예술 종합 (German : Gesamtkunstwerk)은 모든 또는 많은 예술 형식을 사용하거나 이렇게하기 위해 노력하는 예술 작품입니다. Gesamtkunstwerk은 음악,시, 무용 / 판토마임, 건축 및 회화와 같은 다양한 예술을 결합한 작품입니다. 편집은 자의적이지 않고 예시 적입니다. 구성 요소는 반드시 서로를 보완합니다.

“예술 작품”, “이상적인 예술 작품”, “보편적 인 예술 작품”, “예술 종합”, “포괄적 인 예술 작품”, “모든 것을 포함하는 예술 형태”또는 “전체 예술 작품”을 의미하는 Gesamtkunstwerk는 Gesamtkunstwerk은 동시에 다른 미디어 나 예술 분야와 관련이있는 자율적 인 예술 작품에 이르기까지 “미적 구조와 현실의 경계를 없애는 경향이있다”(Odo Marquard). 고딕 양식과 바로크 양식의 예술에서 관습 적이었던 것처럼 신성한 창조에 대한 언급이 아니지만 그 자체의 타당성을 주장합니다.

이 용어는 1827 년에 독일 작가이자 철학자 K. F. E. Trahndorff가 에세이에서 처음으로 사용했습니다. 그러나 예술 융합의 합성은 오랫동안 역사에 나타났습니다. 독일의 오페라 작곡가 리차드 바그너 (Richard Wagner)는 1849 년 에세이 2 편에서이 용어를 사용했으며,이 단어는 특히 그의 미학적 이상과 관련이있다.

그것의 minting부터, Gesamtkunstwer 기간은 dramaturgy, 순수 예술 및 경치 예술에서 일반적으로, 각종 예술의 성분이 결합되는 다른 예술적인 표현을 기술하기 위하여 넓게 이용되었다. 뮤직 비디오 나 비디오 게임과 같은 영화 예술 및 기타 시청각 예술은 연극, 음악, 이미지 등이 결합 된 “총 예술 작품”으로 묘사되었습니다. 건축에서이 용어는 건축물을 묘사하는 데 사용됩니다 부분은 전체 내에서 다른 부분을 보완하도록 설계되었습니다.

20 세기에 일부 작가들은이 용어를 어떤 형태의 건축에 ​​적용하는 반면, 다른 작가들은이를 영화와 대중 매체에 적용했습니다.

이 용어는 20 세기 초반부터 “비엔나 탈퇴”에 속한 예술가들에 의해 미적 목적을 묘사하기 위해 사용되었습니다.

역사:
예술의 고대 종합 :
종합 사고와 인식 론적 태도의 전통은 여러 상징적 언어로 나타나며 고대에 도달한다 (예 : 이집트의 상형 문자를 가리킨다). 이미 그 당시 단어와 이미지의 연관성이 밝혀졌습니다 – 픽토그램 (Pictograms) – 현대의 시각적 문학의 핵심이었던 요소는 다양한 물질적 공통 의미의 필수적인 조합입니다.

그리스 문화에서는 가사와 음악을 연결하고 텍스트를 멜로디 시로 취급하는 것이 중요했습니다. 멜로디시는 항상 멜로디와 노래와 관련되어야합니다. 예를 들어, 사파의 모든 보존 된시는 멜로디 적 성격을 가지고 있습니다 (그리스 멜로디는 멜로디만큼 의미합니다).

로마 문화에서 시인 호라시 (Poetica)는 자신의 조약의 저자 인 레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)와 같이 르네상스 시대의 미학에서 영감을 얻은 유명한 문구 그림 라 (poetry) (그림과 같은 라틴시)를 포함했다. 그림.

Gesamtkunstwerk의 생각은 낭만주의 시대에서 나타난다. 예를 들어, 철학자 프리드리히 셸링 (Friedrich Schelling)은 “필연적으로 인간이되는 것”을 강조했다 (브루노 (Bruno) 또는 신의 자연의 원리, 1802). 이렇게 자신감이 높아지면서 작가의 작업과 자연의 작업을 동일시 할 수있었습니다. 이 용어 자체는 작가이자 철학자 인 유세비우스 트렌 도르프 (Eusebius Trahndorff)의 미학 또는 세계관과 예술 (1827)의 교리에서 처음 사용되었습니다. 1849 년 리차드 바그너 (Richard Wagner)의 <예술과 혁명> 지에서 다시 등장합니다. 바그너가 트렌 도르프의 작업을 알고 있는지 여부는 공개적인 질문이다.

중세 예술 종합 :
고대 영감과는 별도로 중세 시대에는 예술 공동체에 대한 민감성이 드러났는데, 특히 시각 예술 분야의 주체 (arl moriendi : 라틴어 죽어가는 예술)가 서사와 문학적 방식으로 표현되었습니다.

상호 침투의 또 다른 영역은 중세 시대의 원고였습니다. 베네딕토 회 수도원에서 처음으로 개화하는시기는 피사체와 예술적 품질에 관계없이 만화의 미학을 약속합니다.

여성, 베네딕토네, 신비한 힐데가르트 (Bingen) : 시인, 화가, 작곡가, 신학자 (여성 신학자), 철학자 (그리고 자연 의학을 실천하는 식물 치료사) 등 중세 시대에 등장한 다재다능한 예술가가 중세에 나타났습니다. 그리고 20 세기에 유기농 식품이라고 불리는 것을 가치있게 여기는 요리사).

르네상스 예술 종합 :
르네상스는 상상력에 관심이 있었는데, 상상력은 환상으로 취급되었지만 인식 또한 다루었습니다. 예술의 종합에 대한 이론적 토대는 (낭만주의에 의해 언급 된) 플라톤 신 플라톤주의 철학과 미학, 특히 Marsilio Ficino가 플라톤의 명절과 플라톤 신학 논문에 대한 광범위한 논평에서 주어졌다. 중생의 상징은 또한 부흥의 대상이었습니다. Gian Francesco Pico della Mirandola는 자신의 에세이에서 Imagination에 대해 상징적 인 그림을 아름답고 젊음을 키우는데 도움이된다고 지적했습니다. 이 정신으로 수많은 어휘집이 출판되었습니다.

인쇄 발명 덕분에 책은 이미 인쇄되었고 중세의 전통으로 인해 그래픽 합성 (대개 woodcuts)을 사용하여 풍부한 합성 인쇄물을 얻었으며 이는 예술 종합의 정신에서 독자의 인식을 필요로했습니다. 예를 들어, 산타 클로스의 산타 클로스는 조각 작품을 상징적 인 책으로 꼽았다. 텍스트가 별도의 그래픽 자료로 취급되는 볼륨도 대중화되었습니다. 그들은 시각적 인 문학의 핵심이었다.

그러나 엄격하게 이해 된 예술적 합성에 대한 탐색은 각 예술의 자율성을 강조하면서 르네상스 고전주의에 의해 금지되었다.

예술의 바로크 합성 :
모든 예술의 보편적 지식과 영적, 형식적 일치를 추구하면서 바로크 시대까지 공동체에 대한 사고를 완전히 발전 시켰습니다. 바로크 식 사전의 사전은 모든 영적이고 물질적 인 현시의 단일체로서 존재한다는 것을 이해하도록 열렸습니다 – 화합은 상징에 의해 “포착”되었습니다. 체사레 리파 (Cesare Ripa)와 그의 아이콘학은 상징적 인 이미지와 그것에 대한 논평적인 논평으로서 상징적 인 방식으로 다루어 진 개념의 사전 인 목판화와 함께 광범위하게 묘사 된 특별한 의미가있다. 바로크 시대에는 자연과 문화의 상호 의존성이 드러났습니다. 이것은 바로크 식 미학에 영향을 미쳤습니다.

Paul Sarbiewski in a essay 지각의 통일성을 인식하는 정신으로 Elegy의 장점과 단점에 대해 그는 모음의 감정적 차원을 분석했으며 Dii Gentium의 광범위한 논문에서 고대와 기독교의 전통을 결합한 문화적 신화 사전을주었습니다 .

바로크 미술에서 예술 종합의 성취는 문학과 미술의 경계선에서 장르의 상징이되었습니다. 활자체와 시각 예술의 경계선에서 실험적으로 전체적으로 다루어지는 책과 잦은 작품들도 문자의 측면에서 “그림”으로 다루어 진 텍스트의 공상적인 구성을 가지고있다. 텍스트는 왕권, 나무, 큰 유리 등의 모양을 취했다. 바로크 (Baroque)는 시각 문학의 무성한 꽃 피는시기였다. 폴란드에서는 이러한 형태가 가끔 문학에서 자주 등장했으며 십자형 텍스트, 셀 셉트, 별, 오벨 리스크 또는 무덤 기념물이 그 예입니다.

그러나 예술 공동체의 꿈은 바로크 시대에서 창작 된 오페라 (정확하게는 합성 (합성), 건전한 기초 만들기), 문학 (문학 대주교), 연극 (스테이징)와 페인팅 (무대 디자인을 그려내는 것). 오페라는 피렌체 카메라타 원형 (이론적 배경은 르네상스 빈첸조 갈릴레이 (Renaissance Vincenzo Galilei)가 베네치아에서 개발 한 획기적인 논문 Dialogo della musica antica e moderna의 새로운 미적 사고에 주어짐)에서 창작되었으며, 그녀의 첫 번째 작품은 클라우디오 몬테 베르디 (1607 년 그의 오르페우스 초연이 종의 시작으로 등장).

다양한 소재와 인식 영역을 결합한 바로크 식 몽상가는 실제로 예술 종합의 개념을 실현할 수있었습니다.

예술의 깨달음 합성 :
예외적으로 오페라는 전체가 아니라 (종종 보컬 퍼포먼스 자체로 제한됨) 볼프강 아마데우스 모차르트가 작곡 한 것입니다. 그의 가장 완벽한 오페라 작품 중 두 곡인 Don Giovanni와 The Magic Flute는 음악, 텍스트, 이야기 및 상상의 게임을 완벽하게 조화롭게 결합합니다.

예술의 낭만주의 종합 :
낡은 꿈을 새롭게하고 예술의 종합에 새로운 매력을 부여하는시기는 오래된 사고 방식을 새롭게하고 낭만주의 같은 바로크 시대의 주인들 (셰익스피어와 같은)에게도 이르렀다. 그는 또한 예술을 관능적 인 형태의 절대적 표현으로 표현한 헤겔의 미학에 대한 강연, 예술의 상징적 형태에 대한 광범위한 반영, “낭만적 인 예술 형태”와 특별한 예술 유형에 영감을주었습니다.

낭만주의의 철학적이고 미학적 인 생각은 종종 문화와 자연, 그리고 인간과 하나님의 친밀감을 상징하는 인간과 자연의 영적 일치에 초점을 맞추어 상징적으로 이러한 유사성에 영향을 미치는 예술 프로젝트를 창안했다 : Jean Paul Richter, Friedrich Schleiermacher는 화가 인 Otto Runge (풍경을 상징적으로 상징하는 화가의 친구), Gesamtkunstwerk (보편적 인 예술 작품 또는 오히려 “총체적”작품)의 개념을 개발 한 사상가 인 Karl Trahndorff (1782-1863)에 대해 썼습니다. 다양한 예술의 조합 :시, 음악, 그림, 춤). 어디에서나 예술은 물질의 다양성에도 불구하고 동질적인 언어로 인식되어 “전체 작업”(Gesamtkunstwerk)이라는 존재를 드러낸다.

희곡의 종합을 수행하는 것은 깨달음과 낭만주의의 경계에서 작가들에 의해 주어진다 : Johann Wolfgang Goethe (Faust의 비극 속에서), 특히 다재다능한 William Blake (신비주의, 시인, 화가와 그래픽 아티스트, 조화로운

성숙한 낭만주의에서 상상력과 물질 공동체의 개념이 선포되고 성취되어 다른 예술의 영감을 얻은 자신의 작품을 선보였다. 유진 드라크 루아 화가와 폴란드 작곡가 프레이 데릭 쇼팽 (Fryderyk Chopin). 다른 폴란드어 낭만주의는 연극의 종합을 형성합니다. Juliusz Słowacki (시와 회화와 음악의 환상적인 단결을 제공하는 후기 작품에서 특히)와 Cyprian Norwid (다재다능한 예술가로서 : 시인, 화가 및 초안 – “마술사” 자신을 불렀다.

연극 종합의 위대한 비전에서이 시대에 풍성했던 장르는 드라마였습니다. 특히 시대의 관용구 인 낭만적 인 드라마였습니다. 칼데론과 특히 셰익스피어를 포함한 바로크 시대의 낭만적 인 환영은 예술적 자유를 가르치고 예술의 다양한 스타일과 재료를 결합시킨 환상적인 작가로 읽 혔고 그 모양에 큰 역할을했습니다. 로맨틱 드라마의 이론적 근거는 Victor Hugo에 의해 공식화되었습니다. 음악 효과가 넘치는 괴테 파우스트 (Goethean Faust)와 특히 II 부에서 거의 “영화”는 예술의 합성에 대한 비전과 완성을주었습니다. 아직도 낭만주의에서,이 특징은 오페라 적응 찰리 Gounod (파우스트)와 헥터 Berlioz (파우스트의 저주)가주었습니다. 폴란드의 낭만적 인 드라마에서 Dziady의 Adam Mickiewicz (특히 II 부)와 Juliusz Słowacki (가장 마지막에 Samuel Zborowski가 가장 많이 있음)는 혼합적인 시각을 제공합니다.

낭만적 인 오페라는 바로크 양식의 전통을 재구성 한 것으로,이 작품은 장르의 혼합 양식 (Lammermoor, Modest Mussorgsky 및 Borys Godunov의 Gaetano Donizetti 및 Łucja, Gounod 및 Berlioz 언급), 그리고 특히 셰익스피어의 비극을 기반으로 한 주세페 베르디와 오페라 맥베스와 오텔로). 프랑스에서는, 바로크를 지칭하면서, 무의식적으로 (그러한 미적 인식없이) 장르의 변형이 그랜드 오페라가되었고, 그 대표는 자코모 메이어 버르 (Giacomo Meyerbeer)였다. 그러나 종종 낭만적 인 오페라는 장르의 본질을 잃어 버리는 화려한 보컬 파트를 중심으로 집중되어있었습니다.

특히 중요한 것은 오페라와 구별되는 뮤지컬 드라마의 개념 이론을 바탕으로 한 늦은 낭만주의 작곡가 리처드 바그너 (Richard Wagner)였다. 이러한 가정들로 만들어진 그의 작품들 (Tristan and Isolde, Nibelung Ring의 사적단과 같은)은 하나의 창조적 인 시각적 작업 내에서 다양한 예술의 재료들의 결합에 대한 바로크 낭만주의 개념의 새로운 성취였다. 바그너 (Wagner)는 이전의 이론가 들인 Gesamtkunstwerk에 의해 가정 된 “전체 작업”을 구현했다. 그는 그 자신을 위해 시적 대본을 썼다.

바그너와 Gesamtkunstwerk :
오페라 개혁의 일부 요소는보다 고전적인 방식을 추구하여 18 세기 말에 시작되었습니다. 오페라 세리에와 다 카포 아리아의 오랜 지배 이후, 운동은 가수와 관련하여 대본 작가와 작곡가를 발전시키고 드라마를보다 강렬하고 도덕적 인면으로 되돌아 가기 시작했다. 이 운동, “개혁 오페라”는 주로 Christoph Willibald Gluck 및 Ranieri de ‘Calzabigi와 관련이 있습니다. 칼 자비 기와의 글 루크의 협업으로 제작 된 오페라의 주제는 카를 마리아 폰 베버 (Carl Maria von Weber)의 오페라 곳곳에서 계속 진행되며, 이탈리아의 벨 카토 전통과 프랑스 광경 오페라를 거부하면서 와그너는 음악, 드라마, 연극 효과, 때때로 춤을 출 수 있습니다.

그러나 이러한 경향은 특정 ​​예술 철학에 대한 반응보다는 우연히 발전했다. Gluck의 개혁을 인정하고 Weber의 작품에 감탄 한 Wagner는 원래 1840 년대 후반의 급진적 인 사회 및 정치 견해의 일부로 그의 견해를 통합하기를 원했습니다. Wagner 이전에, Trahndorff의 에세이라는 제목에서 알 수 있듯이 독일 Romantics 중 익숙한 주제였던 예술 조합에 대한 아이디어를 표현한 사람들은 Wagner라는 단어가 처음으로 등장한 “Artistic of Philosophy of Art” . 예술 종합에 관해 쓴 다른 이들은 Gottfried Lessing, Ludwig Tieck, Novalis 등이있다. Carl Maria von Weber의 E.T.A에 대한 열렬한 평가. 호프만의 오페라 우딘 (Udeine, 1816)은이 작품을 ‘예술 작품으로 완성 해 보았습니다. 그 자체로 완성 된 예술 작품으로, 관련 예술과 공동 예술의 부분적 공헌이 섞여서 사라지고, 사라지고, 어떻게 든 새로운 세계를 형성합니다.’

바그너 (Wagner)는 1849 년 에세이 “예술과 혁명”과 “미래의 예술”에서 두 번의 경우에만 ‘Gesamtkunstwerk’이라는 철자를 사용하여 정확한 작품을 제작했다. 극장을 통해 예술. 그는 또한이 에세이에서 ‘미래의 유익한 작품’과 ‘통합 된 드라마’와 같은 많은 표현을 사용했으며 ‘Gesamtkunst’라고 자주 언급했습니다. 그러한 예술 작품은 민속 전설의 가장 명확하고도 심오한 표현 이었지만, 민족주의 특집에서 보편적 인 휴머니스트 우화로 추상화되었다.

바그너는 다락방 비극을 “위대한 Gesamtkunstwerk”라고 불렀습니다. Wagner는 그의 작품 「The Art of the Future」에서 잠시 후에 글을 쓰면서 용어의 의미를 확장했습니다. 그가 광범위한 책 ‘오페라와 드라마에서 자세히 기술하고 나중에 다른 사람들이 뮤지컬 드라마로 묘사 한 통합적이고 다양한 예술 작품에 대한 개념에서 바그너는 개인적인 “자매 예술”을 공동의 목적 인 연극에 종속시켰다. 그의 견해로 볼 때, 노동 분업의 증가 (예 : 연극 부문의 분리)와 사회에서의 자기 중심적 고립은 폐지되어야한다. 동시에 역할 모델과 적으로 그는 모든 무대 예술이 이미 최신 기술 스탠드에 통합 된 프랑스 그랜드 오페라를 구상했습니다. 바그너는 오페라가 절대적으로 음악을 설정하고 다른 모든 요소, 특히 드라마 자체를 후순위에 놓는 경우 오페라가 잘못된 경로에 있었다는 확신에서 출발했다.

바그너의 형제 자매는 동시에 배우, 가수 및 무용가였으며, 1850 년 이후 극장 전문직으로 인해 더 이상 가능하지 않았습니다. 다른 말로하면,이 보편성은 복원되어야합니다. 즉, 공연 예술가의 평등 한 작업을 통해 그것의 저자의 서비스에있는 예술. 바그너는 “모든 예술가들의 협동 조합”에 대해 말했습니다. 그는 독일의 로맨틱 스의 미적 개념뿐만 아니라 다양한 혁명의 결과로 1840 년경에 파리에서 독성이 있었던 정치적, 미적 담론으로부터 시작하여 미적 수단을 통해 사회적 유토피아를 실현하기를 희망했다.

“모든 장르의 예술을 받아 들여야 만하는 예술의 위대한 작품은 모든 종족의 집단적 목적 달성에 찬성하여 이러한 종을 소비하는 것, 즉 무조건적인 즉각적인 설명이다. 완벽한 인간 본성의 – 예술의이 위대한 작품은 개인의 임의적 인 가능한 행위가 아니라 미래의 사람들이 반드시 필연적으로 생각할 수있는 공통의 일로 인식한다.

바그너는 Aeschylus의 그리스 비극은 총체적인 예술적 합성에서 지금까지 가장 훌륭한 (비록 결함이 있지만) 예 였지만,이 합성은 후에 Euripides에 의해 손상되었다고 느꼈다. 바그너는 현재까지의 인류 역사에서 (1850 년까지) 예술은 더 멀리 떨어져 나갔고, 그랜드 오페라와 같은 “괴물”을 초래했다고 느꼈다. 바그너 (Wagner)는 그러한 작품들이 잔잔한 노래와 감각적 인 무대 효과 및 무의미한 음모를 축하한다고 느꼈다. “예술과 혁명”에서 바그너는 그리스 비극의 맥락에서 ‘Gesamtkunstwerk’이라는 용어를 사용합니다. “미래의 예술 – 작업”에서 그는 아직 그것을 실현되지 못한 이상으로 자신의 것에 적용하기 위해 그것을 사용합니다.

1851 년에 완공 된 오페라와 드라마 (Opera and Drama, 1851 년 완공)에서 그는 오페라와 드라마 (후에 바그너의 비 승인에도 불구하고 뮤직 드라마라고 불리는)의 결합에 대한 아이디어를 상세하게 기술하고있다. 공통된 목적으로

바그너 자신의 오페라주기 인 Der Ring des Nibelungen과 특히 Das Rheingold와 Die Walküre는 아마도이 사람이나 다른 사람과 가장 가까운 사람들을 대표하여이 이상을 실현하게 될 것입니다. 그는 자신의 협박을 풀고 ‘오페라틱하게’더 쓸 수있는이 무대 뒤였다.

바그너 (Wagner)는 조명, 음향 효과 또는 좌석 배치와 같은 환경 요소를 중요하게 생각하여 무대에서 시청자의주의를 집중시켜 드라마에 대한 완전한 몰입을 달성했습니다. 이 아이디어는 당시에 혁명적 이었지만 근대의 오페라에 의해 추측되었습니다.

Gesamtkunstwerk 음악 :
gesamtkunstwerk라는 용어는 음악, 드라마, choreutics,시, 비 유적 예술이 모여 서로 다른 예술을 완벽하게 통합 할 수있는 극장의 이상을 나타냅니다. 또한,이 전체 작업은 한편으로는 사람들의 영혼에 대한 가장 심오한 표현이 될 것이며, 다른 한편으로는 보편성의 분야로 투영 될 것입니다. 이 개념의 가장 좋은 예는, Bayreuth의 작곡가 인 Attic과 특히 eskylean의 비극이었고 나중에 Euripides에서 오페라 전통, 특히 이탈리아에서 Gesamtkunstwerk의 이상은 진보적 인 악화를 겪었습니다. 바그너의 의도는 예술의 전체 작업을 재구성하고 그것을 완전하고 결정적인 예술적 형태로 부과하는 것이었다. 바그너 직후 알렉산드르 스크라자빈은 자신의 프로 메테우스 (Prometheus) 또는 불의시 (Poem of Fire)를 창안했다.이 예술적 회화는 각각의 노트에 홀을 넘치게하는 색의 빛을 나타내는 악기를 디자인하기까지했다. 프로젝트, 시간이 너무 오래 걸렸기 때문에 실현할 수 없었습니다.

Gesamtkunstwerk의 이상은 다양한 예술의 이상적인 융합을 고려하여 디자인, 조각, 페인트 및 장식하는 구스타브 클림트 (Gustav Klimt)를 포함한 비엔나 탈퇴의 비 유적 예술가들에 의해 높이 평가됩니다.

Gesamtkunstwerk 건축 :
일부 건축 작가들은 Gesamtkunstwerk이라는 용어를 사용하여 건축가가 건축물 전체, 예를 들어 쉘, 액세서리, 가구 및 경관을 설계 및 / 또는 감독하는 상황을 나타냅니다. Gesamtkunstwerk의 개념이 건물과 그 내용의 관점에서 처음으로 고용되었을 때 (20 세기 후반까지 용어 자체는이 문맥에서 사용되지는 않았지만) 주장하는 것은 어렵다. 이미 르네상스 시대에 미켈란젤로 (Michelangelo)와 같은 예술가들은 건축, 인테리어 디자인, 조각, 회화 및 엔지니어링 분야에서 엄격한 업무를 수행하지 않았습니다. 역사가 Robert L. Delevoy는 Art Nouveau가 건축적인 Gesamtkunstwerk의 아이디어에 도움이되는 본질적으로 장식적인 경향을 나타 냈다고 주장 해 왔습니다. 그러나 그것은 산업주의의 부상에 대한 두려움에서 비롯된 사회 이론에서 태어난 것과 똑같이 가능할 수도 있습니다.

그러나 Gesamtkunstwerk의 개념을 대표하는 완벽한 인테리어의 증거는 1890 년대 이전에 볼 수 있습니다. 18 세기와 19 세기 건축가들 사이에서 아키텍처위원회의 모든면을 통제하는 경향이 증가하고 있습니다. 구조를 책임질뿐만 아니라 인테리어 작업의 모든 측면을 디자인 (또는 적어도 심사)하는 것을 포함하여 역할을 확장하려고했습니다. 이것은 인테리어 건축 기능뿐만 아니라 가구, 카펫, 벽지, 패브릭, 조명기구 및 도어 핸들 디자인으로 확장되었습니다. 로버트 아담과 아우구스투스 웰비 퓨긴 (Augustus Welby Pugin)은 경우에 따라 과자, 도자기 및 유리 식기의 선택이나 디자인까지 확장 할 수있는 전반적인 조화 효과를 창출하는 이러한 추세의 예입니다.

건축 Gesamtkunstwerk의 개념에 대한 뚜렷한 현대적인 접근법은 Walter Gropius가 1919 년에 바이마르에서 처음 설립 한 바우 하우스 (Bauhaus) 학교에서 나타났습니다. 학교는 디자인, 예술 및 장인 정신을 전문으로합니다 (아키텍처는 Dessau로 이전 한 후 1927 년까지 별도의 과정으로 소개되지 않았습니다). Gropius는 예술가와 건축가도 산업 디자인, 옷 디자인 및 연극과 음악을 포함하여 다양한 재료와 예술적 매체로 작업 한 경험이 있어야하는 장인이어야한다고 주장했습니다. 그러나 그로피우스는 건물과 그 디자인의 모든면을 한 손으로 만 볼 수있는 것은 아닙니다.

Ian Gillespie가 설립 한 캐나다 개발 회사 인 Westbank는 Gesamtkunstwerk을 회사의 비전과 도시 개발 철학의 바탕이되는 창립 아이디어로 사용합니다.

모더니즘에 합성 상징주의 :
리처드 바그너 (Richard Wagner)의 예술 작품의 총체적인 비전에 감명받은 Charles Baudelaire는 음악을 가장 개인적이고 기묘한 경험과 인상을 표현하는시의 모델로 생각했습니다. 그러한 상징적 인 중요성은 뮤지션들에게 주어 졌는데, 그것은 그녀보다 더 효과적이었고, 감정을 자극하고 직관을 자극 한 단어 (심지어는 여전히 현실적인)조차도보다 효과적 이었기 때문입니다. 유명한 Sonnet Baudelaire Correspondances (폴란드어 번역에서, 제목이 단순히 ‘상호 작용’의 의미에서 Correspondence를 의미 함에도 불구하고, Equilents 또는 Echos에 주어졌다.) of Flowers of Evil, 1857)은 곧 미학 분야에서 용어로 예술을 대변한다. Baudelaire는이 소네트에서 인간과 자연의 영적 친 화성을 묘사 한 “상징의 숲”이라고 묘사했습니다. 이 낭만적 인 자연의 시력에서, 시인은 의미의 인식 가능한 어휘의 입자가 아니라 심오한 개인적이고 이해할 수없는 비전으로서 상징의 새로운 개념을 이끌어 냈습니다. Baudelaire는 상징주의를 예술의 동질성에 개방적이고 위대한 혼합 주의적 비전으로 향하는 미학과 예술적 방향으로 영감을주었습니다. Arthur Rimbaud가시와 시적 산문으로 표현한 Sonthlu Sonnet (사운드와 이미지 사이의 친화력을 보여줌)을 프로그래밍 방식으로 표현한 방식입니다.

새로운 상징주의의 영감으로부터, 문학과 예술의 획기적인 모더니즘은 종종 예술의 종합에 도달했습니다. 그들은 작곡가 Gustav Mahler (그의 철학이 풍부한 교향곡에서)와 Aleksandr Scriabin (연주 내에서 사운드와 컬러 결합 – “light piano”의 유명한 개념)을 창의적으로 개발했습니다. 영 폴란드 (Young Poland)의 예술가 중에서도 시인, 화가 및 초안 인 Stanisław Wyspiański는 특히 Noc listopadowa, Wesele 및 환상적인 Akropolis의 드라마에서 가장 다재다능한 예술 공동체를 실현합니다. 연극의 종합은 또한 Tadeusz Miciński에 의해 수행됩니다 – 회화 적이며 거의 “영화”의 희극 – Basilis Teofanu의 비극 ”

예술의 종합과 예술의 일치에 대한 정의는 대체로 사용되는 반면, 예술의 목적과 분야는 주로 명시되어있다.

1 차 세계 대전 후, 시인 Guillaume Apollinaire는 Caligrams (1918)의 콜렉션에서 텍스트를 무료 그래픽 구성으로 대담하게 처리하여 시각시의 전체적인 특성을 부여했습니다 (예 : Mandolin, 정향 및 대나무 작업). 미래주의는 종종 예술 종합을 시도하면서 실험을했습니다.

상상력에 대한 새로운 찬사는 초현실주의에 의해 주어졌으며, 다소 자유로운 협회와 다양한 예술의 재료에 프로그래밍 방식으로 개방되어있었습니다. 이론가 안드레 브리튼 (André Breton)은 초현실주의의 선언문 (1924)에 자유롭고 환상적인 예술 프로그램을 주었다. 이러한 가정에 대한 예술적 실현은 더 완고했다. 1928 년 안달루시안 개 루이스 부뉴 엘 (Luis Buñuel)의 침묵 한 영화는 예외적인데, 막연한 상징적 인 의미, 특히 에로틱 한 의미의 과감한 이미지 (눈을 면도기로 자르는 유명한 장면)의 환상적인 조합. 그러나 이것은 주로 잠재 의식에 대한 연구였습니다. 그러나 초현실주의가 나중에 예술에 영감을 준다는 생각의 중요성은 대단합니다. 바로크와 낭만주의의 정신에서 예술가의 창조적 자유에 이르기까지의 동의입니다.

전장기에, 미래의 시인이자 화가 인 Tytus Czyżewski는 시각시와 비슷한 방식으로 작품을 찍었습니다. 시인 Poznań과 Dom, 시전 전기시입니다. Tom Czyżewski Pastorałki는 Tadeusz Makowski의 삽화를 통해 시적인 텍스트와 양식화 된 텍스트를 오래된 그래픽에 결합하여 예술 종합의 효과를 얻습니다. 예술 종합에 가장 근접한 두 가지 다재다능한 예술가 : Witkacy와 Bruno Schulz가 창의적인 활동의 범위와 작품의 소재를 형성한다는 점에서 모두 마찬가지입니다. Witkacy의 Pure Forms 이론은 또한 미적 존재 론적 차원을 결합하고 정화 카타르시스를 구성하는 “형이상학 적 감정”을 표현한 (즉, 그가 쓴 것처럼) 혼합 주의적 예술의 프로젝트였다. Witkiewicz는 형식주의의 시대에서 문학 – 환상적인 차원 (Tempting Saint Antoni)의 유화를 선보이며, 드라마에서는 회화와 영화 (Kurka Wodna, Matka, Sonata Beelzebub)에 포함 된 긴장감, 정교한 구성으로 가득 찬 긴장을 형성했다. Schulz는 에로틱 한 그래픽 (Xięga idwochwalcza)에 기반한 프레임 워크를 만들었고, 산문은 표현주의 적으로 풍부하게 채색 된 이미지를 표현한 것으로 표현되었습니다.

예술의 포스트 모더니티 합성 :
더 새로운 문학은 예술의 종합에 대한 아이디어를 말하며 종종 실험의 기회에 관한 것이다. Jan Rechoń, 그림과 음악에 항상 민감한 시인, Saranda의 Wanda Landowska에 대한시 (Marble and Rose, 1954). 그는 그의 리듬이 하프시 코드 미니어처와 비슷한 제목 인 거의 sarabande로 음악으로 묘사했다. Jarosław Iwaszkiewicz는 여전히 Witkacy의 헌정 작품 인 Abdon to Abdon (1922)에서 전성기 동안 꿈의 비전, 독특한 음악 리듬 및 생생한 이미지 레이어의 선명도를 구축했습니다. 몇 년 후, 심리학 서사의 합성, 그림과 희곡의 음악 (Wagner의 작곡법 사용)을 그린 것처럼 Dreams의 이야기에서 Dreams의 이야기를 만들었습니다. 정원. Sérénité (1974). 늦은시와 산문에서 Tatra Album (1975)은 니우보 (Niebo)라는 제목의 가사를 리듬감있는 산문으로 썼다. 처음에는 “소나타 형식을 최대한 가깝게 배치하려는 시도”라고 언급했다. 그러므로 음악 형식 소나타의 문학적 전치.

동시대의 문화에서 예술의 프로그램 적 합성은 특히 아시시의 오페라 세인트 프랜시스와 Martenot 파도를 사용한 전자 음악에서 작곡가 Olivier Messiaen (색채와 소리를 연상시키는 화려한 색채의 상상력을 부여 받음)에 의해 형성되었습니다. 다양한 재료가 Krzysztof Penderecki의 오페라 작품과 연결되어 있는데, 가장 완벽하게는 sacra rappresentazione (오페라 장르의 다양성) 파라다이스가 잃어버린 바로크 – 로맨틱 스타일의 전통에 곧바로 도달합니다.

특별한 개성은 바로크 전통과 특히 초현실주의 (그는 개인적으로 브르타뉴 어를 알았습니다), 그래픽 아티스트, 극작가 및 스토리 작가로서 그의 작품을 파헤 치며 필름 (카사노바 펠리니의 마술 랜턴)과 협력 한 롤랜드 토폴 (Roland Topor)이었습니다.

현대의 시대에 움직임을 기록하고 시각화하는 기술로 제작 된 영화는 시간과 예술을 통해 소리와 색의 정밀도 내에서 메시지의 기술적 성숙도가 달성되는 즉시 혼합적인 비전을 창출 할 수 있습니다. 그것은 50-60 년에 일어난 일입니다. 20 세기. 그는 화가의 상상력 (예술적 재능)의 감독이자 음악적으로 민감한 영화인 Federico Fellini의 가장 큰 비전을 세웠습니다. 그는 작품 전체에 걸쳐 연극을 창작했으며, Giulietta의 유령 영화 (수 지의 집에서 관능적이고도 잔잔한 에피소드, 주인공의 이웃), Satyricon (공공 집안을 걷는 동성애 연인), 로마 카사노바 (Topor의 프로젝트의 마술사, 독일의 바그너 음악 에피소드로 합창을 들려 준다), 여성 도시 (주인공 아내, Verdiowska La Traviata의 집 Snaporaza aria에서 노래하기), 배가 항해 중이다 (음악 베르디가 가수의 재가 바다에서 흩어지고 가라 앉음).

Leopard와 The Twilight of the God의 영화에서 루치 노 비스 콘티 (Luchino Visconti) (오페라와 오페라 공연을 소중히 여기는 사람)는 바그너 루드비히 (Wagner Ludwig)의 음악 (특히 그의 영웅이 작곡가의 미친 후원자 였음 – 루드비히 바바리아 왕). 연극의 종합은 켄 러셀 (Ken Russell)이 맡았는데, 작품의 포화는 묘사 된 작곡가의 음악으로 채워졌으며 엄격하게 환상적인 장면 (차이코프스키, 말러에 관한 음악 애호가)과 악마에서 잔학하고 연극적인 바로크 식 시각 연대. Russell made the Tommy film in 1975, which is a baroque, vivid adaptation of the musical – the synthesis of arts has entered the circle of mass culture. In turn, in the films of Andrey Tarkovsky (Andrei Rublev, Zwierciadło, Sacrifice), the synthesis of the arts is created by direct quotations from the works of painting, connected with the music of the great masters. A similar synthesis was obtained by Werner Herzog, associating the “pictorial” filmed landscape and sound (Glass Heart – with psychedelic rock music, Fitzcarraldo – with opera music).

In the exhibition “The Hang to Gesamtkunstwerk” by Harald Szeemann, which was shown in 1983 in the Kunsthaus Zürich, in the Museum of the 20th Century in Vienna and the beginning of 1984 also in Berlin Charlottenburg , various works of art were presented to the public: among others the Merzbau of Kurt Schwitters, the Goetheanum in Dornach, the cathedrals (like Sagrada Família) by Antonio Gaudi, the Monte Verità near Ascona, the Vittoriale degli italiani on Lake Garda. The exhibition has brought together European utopias since 1800 that do not want to limit themselves to a purely aesthetic meaning but have in mind a transformation of social reality into a renewed society.

More recently, the term Gesamtkunstwerk overlaps with that of (synthetic) intermediality. Whether works of art that address different senses at the same time, are free compositions in the sense of multimedia or mixed media, or whether they meet the requirement of unification into a Gesamtkunstwerk, is a matter of interpretation. Happening, Fluxus, Performance, Experimental Theater and other phenomena are also interpreted as variations of the idea of the Gesamtkunstwerk.

A separate opera is occupied by an opera, which is an adaptation of the opera, but only when the director does not aim at realism, but draws the artistic consequences of meeting many plays within one work. That’s what Ingmar Bergman (Mozart’s The Magic Flute) and Andrzej Żuławski (Borys Godunov according to Mussorgsky) did. It is close to the European musical film, which deviates from the tradition of a realistically shaped musical – it is Jacques Demy and Parasolki of Cherbourg with Catherine Deneuve in the lead role and Legrand’s music, the film is sung entirely, but also full of tastefully colored frames.

Within the scope of painting and sculptures after World War II, the synthesis of the arts was revealed, moreover, often through the syncretism of form, and finally the departure from the finished, finished by the artist, works to show the creative process using the material of various arts. Such conceptual art as, related to it, performance improvising, showing art as a process – they use a variety of materials: painting, literary, but especially multimedia technology (especially video). Yes, with the use of electronic devices and digital technology, the old, centuries-long idea of the synthesis of arts takes shape.

Within the mass culture, the phenomenon emerging from, the simplest, synthesis of the material within the perception is a comic book. The more interesting and often sophisticated and artistically outstanding, practical manifestation of the synthesis of arts is a video clip – a phenomenon common in the popular musical culture, and based on the association of image and sound. Interpreting, or rather visualizing, a song, a music video hangs around the outline of the plot, puts on the performer the role of acting, gives meaning to the scenery, costumes, or even make-up characters. The assembly (usually its fast rhythm) is of special importance, as well as special visual effects obtained by computer. The whole resulting from this is a synthesis of arts. Pioneer achievements in this regard had the band Queen (in the video for the song “Save Me” animation was used for the first time). The original music videos were recorded by Madonna (“Music”, also “Hung Up” and “Sorry” – from the album Confessions on a Dance Floor). The master of this form was Michael Jackson, whose music video for the title song of the album Thriller is considered a masterpiece.