유리 예술

유리 예술이란 실질적으로 또는 전체적으로 유리로 된 개별 예술 작품을 의미합니다. 기념비적 인 작품과 설치 작품, 벽 걸이 및 창문, 유리 보석 및 식기류를 비롯한 스튜디오 및 공장에서 제작 된 예술 작품에 이르기까지 다양한 크기를 자랑합니다.

장식적이고 기능적인 매체로서 유리는 이집트와 앗수르에서 광범위하게 개발되었습니다. 페니키아 인들에 의해 발명되었으며, 로마인들에 의해 전면에 데려왔다. 중세 시대에 유럽의 위대한 노먼 성당과 고딕 성당의 건축가들은 스테인드 글라스 창문을 주요 건축 및 장식 요소로 사용하여 유리 예술을 새로운 차원으로 끌어 올렸습니다. Venetian Lagoon에있는 Murano의 유리 (베네치아 유리라고도 함)는 수 백년 동안 정교하고 발명 된 결과입니다. 무라노는 여전히 현대 유리 예술의 발상지로 열리고 있습니다.

공장 유리 송풍기가 기계적 병풍 및 연속 창 유리로 대체되는 동안 19 세기로 접어 들면서 오래된 예술 유리 운동의 높이가되었습니다. Tiffany, Lalique, Daum, Gallé, 뉴욕 주 상류의 코닝 스쿨, Steuben Glass Works와 같은 멋진 아틀리에가 새로운 수준의 유리 예술을 선보였습니다.

개요
전통적으로 유리는 예술가를위한 매체입니다. 정확하고 다채로운 야금과 불어 난 베네치아 유리의 전통은 베네치아 무라노 섬에서 13 세기 이후로 유지되고 있습니다. 이는 순수한 석영과 Levant (정교한 칼륨 공급)의 무역에서 Venetians의 특권적인 위치 때문에 발생합니다. . 베네치아 예술의 현대 번성은 1950 년대와 1960 년대에 있습니다. 그것은 여전히 ​​예술가와 유리 애호가들을위한 세계 중심지이며 메카의 일종입니다. 로마의 역사가 Pliny the Elder에 따르면 상인들은 캠프 파이어에서 우연히 유리를 만들었다 고 전해지는 Phoenicia의 문화 인 이집트와 레바논의 고고 학적 발견뿐만 아니라 현지에서 생산 된 유리가있는 Museo Vetrario (유리 박물관)도 있습니다. 기원전 약 5000 년

문화적으로 분리 된 규모의 모더니스트 핀란드 학교는 예를 들어 1937 년 Alvar Aalto의 유리에 건축가 및 예술가가 공연 한 인기있는 Aalto 꽃병에서 시작하여 화병 크기의 조각품이며 그랑프리를 수상했습니다 파리에서 공예와 장식 예술의 세계 전시회. 일반적으로 핀란드 유리는 합리성, 투명성이 특징이며, 파격적 인 조각 형태의 경우 유리 두께가 과장되어 표면 아래에 내부 거칠기가 발생하여 빛의 산란으로 인한 헤이즈 효과가 나타납니다. 핀란드 학교는 여전히 개별 예술가들과 Iittal의 산업 공장 (동시에 매장)의 디자이너들로 구성된 상업 유리 공장을 지원합니다.

유명하고 완전히 이해되지 않는 것은 기술적으로 Blaschka 가족의 유리로 된 장인과 예술가의 아치 현실 주의자입니다. 베니스에서 시작된 독일에 정착했습니다. Leopold Blaschka와 그의 아들 Rudolf는 소위 “유리 꽃 (영어)”을 (중복되지 않는 방식으로) 준비했습니다. 이 컬렉션은 19 세기 후반 하버드 대학교의 식물학 교수가 위촉 한 것입니다. 이 컬렉션은 총 약 900 개의 표본에 대해 기술적으로 탁월한 것으로 간주됩니다 (하버드 자연사 박물관). Leopold Blaschka는 또한 무척추 동물의 유리 모델을 별도로 만들었습니다. 이 표본은 이타카 (Ithaca)의 코넬 대학교 (Cornell University)와 아일랜드 더블린 국립 박물관 (National Museum of Irelandin Dublin)이 보관합니다.

의심 할 여지없이 가장 다양한 예술 유리가 현재 미국에서 만들어지고 있습니다. 미국의 개별적인 야금술은 식민지 시대로 거슬러 올라갑니다. 가정의 물체는 특유의 초록색 유리에서 특수하게 경화 된 기포로 장식되어 장식용으로 사용되었습니다. 현재 미국에서 많은 예술가들이 일하고 있으며 포스트 모던 트렌드를 비롯하여 대학에서 유리 잔을 가르치고 실습합니다. 많은 소규모 예술가들이 조각과 요리, 유리 꽃, 인물을 최근에 컴퓨터와 함께 만듭니다. 전통적으로, 그들은 Appalachia의 제철소에서 완전 밝거나 어두운 색상의 도자기 그릇입니다. 루비 또는 에메랄드 색의 그릇과 화병의 회사 예술가 세대에 의해 만들어집니다 .Blenko Glass Company.

20 세기에 도자기 유약과 유리 특유의 아메리칸 스타일 아트 데코의 주요 장소는 신시내티였습니다. 특히 1880 년에 여성이 설립하고 운영 한 최초의 회사 인 Rockwood Pottery가있었습니다. Marija Longworth Nichols는 자선 사업가이자 와일드 빌 히콕 (William Bill Hickok) 대령 (George Ward Nichols 대령)은 신시내티의 재벌 인 Longworths의 상속인이었다. Rockwood 도기 제품은 유럽의 수많은 전시회에서 수여되었습니다. 주식 시장이 붕괴 된 후, 이러한 전통은 쓰레기가되었습니다. 그러나 최근에는 계속되었습니다.

이와는 별도로 하비 리틀 톤 (Harvey Littleton)은 유리 공장 대신 작은 사무실 환경에서 만든 팽창 식 유리에 새로운 예술 방향을 제시했습니다. Littleton은 코닝에서 자랐습니다. 그의 아버지는 부엌, 가정 및 실험실 개체 (예 : Pyrex 유리)뿐만 아니라 산업용 유리 : Corning Glassworks의 수장이었으며, 수년 동안 가장 유리 박물관 전시회가 있었던 곳에서 자랐습니다. 세계. Littleton은 나중에 위스콘신 – 매디슨 대학교 (University of Wisconsin-Madison)에서 새로운 송풍기 및 예술가 세대 인 유럽을 비롯한 예술과 전통을 가르쳤습니다.

리틀 톤의 학생은 타코마 출신의 기념비적 인 비율의 유리 조각가 인 데일 치 훌리 (Dale Chihuly)와 함께했습니다. 외부 식물원이나 식물과 줄기에 들어있는 식물 정원, 큰 돔 아래에있는 강철 밧줄에 매달려있는 뱀 모양의 샹들리에는 소위 말하는 수백 가지 요소로 이루어져 있습니다. 베네 치안을 모델로 한 나선형 유리가 녹아 더 독특하고 자연스럽고 환상적인 형태로 날아갔습니다. Chihuly는 아마도 세계에서 가장 다작의 예술가 일 것입니다. 작가 및 박물관 전시회에 배정 된 워크샵, 서적 및 카탈로그를 작성하는 것은 투어 및 레코드 제작과 같은 전 직원을 필요로하는 작업입니다.

미국 이외의 지역에서는 풍선 유리로 된 추상적 예술가와 상업 예술가가 베니스 (일반적으로 이탈리아), 영국, 아일랜드, 핀란드, 네덜란드, 스웨덴, 덴마크 및 일본에서 특히 활동적입니다. 장식용 유리의 스페인 전통은 특히 중남미와 중미에서 재배되며, 특히 멕시코에서는 특이합니다. 브라질의 아티스트 Kim Poor (기타리스트 Genesis와 Steve Hackett의 아내)는 강철에 뿌려진 강렬한 안료로 유리를 넣는 원래 기법으로 평가 받았으며 Salvador Dalí은 Diafanism이라고 불렀습니다 (이 단어는 영어 어휘 옥스포드 영어), 그는 ang./ 라틴어 투명한 : “거의 투명하고 약간 흐리다”. 그녀의 예술 작품의 열매는 복제품의 형태로 널리 사용 가능합니다. 남편이 만든 앨범 표지입니다.

폴란드, 체코 슬로바키아, 독일에서는 수 세기 동안 유리 회화, 전통적으로 유리를 불어서 얻은 교회 스테인드 글라스와 컷 아웃 납 유리 (소위 크리스탈)의 제조가 이루어졌습니다. 이와 비슷한 전통을 가진 아일랜드 사람들은 주로 미국에서 구입 한 18 세기 이래로 생산 된 워터 포드 크리스탈 (Waterford Crystal) 형태를 취하고 있습니다. 뉴욕에서 유명한 빛나는 새해 낙오 공 – 타임 스퀘어 볼은 워터 포드에서 전통적으로 조각으로 제작됩니다.

폴란드에서는 기술적으로 복잡한 기술을 사용하여 현대의 대형 포맷의 두꺼운 예술 유리 잔을 생산하는 건축가 중 한 명인 건축가 Tomasz Urbanowicz가 폴란드의 많은 공공 건물을 장식합니다. 세계. Urbanowicz의 안경은 또한 세계 박람회 전시회에서 폴란드의 프리젠 테이션에 3 회 참가했습니다 : 독일 하노버 EXPO 2000에서 – “Piano Soul”이 메인 인 아이치 엑스포 (EXPO 2005 AICHI, Japan)의 Lower Silesia 발표에서 – 폴란드 사찰과 EXPO 2008 사라고사 (스페인)에서 “폴란드 – 돛에 바람을 피우다”라는 구도가 국가적 프리젠 테이션의 일부였다.

전통적인 크리스마스 싸구려 미니어처 스케일에 날 려 예술 유리의 독일어 발명입니다. 크리스마스 트리 자체의 전통으로서, 그들은 전 세계적으로 퍼졌습니다.

유리 패션

보석류
유리의 첫 번째 용도는 보석 및 장식의 구슬 및 기타 작은 조각에있었습니다. 구슬과 보석은 예술에서 유리의 가장 보편적 인 용도 중 하나이며, 용광로없이 작업 할 수 있습니다.

나중에 pocketwatches 및 monocles와 같은 유리 요소가있는 기능성 보석을 착용하는 것이 유행이되었습니다.

웨어러블 및 패션
20 세기 후반부터 시작된 유리 패션쇼는 조각 유리로 제작 된 독창적 인 맞춤 장착 의류를 만드는 것을 말합니다. 이것들은 착용자의 몸을 위해 주문되었습니다. 그들은 부분적으로 또는 전체적으로 적합성과 유연성에 극도의주의를 기울인 유리로 만들어졌습니다. 결과는 일반적으로 섬세하고 일상적인 사용을 목적으로하지 않습니다.

유리 용기
유리 예술의 가장 초기적이고 가장 실용적인 작품 중 일부는 유리 용기였습니다. 받침대와 투수는 예술 형태로 개발 된 유리 불기로 대중적이었습니다. 에칭, 페인팅 및 유리 성형의 많은 초기 방법이이 선박에서 연마되었습니다. 예를 들어, millefiori 기술은 적어도 로마로 거슬러 올라갑니다. 최근에는 납 유리 또는 수정 유리를 사용하여 강타했을 때 종소리처럼 울리는 선박을 만들었습니다.

20 세기에는 예술적 유리 용기를 비롯한 대량 생산 유리 작품을 공장 유리라고도합니다.

유리 건축

스테인드 글라스 창문
중세부터 유리는 더 널리 생산되어 건물의 창문에 사용되었습니다. 스테인드 글라스는 대성당과 웅장한 시민 건축물의 창문에서 흔히 사용되었습니다.

유리 외관 및 구조용 유리
판유리와 베 서머 (Bessemer) 공정의 발명은 더 큰 세그먼트에서 유리를 사용하고 더 많은 구조적 하중을 지원하며 큰 스케일로 생산되도록했습니다. 이 놀라운 예가 1851 년 크리스탈 팰리스였습니다.이 건물은 유리를 기본 구조재로 사용한 최초의 건물 중 하나입니다.

20 세기에는 유리가 테이블과 선반, 내부 벽 및 바닥에도 사용되었습니다.

유리 조각
가장 잘 알려진 유리 조각 중 일부는 Livio Seguso 또는 Stanislav Libenský 및 Jaroslava Brychtová와 같은 동상 또는 기념비적 인 구조물입니다. 또 다른 예가 René Roubícek의 “Object”1960입니다.이 작품은 2005 년 Corning Museum of Glass의 “Design of an Age of Adversity”전시회에서 52.2cm (20.6in)의 날아가거나 뜨겁게 가공 된 작품입니다. 헨리 리처드슨 (Henry Richardson)의 유리 탑은 9.11 테러 공격의 코네티컷 희생자들을 기념하기위한 곳입니다.

아트 유리 및 스튜디오 글래스 무브먼트
20 세기 초반, 대부분의 유리 생산은 공장에서 일어났습니다. 심지어 개별 유리 블로어가 자신 만의 맞춤형 디자인을 만드는 경우조차도 대형 공유 건물에서 작업을 수행하게됩니다. “예술 유리”라는 아이디어, 예술로 만들어진 작은 장식 작품, 종종 내부에 디자인이나 물건이 번성했습니다. Stanislav Brychta의 Lampwork 피규어와 같이 소량 생산 된 조각은 일반적으로 아트 유리라고합니다.

1970 년대에는 더 작은 용광로에 대한 좋은 디자인이 있었고, 미국에서는 유리 벽을 유리로 불어 넣어 유리 벽을 공장 외부에서 날려 버리는 “스튜디오 유리”운동을 일으켰습니다. 이것은 특정 작풍의 더 작은 생산 실행으로 움직임과 동시로. 이 운동은 세계의 다른 지역으로 퍼졌습니다.

21 세기의 기능성 유리 예술
기능성 유리 예술을 중심으로 펼쳐지는 언더 그라운드 예술계에서 엄청난 폭발이있었습니다. 많은 사람들은 Bob Snodgrass가 유리 연기 용기뿐만 아니라 퓸 (유리에 금과은을 녹이는 것)을 널리 보급 한 것에 동의합니다. 그는 그레이트 풀 데드 (Grateful Dead)와 함께 여행하면서 오레곤 주에 정착하고 유진 유리 학교 (Eugene Glass School)를 만들기 전에 여러 다른 지역 사회의 여러 다른 사람들에게 기술을 전할 수있었습니다. 시간이 지남에 따라 점점 더 많은 아티스트들이 파이프 제작 및 시장이 폭발 한 소셜 미디어의 도입에 관여했습니다. Quave, Banjo, Sagan과 같은 유명 예술가들은 마리화나 금지가 서서히 끝나면 시장 만 확대되면서 조각 당 10 만 달러 이상을 벌 수 있습니다.

유리 패널
위의 기법을 많이 사용하면서도 유리의 모양보다는 유리에 표현 된 예술에 중점을 두어 유리 패널 또는 벽은 엄청난 크기에 도달 할 수 있습니다. 이것들은 벽이나 벽의 꼭대기에 설치되거나 천정에 걸릴 수 있습니다. 대형 패널은 실외 설치 피스의 일부 또는 내부 용으로 찾을 수 있습니다. 전용 조명은 종종 작품의 일부입니다.

사용 된 기술로는 스테인드 글라스, 조각 (바퀴 조각, 조각 또는 산성 에칭), 설탕 장식, 에나멜 및 금 (천사 도금 포함)이 있습니다. 예술가는 마스킹이나 실크 스크린을 통해 기법을 결합 할 수 있습니다. 유리 패널 또는 벽은 물 또는 동적 조명을 사용하여 보완 할 수도 있습니다.

기술 및 프로세스
유리 예술을 생산하는 가장 일반적인 기법에는 blowing, kiln-casting, fusing, slumping, pate-de-verre, 화염 작업, 뜨거운 조각 및 냉간 가공이 있습니다. 냉간 작업에는 전통적인 스테인드 글라스 작업뿐만 아니라 상온에서 유리를 성형하는 다른 방법이 포함됩니다. 유리는 다이아몬드 톱이나 연마재가 묻혀있는 구리 바퀴로도자를 수 있으며 빛나는면을 내기 위해 광택 처리를 할 수 있습니다. 워터 포드 크리스탈을 만드는 데 사용되는 기술.

고급 문진은 원래 고전 시대 (1845 ~ 1870)에 유럽과 미국의 유리 공장에서 숙련공에 의해 만들어졌습니다. 1930 년대 후반부터 소수의 숙련 된 예술가들이이 예술 형식을 사용하여 주로 millefiori와 lampwork의 고전적인 기술.

산, 부식제 또는 연마 성 물질을 사용하여 예술품을 유리에 에칭하는 경우가 있습니다. 전통적으로 이것은 유리가 날아 가거나 주조 된 후에 행해졌습니다. 1920 년대에는 아트가 금형에 직접 에칭되어 각 주조 된 조각이 이미 유리 표면에있는 이미지로 몰드에서 나왔다는 새로운 몰드 에칭 프로세스가 개발되었습니다. 이로 인해 제조 비용이 절감되고 컬러 유리가 더 많이 사용됨에 따라 1930 년대에 저렴한 유리 제품이 나왔습니다.이 유리는 이후 우울증 유리로 알려졌습니다. 이 과정에서 사용되는 산의 유형이 극히 위험하기 때문에 연마 방법이 인기를 얻었습니다.

니트 및 펠트 처리 된 유리
니트 글라스는 2006 년 아티스트 캐롤 밀 (Carol Milne)이 개발 한 기술로 뜨개질, 분실 왁스 주조, 몰드 제조 및 가마 주조를 통합합니다. 그것은 완전히 유리로 만들어졌지만, 뜨개질로 보이는 작품을 만들어냅니다.

중국 예술가 Zhengcui Guo와 Peng Yi는 2015 년 하 예술 축제에서 긍정적 인 비판적 리뷰를 통해 felted glass 또는 “glelting”기술을 선보였다.

유리 인쇄
2015 년 MIT의 Mediated Matter 그룹과 Glass Lab은 G3DP 프로젝트를 통해 유리로 인쇄 할 수있는 프로토 타입 3D 프린터를 제작했습니다. 이 프린터를 사용하여 제작자는 광학 특성과 조각 두께를 변경할 수있었습니다. 그들이 인쇄 한 첫 번째 작품은 2016 년 Cooper Hewitt의 미용 전시회에 포함 된 일련의 미술관이었습니다.

유리 인쇄는 이론적으로 크고 작은 물리적 규모에서 가능하며 대량 생산을위한 용량을 갖추고 있습니다. 그러나 2016 년에 생산은 여전히 ​​수동 조정이 필요하며 일회용 조각품에 주로 사용되었습니다.

패턴 만들기
유리에 패턴을 만드는 방법에는 murrine, 조각, enameling, millefiori, flamework 및 금과 같은 caneworking가 포함됩니다.

유리 요소와 작업 유리를 최종 형태로 결합하는 데 사용되는 방법에는 램프 작업이 포함됩니다.

박물관
유리 미술의 역사적인 컬렉션은 일반 박물관에서 찾을 수 있습니다. 유리 예술의 현대 작품은 전용 유리 박물관과 현대 미술관에서 볼 수 있습니다. 여기에는 노퍽, 버지니아에있는 크라이슬러 박물관, 타코마에있는 유리 박물관, 메트로폴리탄 미술관, 톨레도 미술관, 코닝 유리 박물관 등이 있으며 세계에서 가장 큰 유리 예술품 컬렉션을 소장하고 있습니다. 컬렉션에 45,000 개 이상의 개체가 포함되어 있습니다. 보스톤의 미술 박물관 (Museum of Fine Arts)은 Dale Chihuly의 높이 13.0m (42.5 피트) 높이의 유리 조각 인 Lime Green Icicle Tower를 갖추고 있습니다. 2000 년 2 월 시카고의 네이비 피어 (Navy Pier)에있는 스테인드 글라스 창문 (Smith Museum of Stained Glass Windows)은 미국 최초의 스테인드 글라스 창 전용 박물관으로 문을 열었습니다. 루이 컴포트 티파니 (Louis Comfort Tiffany)와 존 라 파지 (John Lafarge)의 작품이 전시되어 있으며 매일 공개됩니다.

하버드 자연사 박물관에는 페인트 칠 된 유리로 만든 꽃의 매우 상세한 모델 모음이 있습니다. 이들은 Leopold Blaschka와 그의 아들 Rudolph에 의해 조명을 받았다. Blaschka 유리 꽃은 여전히 ​​유리 구를 만드는 사람들에게 영감을줍니다. 영국의 National Glass Center는 Sunderland, Tyne and Wear시에 위치하고 있습니다.

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