Síntese de artes (alemão: Gesamtkunstwerk) é uma obra de arte que faz uso de todas ou muitas formas de arte ou se esforça para fazê-lo. A Gesamtkunstwerk é uma obra que combina várias artes, como música, poesia, dança / pantomima, arquitetura e pintura. A compilação não é arbitrária e ilustrativa: os componentes se complementam necessariamente.
Gesamtkunstwerk, que também significa “obra de arte total”, “obra de arte ideal”, “obra de arte universal”, “síntese das artes”, “obra de arte abrangente”, “forma de arte abrangente” ou “obra de arte total”. para um tipo de arte autônoma que se integra simultaneamente e se relaciona com diferentes meios ou disciplinas artísticas, o Gesamtkunstwerk tem uma “tendência a erradicar o limite entre a estrutura estética e a realidade” (Odo Marquard). Não é uma referência à criação divina, como era costume na arte entre gótico e barroco, mas reivindica sua própria validade.
O termo foi usado pela primeira vez pelo escritor e filósofo alemão K. F. E. Trahndorff em um ensaio em 1827. No entanto, a síntese da fusão das artes há muito surgiu na história. O compositor de ópera alemão Richard Wagner usou o termo em dois ensaios de 1849, e a palavra se tornou particularmente associada aos seus ideais estéticos.
Desde a sua cunhagem, o termo Gesamtkunstwer tem sido amplamente utilizado na dramaturgia, artes plásticas e artes cênicas e, em geral, para descrever diferentes manifestações artísticas nas quais elementos de várias artes são combinados. A arte cinematográfica e outras artes audiovisuais, como vídeos de música ou videogames, também foram descritas como “obras de arte total” por causa de sua combinação de teatro, música, imagem, etc. Na arquitetura, este termo é usado para descrever um edifício em que cada A parte é projetada para complementar outros dentro de um todo.
No século XX, alguns escritores aplicaram o termo a algumas formas de arquitetura, enquanto outros aplicaram-no ao cinema e aos meios de comunicação de massa.
O termo também foi usado por artistas pertencentes à “Secessão de Viena” desde o início do século 20, para descrever seu objetivo estético.
História:
Antiga síntese das artes:
As tradições do pensamento de síntese e as atitudes epistemológicas chegam à antiguidade, manifestando-se em várias linguas simbólicas (os pesquisadores apontam, por exemplo, hieróglifos egípcios). Já naquela época, o vínculo entre palavras e imagens foi revelado – em pictogramas, que eram o núcleo da literatura visual moderna como uma combinação integral de uma variedade de significados materiais e comuns.
Na cultura grega, foi significativo conectar letras e músicas e tratar o texto como um poema melítico, que sempre deve estar associado à melodia e ao canto. Por exemplo, todos os poemas preservados de Sappho têm um caráter melônico (o melós grego significa tanto quanto a melodia).
Na cultura romana, o poeta Horacy em sua Carta às Pizzas (conhecida como Arte Poética) incluiu a famosa frase pictura poesis (poesia latina como a pintura), usada como inspiração na estética renascentista, por exemplo, por Leonardo da Vinci como autor do Tratado de pintura.
A ideia do Gesamtkunstwerk surge na era romântica. O filósofo Friedrich Schelling, por exemplo, enfatizou o “necessário tornar-se do homem” (Bruno ou o princípio divino e natural das coisas, 1802). Este aumento da autoconfiança permitiu equiparar o trabalho do artista com o trabalho da natureza. O termo em si é usado pela primeira vez pelo escritor e filósofo Eusébio Trahndorff em sua obra Estética ou Doutrina de Visão Mundial e Arte (1827). Em 1849 ele reaparece no livro de Richard Wagner The Art and the Revolution. Se Wagner sabia que o trabalho de Trahndorff é uma questão aberta.
Síntese das artes da Idade Média:
Além da inspiração antiga, a sensibilidade à comunidade de artes foi revelada pela Idade Média, especialmente seu ars moriendi (arte latina de morrer) como sujeito nas artes visuais (capturado de maneira narrativa e “literária”).
Outra área de interpenetração mútua foi na Idade Média um manuscrito. Florescendo na época, primeiro nos mosteiros beneditinos, independentemente do seu tema e qualidade artística, prometem a estética do quadrinho.
Um artista versátil apareceu na Idade Média, abraçando e unindo muitas das suas imaginações – uma mulher, beneditina e mística Hildegard de Bingen: poeta, pintora, compositora, também teóloga (feminista-teológica) e filósofo (e um praticante de medicina natural praticando medicina natural e um cozinheiro que valoriza o que o século 20 chamou de comida orgânica).
A síntese renascentista das artes:
O Renascimento estava interessado na imaginação, que ele tratava de fantasiar, mas também cognição. Os fundamentos teóricos da síntese das artes (como referido pelo romantismo) foram dados pela filosofia e estética do neoplatonismo florentino, especialmente Marsilio Ficino em extensos comentários sobre a Festa de Platão e no tratado de Teologia platônica. O símbolo do renascimento também foi objeto do avivamento. Gian Francesco Pico della Mirandola em seu ensaio sobre a imaginação, ele apontou pinturas simbólicas tão bonitas e úteis para educar jovens. Numerosos léxicos de símbolos foram publicados neste espírito.
Graças à invenção da impressão, os livros já foram impressos, e eles ganharam (por causa da tradição medieval de manuscritos) uma configuração tipográfica rica, usando gráficos (geralmente gravuras em madeira), o que exigiu a percepção do leitor no espírito da síntese artística. Esse personagem era, por exemplo, o Papai Noel do Papai Noel, contendo gravuras, como uma espécie de livro emblemático. Os volumes, nos quais o texto foi tratado como um material gráfico separado, também se tornaram populares; eles eram o núcleo da literatura visual.
A busca de uma síntese artística estritamente entendida, no entanto, foi inibida pelo classicismo renascentista, enfatizando a autonomia de cada uma das artes.
Síntese barroca de artes:
Desenvolveu plenamente o pensamento sobre a comunidade até a era barroca, buscando o conhecimento universal e a unidade espiritual e formal de todas as artes. Os dicionários barrocos de símbolos abrem para a compreensão de ser como a unidade de todas as suas manifestações espirituais e materiais – a unidade “capturada” pelo símbolo. Cesare Ripa e sua iconologia eram de particular importância – uma ampla, ilustrada com gravuras em madeira, um dicionário de noções cobertas de forma emblemática: como uma imagem simbólica e um comentário discursivo sobre ela. Na era barroca, a interdependência entre natureza e cultura também foi revelada. Isso teve um impacto na estética barroca.
Pole Sarbiewski em um ensaio Sobre as vantagens e desvantagens da elegia no espírito de reconhecer a uniformidade da percepção, ele analisou a dimensão emocional das vogais e, no extenso tratado, Dii Gentium deu um dicionário de mitos culturais, combinando a tradição antiga e cristã .
Dentro da arte barroca, o cumprimento da síntese das artes tornou-se um emblema como gênero da fronteira da literatura e das artes plásticas. Havia também trabalhos e livros freqüentes tratados experimentalmente como um todo da fronteira da literatura e das artes visuais, com uma composição fantástica do texto, tratada do lado tipográfico como uma “pintura”. O texto assumiu a forma de um cetro, uma árvore, um copo grande, etc. O barroco é, nesta medida, um período de florescimento exuberante da literatura visual. Na Polônia, tais formas eram freqüentes em literatura ocasional, e os exemplos são textos em forma de cruz, sceptres, estrelas, um obelisco ou um monumento grave.
Mais plenamente, no entanto, o sonho de uma comunidade de artes é realizado pela ópera, um gênero criado na era barroca, precisamente na busca de síntese, combinando música (composição, criação de fundação sonora), literatura (livreto cantado), teatro (encenação) e pintura (a partir da qual desenha o design do palco). A ópera foi formada no círculo florentino de Camerata (o fundamento teórico foi dado ao novo pensamento estético pelo Renascimento Vincenzo Galilei no tratado inovador Dialogo de música antica e moderna), desenvolvido em Veneza, e suas primeiras obras foram ministradas por Claudio Monteverdi (em 1607, seu Orfeu estreia como o início das espécies).
O visionário barroco, combinando vários materiais e áreas de percepção permitiu praticamente cumprir o conceito de síntese de artes.
A síntese das artes da iluminação:
A exceção era a ópera, não a totalidade (muitas vezes limitada ao desempenho vocal em si), mas a criada por Wolfgang Amadeus Mozart. Duas de suas obras de ópera mais completas – Don Giovanni e The Magic Flute – criam uma combinação perfeitamente harmoniosa de música, texto, história e o jogo da imaginação.
Romantismo síntese das artes:
O período de renovação dos velhos sonhos e um novo fascínio com a síntese das artes tornou-se, renovando desse modo o velho pensamento e alcançando também os mestres barrocos (como Shakespeare), o Romantismo. Ele também inspirou as palestras sobre a estética de Hegel, que tratou a arte como uma manifestação do absoluto em uma forma sensual, extensas reflexões dedicadas às formas simbólicas na arte, a “forma romântica de arte” e tipos particulares de arte.
O pensamento filosófico e estético do romantismo muitas vezes se concentrou na unidade espiritual do homem e da natureza, incluindo a cultura e a natureza, e a proximidade da pessoa humana e de Deus, desenhando um projeto de arte que afeta simbolicamente essas afinidades: Jean Paul Richter, Friedrich Schleiermacher escreveu sobre isso, o pintor Otto Runge (amigo do pintor simbolicamente representando a paisagem), também o pensador Karl Trahndorff (1782-1863), que desenvolveu o conceito de Gesamtkunstwerk (obras de arte universal ou, em vez, “total” – entendidas como coerentes combinação de várias artes: poesia, música, pintura, dança). Em todos os lugares aqui, o arte é concebido como uma linguagem homogênea, apesar da variedade de material, revelando um ser – um “trabalho total” (Gesamtkunstwerk).
Cumprindo a síntese das peças foi dada por autores da fronteira da iluminação e do romantismo: Johann Wolfgang Goethe (na tragédia de Fausto) e, especialmente, versátil William Blake (místico, poeta, pintor e artista gráfico, harmoniosamente
No romantismo maduro, o conceito de comunidade de imaginação e material foi proclamado e cumprido, abrindo seu trabalho para a inspiração de outras artes: o pintor Eugène Delacroix e o compositor polonês Fryderyk Chopin. Outros românticos polacos também moldam a síntese das peças: Juliusz Słowacki (especialmente em trabalhos atrasados que dão uma unidade visionária de poesia e efeitos musicais e musicais) e Cyprian Norwid (como artista versátil: poeta, pintor e desenhista – “o mágico”, como ele se chamou).
O gênero que era rico nesta era nas grandes visões no espírito da síntese das peças era o drama, ou mais especificamente o gênero da era idiomática – um drama romântico. A recepção romântica do barroco (ainda não chamado como era), incluindo Calderon, e especialmente Shakespeare, lido como um visionário que ensina liberdade artística, combina vários estilos e materiais de arte, teve um grande papel em sua forma. A base teórica do drama romantico foi formulada por Victor Hugo. Um Faust Goethean, cheio de efeitos musicais e, especialmente na Parte II, quase “filme” deu a visão sincrética e o cumprimento da síntese das artes. Ainda no romantismo, essas características destacaram as adaptações operísticas que Charles Gounod (Faust) e Hector Berlioz (Faust’s Damnation) deram. Dentro do drama romano polonês, Adam Mickiewicz em Dziady (especialmente na Parte II) e Juliusz Słowacki em dramas (mais completamente no último – Samuel Zborowski) dão visões sincreticas.
A ópera romantica renovou o original, em forma barroca, a tradição do gênero como forma sincrética (Gaetano Donizetti e Łucja de Lammermoor, Modest Mussorgsky e Borys Godunov, mencionaram Gounod e Berlioz) e acima de tudo Giuseppe Verdi e óperas baseadas nas tragédias de Shakespeare Macbeth e Otello). Na França, uma variação do gênero, inconscientemente (sem essa consciência estética) referente ao barroco, tornou-se uma grande ópera, cujo representante era Giacomo Meyerbeer. Muitas vezes, no entanto, a ópera romântica estava concentrada demais em torno das partes vocais espetaculares, perdendo a essência do gênero.
De particular importância foi o tardio compositor romântico Richard Wagner, que formulou nas teorias do conceito de drama musical (distinto da ópera). Suas obras (como Tristan e Isolde, a tetralogia do Anel Nibelung), feitas com esses pressupostos, foram um novo cumprimento da concepção barroco-romantica da coesão do material de várias artes dentro de um trabalho visual criativo. Wagner implementou o “trabalho total” postulado por teóricos anteriores – Gesamtkunstwerk. Ele próprio escreveu um livreto poético para suas obras.
Wagner e o Gesamtkunstwerk:
Alguns elementos da reforma da ópera, buscando uma fórmula mais “clássica”, começaram no final do século XVIII. Após o prolongado domínio da opera seria, e da da capo aria, um movimento começou a promover o livretista e o compositor em relação aos cantores, e devolver o drama a um foco mais intenso e menos moralista. Este movimento, “reforma da ópera”, está associado principalmente a Christoph Willibald Gluck e Ranieri de ‘Calzabigi. Os temas das óperas produzidas pelas colaborações de Gluck com Calzabigi continuam em todas as óperas de Carl Maria von Weber, até que Wagner, rejeitando a tradição italiana do bel canto e a “ópera de espetáculo” francesa, desenvolveu sua união de música, drama, efeitos teatrais, e ocasionalmente dançar.
No entanto, essas tendências se desenvolveram de forma fortuita, em vez de em resposta a uma filosofia específica da arte; Wagner, que reconheceu as reformas de Gluck e admirou as obras de Weber, desejava consolidar sua visão, originalmente, como parte de suas visões sociais e políticas radicais sobre o final da década de 1840. Antes de Wagner, outros que haviam expressado ideias sobre a união das artes, que era um tópico familiar entre os românticos alemães, como evidenciado pelo título do ensaio de Trahndorff, no qual a palavra ocorreu pela primeira vez, “Aesthetics, ou Theory of Philosophy of Art” . Outros que escreveram nas sínteses das artes incluíram Gottfried Lessing, Ludwig Tieck e Novalis. A avaliação entusiasta de Carl Maria von Weber de E.T.A. A ópera de Hoffmann, Undine (1816), admirava-o como “um trabalho de arte completo em si, em que as contribuições parciais das artes relacionadas e colaboradoras se misturam, desaparecem e, ao desaparecer, de alguma forma formam um novo mundo”.
Wagner usou o termo exato ‘Gesamtkunstwerk’ (que ele escreveu ‘Gesammtkunstwerk’) em apenas duas ocasiões, em seus ensaios de “Arte e Revolução” de 1849 e “A obra de arte do futuro”, onde ele fala do seu ideal de unificar todas as obras de Arte através do teatro. Ele também usou nestes ensaios muitas expressões semelhantes, como “obras de arte consumadas do futuro” e “drama integrado”, e freqüentemente se referem a “Gesamtkunst”. Tal obra de arte era a expressão mais clara e mais profunda da lenda popular, embora abstraída de seus detalhes nacionalistas para uma fábula humanista universal.
Wagner chamou a tragédia do sótão do “ótimo Gesamtkunstwerk”. Em seu trabalho, The Art of the Future, escrito logo depois, Wagner expandiu o significado do termo. Na sua concepção de um trabalho de arte integral e diversificado, que descreveu detalhadamente em seu extenso livro Ópera e Drama e foi mais tarde abordado por outros como um drama musical, Wagner subordinou as “artes-irmãs” individuais a um propósito comum, o drama. Do seu ponto de vista, a crescente divisão do trabalho (por exemplo na separação das divisões teatrais) e o isolamento egoísta na sociedade devem ser abolidos. Ao mesmo tempo, como modelo e inimigo, ele imaginou a grande ópera francesa, em que todas as artes de palco já estavam unidas em seu último stand técnico. Wagner começou com a convicção de que a ópera estava no caminho errado se definisse a música absolutamente e subordinasse todos os outros elementos, acima de tudo o drama em si.
Os irmãos de Wagner foram atores, cantores e dançarinos ao mesmo tempo, o que já não era possível devido à especialização das profissões de teatro depois de 1850. De outra forma, essa universalidade deveria ser restaurada: através do trabalho igual dos artistas na obra de A arte ao serviço de seu autor. Wagner falou de uma “cooperativa de todos os artistas”. Começou a partir das idéias estéticas dos românticos alemães, bem como dos discursos políticos e estéticos que eram virulentos em Paris por volta de 1840 na sequência das várias revoluções e esperavam realizar uma utopia social por meio da estética:
“A grande obra de arte, que deve abraçar todos os gêneros da arte, de modo a consumir, por assim dizer, cada uma dessas espécies como meio a favor da realização do propósito coletivo de todos, a saber, a exposição imediata incondicionada de perfeita natureza humana, esta grande obra de arte reconhece não como o ato arbitrariamente possível do indivíduo, mas como o trabalho comum, necessariamente concebível, dos homens do futuro.
Wagner sentiu que as tragédias gregas de Esquilo tinham sido os melhores exemplos (ainda que ainda falhanços) até agora da síntese artística total, mas que essa síntese posteriormente havia sido corrompida por Eurípides. Wagner sentiu que durante o resto da história humana até o presente (ou seja, 1850), as artes haviam se afastado cada vez mais, resultando em “monstruosidades” como o Grand Opera. Wagner sentiu que tais obras celebraram o canto da bravura, efeitos sensacionais do palco e parcelas sem sentido. Em “Arte e Revolução”, Wagner aplica o termo “Gesamtkunstwerk” no contexto da tragédia grega. Em “A Arte-Trabalho do Futuro”, ele a usa para se candidatar ao seu ideal, ainda não realizado, ideal.
Em seu extenso livro Opera and Drama (completado em 1851), ele leva mais essas idéias, descrevendo em detalhes sua idéia da união de ópera e drama (mais tarde chamado drama musical apesar da desaprovação de Wagner sobre o termo), em que as artes individuais são subordinadas para um propósito comum.
O próprio ciclo de ópera de Wagner, Der Ring des Nibelungen, e especificamente seus componentes, Das Rheingold e Die Walküre representam talvez o mais próximo que ele ou qualquer outra pessoa chegou a perceber esses ideais; Ele próprio foi ele mesmo após esse estágio para relaxar suas próprias restrições e escrever mais “operacionalmente”.
Wagner deu grande importância aos elementos ambientais, como a iluminação, os efeitos sonoros ou o arranjo dos assentos, para focar a atenção do espectador no palco, conseguindo assim sua imersão completa no drama. Essas idéias eram revolucionárias na época, mas logo foram assumidas pela ópera moderna.
Música de Gesamtkunstwerk:
O termo música gesamtkunstwerk indicou o ideal do teatro em que a música, o drama, a coreografia, a poesia e as artes figurativas convergem, a fim de obter uma síntese perfeita das diferentes artes. Além disso, este trabalho total, por um lado, constituirá a expressão mais profunda da alma de um povo, por outro, será projetado em um campo de universalidade. O exemplo supremo desta concepção foi, para o compositor de Bayreuth, a tragédia ática e especialmente esquelética, e, mais tarde, de Eurípides à tradição operística, especialmente na Itália, o ideal de Gesamtkunstwerk sofreu uma deterioração progressiva; A intenção de Wagner foi precisamente a de restabelecer a obra de arte total e impô-la como uma forma artística perfeita e definitiva. Pouco depois de Wagner, de fato, Aleksandr Skrjabin concebeu seu Prometheus ou Poem of Fire, uma sinética artística grandiosa, pelo qual ele mesmo projetou um instrumento que associava a cada nota um feixe de luz colorida que teria que inundar o corredor. Um projeto, isto, tão à frente de seu tempo, que não era possível perceber isso.
O ideal de Gesamtkunstwerk é exaltado pelos artistas figurativos da Secessão vienense, incluindo Gustav Klimt que projetam, esculpem, pintam e decoram em vista de uma fusão idealizada das várias artes.
Arquitetura de Gesamtkunstwerk:
Alguns escritores de arquitetura usaram o termo Gesamtkunstwerk para significar circunstâncias em que um arquiteto é responsável pela concepção e / ou supervisão da totalidade do edifício: concha, acessórios, mobiliário e paisagem. É difícil reivindicar quando a noção de Gesamtkunstwerk foi empregada pela primeira vez do ponto de vista de um edifício e seus conteúdos (embora o termo em si não tenha sido usado neste contexto até o final do século XX); já durante o Renascimento, artistas como Michelangelo não viram uma divisão rigorosa em suas tarefas entre arquitetura, design de interiores, escultura, pintura e até engenharia. Foi argumentado pelo historiador Robert L. Delevoy que a Art Nouveau representou uma tendência essencialmente decorativa que, assim, se emprestou à idéia do arquitetônico Gesamtkunstwerk. Mas é igualmente possível nascer de teorias sociais que surgiram por medo do surgimento do industrialismo.
No entanto, a evidência de interiores completos que tipificam o conceito de Gesamtkunstwerk pode ser vista algum tempo antes da década de 1890. Havia uma tendência crescente entre os arquitetos nos séculos 18 e 19 para controlar todas as facetas de uma comissão arquitetônica. Além de serem responsáveis pela estrutura, eles tentaram ampliar seu papel para incluir o design (ou, pelo menos, a verificação) de todos os aspectos do trabalho interior também. Isso incluiu não só as características arquitetônicas do interior, mas foi estendido ao design de móveis, carpetes, papel de parede, tecidos, luminárias e alças de portas. Robert Adam e Augustus Welby Pugin são exemplos desta tendência para criar um efeito de harmonização geral que em alguns casos pode até se estender à escolha ou design de mesa de prata, porcelana e produtos de vidro.
Uma abordagem distintamente moderna do conceito de arquitetura Gesamtkunstwerk surgiu com a escola Bauhaus, estabelecida em Weimar em 1919 por Walter Gropius. A escola especializada em design, arte e artesanato (a arquitetura não foi introduzida como um curso separado até 1927 depois de ter sido transferida para Dessau). Gropius alegou que artistas e arquitetos também deveriam ser artesãos, que deveriam ter experiência trabalhando com diferentes materiais e meios artísticos, incluindo design industrial, design de roupas e teatro e música. No entanto, Gropius não viu necessariamente um edifício e todos os aspectos do seu design como sendo o trabalho de uma única mão.
A corporação canadense de desenvolvimento Westbank, fundada por Ian Gillespie, usa Gesamtkunstwerk como a ideia fundadora da visão e da filosofia da empresa para o desenvolvimento urbano.
Síntese do simbolismo e do modernismo:
Impressionada com a visão do trabalho “total” da arte de Richard Wagner, Charles Baudelaire considerou a música como um modelo de poesia que expressava as experiências e impressões mais pessoais e difíceis. Essa importância simbólica foi dada aos músicos, porque era ela – mais eficaz do que a palavra, e até mesmo a imagem (então ainda realista) – que estimulava os sentimentos e desencadeava a intuição. O famoso soneto Baudelaire Correspondances (em traduções polacas foi dado a equivalentes ou echos, embora o título simplesmente significa Correspondência, no sentido de “interação mútua”) do volume Flowers of Evil, 1857) logo se tornou parte do retorno de corespondances des arts como termo no campo da estética. Baudelaire retratou nesse soneto a afinidade espiritual do homem e da natureza, chamada “floresta de símbolos”. A partir dessa visão romântica da natureza, o poeta desenhou um novo conceito do símbolo, como não uma partícula de um lógico reconhecido de significados, mas uma visão profundamente pessoal e incompreensível. Baudelaire inspirou o simbolismo como estética e uma direção artística que se abriu às afinidades das artes e estava dirigindo-se a uma ótima visão sincrética. Foi assim que Arthur Rimbaud escreveu, expresso em poesia e em prosa poética, e programaticamente o soneto de Sonoflu (revelando as afinidades entre som e imagem).
Da inspiração do novo simbolismo, o modernismo como época de literatura e arte alcançou a síntese das artes com frequência. Eles criaram criativamente os compositores Gustav Mahler (em suas sinfoniais ricas em filosofia) e Aleksandr Scriabin (combinando som e cor dentro da performance – o famoso conceito do “piano leve”). Entre os artistas da Jovem Polônia, Stanisław Wyspiański, poeta, pintor e desenhista, realiza a comunidade de arte mais versátil – especialmente nos dramas de Noc listopadowa, Wesele e visionário de Akropolis. A síntese das peças também é realizada por Tadeusz Miciński em – com o painache pintor e quase “filme” – a tragédia de Basilis Teofanu ‘
As definições da síntese das artes e da correspondência das artes são freqüentemente usadas de forma intercambiável, enquanto diferem nos propósitos e campos da arte em que se manifestavam principalmente.
Após a Primeira Guerra Mundial, o poeta Guillaume Apollinaire na coleção de Caligrams (1918) tratou corajosamente o texto como uma composição gráfica livre, dando todo o caráter da poesia visual (por exemplo, no trabalho Mandolin, cravo e bambu). O futurismo também experimentou muitas vezes, tentando sintetizar as artes.
Um novo elogio da imaginação foi dado pelo surrealismo, um pouco programático aberto ao campo livre de associações e à combinação do material de várias artes. O teórico, André Breton, deu ao Manifesto do Surrealismo (1924) um programa de arte liberada e fantasmagórica. As realizações artísticas dessas premissas foram mais modestas. A exceção foi o filme silencioso de Luis Buñuel, um cão andaluz de 1928 – uma combinação alucinante de imagens drásticas (a cena famosa de cortar o olho com uma navalha) com um vago significado simbólico, especialmente erótico; Mas este era principalmente um estudo do subconsciente. No entanto, o significado da idéia do surrealismo como inspiração para a arte posterior é ótimo – este é o consentimento (do espírito do barroco e do romantismo) à liberdade criativa do artista.
No período de entreguerras, o poeta e pintor futurista, Tytus Czyżewski, tomou as suas obras de uma forma próxima da poesia visual – estes são os poemas Poznań e Dom, o poema As visões elétricas. Tom Czyżewski Pastorałki consegue o efeito da síntese das artes ao combinar o texto poético e estilizado com os gráficos antigos com ilustrações de Tadeusz Makowski. O mais próximo da síntese das artes são os dois artistas versáteis: Witkacy e Bruno Schulz, tanto em termos de extensão de atividades criativas quanto de moldagem do material de obras. A teoria das Formas Puras de Witkacy também foi um projeto de arte sincretamente que expressa (como ele escreveu) “sentimentos metafísicos”, combinando a dimensão estética e existencial e constituindo uma catarse de limpeza. Witkiewicz deu suas pinturas a óleo do período do formismo uma dimensão literária-visionária (Tempting Saint Antoni), enquanto em seus dramas ele formou tensões cheias de tensão, composição sofisticada, incluída na pintura e no cinema (Kurka Wodna, Matka, Sonata Beelzebub). Schulz criou uma estrutura baseada na trama erótica de gráficos (Xięga idwochwalcza), e a prosa foi expressa como imagens ricamente expandidas expressivamente construídas.
Síntese de artes da pós-modernidade:
A literatura mais recente refere-se à idéia da síntese das artes, muitas vezes por ocasião do experimento. Jan Lechoń, poeta sempre sensível à pintura e à música, o poema de Sarabanda para Wanda Landowska (de seu último volume, Marble and Rose, 1954), descreveu como quase musical, de acordo com o título, sarabande, cujo ritmo se assemelha a uma miniatura de cravo. Jarosław Iwaszkiewicz ainda no período de entreguerras na peça dedicada de Witkacy Uma Noite a Abdon (1922) construiu uma história temperamental como uma visão de sonho, um ritmo musical distinto e uma clareza vívida de camadas de imagens. Anos mais tarde, como a síntese da narrativa psicológica, imagens pintadas e motivos leitmotivantes da música (usando as composições de Wagner), ele construiu a história dos Sonhos a partir do volume dos Sonhos. Jardins. Sérénité (1974). No volume tardio de poesia e prosa, o Album Tatra (1975) publicou um poema intitulado Niebo escrito em prosa rítmica, comentou inicialmente que é “uma tentativa de colocar a forma sonata o mais próximo possível na palavra” – o trabalho é portanto, uma transposição literária da forma sonata musical.
Na cultura contemporânea, a síntese programática das artes foi moldada pelo compositor Olivier Messiaen (dotado de imaginação sincrética, “audição colorida”, associando cores e sons), especialmente na ópera São Francisco de Assis e música eletrônica usando ondas de Martenot. Vários materiais também estão conectados em obras de ópera por Krzysztof Penderecki, mais plenamente na sacra rappresentazione (uma variedade de gênero da ópera) O paraíso perdido, chegando diretamente à tradição estilística barroco-romantica.
A individualidade especial foi o versátil Roland Topor, da tradição barroca e, em particular, do Surrealismo (ele conhecia Breton pessoalmente), um artista gráfico, dramaturgo e autor da história que se dedica ao trabalho, também colaborando com o filme (lanterna mágica para Casanova Fellini).
O filme criado durante o período moderno como técnica de gravação e visualização de movimentos, e com tempo e arte, poderia construir uma visão sincrética assim que a maturidade técnica da mensagem fosse alcançada dentro da precisão de som e cor. Aconteceu nos anos 50-60. O século XX. Ele construiu as maiores visões do filme, Federico Fellini – o diretor da imaginação do pintor (e talento artístico), e também musicalmente sensível. Ele criou uma síntese de peças ao longo de todo o trabalho, culminando em sequências selecionadas – nos filmes de fantasmas de Giulietta (episódios sensuais e orgânicos na casa de Suzy, vizinho do protagonista), Satyricon (passeio dos amantes homossexuais pela casa pública), Roma (show de moda da igreja), Casanova (mago do projeto de Topor, tocando coro pelo episódio de música de Wagner, alemão), Cidade das mulheres (esposa do herói, cantando na casa Snaporaza aria de Verdiowska La Traviata), e o navio navega (música por Verdi na dispersão das cinzas do cantor no mar e afundando).
Um estilo semelhante foi revelado por Luchino Visconti (que valorizou a ópera e dirigiu performances de ópera) nos filmes de Leopard e Twilight of the Gods, mas especialmente na música saciada de Wagner Ludwig (cujo herói era o insano patrono do compositor – Rei Ludwig Bavarian). A síntese de peças é realizada por Ken Russell, a saturação de seus filmes com a música de compositores retratados, também usada em cenas estritamente visionárias (amantes da música – sobre Tchaikovsky, Mahler) e em Devils dando uma visão brutal e teatral do barroco era. Russell fez o filme de Tommy em 1975, que é uma adaptação barroca e vívida do musical – a síntese das artes entrou no círculo da cultura de massa. Por sua vez, nos filmes de Andrey Tarkovsky (Andrei Rublev, Zwierciadło, Sacrifice), a síntese das artes é criada por citações diretas das obras de pintura, relacionadas com a música dos grandes mestres. Uma síntese semelhante foi obtida por Werner Herzog, associando a paisagem e o som filmados “pictóricos” (Glass Heart – com música rock psicodélica, Fitzcarraldo – com música de ópera).
Na exposição “The Hang to Gesamtkunstwerk” de Harald Szeemann, que foi exibido em 1983 no Kunsthaus Zürich, no Museu do século XX em Viena e no início de 1984, também em Berlim Charlottenburg, várias obras de arte foram apresentadas ao público: entre outros, o Merzbau de Kurt Schwitters, o Goetheanum em Dornach, as catedrais (como a Sagrada Família) de Antonio Gaudi, o Monte Verità perto de Ascona, a Vittoriale degli italiani no Lago de Garda. A exposição reuniu as utopias européias desde 1800 que não querem limitar-se a um significado puramente estético, mas têm em mente uma transformação da realidade social em uma sociedade renovada.
Mais recentemente, o termo Gesamtkunstwerk se sobrepõe ao de intermedialidade (sintética). Seja obras de arte que abordem diferentes sentidos ao mesmo tempo, são composições gratuitas no sentido de multimídia ou mídia mista, ou se eles atendem a exigência de unificação em um Gesamtkunstwerk, é uma questão de interpretação. Happening, Fluxus, Performance, Teatro Experimental e outros fenômenos também são interpretados como variações da idéia do Gesamtkunstwerk.
Uma ópera separada é ocupada por uma ópera, que é uma adaptação da ópera, mas somente quando o diretor não busca o realismo, mas desenha as conseqüências artísticas de encontrar muitas peças dentro de um trabalho. Isso é o que Ingmar Bergman (Mozart’s The Magic Flute) e Andrzej Żuławski (Borys Godunov de acordo com Mussorgsky). Está perto do filme musical europeu, que se desvia da tradição de um musical de forma realista – são Jacques Demy e Parasolki de Cherbourg com Catherine Deneuve no papel principal e na música de Legrand, o filme é cantado inteiramente, mas também cheio de bom gosto quadros coloridos.
No âmbito da pintura e das esculturas após a Segunda Guerra Mundial, a síntese das artes foi revelada, além disso, muitas vezes através do sincretismo da forma, e finalmente a saída do final, concluído pelo artista, trabalha para mostrar o processo criativo usando o material de várias artes. Tais artes conceituais como, relacionadas a ela, improvisação de desempenho, mostrando arte como processo – usam uma variedade de materiais: pintura, literatura, mas especialmente tecnologia multimídia (especialmente vídeo). Sim, com o uso de dispositivos eletrônicos e tecnologia digital, a velha e sênior idéia de síntese de artes toma forma.
Dentro da cultura de massa, o fenômeno emergente, a mais simples, a síntese do material dentro da percepção é um livro de quadrinhos. A manifestação prática mais interessante e muitas vezes sofisticada e artisticamente excepcional da síntese de artes é um videoclipe – um fenômeno comum na cultura musical popular e baseado na associação de imagem e som. Interpretar ou, ao invés de visualizar, uma música, um video musical passa pelo contorno do enredo, coloca o papel de atuação, dá um significado ao cenário, figurinos ou até personagens de maquiagem. A montagem (geralmente seu ritmo rápido) é de especial importância, bem como efeitos visuais especiais obtidos por computador. O todo resultante disso é uma síntese das artes. As conquistas pioneiras a este respeito tiveram a banda Queen (no video para a música “Save Me”, a animação foi usada pela primeira vez). Os vídeos de música originais foram gravados por Madonna (“Música”, também “Hung Up” e “Desculpe” – do álbum Confessions on a Dance Floor). O mestre dessa forma foi Michael Jackson, cujo video musical para a canção-título do álbum Thriller é considerado uma obra-prima.