艺术综合（Synthesis of arts 德语：Gesamtkunstwerk）是一种利用所有或许多艺术形式或努力去做的艺术作品。 艺术综合是一个结合各种艺术，如音乐，诗歌，舞蹈/哑剧，建筑和绘画的作品。汇编不是任意和说明性的：各个组成部分必须相互补充。
“艺术总作”，“理想艺术作品”，“全方位艺术作品”，“艺术综合”，“综合艺术作品”，“全包艺术形式”或“全部艺术作品”等到一种同时融合并与不同媒介或艺术学科相联系的自主艺术作品，Gesamtkunstwerk具有“消除审美结构与现实之间界限的倾向”（Odo Marquard）。它不是哥特和巴洛克之间的艺术习惯的神圣创造，而是它自己的有效性。
德国作家兼哲学家K.F.E.Trahndorff于1827年在一篇文章中首次使用这个术语。然而，艺术融合的综合在历史上早已出现。德国歌剧作曲家理查德·瓦格纳（Richard Wagner）在1849年的两篇文章中使用了这个词，这个词与他的审美理想特别相关。
自成立以来，Gesamtkunstwer一词在戏剧，美术和风景艺术中得到广泛的应用，一般来说描述了各种艺术元素相结合的不同艺术表现形式。电影艺术和其他视听艺术，如音乐录像或视频游戏，也被称为“全面艺术作品”，因为它们结合了戏剧，音乐，形象等。在建筑学这个术语是用来描述一个建筑物，其中每个部分旨在补充整体中的其他人。
在二十世纪，一些作家将这个词应用于某种形式的建筑，而另一些则将其应用于电影和大众传媒。
20世纪初“维也纳分裂国家”的艺术家也使用这个术语来描述其审美目标。
历史：
古代艺术综合：
综合思考和认识论态度的传统可以追溯到古代，以各种象征性语言（研究者指出例如埃及象形文字）表现自己。那时候，文字和图像之间的联系已经被揭示出来 – 象形文字是现代视觉文学的核心，它是各种材料和通常意义的完整结合。
在希腊文化中，将抒情与音乐联系在一起，将文本看作是一首融合的诗歌，应该总是伴随着旋律和歌唱。例如，所有保存的萨福诗都具有一种婉转的特征（希腊乐曲意味着和旋律一样多）。
在罗马文化中，诗人霍瑞西在“比萨饼的信”（称为诗歌艺术）中包括着名的词组pictura poesis（拉丁诗歌如绘画），用作文艺复兴时期美学的灵感，例如达芬奇作为“绘画。
Gesamtkunstwerk的想法出现在浪漫时代。例如，哲学家弗里德里希·谢林（Friedrich Schelling）强调了“人的必然成为”（布鲁诺或事物的神圣自然原理，1802年）。这种增强的自信使得将艺术家的作品等同于自然的作品成为可能。这个词本身是作家和哲学家尤西比乌斯·特兰多夫（Eusebius Trahndorff）在他的着作“美学与世界观与艺术学说”（1827）中首次使用的。 1849年，他重新出现在理查德·瓦格纳的“艺术与革命”一书中。瓦格纳是否知道Trahndorff的工作是一个悬而未决的问题。
中世纪艺术综合：
除了古代的灵感之外，中世纪对艺术社区的敏感度，特别是他的死亡的拉丁艺术作为视觉艺术的主题（以叙事和“文学”的方式被捕获）。
相互渗透的另一个领域是中世纪的手稿。在这个时代盛开，首先在本笃会修道院里，不论他们的主题和艺术品质如何，都保证漫画的美学。
一个多才多艺的艺术家出现在中世纪，拥抱和结合他的许多想象力 – 一个女人，本笃会和神秘的宾根Hildegard：诗人，画家，作曲家，神学家（女神学家）和哲学家（和一位植物治疗师练习天然药物还有一位20世纪所谓的有机食品的厨师）。
文艺复兴综合艺术：
文艺复兴时期对想象力很感兴趣，他把这种想象看成是幻想，而且是认知。艺术综合的理论基础（如浪漫主义所提到的）是由佛罗伦萨的新柏拉图主义的哲学和美学给予的，尤其是在柏拉图的盛宴和柏拉图式的神学论文中的马西利奥·菲奇诺（Marsilio Ficino）。复兴的象征也是复兴的主题。吉安·弗朗切斯科·皮科·德拉·米兰多拉在他的散文“想象力”中指出，象征性的绘画在培养年轻人方面是美丽而有益的。本着这种精神出版了许多符号的词汇。
由于印刷技术的发明，书籍已经印刷出来，为了中世纪手稿的传统，他们使用图形（通常是木刻）获得丰富的印刷设置，这要求读者以艺术综合的精神来感知。例如，这种人物就是圣诞老人的圣诞老人，其中包含版画作为一种象征性的书籍。其中的文本被视为一个单独的图形材料，也成为流行的卷，他们是视觉文学的核心。
然而，文艺复兴时期的古典主义禁止寻求严格理解的艺术综合，强调每一种艺术的自主性。
巴洛克艺术综合：
它充分发展了巴洛克时代的社区思想，寻求普遍的知识和所有艺术的精神和形式的统一。巴洛克式的符号字典开启了它的所有精神和物质表现的统一 – 被符号“俘获”的统一。塞萨尔·里帕和他的图像学具有特别的意义 – 一个广泛的，木刻插图，用象征性的方式覆盖的概念字典：作为一个象征性的形象和话语评论。在巴洛克时代，也揭示了自然与文化的相互依存关系。这对巴洛克美学产生了影响。
Pole Sarbiewski在一篇论文中，对Elegy的优点和缺点进行了认识，并且分析了元音的情感维度，并且在广泛的论文中Dii Gentium给出了一个关于文化神话的词典，结合了古代和基督教的传统。
在巴洛克艺术中，艺术综合的实现已经成为文学艺术交集的一种象征。在文学和视觉艺术的交界处，也经常有作品和书籍作为一个整体进行对待，文字构思奇特，从印刷方面看作是一幅“画”。文本呈现了权杖，树木，大玻璃等的形状。巴洛克式在这个意义上说是一段视觉文学开花的时期。在波兰，这种形式在偶尔的文学中很常见，例子是十字形的文字，诗歌，星星，方尖碑或墓碑。
然而，最完整的是，艺术共同体的梦想是由巴洛克时代创作的一种流派歌剧来实现的，恰恰是在寻求合成的过程中，将音乐（构图，创造完善的基础），文学（唱词），戏剧（舞台）和绘画（从中绘制舞台设计）。歌剧由Florentine Camerata圈组成（理论背景是文艺复兴时期的文森佐·伽利略（Vincenzo Galilei）在开创性的论文Dialogo della musica antica e moderna中赋予的新的美学思想），在威尼斯开发，她的第一批杰作是由Claudio Monteverdi （1607年他的俄耳甫斯首映作为物种的开始）。
巴洛克式的幻想，结合各种材料和感知领域，实际上实现了艺术综合的概念。
艺术的启蒙综合：
除了歌剧之外，不是整体（通常仅限于声乐表演本身），而是由莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）创作的。他的两部最完整的歌剧作品 – 唐·乔万尼（Don Giovanni）和“魔笛”（The Magic Flute），创造了音乐，文字，故事和想象游戏的完美和谐的组合。
浪漫主义艺术综合：
旧梦的更新时期和对艺术综合的新的迷恋已经成为这种旧思维的延续，同时也延伸到了巴洛克式的大师（如莎士比亚），浪漫主义。他还启发了关于黑格尔美学的讲座，他把艺术作为绝对的一种表现形式，对艺术中的象征形式，“浪漫的艺术形式”和特定类型的艺术进行了广泛的思考。
浪漫主义的哲学和美学思想往往集中于人与自然的精神统一，包括文化与自然，以及人与上帝的亲密关系，画出一个象征性地影响这些亲和力的艺术项目：Jean Paul Richter，Friedrich施莱尔马赫（Schleiermacher）写道，画家奥托·龙格（Otto Runge）（象征性地代表景观的画家的朋友），也是思想家卡尔·特兰多夫（Karl Trahndorff，1782-1863），他发展了普世艺术的概念或者说“全部”各种艺术的结合：诗歌，音乐，绘画，舞蹈）。在这里，艺术被认为是一种同质的语言，尽管材料种类繁多，却揭示了一种“全面的工作”（Gesamtkunstwerk）。
作者从启蒙和浪漫主义的边缘开始实现戏剧的综合：约翰·沃尔夫冈·歌德（在浮士德的悲剧中），特别是多才多艺的威廉·布莱克（神秘的，诗人，画家和平面艺术家，和谐地
在成熟的浪漫主义中，想象力和材料的共同体的概念被宣告和实现，开放了其他艺术的灵感：画家EugèneDelacroix和波兰作曲家Fryderyk Chopin。其他波兰浪漫主义者也塑造了戏剧的综合：尤利乌斯·斯沃瓦奇（JuliuszSłowacki）（特别是晚期的诗歌，绘画和音乐效果的幻想统一的作品）和塞浦路斯的诺维德（作为一个多才多艺的艺术家：诗人，画家和绘图员 – “魔术师”自称）。
在这个时代，在戏剧综合的精神中，在伟大的愿景中丰富的类型是戏剧，或者更具体地说是时代惯用的风格 – 浪漫的戏剧。包括卡尔德隆，尤其是莎士比亚在内的巴洛克风格的浪漫接待，尤其是莎士比亚作为一个有远见的艺术自由教授，结合了各种风格和艺术材料，在形式上扮演着重要的角色。维多利亚·雨果制定浪漫戏剧的理论基础。一个充满音乐效果的歌德浮士德，特别是在第二部分，几乎“电影”给了融合的视觉和艺术综合的实现。仍然在浪漫主义，这些特点突出了查尔斯古诺（浮士德）和赫克托柏辽兹（浮士德的诅咒）的歌剧适应。在波兰的浪漫戏剧中，Dziady的Adam Mickiewicz（特别是第二部分）和JuliuszSłowacki的戏剧（最后一部 – Samuel Zborowski）都给出了融合的视角。
这个浪漫的歌剧更新了巴洛克风格的原始形式，传统的融合形式（Gaetano Donizetti和Lamucmoor的Lucja，Modess Mussorgsky和Borys Godunov，提到古诺和柏辽兹），最重要的是朱塞佩威尔第和以莎士比亚的悲剧为基础的歌剧麦克白和奥特洛）。在法国，这种类型的变体，在不知不觉中（没有这种美学意识），指的是巴洛克风格，成了一个盛大的歌剧，其代表是贾科莫·迈耶尔（Giacomo Meyerbeer）。然而，浪漫的歌剧往往过于集中于壮观的声乐部分，失去了流派的精髓。
尤其重要的是后期浪漫主义作曲家理查德·瓦格纳（Richard Wagner），他在音乐戏剧的概念理论（与歌剧不同）中提出了这一理论。他的作品（比如特里斯坦和伊索尔德，尼伯龙四部曲），是由这些假设构成的，是对一种创造性视觉作品中各种艺术材料凝聚力的巴洛克浪漫主义的新实现。瓦格纳执行了早期理论家Gesamtkunstwerk提出的“全部工作”。他自己为自己的作品写了一首诗意的歌词。
瓦格纳和Gesamtkunstwerk：
寻求更“古典”方式的一些歌剧改革要素已经在十八世纪末开始了。经过长时间的连续剧和大调咏叹调的咏叹调，一场运动开始推动剧作家和作曲家与歌手的关系，并把剧情重新放回到一个更激烈，更不道德的重点。这场运动，“改革歌剧”主要与克里斯托弗·威利布尔德·格鲁克和拉涅利·德·卡尔扎比吉有关。由格鲁克与卡尔扎比吉合作制作的歌剧主题在卡尔·玛丽亚·冯·韦伯的歌剧中继续存在，直到瓦格纳拒绝了意大利的美洲传统和法国的“奇观”，他的音乐，戏剧，戏剧效果，偶尔跳舞。
然而，这些趋势是偶然发展的，而不是对特定的艺术哲学的回应。瓦格纳认识到格鲁克的改革，并赞赏韦伯的作品，他原本希望巩固他的观点，作为他十九世纪四十年代末激进的社会和政治观点的一部分。在瓦格纳之前，其他曾经表达过关于艺术联盟的观点的人，这在德国浪漫主义者当中是一个熟悉的话题，正如Trahndorff的文章标题所证明的那样，首先出现了“美学或者艺术哲学理论” 。其他撰写综合艺术的人包括戈特弗里德莱辛，路德维希铁克和诺瓦利斯。卡尔·玛丽亚·冯·韦伯（Carl Maria von Weber）热心回顾E.T.A.霍夫曼的歌剧“温迪恩”（Undine，1816）认为它是“一种完整的艺术作品，其中相关艺术和合作艺术的部分贡献相互融合，消失，消失，形成一个新的世界”。
瓦格纳在1849年的文艺作品“艺术与革命”和“未来的艺术作品”中，只用了两次“Gesamtkunstwerk”（他拼写为“Gesammtkunstwerk”）的确切名词，他提到了他统一所有作品的理想艺术通过剧院。他还在这些文章中使用了许多类似的表达方式，如“未来的精湛的艺术作品”和“综合戏剧”，并经常提到“格萨姆坎昆”（Gesamtkunst）。这样的艺术作品虽然是从民族主义的细节中抽象出来的，但却是民间传说最清晰，最深刻的表现。
瓦格纳把阁楼的悲剧称为“伟大的格萨姆·昆斯塔克”（Gesamtkunstwerk）。瓦格纳在他的作品“不久之后的艺术”中，扩大了这个词的含义。瓦格纳在其广泛的着作“戏剧与戏剧”中详细描述过的一个完整的，多样的艺术作品的概念，后来被其他人称为音乐剧，瓦格纳将个人“姐妹艺术”服从于一个共同的目的 – 戏剧。从他的角度来看，应该废除日益分工（例如分隔戏剧）和社会的自我孤立。同时，作为榜样和敌人，他设想了法国大剧院，所有的舞台艺术都已经在他们最新的技术立场上团结起来。瓦格纳从确信歌剧走上错误的轨道开始，如果它绝对地设置音乐并从属于所有其他元素，首先是戏剧本身。
瓦格纳的兄弟姐妹同时也是演员，歌手和舞蹈演员，由于1850年以后剧院职业的专业化，这已经不再可能。换句话说，这种普遍性应该得到恢复：通过表演者在工作中的平等工作艺术为其作者服务。瓦格纳谈到了“所有艺术家的合作”。他从德国浪漫主义的审美观念以及1840年左右各种革命之后在巴黎恶毒的政治和美学话语出发，希望通过美学手段实现社会乌托邦：
“艺术的伟大工作必须包括所有艺术类型，以便消耗这些物种中的每一种作为有利于实现所有人的集体目的的手段，即无条件的立即展览完美的人性 – 这种伟大的艺术作品，他不承认个人的任意可能的行为，而是认为未来的人的必然共同的工作。
瓦格纳认为，希腊的埃斯库罗斯悲剧迄今为止是迄今为止最好的（虽然仍然是有缺陷的）全部艺术合成的例子，但是这种合成随后被欧里庇忒斯所腐蚀。瓦格纳认为，在人类直至今日（即1850年）的其余时期，艺术已经越来越分离，导致了大歌剧这样的“怪物”。瓦格纳认为，这样的作品庆祝bravura唱歌，轰动舞台效果，和无意义的情节。在“艺术与革命”中，瓦格纳在希腊悲剧的背景下使用了“Gesamtkunstwerk”一词。在“未来的艺术作品”中，他用它来适用于自己的，尚未实现的理想。
在他广泛的着作“戏剧与戏剧”（1851年完成）中，他进一步提出了这些观点，详细描述了他对戏剧和戏剧联合的想法（后来被称为音乐剧，尽管瓦格纳不赞成这个术语），个人艺术是从属的达到一个共同的目的。
瓦格纳自己的歌剧作品“尼伯龙根戒指”（Der Ring des Nibelungen），特别是它的组成部分“达斯·莱茵戈德”（Das Rheingold）和“死亡女神”（DieWalküre）也许是最接近他或者其他任何人实现这些理想的;他是在这个阶段之后自己放松自己的束缚，写更“操作性”的。
瓦格纳非常重视灯光，音响效果或座位布置等环境因素，将观众的注意力集中在舞台上，从而使他完全沉浸在戏剧中。这些思想当时是革命性的，但很快就被现代歌剧所承担。
Gesamtkunstwerk音乐：
音乐，戏剧，舞蹈，诗歌和形象艺术融合在一起，为了实现对不同艺术的完美融合，“歌舞团音乐”这个术语表明了戏剧的理想。而且，这一方面的工作一方面将是一个民族灵魂最深刻的表达，另一方面它将被投射到一个普遍性的领域。这个概念的最高的例子是对于拜罗伊特的作曲家，阁楼，特别是埃斯基尔的悲剧，而后来从欧里庇得斯到歌剧传统，特别是在意大利，格萨姆库肯斯特克的理想经历了一个渐进的恶化;瓦格纳的意图恰恰在于重建全部艺术作品，并把它作为一种完美而明确的艺术形式。实际上，在瓦格纳之后不久，亚历山大·斯克雅宾（Aleksandr Skrjabin）设想了他的“普罗米修斯”或“火焰之歌”，这是一个宏大的艺术通感。为此他甚至设计了一种与每个音符相关的一束乐器，一个项目，这个超前的时间，这是不可能实现的。
Gesamtkunstwerk的理想被维也纳分裂国家的具象艺术家所高举，包括古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt），他设计，雕刻，绘画和装饰了各种艺术的理想融合。
Gesamtkunstwerk架构：
一些建筑作家使用了术语Gesamtkunstwerk来表示建筑师负责设计和/或监督建筑物总体的情况：外壳，配件，家具和景观。从建筑物及其内容的角度来看，首先应用Gesamtkunstwerk的概念是很难声称的（尽管直到20世纪后期这个术语本身才被使用）早在文艺复兴时期，米开朗基罗等艺术家在建筑，室内设计，雕塑，绘画乃至工程等方面的任务就没有严格的划分。历史学家罗伯特·L·德莱沃伊（Robert L. Delevoy）认为，新艺术运动代表了一种本质上的装饰性趋势，因此也适用于建筑艺术的思想（Gesamtkunstwerk）。但同样可能的是，它出自于对工业主义兴起的恐惧而产生的社会理论。
然而，在十九世纪九十年代之前的某个时候，可以看到典型的Gesamtkunstwerk概念的完整内部的证据。 18世纪和19世纪的建筑师们越来越倾向于控制建筑委员会的每个方面。除了对结构负责之外，他们还试图扩大自己的角色，包括设计（或者至少是审核）内部工作的各个方面。这不仅包括室内建筑的特点，而且延伸到家具，地毯，壁纸，织物，灯具和门把手的设计。罗伯特·亚当（Robert Adam）和奥古斯都·威尔比·普金（Augustus Welby Pugin）就是这种趋势的例子，它们创造了一种全面的协调效应，在某些情况下甚至可能延伸到餐桌银，瓷器和玻璃器皿的选择或设计。
在1919年由瓦尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）首次在魏玛（Weimar）建立的包豪斯学派（Bauhaus）出现了一个明显的现代化的建筑学Gesamtkunstwerk概念。专门从事设计，艺术和工艺的学校（直到1927年转入德绍之后，才将建筑作为一个单独的课程引入）。格罗皮乌斯认为，艺术家和建筑师也应该是工匠，他们应该有不同的材料和艺术媒介的经验，包括工业设计，服装设计，戏剧和音乐。然而，格罗皮乌斯并不一定把建筑物和设计的每一个方面看作是单手的工作。
由Ian Gillespie创立的加拿大开发公司Westbank使用Gesamtkunstwerk作为公司对城市发展愿景和理念的创立理念。
象征主义与现代主义综合：
查尔斯·波德莱尔对理查德·瓦格纳的艺术作品“全部”的展望印象深刻，他把音乐视为诗歌的典范，表达了最具个人色彩和难以捉摸的经验与印象。这种象征性的重要性赋予了音乐家，因为这是她的 – 比这个词更有效，甚至是形象（那么现实还是现实的），那就是刺激的感觉和触发的直觉。着名的十四行诗Baudelaire通讯（在波兰语翻译它被给了等值或回声，虽然标题简单地意味着函授，在互相的互作用的意义上）从容量邪恶的花，1857年）很快成为返回的一部分艺术作为美学领域的一个术语。波德莱尔在这个十四行诗中描绘了人与自然的精神亲和力，被称为“符号之林”。从这种浪漫的自然观看，诗人提出了一个新的符号概念，不是一个可以识别的意义词汇的粒子，而是一个深刻的个人和不可理解的视野。波德莱尔激发了象征主义的美学和艺术的方向，开启了艺术的亲和力，并正在走向一个伟大的融合的愿景。这就是亚瑟·兰波如何写在他的诗歌和诗歌的散文中，并以编程方式表达Sonoflu Sonnet（揭示声音和图像之间的亲和力）。
从新象征主义的启示来看，现代主义作为文艺界的一个时代，经常是为了艺术的合成而达成的。他们创造性地开发了作曲家古斯塔夫·马勒（在他的哲学丰富的交响乐）和亚历山大·斯克里亚宾（在演出中结合声音和色彩 – “轻钢琴”的着名概念）。在波兰青年艺术家之中，诗人，画家和制图员斯坦尼斯瓦夫·维斯皮安斯基（StanisławWyspiański）意识到了艺术界的多面性，特别是在Noc listopadowa，Wesele和有远见的阿克罗波利斯的戏剧中。剧本的合成也由TadeuszMiciński执行 – 与绘画和几乎“电影”panache – 悲剧的Basilis Teofanu’
艺术综合的定义和艺术的对应经常交替使用，但它们主要表现在艺术的目的和领域不同。
第一次世界大战之后，Caligrams（1918）收藏的诗人Guillaume Apollinaire大胆地将文字视为一种自由的图形作品，赋予了视觉诗歌的全部特征（例如曼陀林，丁香和竹子的作品）。未来主义也经常尝试，试图综合艺术。
超现实主义给予了对于想像力的新的赞誉，在程序上对自由的社团领域以及各种艺术材料的组合进行了程序化的开放。理论家安德烈·布雷顿（AndréBreton）给超现实主义宣言（1924）提供了一个解放和幻想艺术的节目。这些假设的艺术实现更为温和。唯一的例外是1928年安达卢西亚犬路易斯·布努埃尔（LuisBuñuel）的一部无声电影，这是一幅幻想的影像（用剃刀切割眼睛的着名景象）和模糊的象征意义，特别是色情的幻觉组合;但这主要是对潜意识的研究。然而，超现实主义观念对后世艺术的启示意义重大 – 这是从巴洛克和浪漫主义的精神到艺术家的创作自由的同意。
在两次大战之间，未来主义诗人兼画家TytusCzyżewski以一种接近视觉诗歌的方式将他的作品 – 这些诗歌Poznań和Dom，诗歌电视愿景。 TomCzyżewskiPastorałki通过Tadeusz Makowski的插图将诗意和风格化的文本结合到旧图形中，达到了艺术综合的效果。最接近艺术综合的是两位多才多艺的艺术家：Witkacy和Bruno Schulz，无论是在创作活动的范围和作品的材料的塑造方面。维特卡西的纯粹形式理论也是一个融合艺术的项目，它表达（如他所写的）“形而上学的感觉”，结合审美与存在的维度，构成清洁的宣泄。维特凯维奇（Witkiewicz）从形式主义时期的油画中汲取了文学幻想的维度（Tempting Saint Antoni）。在他的电视剧中，他形成了充满张力的复杂的紧张局势，包括绘画和电影（Kurka Wodna，Matka，Sonata Beelzebub）。舒尔茨创建了一个基于色情情节图形的框架（Xięgaidwochwalcza），散文被表达为表现形式丰富的涂满图像。
后现代综合艺术：
较新的文献指的是艺术综合的想法，往往在实验的时候。作为一位总是对绘画和音乐敏感的诗人扬·莱孔（JanLechoń），萨拉班达的诗歌为万达兰多夫斯卡（从他最后一卷“大理石与玫瑰”中，1954年），他形容为几乎音乐的萨拉班德人，其节奏类似于大键琴缩影。 JarosławIwaszkiewicz仍处于两次世界大战期间Witkacy的专辑“An Evening to Abdon”（1922）中，创作了一个喜怒无常的故事，如梦幻般的视觉，独特的音乐节奏和生动清晰的图像层次。多年以后，就像心理叙事，绘画和音乐主题（使用瓦格纳的作品）的综合，他从梦的音量建立了梦的故事。花园。 Sérénité（1974）。在后期的诗歌和散文中，“Tatra专辑”（1975）发表了一首题为“用节奏散文写的涅博”的诗，最初评论说这是“试图将奏鸣曲的形式尽可能接近”因此是音乐形式奏鸣曲的文学转换。
在当代文化中，由作曲家奥利维耶·梅西安（Olivier Messiaen）赋予艺术的程序性综合，尤其是在阿西西的圣弗朗西斯歌剧和使用马腾诺波的电子音乐中，融合了丰富的想象力，“色彩缤纷的听觉”，色彩和声音的联系。在Krzysztof Penderecki的歌剧作品中也有各种各样的材料，其中最完整的是逍遥时光（一种流派的歌剧）乐园的失落，直达巴洛克风格的浪漫文体传统。
独特的个性是来自巴洛克传统的多功能的罗兰·托波尔，特别是超现实主义（他亲自认识布列塔尼），一位平面艺术家，剧作家和故事作者，他的作品也与电影（Casanova Fellini的魔术灯笼）合作。
电影在现代创造了一种记录和可视化运动的技术，随着时间和艺术的发展，只要在声音和色彩的精确度上实现了信息的技术成熟，就可以建立一个融合的视野。这发生在50-60岁。二十世纪。他建立了电影的最大愿景，Federico Fellini – 画家的想象力（和艺术才能）的导演，也音乐敏感。他在整个作品中创作了戏剧的综合体，在选定的序列中达到了高潮 – 在茱丽叶塔的电影中，从鬼魂（主人公的邻居苏茜家里的情感和狂欢），Satyricon（同性恋恋人走过公共屋），罗马（教堂时装表演），Casanova（Topor项目的魔术师，由Wagner的音乐插曲德语合唱），女性城市（英雄的妻子，在Verdiowska La Traviata的房子Snaporaza咏叹调中唱歌），以及帆船（音乐由威尔第散落在歌手的骨灰在海上和下沉）。
在“豹”和“暮光之城”的影片中，卢基诺·维斯康蒂（Luchino Visconti）（他重视了歌剧和导演的歌剧表演）揭示了类似的风格，尤其是在瓦格纳·路德维希（Wagner Ludwig）的音乐中，他的英雄是作曲家的疯狂赞助人 – 路德维希巴伐利亚国王）。肯·罗素（Ken Russell）采用戏剧综合的方式，用刻画作曲家的音乐来饱和他的电影，也用在严格的幻想场景（音乐的爱好者 – 关于柴可夫斯基，马勒）以及在恶魔中给予巴洛克风格的野蛮和戏剧性的视觉时代。 1975年，罗素制作了汤米电影，这是一部巴洛克式的，生动的音乐改编 – 艺术的综合进入了大众文化的圈子。在Andrey Tarkovsky（Andrei Rublev，Zwierciadło，Sacrifice）的电影中，艺术的综合是通过绘画作品的直接引用而产生的，与大师们的音乐有关。 Werner Herzog获得了类似的合成，将“画报”拍摄的风景和声音（玻璃心 – 迷幻摇滚音乐，菲茨卡拉多 – 与歌剧音乐）联系起来。
1983年在苏黎世美术馆，维也纳二十世纪博物馆和1984年初在柏林夏洛特堡举办的展览“The Hang to Gesamtkunstwerk”中，展出了各种艺术作品公众：Kurt Schwitters的Merzbau，Dornach的Goetheanum，Antonio Gaudi的教堂（如SagradaFamília），Ascona附近的MonteVerità，加尔达湖上的Vittoriale degli italiani。自1800年以来，这个展览汇集了欧洲的乌托邦，不想把自己局限于纯粹的审美意义上，而是把社会现实转化为新的社会。
最近，Gesamtkunstwerk这个术语与（合成）中间体的术语重叠。同时处理不同感官的艺术作品，是多媒体还是混合媒体意义上的自由作品，还是满足统一成为艺术家的要求，都是一个解释的问题。发生，激流，表演，实验剧院等现象也被解释为Gesamtkunstwerk的想法的变化。
一部独立的歌剧被一部歌剧所占据，这部歌剧是对歌剧的改编，但只有当导演不是以现实主义为目标的时候，而是在一部作品中汲取了许多戏剧的艺术后果。这就是英格玛·伯格曼（Mozart’s The Magic Flute）和安德烈·祖鲁斯基（AndrzejŻuławski）（穆索尔斯基所说的Borys Godunov）所做的。它接近于欧洲音乐电影，它偏离了现实主义音乐的传统 – 这是瑟堡的雅克·德米和帕拉索尔基，凯瑟琳·德纳芙饰演凯尔琳·德纳芙和罗格朗的音乐，这部电影是完全唱出来的，但也充满了高雅彩色的帧。
在二次大战后的绘画和雕塑范围内，艺术的综合被揭示出来，而且通常通过形式的融合，最终由艺术家完成的离开，完成，用作品展示创作过程各种艺术的材料。这种与之相关的概念艺术，即兴表演，将艺术作为一个过程来展示 – 他们使用各种材料：绘画，文学，尤其是多媒体技术（尤其是视频）。是的，随着电子设备和数字技术的使用，艺术综合的古老的，长达数世纪的想法正在形成。
在大众文化中，感知中出现的最简单的物质综合现象就是漫画。艺术综合的更有趣，更复杂，更艺术化的实践表现形式是视频剪辑 – 这是流行音乐文化中普遍存在的一种现象，是基于图像和声音的联系。对一首歌曲进行解读或者可视化，音乐视频挂在情节的轮廓上，让表演者扮演角色，赋予风景，戏服，甚至化妆角色的意义。大会（通常是快节奏）是特别重要的，以及由电脑获得的特殊视觉效果。由此产生的整体是艺术的综合。在这方面的先锋成就有女王乐队（在录像中为“救我”动画片首次使用）。原创音乐录像由麦当娜录制（“Music”，也就是“Hung Up”和“Sorry” – 来自专辑“Confessions on a Dance Floor”）。这种形式的主人是迈克尔·杰克逊，他的专辑“惊悚”的主打歌的音乐视频被认为是杰作。