설치 예술은 공간에 대한 인식을 변형 시키도록 설계된 현장 특유의 3 차원 작품의 예술적 장르입니다. 일반적으로이 용어는 내부 공간에 적용되는 반면, 외부 개입은 종종 공공 예술, 토지 예술 또는 개입 예술이라고 불립니다. 그러나 이러한 용어 사이의 경계는 겹칩니다.

설치 예술은 1970 년대 이후 회화, 조각, 이미지, 사진 등으로 일반화 된 현대 미술의 표현 방법과 장르 중 하나이다. 특정 실내 또는 실외 공간에 물체와 장비를 넣은 예술은 예술가의 의도에 따라 공간을 만들고 변화시키고 변화 시키며 전체 공간과 공간을 작품으로 경험하게합니다. 때때로 비디오 이미지 (비디오 설치)를 스크리닝하여 공간을 구성하거나 사운드 등을 사용하여 공간을 구성하는 것이 가능합니다 (사운드 설치).

전체 공간이 작품이기 때문에, 시청자는 각 작품을 감상하는 것이 아니라 전체 작품에 둘러싸인 전체 공간을 “체험”해야합니다. 이는 관객이 공간을 경험 (보기, 듣기, 느낌, 생각)하는 방식을 변경하는 것이 주요 요지 인 예술 기술입니다. 원래 조각 작품의 전시 방법, 토지 예술 • 환경 예술 및 공연 예술의 생산에 관한 시행 착오로 태어 났지만 점차 조각의 틀 등에서 벗어나 독립적으로 독립되어 갔다. 표현 기법으로 취급됩니다.

설치는 3 차원 프레임 워크에서 가장 자주 표현됩니다. 아티스트는 자신의 작업과 단순 매달린 작업을 구별하는 환경 또는 기타 요소를 포함합니다. 작품은 상황에 놓여지며,보고있는 사람이 즉시 볼 수없는 차원, 즉 관객, 참여 및 연극이라는 개념을 소환하는 단순한 사실로 필드 밖에서 사용됩니다.

풍모:
설치는 일반적으로 새로운 컨텍스트에서 함께 가져온 이기종 객체로 구성됩니다. 이 객체들은 뗄래야 뗄 수 없게 링크되어 있습니다. 그럴 경우 어셈블리에 대해 말하는 것이 낫습니다.

설치의 개념은 건축, 조각 및 그림과 같은 다양한 분야의 고전적인 예술 부문이 Allan Kaprow와 같은 일부 예술가들에 의해 방해받는 것으로 인식되는 60 년대 이후 시각 예술에 사용되었습니다.

설치는 기본적으로 일시적이며, 전시 기간 후에 만 ​​제거되며 이는 사람들의 기억 속에 만 남을 것입니다. 사진과 비디오 촬영 만이 후속 조치 방법이지만 사람들이 사진을보고 간단히 경험하지 못했다고 말할 수는 없습니다. 그러나 사진 자체는 설치 작업과 다른 매력을 보여주는 작품 일 수 있습니다.

또한 설치는 사이트마다 다릅니다 (사이트마다 다릅니다). 서양 미술은 근대 미술 이래로 이마 그림이나 조각과 같은 작풍이되어 교회와 같은 건축물과 독립된 상태가되어 어디서나 같은 위치에 설치 될 수 있다고 생각할 수 있습니다 세상이되었습니다. 다른 한편, 설치 작업은 설치 장소의 모양, 주변 벽과의 관계, 건축, 지형, 역사 및 장소에 관한 추억에서 영감을 얻어 이들과 밀접하게 연결됩니다. 따라서 다른 장소로의 재배치 및 복제는 작업으로 확립되지 않기 때문에 어렵습니다.

그것은 일시적이고 장소에 따라 다르므로 전시 후에 영구적으로 설치된 작품이 아니라면 사라질 것입니다. 또한 거래는 근본적으로 어렵습니다. 판매 또는 구매시 미술관 등은 제작자에게 제작비를 지불하거나 영구 설치 또는 임시 설치 방법을 채택하거나 수집가와 박물관이 상세한 설계 도면과 함께 모든 부품을 구입하도록 요청합니다. 라이터 장소에 따라 표시 방법을 감독하고 변경하는 등의 방법이 있습니다. 미술가와 미술상 판매상은 설치가 완료되기 전에 드로잉, 프로토 타입 모델 및 사진 촬영을 판매 전 연구로 사용하여 판매합니다.

설치는 종종 조각가들에 의해 이루어 지지만 화가들 또는 다른 예술가들에 의해 만들어 질 수도 있습니다. 벽, 천장 및 천장에 설치할 수 있습니다. 구성 요소는 관람객이 설치 부분 사이를 이동할 수 있도록 전시실 또는 공간적으로 배치 할 수 있습니다. 시설의 특징은 그들이 위치한 공간의 중요성과 (일시적인) 상호적인 일관성이다. 그것은 예술가들에게 프로젝션, 오디오, 비디오, 페인팅, 조각 및 건축과 같은 다양한 재료, 기술 및 물리적 현상을 결합 할 수있는 기회를 제공합니다.

에드 키엔 홀츠 (Ed Kienholz)가 제작 한 50 대와 60 년대의 환경과의 차이점은 설치가 덜 서사적이며, 모든 다양성에서 영적 또는 개념적 충동에서 비롯된다는 것입니다. 베니스 비엔날레 (Biennale)와 카셀 (Kassel)의 문서관과 같은 박물관 전시회에서는 설치물을 종종 볼 수 있습니다.

설치는 다음 중 하나 일 수 있습니다.
모바일 (또는 재 장착 가능);
영구 (또는 고정);
임시 (또는 임시).
설치는 종종 조각품에 비유 될 수 있지만 그것을 축소 할 수는 없습니다. 우리는 하이브리드 화와 돌연변이에 대해 이야기하고 있습니다.
또한 볼륨의 개념을 깨뜨릴 수 있습니다. 설치 공간은 매우 큰 공간에 축소 된 개체로 이해할 수 있습니다 (예 : Monumenta 참조).
특이성 : 일부 시설은 특정 전시장을 위해 (그리고 그에 따라) 설계되었습니다.
상호 작용 : 어떤 경우에는 대중이 설치물이나 아티스트와도 상호 작용하게됩니다. 대중과 직장 사이의 거리는 다소간 폐지됩니다. 어떤 경우에는 참여가 있고, 대중은 저작물에 적절한 주변에 입장하여 제작자, 제작자 및 뷰어 간의 새로운 유형의 관계를 생성합니다.
시나리오 (scenography) : 일부 작품은 경로, 경로를 초청하여 다른 단계 또는 감각 순서를 제안합니다.

역사:
설치 예술은 일시적이거나 영구적 일 수 있습니다. 설치 작품은 박물관과 미술관, 공공 및 사설 공간과 같은 전시 공간에 구축되었습니다. 장르는 비디오, 사운드, 퍼포먼스, 몰입 형 가상 현실 및 인터넷과 같은 새로운 미디어뿐만 아니라 종종 “연상시키는”자질을 위해 선택되는 광범위한 일상 및 자연 소재를 포함합니다. 많은 설치물은 3 차원의 몰입 형 매체에서 분명한 특성에 호소하여 제작 된 공간에만 존재하도록 설계되어 있다는 점에서 현장 특유의 설치물입니다. 뉴욕 자연사 박물관의 전시실과 같은 예술적 집단은 자연의 세계를 가능한 한 현실적인 매체로 보여주기위한 환경을 조성했습니다. 마찬가지로 월트 디즈니의 상상력은 1955 년 디즈니 랜드의 여러 개의 몰입 형 공간을 디자인 할 때 비슷한 철학을 사용했습니다. 별도의 분야로 받아 들여진 이후로 설치 예술에 중점을 둔 여러 기관이 창안되었습니다. 여기에는 매트리스 공장, 피츠버그, 런던에있는 박물관, 미시건 주 앤아버 요정 문이 포함되어 있습니다.

설치 예술은 1970 년대에 눈에 띄었지만 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)과 레디 메이드 (readyymade)와 커트 슈비터 (Kurt Schwitters)의 머츠 (Meritz) 미술품 등을 사용하여 전통 공예를 기반으로 한 조각품보다는 근원을 확인할 수 있습니다. 예술가의 “의도”는 1960 년대의 개념 예술에 뿌리를두고있는 설치 미술에서 많이 중요합니다. 이것은 다시 형태에 중점을 둔 전통적인 조각에서 출발합니다. 조기 비 서구 설치 예술은 1954 년부터 시작된 일본의 구타이 (Gutai) 그룹에 의해 열렸던 사건들을 포함하고 있는데, 이는 알란 카프로 (Allan Kaprow)와 같은 미국인 설치 개척자들에게 영향을 미쳤다. Wolf Vostell은 1963 년 뉴욕의 스몰 린 갤러리 (Smolin Gallery)에서 설치 6 TV Dé-coll / age를 보여줍니다.

설치:
특정 형태의 예술에 대한 명명법으로서의 설치는 최근에 거의 사용되었다. 옥스퍼드 영어 사전에 의해 문서화 된대로의 첫 번째 사용은 1969 년이었다. 이것은 선사 시대 이후 논란의 여지가 있었지만 20 세기 중반까지 별개의 범주로 간주되지 않은 예술 형태와 관련하여이 문맥에서 만들어졌다. 앨런 카프로 (Allan Kaprow)는 1958 년 (Kaprow 6) “환경”이라는 용어를 사용하여 자신의 변모 된 실내 공간을 묘사했습니다. 이것은 나중에 “프로젝트 아트”와 “임시 예술”과 같은 용어에 합류했습니다.
설치 란 박물관 벽면의 작업 전시를 “설치”라고도하지만 벽과 바닥을 의미하는 “전시” “설치”의 의미를 의미합니다. 한쪽면에 그림과 조각이 장식 된 시대에는 설치 (전시)에 대한 의문은별로 없었다.

로댕의 일부 조각가들은 전시 방법의 독창성을 통해 관객에게 보여줄 수있는 방법을 개척하는 선구자 적 작업에 착수했으나 마침내 그 공간 자체가 전시 방법에 의해 작품으로 만들어진 미술 기법으로 인정 받았다. 및 그림.

본질적으로 설치 / 환경 예술은 “중립적 인”벽에 초점을 맞춘 프레임 된 점을 떠 있거나 받침대 위에 격리 된 물체를 (문자 그대로) 표시하는 것보다 폭 넓은 감각 경험을 고려합니다. 이것은 “예술”과 “삶”사이의 경계선이 해체되는 것을 의미하는 유일한 차원 상수로서 공간과 시간을 남길 수있다. Kaprow는 “예술을 우회하여 자연을 모델이나 출발점으로 삼는다면 평범한 삶의 감각적 인 것들 중에서 다른 종류의 예술을 고안 할 수있을 것”이라고 지적했다.

설치를 할 때 비디오, 조각, 페인팅, 일상적인 준비물, 낭비, 소리, 슬라이드 쇼, 공연 예술, 컴퓨터, 미술관 및 갤러리와 같은 갤러리와 같이 사용할 미디어를 알아야합니다. 공간, 사각 / 건축 등의 공공 스페이스 등의 사유 공간과 같은 공간, 사람 등이없는 자연과 같이 어떤 장소를 사용하는지.

Gesamtkunstwerk :
리차드 바그너 (Richard Wagner)가 Gesamtkunstwerk를 고안했을 때 총 경험과 관련하여 모든 감각을 예술적으로 다루는 의식적인 행동은 1849 년에 시작되었습니다. 모든 주요 작품을 포함하여 고대 그리스 극장에서 영감을 얻은 무대 예술 작품 예술 형식 : 그림, 글쓰기, 음악 등 (Britannica). 청중의 감각을 사로 잡는 오페라 작품을 고안하면서, 바그너는 전체적인 예술적 몰입의 상태를 달성하기 위해 건축, 분위기 및 관객 자체를 고려하고 조정했다. “현대 미술의 주제”라는 책에서 “1980 년대와 1990 년대의 설치는 복잡한 건축 환경, 환경 사이트 및 일반적인 상황에서의 일상적인 물건의 광범위한 사용과 상호 작용하는 작업 네트워크에 의해 점차 특징 지어졌다. 1965 년 비디오 출현은 새롭고 끊임없이 변화하는 기술의 사용과 복잡한 인터랙티브, 멀티미디어 및 가상 현실 환경을 포함하도록 확장 된 단순한 비디오 설치 였기 때문에 동시 설치가 가능하게되었습니다.

예술과 대상 :
“Art and Objecthood”에서 Michael Fried는 관객을 “연극”(Fried 45)으로 인정하는 예술에 일컬어집니다. 설치와 연극 사이에는 강한 평행이 있습니다. 둘 다 관객을 감싸고있는 감각적 / 내러티브 적 경험에 잠기고 시청자로서의 자기 정체성을 유지할 것으로 기대되는 시청자와 함께합니다. 전통적인 극장 관람객은 외부에서 앉아서 창조적 인 경험을하는 것을 잊지 않았습니다. 설치 미술의 트레이드 마크는 호기심이 많고 열망하는 뷰어였으며 여전히 전시장에 있으며 설치의 새로운 세계를 잠정적으로 탐구하고 있음을 알고 있습니다.

설치 예술을 체험 할 때 주관적인 관점의 핵심적인 중요성은 전통적인 플라톤 이미지 이론에 대한 무시를 가리킨다. 사실상 전체 설치는 시뮬라크르 또는 결함있는 동상의 특성을 채택합니다. 관측자에게 직접적인 모습을 최적화하는 이상적인 형태를 무시합니다. 설치 예술은 감각 지각의 영역 내에서 완벽하게 작동하며, 관객을 인공 시스템에 “설치”한다는 의미에서 주관적인 인식을 궁극적 인 목표로 호소합니다.

대화 형 설치 :
대화 형 설치는 설치 미술의 하위 범주입니다. 대화식 설치는 종종 관객이 예술 작품이나 사용자 활동에 응답하는 작품에 대한 작업을 포함합니다. 예술가가 제작하는 대화식 설치에는 Telegarden과 같은 웹 기반 설치, 갤러리 기반 설치, 디지털 기반 설치, 전자 기반 설치, 모바일 기반 설치 등이 있습니다. 대화식 설치는 주로 1980 년대 말 (Jeffrey Shaw의 Legible City, Edmond Couchot의 La plume, Michel Bret …) 1990 년대에 예술가가 관객들의 참여를 통해 특히 그 의미를 활성화하고 공개하는 데 관심을 갖게 된 장르가되었습니다. 설치.

몰입 형 가상 현실 :
지난 수년간의 기술 향상으로 예술가는 과거에는 결코 탐험 할 수 없었던 경계를 벗어나 탐험 할 수있었습니다. 사용 된 매체는보다 실험적이고 대담합니다. 그들은 또한 일반적으로 교차 매체이며 설치물을 볼 때 청중의 움직임에 반응하는 센서를 포함 할 수 있습니다. 몰입 형 가상 현실 예술은 가상 현실을 매체로 사용함으로써 아마도 가장 깊고 상호 작용적인 형태의 예술 일 것입니다. 관객이 표현을 “방문”할 수있게함으로써 작가는 “살기”와 “보는 광경”을 만듭니다. 새로운 세기로 접어 들면서 디지털, 비디오, 영화, 사운드 및 조각을 사용한 대화 형 설치 경향이 있습니다.