 (하늘색 세척). 16 세기 초부터 chiaroscuro 드로잉은 하프 톤으로 착색 된 종이와 선명한 하이라이트가있는 밝은 부분에 대해 수행됩니다.

Chiaroscuro 모델링
chiaroscuro라는 용어의보다 기술적 인 사용은 페인팅, 드로잉 또는 판화에서 조명 모델링의 효과입니다. 여기서 3 차원 볼륨은 색상의 값 그라데이션과 빛과 그림자 모양의 분석적 구분 (종종 “음영”이라고 함)에 의해 제안됩니다. . 고대 그리스인에게 “스키 아그라 피아”또는 “그림자 그림”과 같은 서양에서 이러한 효과의 발명은 전통적으로 기원전 5 세기의 유명한 아테네 화가 인 아폴로도 로스에게 귀속되었습니다. 고대 그리스 그림이 거의 살아남지 못했지만 빛 모델링의 효과에 대한 그들의 이해는 기원전 4 세기 후반 마케도니아 펠라의 모자이크, 특히 헬렌 납치의 집에있는 사슴 사냥 모자이크에서 볼 수 있습니다. gnosis epoesen, 또는 ‘knowledge did it’.

이 기술은 또한 비잔틴 미술에서 다소 조잡한 표준화 된 형태로 살아남 았으며 중세 시대에 다시 정제되어 이탈리아와 플랑드르의 회화 및 원고 조명에서 15 세기 초에 표준이 된 다음 모든 서양 미술로 퍼졌습니다.

상당한 수용을 얻은 미술사 학자 Marcia B. Hall의 이론에 따르면 chiaroscuro는 cangiante, sfumato 및 unione와 함께 이탈리아의 High Renaissance 화가가 사용할 수있는 네 가지 그림 색상 모드 중 하나입니다.

왼쪽에서 빛이 비추는 그림의 Raphael 그림은 밝은 모델과 매우 어두운 배경 사이의 대비에서 모델의 몸에 볼륨을주는 섬세한 모델링 chiaroscuro와 더 상식적인 강한 chiaroscuro를 모두 보여줍니다. 단풍 그러나 문제를 더욱 복잡하게하기 위해, 모델과 배경 사이의 대조에 대한 구성적인 chiaroscuro는 두 요소가 거의 완전히 분리되어 있기 때문에이 용어를 사용하여 설명하지 않을 것입니다. 이 용어는 위와 아래에 설명 된 Baglioni와 Geertgen tot Sint Jans 그림에서와 같이 주 구성의 적어도 일부 주요 요소가 밝고 어두운 사이의 전환을 보여주는 구성을 설명하는 데 주로 사용됩니다.

Chiaroscuro 모델링은 이제 당연한 것으로 받아 들여졌지만 일부 반대자들이있었습니다. 즉, 영국의 초상화 미니어처 니콜라스 힐 리아드 (Nicholas Hilliard)는 자신의 수호자 인 영국 엘리자베스 1 세 여왕의 견해를 반영하여 그의 작품에서 우리가 보는 최소한의 사용을 제외한 모든 것에 반대하는 회화에 대한 그의 논문에서 경고했습니다. 그러나 오히려 열린 빛이 … 폐하 … 그 목적을 위해 나무도없고 그림자도 전혀없는 멋진 정원의 열린 골목에 앉을 자리를 선택했습니다 … ”

도면과 인쇄물에서 chiaroscuro 모델링은 종종 해칭을 사용하거나 평행선에 의한 음영 처리를 통해 이루어집니다. 워시, 점각 효과 또는 도트 효과 및 판화의 “표면 톤”은 다른 기술입니다.

Chiaroscuro 목판화
Chiaroscuro 목판화는 서로 다른 색상으로 인쇄 된 두 개 이상의 블록을 사용하는 목판화의 오래된 마스터 프린트입니다. 빛과 어둠의 강한 대비가 반드시 필요한 것은 아닙니다. 그들은 chiaroscuro 도면과 유사한 효과를 얻기 위해 처음 제작되었습니다. 책 인쇄에 대한 초기 실험 후, 두 블록에 대해 고안된 진정한 chiaroscuro 목판화는 1508 년 또는 1509 년에 독일의 장로 Lucas Cranach에 의해 처음 발명되었을 것입니다. 흑백 인쇄의 경우 즉시 Hans Burgkmair the Elder가 뒤를이었습니다. Vasari의 Ugo da Carpi에서 이탈리아 우선권에 대한 주장에도 불구하고 그의 첫 번째 이탈리아 사례는 1516 년경으로 거슬러 올라갑니다. 그러나 다른 소식통에 따르면 Julius Caesar의 승리 인 최초의 chiaroscuro 목판화는 다음과 같습니다.

이 기술을 사용한 다른 판화 제작자로는 Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien 및 Parmigianino가 있습니다. 독일에서이 기술은 1520 년경에 가장 큰 인기를 얻었지만 16 세기에 걸쳐 이탈리아에서 사용되었습니다. Goltzius와 같은 나중에 예술가들은 때때로 그것을 사용했습니다. 대부분의 독일 2 블록 인쇄에서 키 블록 (또는 “라인 블록”)은 검은 색으로 인쇄되었고 톤 블록 또는 블록은 평평한 색상 영역을 가졌습니다. 이탈리아에서는 매우 다른 효과를 내기 위해 키 블록없이 chiaroscuro 목판을 제작했습니다.

작곡 chiaroscuro to Caravaggio
원고 조명은 많은 분야에서와 마찬가지로 결과가 공개적으로 표시되지 않았기 때문에 야심 찬 조명 효과를 시도하는 실험에서 특히 실험적이었습니다. 작곡의 chiaroscuro의 개발은 매우 인기있는 신비 주의자 인 스웨덴의 Saint Bridget의 예수 탄생의 비전에서 북유럽에서 상당한 자극을 받았습니다. 그녀는 아기 예수를 빛을 발하는 것으로 묘사했습니다. 묘사는이 효과를 강조하기 위해 장면의 다른 광원을 점차 감소 시켰고, 탄생은 바로크 양식까지 chiaroscuro로 매우 일반적으로 취급되었습니다. Hugo van der Goes와 그의 추종자들은 촛불이나 유아 그리스도의 신성한 빛으로 만 비추는 많은 장면을 그렸습니다. 후기 화가들과 마찬가지로, 그들의 손에는 바로크 시대에 사용될 드라마가 아니라 고요함과 차분함의 효과가있었습니다.

강력한 chiaroscuro는 16 세기 매너리즘과 바로크 예술에서 인기있는 효과가되었습니다. 신성한 빛은 Tintoretto, Veronese 및 많은 추종자의 구성을 종종 다소 부적절하게 계속 비추 었습니다. 하나의 수축되고 종종 보이지 않는 광원의 빛에 의해 극적으로 비추어 진 어두운 피사체의 사용은 Ugo da Carpi (c. 1455 – c. 1523), Giovanni Baglione (1566–1643) 및 Caravaggio가 개발 한 구성 장치였습니다. (1571–1610), 마지막 사람은 극적인 chiaroscuro가 지배적 인 문체 장치가되는 tenebrism 스타일을 개발하는 데 결정적인 역할을했습니다.

바로크 시대
반대로 가벼운 부분이 매우 어두운 부분으로 즉시 어깨를 문지르면서 콘트라스트 효과를 내고 그림자가 전체 그림을 지배 할 때의 테 네브 리즘에 대해 이야기합니다. 이것은 xvii 세기 초에 관행을 발전시킬 Caravaggio의 작업에서 특히 그렇습니다. 가장 강조된 chiaroscuro의 체계화는 Caravaggio의 그림에서 의미가 있습니다. 지상 세계는 무지하면서 어둠 속으로 뛰어 드는 반면 신성한 침입은 중요한 행동에 대한 빛으로 신호됩니다. 이 과정을 통해 극적인 긴장감을 높이고, 정확한 순간에 태도를 고정시키고, 강렬한 볼륨으로 안도의 환상을 줄 수 있으며, 이는 작가의 노하우를 증명합니다.

특히 프랑스 Valentin de Boulogne의 그림에서 볼 수있는 Caravaggio는 조명 효과, 극적인 chiaroscuro의 관점에서만 고려해서는 안됩니다. Caravaggio의 추종자 인 Bartolomeo Manfredi가 완성한 방법은 시대 의상을 입은 뮤지션 그룹과 같은 특정 특권 주제를 고려합니다. 이탈리아로 여행을 떠났고, 위트레흐트, Honthorst, ter Brugghen, Baburen의 학교에 모인 화가들이이 방법을 채택했습니다. 플랑드르에서는이 현상이 더 제한적이며 훨씬 더 자유로이 해석됩니다.이 예술가들은 Louis Finson을 제외하고는 이탈리아로 여행하지 않았지만 그의 경력의 대부분을 이탈리아와 프랑스에서 보냈기 때문입니다. 이 플레밍은 오늘날 조르단 인 그러나 그는 Caravagism에서 매우 멀리 떨어져 있습니다. 먼 파도가 도착하지만 Jan Lievens와 Rembrandt 또는 Vermeer까지 더 복잡하고 확산되는 방식으로 도착합니다. 그러나이 예술가들은 모두 동시대 사람들과 마찬가지로 분명히 chiaroscuro를 수행합니다.

고전 시대
그림의 대부분의 개념과 마찬가지로 chiaroscuro는 프랑스에서 격렬한 토론의 주제입니다. 고전적인 프랑스 인은 Caravaggio의 대조를 비난합니다. 왜냐하면 그들은 고귀한 형태의 완벽한 표현을 방해하기 때문입니다. 1765 년에 Diderot과 Watelet은 chiaroscuro를 “그림자와 빛의 공정한 분배”라는 기술적 미적 문제로 정의했습니다. 그는“조명 효과”를 인정하지 않고“점진적 분포”와“빛의 진실”을 칭찬합니다. 풍경 속의 Chiaroscuro는 대기의 관점을 포함합니다. 초상화에서 그는 볼륨의 환상을 만듭니다.

17 세기와 18 세기
Tenebrism은 Jusepe de Ribera와 그의 추종자들에 의해 스페인과 스페인 통치 나폴리 왕국에서 특히 실행되었습니다. 로마에 거주하는 독일 예술가 아담 엘스 하이머 (1578–1610)는 주로 불과 때로는 달빛으로 밝혀진 여러 야경을 제작했습니다. Caravaggio와 달리 그의 어두운 영역은 매우 미묘한 세부 사항과 관심을 포함합니다. Caravaggio와 Elsheimer의 영향은 The Raising of the Cross (1610-1611)와 같은 그림에서 극적인 효과를 얻기 위해 각각의 테네 브로 시티 접근 방식을 이용했던 Peter Paul Rubens에게 강했습니다. Caravaggio의 추종자 인 바로크 예술가 인 Artemisia Gentileschi (1593-1656)는 또한 끈기와 chiaroscuro의 뛰어난 지수였습니다.

개발 된 특정 장르는 촛불이 켜진 야행성 장면으로, Geertgen tot Sint Jans와 같은 초기 북부 예술가들과 Caravaggio 및 Elsheimer의 혁신을 즉시 돌아 보았습니다. 이 주제는 17 세기 초반 저지대 출신의 많은 예술가들과 함께 진행되어 Gerrit van Honthorst 및 Dirck van Baburen과 같은 Utrecht Caravaggisti와 Jacob Jordaens와 같은 플랑드르 바로크 화가와 관련이 있습니다. Rembrandt van Rijn (1606–1669)의 1620 년대 초기 작품도 단일 캔들 광원을 채택했습니다. 야행성 촛불 조명 장면은 17 세기 중반에 네덜란드 공화국에서 Gerrit Dou와 Gottfried Schalken과 같은 fijnschilders의 작품에서 소규모로 다시 등장했습니다.

어둠의 효과에 대한 렘브란트 자신의 관심은 그의 성숙한 작품에서 바뀌 었습니다. 그는 17 세기 중반 그의 에칭에서 발견 된 요소 인 초기 세대의 이탈리아 영향을 표시 한 명암의 뚜렷한 대비에 덜 의존했습니다. 그 매체에서 그는 그의 동시대 이탈리아 인 Giovanni Benedetto Castiglione과 많은 유사점을 공유했는데, 그는 판화 작업을 통해 모노타이프를 발명했습니다.

저지대 밖에서는 프랑스의 Georges de La Tour와 Trophime Bigot와 영국의 Derby의 Joseph Wright와 같은 예술가들이 강력하지만 졸업 한 촛불의 chiaroscuro를 계속했습니다. Watteau는 그의 fêtes galantes의 잎이 많은 배경에 부드러운 chiaroscuro를 사용했으며, 이것은 많은 프랑스 예술가, 특히 Fragonard의 그림에서 계속되었습니다. 세기 말에 Fuseli와 다른 사람들은 19 세기에 Delacroix와 다른 사람들이 그랬던 것처럼 낭만적 인 효과를 위해 더 무거운 chiaroscuro를 사용했습니다.

사진 xix th and xx th century
초점이 맞춰지 자마자 1850 년경 사진은 chiaroscuro 일뿐입니다. 이 현상은 회화와 드로잉에 가까운 효과를 연출하는 것을 즐기는 화보가들에게까지 재현된다. 그들의 방법은 사진 장치의 가능한 모든 매개 변수 (카메라와 렌즈, 액자 피사체와 관련된 빛, 감광성 종이 및 구성 요소, 실험실 작업 및 항상 가능한 수정)를 다루는 것으로 구성됩니다. Alfred Stieglitz는이 사진 관행의 위대한 발기인 중 한 명이었습니다. 그러나 그의 Entrepontmanifest는 고전적인 chiaroscuro를 모두 뉘앙스로 표현합니다. 사진은 프레임 선택에서 사회적 상황의 명확한 표현과 부유 한 여행자를위한 상부 갑판의 명확한 부분과 빈곤 한 이주민을위한 하부 갑판과 어두운 영역을 통해 현대화로 들어갑니다.

Edward Steichen의 Rodin 초상화에있는 백라이트는 배경에 chiaroscuro를 예약하며, 그 위에서 인물은 완전히 검은 실루엣으로 돋보입니다. Paul Strand (Wall Street. New York City [1915])와 더 많은 Walker Evans는 1929 년경 그의 파사드 관점에서 chiaroscuro가 거의 완전히 제거 된 두 가지 훌륭한 예외적 인 예입니다. Andy Warhol의 Polaroids와 화면 인쇄로 그림을 그리는 작업은 chiaroscuro의 음영을 제거하고 단색 또는 검정색의 평평한 색조 만 통합 된 동일한 프로세스의 일부입니다.

사진 작가 인 Degas의 경우 그의 사진에서 그의 초상화는 회화주의 초상화와 비교할 수 없다. “그의 chiaroscuro는 1900-1905 년경 Edward Steichen이 만든 초상화를 발표하는 것 같다”.

xixth와 xxth 세기 회화
빛과 그림자의 표현에 대한 질문은 색상의 색조 가치를 이용하는 인상파와 후기 인상파의 그림을 통해 현대 미술에서 다른 해결책을 찾았습니다. 또한 Franz Marc가 자신이 표현하는 모양에 임의의 색상을 적용하고 모델 표현을 단순화하는 것과 같은 오래된 솔루션을 현대화했습니다. 예를 들어 Giotto의 그림에서는 이전에이 작업이 수행되었지만 Giotto는 결국 그의 색조 값에 따라 다른 색상을 사용했지만 Marc는 “순수”를 유지하면서 더 “어두운”동일한 색상을 사용합니다.

신청
프랑스의 clair-obscur라는 용어는 17 세기 미술 평론가 Roger de Piles가 유명한 논쟁 (Débat sur le coloris)의 과정에서 그림과 색상의 상대적인 장점에 대해 소개했습니다 (그의 Dialogues sur le coloris (1673)는 데 바트에 중요한 공헌을했습니다.

영어에서 이탈리아어 용어는 적어도 17 세기 후반부터 사용되었습니다. 표현주의와 다른 현대 운동이 효과를 많이 사용하지만이 용어는 19 세기 후반 이후에는 예술에서 덜 자주 사용됩니다.

특히 20 세기에 Caravaggio의 명성이 크게 높아졌기 때문에 비전문가 사용에서이 용어는 주로 그의 또는 Rembrandt와 같은 강력한 chiaroscuro 효과에 사용됩니다. 테이트가 말했듯이 : “Chiaroscuro는 일반적으로 예술가가 빛과 그늘의 극도의 대조를 사용하는 경우, 작업의 특히 두드러진 특징 인 경우에만 일반적으로 언급됩니다.” 사진과 영화에서도이 용어를 채택했습니다. 이 용어의 역사에 대해서는 René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d’ un mot (Nogent-le-Roi, 1979)를 참조하십시오.

테네 브리스 모
tenebrism이라고 불리는 스타일은 일반적으로 어두운 배경에서 조명 된 주제의 중심 인물들만 두드러지는 chiaroscuro의 급진적 인 적용에 지나지 않습니다. Caravaggio의 영향으로 인해 또는 병렬 개발로 인해 스타일이 Catalan Francisco Ribalta의 작업에서 16 세기 후반과 17 세기 초의 스페인 그림에서 매우 중요하게 될지는 알려지지 않았습니다. Ribalta는 색상과 빛을 사용하여 인물에 볼륨을 부여하고 그의 종교적 프레스코 화에서 배우를 강조하기 위해 훌륭한 아름다움을 사용했습니다. 재능있는 교사 인 그의 스타일은 일찍 사망 한 그의 아들 Juan Ribalta와 Vicente Castelló의 스타일에 영향을 미쳤습니다. 간접적으로 그것은 또한 Zurbarán과 스페인의 가장 유명한 테네 브리스 타인 José de Ribera에 무게를 실을 것입니다. 후자는 스타일을 성숙하게 만들 것입니다.

그림에서
엄격한 의미에서 chiaroscuro는 그래픽 아트와 연결되어 있으며 기술적으로 선형 드로잉의 다음 단계입니다. 때로는 선 그리기와 조명 / 그림자 사이의 시간적 관계가 후자부터 시작하여 반전 될 수 있습니다.

chiaroscuro를 통해 볼륨, 재료, 공간에 대한 아이디어를 제공 할 수 있습니다. 표지판을 볼 수있는 기법 (부화, 실선 등)부터 보이지 않게 만드는 기법 (음영, 점진적 구절 등)에 이르기까지 다양한 기법이 있습니다. chiaroscuro는 하나 이상의 색상 (목탄 색, 핏빛 등)으로 그림자를 칠하거나 지지대의 색상과 관련하여 조명을 밝게하는 방법으로 만 적용 할 수 있습니다. 조명 제도를 “하이라이팅”이라고하며, 예를 들어 황토 시트에 흰색 크레용을 사용하여 수행 할 수 있습니다.

그림에서
그림에서 chiaroscuro는 색상 사용과 관련이 있습니다.

고대 그림에 사용 된이 작품은 인물의 상징주의가 플라스틱 공간적 구제를 필요로하지 않는 비잔틴과 중세 미술에서 그 중요성을 잃었습니다. 빛과 그림자의 효과를 만들기 위해 다소 미세한 입자가있는 해칭이 사용되었습니다.

이탈리아에서 13 세기 말에 Cimabue는 가장 섬세한 색조의 사용을 되살려 빛의 문제와 신체의 다른 부분, 재료 및 이질적인 표면을 다른 방식으로 비추는 방식을 재발견했습니다. 이런 의미에서 걸작은 산타 크로체의 십자가입니다. Giotto를 사용하면 색채의 색조 범위가 더 넓어지면서 점점 더 실제 빛과 비슷해졌습니다. 나중에 화가들은 이러한 기술을 개발하여 19 세기까지 chiaroscuro를 그림 표현의 필수 요소로 만들었습니다. 그 이후로 인상파는 처음 (순수한 빛과 색의 그림에 연결됨)과 입체파 (평평하고 기하학적 인 모양을 재발견 한)는 chiaroscuro의 극복으로 이어졌습니다. 예를 들어 Matisse는 그것 없이는 완전히 그랬습니다.

조각과 건축에서
보다 일반적인 의미에서 우리는 표면에 생성되는 빛과 그림자의 놀이를 의미하는 chiaroscuro를 말합니다. 예를 들어, 건축에서 우리는 전체 볼륨과 빈 볼륨의 플레이가 평평한 표면의 단조 로움과 관련하여 다양한 효과를 만들 때 chiaroscuro를 말합니다. chiaroscuro 가치를 지닌 건물의 예는 모데나 대성당의 외관이며, 외관과 측면을 이동하기위한 목적으로 만 만들어진 거짓 로지아가 있습니다.

또한 조각에서 우리는 부조가 빛과 자연스러운 그림자 사이의 대비를 생성 할 때 chiaroscuro를 이야기하는데, 이는 아마도 인물을 돋보이게 만들고 약간의 세부 사항을 이끌어 낼 수 있습니다. chiaroscuro는 조각의 움직임을 표현하고자 할 때 기본 요소입니다. 실제로 빛과 그림자의 효과가 강할수록 장면은 더욱 격동 할 것입니다. 가장 잘 알려진 예 중에는 ‘로마 예술의 Portonaccio의 석관, Giovanni Pisano의 강단 인 St. Andrew의 무고한 학살 또는 Michelangelo의 Centaurs 전투가 있습니다.

기타 예술
chiaroscuro 기술은 조각가와 그림에서 인기가 있었지만 오랫동안 사용되지 않았습니다. 그것은 현저하게 구조화 된 작곡에 대한 취향과 독일 표현주의의 충격적인 구성을 통해 20 세기 전반의 영화에서 다시 인기를 얻게 될 것이다. 일부 플라스틱 작품 표현 주의자들은 Egon Schiele의 Klosterneuburg 또는 Oskar Kokoschka의 Adolf Loos 초상화와 같은 그림에서 주제의 효과를 높이기 위해 여기에 왔지만 영화에서 chiaroscuro를 사용하는 것은 대체로 독창적 인 개발이었습니다. 영화의 기술적 한계와 사운드 부족을 해결하는 데 사용 되었기 때문에이를 보완하려면 강력한 시각적 스타일이 필요했습니다.

독일 표현주의는 수명이 짧았지만 영향력있는 작품은 키아로 스쿠로가 중심적인 역할을하는 FW Murnau의 심포니 데 그 라우 엔스 인 Nosferatu와 같습니다. 나치즘의 부상의 결과로 많은 독일 영화 제작자들이 미국으로 이전하게되면서 미국 범죄 소설의 내러티브 관습과 표현주의의 시각적 영향을 결합한 영화 장르 인 필름 누아르가 발전하게 될 것입니다. 비정상적인 비율의 그림자 사용 (화면의 최대 90 %, 기존의 50 % ~ 60 % 대비) 및이를 극적인 인공물로 사용-암시적인 방식으로 요소를 어둡게하거나 화면에 가져옴 보이지 않는 물체의 실루엣 — 필름 누아르는 주제의 도덕적 모호성을 개발하기 위해 chiaroscuro를 시각적 매체로 사용했습니다. The Maltese Falcon과 같은 영화에서

영화와 사진
Chiaroscuro는 영화, 특히 흑백 영화에서 뚜렷한 명암 영역을 만들기 위해 극도로 낮은 키 및 고 대비 조명을 나타내는 영화 촬영에도 사용됩니다. 고전적인 예로는 Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis (1927) The Hunchback of Notre Dame (1939), The Devil and Daniel Webster (1941), Andrei Tarkovsky의 Stalker의 흑백 장면이 있습니다. (1979).

예를 들어 Metropolis에서 chiaroscuro 조명은 밝고 어두운 미장센과 인물 간의 대비를 만드는 데 사용됩니다. 이것의 효과는 주로 자본주의 엘리트와 노동자 사이의 차이점을 강조하는 것입니다.

사진에서 chiaroscuro는 “Rembrandt lighting”을 사용하여 얻을 수 있습니다. 보다 고도로 발전된 사진 프로세스에서이 기술은 “주변 / 자연 조명”이라고도 불릴 수 있지만 효과를 위해 그렇게 할 경우 모양이 인위적이며 일반적으로 다큐멘터리가 아닙니다. 특히 Bill Henson은 W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi 및 Ralph Gibson과 같은 다른 사람들과 함께 다큐멘터리 사진에서 chiaroscuro의 현대 거장으로 간주 될 수 있습니다.

영화 제작에서 chiaroscuro를 가장 직접적으로 사용하는 것은 Stanley Kubrick의 1975 년 영화 Barry Lyndon 일 것입니다. 현재 촛불 만 사용하여 대 궁전에서 의상 드라마를 촬영할 수있는 충분한 조리개가없는 렌즈가 없다는 알림을 받았을 때 큐브릭은 이러한 목적을 위해 특수 렌즈를 구입하고 개조했습니다. 수정 된 Mitchell BNC 카메라와 엄격한 공간을 위해 제조 된 Zeiss 렌즈 사진, 최대 조리개 f / .7. 영화에서 자연적으로 증강되지 않은 조명 상황은 동유럽 / 소련 영화 제작 전통을 벗어난 가장 극단적 인 영화 작업에서 낮은 키의 자연 조명을 예로 들었습니다 (소련 영화 감독 세르게이 아이젠 슈타인이 사용한 가혹한 낮은 키 조명 스타일로 예시 됨).

Ingmar Bergman의 오랜 공동 작업자 인 Sven Nykvist는 László Kovács, Vilmos Zsigmond, Vittorio Storaro와 같은 촬영 감독에게 영향을 준 Gregg Toland와 마찬가지로 Chiaroscuro 사실주의로 그의 사진에 대해 많은 정보를 제공했습니다. 창문과 출입구를 관통하는 수평 키 조명. 유명한 필름 누아르 전통의 대부분은 30 년대 초반에 완성 된 키아로 스쿠로와 관련된 기술에 의존합니다 (하이키 조명, 무대 조명, 전면 조명 및 기타 효과가 chiaroscuro 주장을 줄이는 방식으로 산재되어 있지만).