L’installazione artistica è un genere artistico di opere tridimensionali che spesso sono site specific e progettate per trasformare la percezione di uno spazio. Generalmente, il termine è applicato agli spazi interni, mentre gli interventi esterni sono spesso chiamati arte pubblica, arte terrestre o arte di intervento; tuttavia, i confini tra questi termini si sovrappongono.

L’arte di installazione è uno dei metodi di espressione e generi nell’arte contemporanea che è generalizzata dopo dipinti, sculture, immagini, fotografie, ecc. Dagli anni ’70. Le arti che mettono oggetti e attrezzature in certe aree interne o esterne, ecc., Creano uno spazio secondo l’intenzione, il cambiamento e il catabolismo dell’artista, e lasciano che l’intero luogo e l’esperienza spaziale siano un lavoro. A volte è possibile costruire uno spazio proiettando un’immagine video (installazione video) o per costruire uno spazio usando suoni o simili (installazione del suono).

Poiché l’intero spazio è un’opera, gli spettatori devono “sperimentare” l’intero spazio circondato dall’intero lavoro, piuttosto che “apprezzare” ogni opera. È una tecnica artistica il cui punto principale è come cambiare il modo in cui lo spettatore sperimenta (vedi, ascolta, senti, pensa) lo spazio. Nato originariamente da prove ed errori riguardanti principalmente il metodo di visualizzazione di opere scultoree, la produzione di arte terrestre • l’arte ambientale e la produzione di arte performativa, ma gradualmente si allontanò dal quadro di scultura ecc. E divenne indipendente in modo da diventare indipendente. trattato come una tecnica espressiva.

L’installazione è più spesso espressa in un quadro tridimensionale: l’artista include l’ambiente o altri fattori che distinguono il suo lavoro dall’impiccagione semplice. Il lavoro viene messo in una situazione e utilizza l’out-of-field, in una dimensione non immediatamente visibile dalla persona che sta guardando: il semplice fatto di includerlo come “spettatore” richiama le nozioni di partecipazione, immersione e teatralità.

Caratteristiche:
Le installazioni di solito consistono in oggetti eterogenei riuniti in un nuovo contesto. Questi oggetti non sono inestricabilmente collegati; in tal caso sarebbe meglio parlare di un’assemblea.

Il concetto di installazione è stato utilizzato nelle arti visive fin dagli anni sessanta quando la divisione classica dell’arte in varie discipline, come l’architettura, la scultura e la pittura, è percepita come ostruttiva da alcuni artisti, come Allan Kaprow.

L’installazione è fondamentalmente temporanea, sarà rimossa solo dopo il periodo dell’esposizione e rimarrà solo nella memoria delle persone. Solo le fotografie e la registrazione video sono metodi da seguire in seguito, ma non si può dire che le persone non abbiano sperimentato il lavoro semplicemente guardando le immagini. Tuttavia, le fotografie stesse possono essere opere che dimostrano una diversa attrazione dal lavoro di installazione.

Inoltre, l’installazione è specifica del sito (specifica del sito). L’arte occidentale funziona da quando i tempi moderni diventano indipendenti dall’architettura come la chiesa, diventando uno stile come le pitture sulla fronte e le sculture sul piedistallo, in modo che si possa pensare che sarà stabilito allo stesso modo, non importa dove sia collocato dappertutto il mondo è diventato. D’altra parte, le opere di installazione sono strettamente legate a queste, ispirate alla forma del luogo di installazione, al rapporto con i muri circostanti, all’architettura, alla topografia, alla storia e ai ricordi riguardanti il ​​luogo. Pertanto, la delocalizzazione e la riproduzione in altri luoghi è difficile perché non sarà stabilita come un’opera.

È temporaneo e specifico per la posizione, quindi scomparirà dopo la mostra a meno che non sia un lavoro installato permanentemente lì. Inoltre, il trading è fondamentalmente difficile. Nella vendita o nell’acquisto, il museo d’arte ecc. Chiede all’autore di produrlo, pagare il costo di produzione, adottare un metodo permanente o un metodo di installazione temporanea, oppure il collezionista e il museo acquistare tutte le parti insieme al disegno di progetto dettagliato e scrittore Viene adottato un metodo come la supervisione e la modifica del metodo di visualizzazione in base al luogo. Ci sono momenti in cui artisti e mercanti d’arte vendono disegni, prototipi e fotografie registrate dopo la creazione dell’installazione, disegnati come studi prima della creazione dell’installazione.

Le installazioni sono spesso realizzate da scultori, ma possono anche essere realizzate da pittori o altri artisti. Le installazioni possono essere fatte sulla parete, sulla terra e sul soffitto. Le parti costitutive possono essere collocate in vetrine o disposte spazialmente in modo che gli spettatori possano spostarsi tra le parti dell’installazione. La caratteristica delle installazioni è l’importanza dello spazio in cui si trovano e la (reciproca) (reciproca coerenza). Offre agli artisti l’opportunità di combinare diversi materiali, tecniche e fenomeni fisici, come proiezione, audio, video, pittura, scultura e architettura.

La differenza con gli ambienti degli anni Cinquanta e Sessanta, come ha fatto Ed Kienholz, è che le installazioni sono meno narrative e in tutte le loro diversità provengono da un impulso spirituale o concettuale. Le installazioni possono essere viste spesso in grandi mostre museali come la Biennale di Venezia e il documentario di Kassel.

Un’installazione può essere:
mobile (o rimontabile);
permanente (o fisso);
effimero (o temporaneo).
L’installazione può essere paragonata spesso ad una scultura ma non può essere ridotta ad essa. Stiamo parlando di ibridazione e mutazioni.
Permette anche di rompere la nozione di volume: l’installazione può essere intesa come un oggetto di dimensioni ridotte in uno spazio molto grande (vedi ad esempio Monumenta).
Specificità: alcune strutture sono progettate per (e in base a) una particolare posizione espositiva.
L’interazione: in alcuni casi, il pubblico è portato a interagire con l’installazione o anche l’artista stesso. La distanza tra il pubblico e il lavoro è più o meno abolita; in alcuni casi, c’è partecipazione, il pubblico entra nel perimetro proprio del lavoro, generando nuovi tipi di relazione tra la creazione, il creatore e lo spettatore.
La scenografia: alcune opere invitano a un percorso, a un percorso e propongono diverse fasi o sequenze sensoriali.

Storia:
L’arte dell’installazione può essere temporanea o permanente. Le opere di installazione sono state costruite in spazi espositivi come musei e gallerie, così come spazi pubblici e privati. Il genere comprende una vasta gamma di materiali quotidiani e naturali, che vengono spesso scelti per le loro qualità “evocative”, così come i nuovi media come video, audio, performance, realtà virtuale immersiva e Internet. Molte installazioni sono site-specific in quanto sono progettate per esistere solo nello spazio per cui sono state create, facendo appello a qualità evidenti in un mezzo immersivo tridimensionale. I collettivi artistici come l’Exhibition Lab del American Museum of Natural History di New York hanno creato ambienti per mostrare il mondo naturale nel modo più realistico possibile. Allo stesso modo, Walt Disney Imagineering impiegò una filosofia simile quando progettò gli spazi multipli immersivi per Disneyland nel 1955. Dalla sua accettazione come disciplina separata, furono create un certo numero di istituzioni incentrate sull’installazione artistica. Tra questi, la Fabbrica dei materassi, Pittsburgh, il Museum of Installation di Londra e le Fairy Doors di Ann Arbor, MI.

L’arte dell’installazione divenne importante negli anni ’70, ma le sue radici possono essere identificate in artisti precedenti come Marcel Duchamp e il suo uso del readymade e degli oggetti d’arte Merz di Kurt Schwitters, piuttosto che nella più tradizionale scultura artigianale. L ‘”intenzione” dell’artista è fondamentale in un’opera di installazione molto più tarda, le cui radici si trovano nell’arte concettuale degli anni ’60. Anche questo è un allontanamento dalla scultura tradizionale che pone la sua attenzione sulla forma. La prima arte di installazione non occidentale comprende eventi messi in scena dal gruppo Gutai in Giappone a partire dal 1954, che ha influenzato i pionieri dell’installazione americana come Allan Kaprow. Wolf Vostell mostra la sua installazione 6 TV Dé-coll / age nel 1963 alla Smolin Gallery di New York.

Installazione:
L’installazione come nomenclatura per una specifica forma d’arte è entrata in uso abbastanza recentemente; il suo primo utilizzo, come documentato dall’Oxford English Dictionary, risale al 1969. È stato coniato in questo contesto, in riferimento a una forma d’arte che probabilmente esisteva fin dalla preistoria ma che non era considerata una categoria discreta fino alla metà del XX secolo. Allan Kaprow usò il termine “Ambiente” nel 1958 (Kaprow 6) per descrivere i suoi spazi interni trasformati; in seguito si unirono termini come “project art” e “temporary art”.
Installazione significa il significato di “mostra” “installazione”, il che significa che la mostra di lavoro sulle pareti di musei e simili era anche chiamata “installazione”, ma pareti e pavimenti Nei giorni in cui dipinti e sculture erano decorati su un lato, il metodo di installazione (mostra) non è stato messo in discussione molto.

Alcuni scultori di Rodin hanno lavorato su lavori pionieristici per riconoscere come mostrare allo spettatore attraverso l’ingegnosità del metodo espositivo, ma alla fine è diventato riconosciuto come tecnica d’arte che lo spazio stesso è stato trasformato in un’opera dal metodo espositivo, indipendente dalla scultura e dipinti.

In sostanza, l’installazione / arte ambientale prende in considerazione un’esperienza sensoriale più ampia, piuttosto che punti fluttuanti incorniciati su una parete “neutrale” o visualizzazione di oggetti isolati (letteralmente) su un piedistallo. Ciò può lasciare spazio e tempo come le sue uniche costanti dimensionali, implicando la dissoluzione della linea tra “arte” e “vita”; Kaprow ha osservato che “se ignoriamo l’arte” e prendiamo la natura stessa come modello o punto di partenza, potremmo essere in grado di escogitare un diverso tipo di arte … fuori dalle cose sensoriali della vita ordinaria “.

Nella creazione di un’installazione, è necessario sapere quali supporti utilizzare, come video, scultura, pittura, readymade di tutti i giorni, spreco, suono, presentazione, performance art, computer, gallerie come musei e gallerie Non ci sono restrizioni particolari come spazio, spazio come spazio privato come abitazioni, spazio pubblico come piazza / edificio, che tipo di posto usare come in natura senza persone.

Gesamtkunstwerk:
L’atto cosciente di affrontare artisticamente tutti i sensi per quanto riguarda un’esperienza totale fece un clamoroso debutto nel 1849 quando Richard Wagner concepì un Gesamtkunstwerk, o un’opera d’arte per il palcoscenico che traeva ispirazione dal teatro greco antico nella sua inclusione di tutti i principali forme d’arte: pittura, scrittura, musica, ecc. (Britannica). Nell’investire opere operistiche per requisire i sensi del pubblico, Wagner non ha lasciato nulla inosservato: l’architettura, l’atmosfera e persino il pubblico stesso sono stati considerati e manipolati per raggiungere uno stato di totale immersione artistica. Nel libro “Themes in Contemporary Art”, si suggerisce che “le installazioni negli anni ’80 e ’90 sono state sempre più caratterizzate da reti di operazioni che coinvolgono l’interazione tra ambienti architettonici complessi, siti ambientali e uso estensivo di oggetti di uso quotidiano in contesti ordinari. l’avvento del video nel 1965, una concomitante linea di installazione si è evoluta attraverso l’uso di tecnologie nuove e in continua evoluzione, e quelle che erano state semplici installazioni video ampliate per includere ambienti complessi interattivi, multimediali e di realtà virtuale “.

Arte e oggettività:
In “Art and Objecthood”, Michael Fried etichetta in modo derisorio l’arte che riconosce lo spettatore come “teatrale” (Fried 45). C’è un forte parallelismo tra installazione e teatro: entrambi giocano a uno spettatore che dovrebbe essere contemporaneamente immerso nell’esperienza sensoriale / narrativa che lo circonda e mantenere un grado di autoidentità come spettatore. Il tradizionale frequentatore del teatro non dimentica di essere venuto dall’esterno per sedersi e vivere un’esperienza creata; un marchio di fabbrica d’arte è stato lo spettatore curioso e desideroso, ancora consapevole di essere in un ambiente espositivo e di esplorare provvisoriamente il nuovo universo dell’installazione.

L’importanza centrale del punto di vista soggettivo quando si sperimenta l’arte dell’installazione, indica un disprezzo per la teoria delle immagini platoniche tradizionale. In effetti, l’intera installazione adotta il carattere del simulacro o della statua imperfetta: trascura qualsiasi forma ideale in favore dell’ottimizzazione del suo aspetto diretto all’osservatore. L’arte dell’installazione opera pienamente nel regno della percezione sensoriale, in un certo senso “installa” lo spettatore in un sistema artificiale con un appello alla sua percezione soggettiva come suo obiettivo finale.

Installazioni interattive:
L’installazione interattiva è una sottocategoria di arte di installazione. Un’installazione interattiva spesso coinvolge il pubblico che agisce sull’opera d’arte o il pezzo che risponde all’attività degli utenti. Esistono diversi tipi di installazioni interattive prodotte dagli artisti, tra cui installazioni basate su web (ad esempio, Telegarden), installazioni basate su gallerie, installazioni digitali, installazioni basate su dispositivi elettronici, installazioni basate su dispositivi mobili, ecc. Le installazioni interattive sono apparse per lo più a fine degli anni ’80 (Legible City di Jeffrey Shaw, La plume di Edmond Couchot, Michel Bret …) e divenne un genere durante gli anni ’90, quando gli artisti divennero particolarmente interessati a usare la partecipazione del pubblico per attivare e rivelare il significato di l’installazione.

Realtà virtuale immersiva:
Con il miglioramento della tecnologia nel corso degli anni, gli artisti sono più in grado di esplorare al di fuori dei confini che non sono mai stati in grado di essere esplorati dagli artisti in passato. I media utilizzati sono più sperimentali e audaci; di solito sono anche cross media e possono coinvolgere sensori, che giocano sulla reazione al movimento del pubblico quando guardano le installazioni. Usando la realtà virtuale come medium, l’arte immersiva della realtà virtuale è probabilmente la forma d’arte più profondamente interattiva. Consentendo allo spettatore di “visitare” la rappresentazione, l’artista crea “situazioni da vivere” o “spettacolo da guardare”. Al volgere di un nuovo secolo, c’è una tendenza di installazioni interattive che utilizzano digitale, video, film, suono e scultura.