Sintesi delle arti (in tedesco: Gesamtkunstwerk) è un’opera d’arte che fa uso di tutte o molte forme d’arte o si sforza di farlo. Un Gesamtkunstwerk è un’opera che combina varie arti come musica, poesia, danza / pantomima, architettura e pittura. La compilazione non è arbitraria e illustrativa: i componenti si completano necessariamente l’un l’altro.
Gesamtkunstwerk, che significa anche “opera d’arte totale”, “opera d’arte ideale”, “opera d’arte universale”, “sintesi delle arti”, “opera d’arte completa”, “forma d’arte onnicomprensiva” o “opera d’arte totale”, ad un tipo di opere d’arte autonome che si integra simultaneamente e si relaziona con diversi media o discipline artistiche, il Gesamtkunstwerk ha una “tendenza a sradicare il confine tra struttura estetica e realtà” (Odo Marquard). Non è un riferimento alla creazione divina, come era consuetudine nell’arte tra il gotico e il barocco, ma rivendica la propria validità.
Il termine fu usato per la prima volta dallo scrittore e filosofo tedesco K.F. E. Trahndorff in un saggio nel 1827. Tuttavia, la sintesi della fusione artistica è stata a lungo apparsa nella storia. Il compositore d’opera tedesco Richard Wagner usò il termine in due saggi del 1849, e la parola è diventata particolarmente associata ai suoi ideali estetici.
Dal suo conio, il termine Gesamtkunstwer è stato ampiamente utilizzato nella drammaturgia, nelle belle arti e nelle arti sceniche, e in generale per descrivere diverse manifestazioni artistiche in cui elementi di varie arti sono combinati. Le arti cinematografiche e altre arti audiovisive come video musicali o videogiochi sono state descritte come “opere d’arte totale” a causa della loro combinazione di teatro, musica, immagini, ecc. In architettura questo termine è usato per descrivere un edificio in cui ogni parte è progettata per integrare gli altri all’interno di un tutto.
Nel ventesimo secolo, alcuni scrittori hanno applicato il termine ad alcune forme di architettura, mentre altri lo hanno applicato a film e mass media.
Il termine fu usato anche dagli artisti appartenenti alla “Secessione di Vienna” dall’inizio del XX secolo, per descrivere il suo obiettivo estetico.
Storia:
Sintesi antica delle arti:
Le tradizioni del pensiero di sintesi e degli atteggiamenti epistemologici risalgono all’antichità, manifestandosi in vari linguaggi simbolici (i ricercatori puntano ad esempio sui geroglifici egiziani). Già in quel momento, il collegamento tra parole e immagini è stato rivelato – in pittogrammi, che erano il nucleo della moderna letteratura visiva come una combinazione integrale di una varietà di significati materiali e comuni.
Nella cultura greca, era significativo connettere lirica e musica e trattare il testo come un poema melitico, che dovrebbe sempre essere associato alla melodia e cantato. Per esempio, tutte le poesie conservate di Saffo hanno un carattere melodico (il melos greco significa tanto quanto la melodia).
Nella cultura romana, il poeta Orazio nella sua Lettera alle pizze (noto come arte poetica) includeva la famosa frase pictura poesis (pittura poetica latina), usata come ispirazione nell’estetica rinascimentale, ad esempio da Leonardo da Vinci come autore del Trattato di pittura.
L’idea del Gesamtkunstwerk emerge nell’era romantica. Il filosofo Friedrich Schelling, ad esempio, enfatizzò il “necessario divenire dell’uomo” (Bruno o il principio divino e naturale delle cose, 1802). Questa maggiore fiducia in se stessi ha permesso di equiparare il lavoro dell’artista con il lavoro della natura. Il termine stesso viene usato per la prima volta dallo scrittore e filosofo Eusebio Trahndorff nella sua opera Estetica o Dottrina di Worldview and Art (1827). Nel 1849 riappare nel libro di Richard Wagner, The Art and the Revolution. Se Wagner sapesse che il lavoro di Trahndorff è una questione aperta.
Sintesi delle arti del medioevo:
Oltre all’ispirazione antica, la sensibilità alla comunità delle arti è stata rivelata dal Medioevo, in particolare la sua ars moriendi (arte latina del morire) come soggetto nelle arti visive (catturato in modo narrativo e “letterario”).
Un’altra area di reciproca compenetrazione era nel Medioevo un manoscritto. La fioritura dell’epoca, prima nei monasteri benedettini, indipendentemente dalla loro materia e qualità artistica, promette l’estetica del fumetto.
Un artista versatile è apparso nel Medioevo, abbracciando e unendo molti dei suoi immaginari – una donna, benedettina e mistica Ildegarda di Bingen: poeta, pittore, compositore, anche teologo (donna-teologo) e filosofo (e un fitoterapeuta che pratica medicina naturale e un cuoco che apprezza ciò che il XX secolo chiamava cibo biologico).
La sintesi rinascimentale delle arti:
Il Rinascimento era interessato all’immaginazione, che considerava fantasticante, ma anche cognitiva. I fondamenti teorici della sintesi delle arti (come riferito dal Romanticismo) furono dati dalla filosofia e dall’estetica del neoplatonismo fiorentino, in particolare Marsilio Ficino in ampi commentari sulla Festa di Platone e nel trattato di Teologia platonica. Il simbolo della rinascita fu anche il soggetto del risveglio. Gian Francesco Pico della Mirandola nel suo saggio Sull’Immaginazione, ha sottolineato come i dipinti simbolici siano belli e utili per educare la gioventù. Numerosi lessici di simboli sono stati pubblicati in questo spirito.
Grazie all’invenzione della stampa, i libri furono già stampati e guadagnarono (per amore della tradizione medievale dei manoscritti) un ricco ambiente tipografico, usando la grafica (solitamente xilografie), che richiedeva la percezione del lettore nello spirito della sintesi artistica. Tale personaggio era, ad esempio, il Babbo Natale di Babbo Natale, contenente incisioni, come una specie di libro emblematico. Anche i volumi, in cui il testo veniva trattato come un materiale grafico separato, divennero popolari; erano il nucleo della letteratura visiva.
La ricerca di una sintesi artistica strettamente intesa, tuttavia, fu inibita dal classicismo rinascimentale, sottolineando l’autonomia di ciascuna delle arti.
Sintesi barocca delle arti:
Ha sviluppato pienamente il pensiero sulla comunità fino all’era barocca, alla ricerca della conoscenza universale e dell’unità spirituale e formale di tutte le arti. I dizionari barocchi di simboli si aprirono alla comprensione dell’essere come l’unità di tutte le sue manifestazioni spirituali e materiali – l’unità “catturata” dal simbolo. Cesare Ripa e la sua iconologia erano di particolare importanza: un ampio, illustrato con xilografie, un dizionario di nozioni coperte in modo emblematico: come un’immagine simbolica e un commento discorsivo su di esso. In epoca barocca, è stata rivelata anche l’interdipendenza tra natura e cultura. Ciò ha avuto un impatto sull’estetica barocca.
Pole Sarbiewski in un saggio Sui vantaggi e gli svantaggi dell’elegia nello spirito di riconoscere l’uniformità della percezione, ha analizzato la dimensione emotiva delle vocali, e nel vasto trattato Dii Gentium ha dato un dizionario di miti culturali, unendo la tradizione antica e cristiana .
Nell’ambito dell’arte barocca, il compimento della sintesi delle arti è diventato un emblema come un genere al confine tra letteratura e belle arti. C’erano anche opere e libri frequenti trattati sperimentalmente nel loro complesso dal confine tra letteratura e arti visive, con una composizione fantasiosa del testo, trattato dal lato tipografico come un “dipinto”. Il testo assumeva la forma di uno scettro, un albero, un grande vetro, ecc. Il barocco è, in questo senso, un periodo di fioritura rigogliosa della letteratura visiva. In Polonia, tali forme erano frequenti nella letteratura occasionale, e gli esempi sono testi a croce, scettri, stelle, un obelisco o un monumento funebre.
Più pienamente, tuttavia, il sogno di una comunità di arti è realizzato dall’opera, un genere creato in epoca barocca, precisamente nella ricerca della sintesi, combinando musica (composizione, creazione di basi sonore), letteratura (libretto cantato), teatro (messa in scena) e pittura (da cui disegna il disegno scenico). L’opera fu formata nel circolo fiorentino Camerata (lo sfondo teorico fu dato al nuovo pensiero estetico del Rinascimento Vincenzo Galilei nel trattato rivoluzionario Dialogo della musica antica e moderna), sviluppato a Venezia, ei suoi primi capolavori furono donati da Claudio Monteverdi (nel 1607 il suo Orfeo viene presentato come l’inizio della specie).
Il visionario barocco, combinando vari materiali e aree di percezione, ha permesso praticamente di realizzare il concetto di sintesi delle arti.
La sintesi illuministica delle arti:
L’eccezione era l’opera, non il tutto (spesso limitato alla sola esecuzione vocale), ma quello creato da Wolfgang Amadeus Mozart. Due delle sue opere operistiche più complete – Don Giovanni e Il flauto magico – creano una combinazione perfettamente armoniosa di musica, testo, storia e il gioco dell’immaginazione.
Sintesi del romanticismo delle arti:
Il periodo di rinnovamento dei vecchi sogni e un nuovo fascino per la sintesi delle arti è diventato, rinnovando in questo modo il vecchio pensiero, e arrivando anche ai maestri barocchi (come Shakespeare), al Romanticismo. Ha inoltre ispirato le lezioni sull’estetica di Hegel, che ha trattato l’arte come una manifestazione dell’assoluto in una forma sensuale, ampie riflessioni dedicate alle forme simboliche nell’arte, la “forma romantica dell’arte” e particolari tipi di arte.
Il pensiero filosofico ed estetico del Romanticismo si è spesso focalizzato sull’unità spirituale dell’uomo e della natura, compresa la cultura e la natura, e sulla vicinanza della persona umana e di Dio, disegnando un progetto d’arte che influenza simbolicamente queste affinità: Jean Paul Richter, Friedrich Schleiermacher ne scrisse, il pittore Otto Runge (amico del pittore che rappresenta simbolicamente il paesaggio), anche il pensatore Karl Trahndorff (1782-1863), che sviluppò il concetto di Gesamtkunstwerk (opere di arte universale o piuttosto “totale” – inteso come un coerente combinazione di varie arti: poesia, musica, pittura, danza). Ovunque qui l’arte è concepita come un linguaggio omogeneo, nonostante la varietà del materiale, rivelando un essere – un “lavoro totale” (Gesamtkunstwerk).
Adempiere alla sintesi delle opere teatrali è stato dato da autori al confine tra illuminismo e romanticismo: Johann Wolfgang Goethe (nella tragedia di Faust) e, soprattutto, versatile William Blake (mistico, poeta, pittore e artista grafico, armoniosamente
Nel romanticismo maturo, il concetto di comunità di immaginazione e materiale è stato proclamato e realizzato, aprendo il proprio lavoro all’ispirazione di altre arti: la pittrice Eugène Delacroix e il compositore polacco Fryderyk Chopin. Altri romantici polacchi modellano anche la sintesi di opere teatrali: Juliusz Słowacki (specialmente in opere tarde che danno unità visionaria di poesia e effetti pittorici e musicali) e Cyprian Norwid (come artista versatile: poeta, pittore e disegnatore – “il mago”, come lui si è chiamato).
Il genere che era ricco di questa era nelle grandi visioni nello spirito della sintesi di opere teatrali era il dramma, o più specificamente il genere dell’idiomatica dell’epoca – un dramma romantico. La romantica ricezione del barocco (non ancora definita come un’epoca), tra cui Calderon, e in particolare Shakespeare, letto come un visionario che insegna libertà artistica, combina vari stili e materiali d’arte, ha avuto un grande ruolo nella sua forma. Le basi teoriche del dramma romantico sono state formulate da Victor Hugo. Un Faust goethiano, pieno di effetti musicali e, soprattutto nella Parte II, quasi “film” ha dato la visione sincretica e la realizzazione della sintesi delle arti. Sempre nel romanticismo, queste caratteristiche hanno evidenziato gli adattamenti operistici di Charles Gounod (Faust) e Hector Berlioz (Faust’s Damnation). All’interno del dramma romantico polacco, Adam Mickiewicz in Dziady (specialmente nella Parte II) e Juliusz Słowacki nei drammi (il più completo nell’ultimo – Samuel Zborowski) danno visioni sincretiche.
L’opera romantica ha rinnovato l’originale, plasmato in stile barocco, tradizione del genere come forma sincretica (Gaetano Donizetti e Łucja di Lammermoor, Modest Mussorgsky e Borys Godunov, citati Gounod e Berlioz), e soprattutto Giuseppe Verdi e opere basate sulle tragedie di Shakespeare Macbeth e Otello). In Francia, una variazione del genere, inconsapevolmente (senza tale consapevolezza estetica) riferita al barocco, divenne un grande opéra, il cui rappresentante era Giacomo Meyerbeer. Spesso, tuttavia, l’opera romantica era concentrata troppo sulle parti vocali spettacolari, perdendo l’essenza del genere.
Di particolare importanza è stato il compianto compianto romantico Richard Wagner, che ha formulato le teorie sul concetto di dramma musicale (distinto dall’opera). Le sue opere (come Tristano e Isotta, la tetralogia dell’anello di Nibelungo), fatte di questi presupposti, costituivano un nuovo compimento della concezione barocco-romantica della coesione del materiale delle varie arti all’interno di un’opera visiva creativa. Wagner implementò il “lavoro totale” postulato dai teorici precedenti – Gesamtkunstwerk. Lui stesso ha scritto un libretto poetico per le sue opere.
Wagner e il Gesamtkunstwerk:
Alcuni elementi della riforma dell’opera, alla ricerca di una formula più “classica”, erano iniziati alla fine del XVIII secolo. Dopo il lungo dominio dell’opera seria, e l’aria da capo, un movimento ha iniziato a far avanzare il librettista e il compositore in relazione ai cantanti, e di riportare il dramma a una messa a fuoco più intensa e meno moralista. Questo movimento, “opera di riforma” è principalmente associato a Christoph Willibald Gluck e Ranieri de ‘Calzabigi. I temi delle opere prodotte dalle collaborazioni di Gluck con Calzabigi continuano per tutte le opere di Carl Maria von Weber, fino a quando Wagner, rifiutando sia la tradizione italiana del bel canto che la francese “spettacolo”, sviluppò la sua unione di musica, dramma, effetti teatrali, e di tanto in tanto balla.
Tuttavia queste tendenze si erano sviluppate fortuitamente, piuttosto che in risposta a una specifica filosofia dell’arte; Wagner, che riconobbe le riforme di Gluck e ammirò le opere di Weber, desiderava consolidare il suo punto di vista, originariamente, come parte delle sue radicali visioni sociali e politiche della fine degli anni ’40. Prima di Wagner, altri che avevano espresso idee sull’unione delle arti, che era un argomento familiare tra i Romantici tedeschi, come dimostra il titolo del saggio di Trahndorff, in cui la parola prima avvenne, “Estetica, o Teoria della filosofia dell’arte” . Altri che hanno scritto su sintesi delle arti includevano Gottfried Lessing, Ludwig Tieck e Novalis. L’entusiastica recensione di Carl Maria von Weber di E.T.A. L’opera di Hoffmann Undine (1816) l’ammirava come “un’opera d’arte completa in sé, in cui contributi parziali delle arti correlate e collaborative si fondono, scompaiono e, scomparendo, in qualche modo formano un nuovo mondo”.
Wagner ha usato il termine esatto “Gesamtkunstwerk” (che ha pronunciato “Gesammtkunstwerk”) solo in due occasioni, nei suoi saggi del 1849 “Art and Revolution” e “The Artwork of the Future”, dove parla del suo ideale di unificare tutte le opere di arte via teatro. Ha anche usato in questi saggi molte espressioni simili come “l’opera d’arte consumata del futuro” e “il dramma integrato”, e spesso si riferiva a “Gesamtkunst”. Tale opera d’arte doveva essere l’espressione più chiara e profonda della leggenda popolare, benché astratta dai suoi particolari nazionalisti a una favola umanistica universale.
Wagner ha definito la tragedia attica il “grande Gesamtkunstwerk”. Nella sua opera The Art of the Future, scritta poco dopo, Wagner ha ampliato il significato del termine. Nella sua concezione di un’opera d’arte integrale e diversificata, che ha descritto dettagliatamente nel suo ampio libro Opera and Drama e in seguito è stata affrontata da altri come un dramma musicale, Wagner ha subordinato le singole “arti sorelle” a uno scopo comune, il dramma. Dal suo punto di vista, la crescente divisione del lavoro (ad esempio nella separazione delle divisioni teatrali) e l’isolamento egoistico nella società dovrebbero essere aboliti. Allo stesso tempo, come modello e nemico, immaginava la grande opera francese, in cui tutte le arti sceniche erano già unite nel loro ultimo stand tecnico. Wagner partì dalla convinzione che l’opera fosse sulla strada sbagliata se mettesse la musica in modo assoluto e subordinasse tutti gli altri elementi, soprattutto il dramma stesso.
I fratelli di Wagner erano stati attori, cantanti e ballerini allo stesso tempo, cosa che non era più possibile a causa della specializzazione delle professioni teatrali dopo il 1850. In un altro modo, questa universalità dovrebbe essere ripristinata: attraverso lo stesso lavoro degli artisti nel lavoro di l’arte al servizio del suo autore. Wagner ha parlato di una “cooperativa di tutti gli artisti”. Partì dalle idee estetiche dei romantici tedeschi e dai discorsi politici ed estetici che erano virulenti a Parigi intorno al 1840 sulla scia delle varie rivoluzioni e speravano di realizzare un’utopia sociale attraverso l’estetica:
“La grande opera d’arte, che deve abbracciare tutti i generi dell’arte, in modo da consumare, per così dire, ciascuna di queste specie come mezzo a favore del raggiungimento dello scopo collettivo di tutti, cioè l’esposizione incondizionata, immediata di perfetta natura umana, – questa grande opera d’arte non riconosce come l’atto arbitrariamente possibile dell’individuo, ma come il lavoro comune necessariamente concepibile degli uomini del futuro.
Wagner riteneva che le tragedie greche di Eschilo fossero state i migliori (sebbene ancora imperfetti) esempi finora di totale sintesi artistica, ma che questa sintesi fosse stata successivamente corrotta da Euripide. Wagner sentiva che durante il resto della storia umana fino ai giorni nostri (cioè il 1850) le arti erano andate alla deriva sempre più lontano, dando luogo a tali “mostruosità” come Grand Opera. Wagner sentiva che tali opere celebravano il canto bravura, effetti scenici sensazionali e trame senza senso. In “Art and Revolution” Wagner applica il termine “Gesamtkunstwerk” nel contesto della tragedia greca. In “The Art-Work of the Future” lo usa per applicare al proprio ideale, finora non realizzato.
Nel suo ampio libro Opera and Drama (completato nel 1851) porta avanti queste idee, descrivendo in dettaglio la sua idea dell’unione tra opera e dramma (in seguito chiamata dramma musicale nonostante la disapprovazione di Wagner del termine), in cui le arti individuali sono subordinate per uno scopo comune.
Il ciclo dell’opera di Wagner, Der Ring des Nibelungen, e in particolare i suoi componenti Das Rheingold e Die Walküre rappresentano forse il più vicino che lui o chiunque altro sia venuto a realizzare questi ideali; era lui stesso dopo questo stadio per rilassare le sue stesse critiche e scrivere più “operaticamente”.
Wagner ha dato grande importanza agli elementi ambientali, come l’illuminazione, gli effetti sonori o la disposizione dei sedili, per focalizzare l’attenzione dello spettatore sul palco, raggiungendo così la sua completa immersione nel dramma. Queste idee erano rivoluzionarie all’epoca, ma presto furono assunte dall’opera moderna.
Musica Gesamtkunstwerk:
Il termine musica gesamtkunstwerk indicava l’ideale del teatro in cui convergono musica, teatro, coreografia, poesia e arti figurative, al fine di ottenere una perfetta sintesi delle diverse arti. Inoltre, questo lavoro totale, da un lato, costituirà l’espressione più profonda dell’anima di un popolo, dall’altro sarà proiettato in un campo di universalità. L’esempio supremo di questa concezione fu, per il compositore di Bayreuth, la tragedia attica e specialmente eschilea, mentre in seguito, da Euripide alla tradizione operistica, specialmente in Italia, l’ideale di Gesamtkunstwerk subì un progressivo deterioramento; L’intento di Wagner era precisamente quello di ristabilire l’opera d’arte totale e imporla come forma artistica perfetta e definitiva. Poco dopo Wagner, infatti, Aleksandr Skrjabin concepì il suo Prometeo o Poema di fuoco, una grandiosa sinestesia artistica, per la quale progettò persino uno strumento che associava a ciascuna nota un fascio di luce colorata che avrebbe dovuto inondare la sala. Un progetto, questo, così in anticipo sui tempi, che non è stato possibile realizzarlo.
L’ideale di Gesamtkunstwerk è esaltato dagli artisti figurativi della Secessione viennese, tra cui Gustav Klimt che progetta, scolpisce, dipinge e decora in vista di una fusione idealizzata delle varie arti.
Architettura Gesamtkunstwerk:
Alcuni scrittori di architettura hanno usato il termine Gesamtkunstwerk per indicare le circostanze in cui un architetto è responsabile della progettazione e / o della supervisione della totalità dell’edificio: shell, accessori, arredi e paesaggio. È difficile rivendicare il fatto che la nozione di Gesamtkunstwerk sia stata impiegata per la prima volta dal punto di vista di un edificio e del suo contenuto (sebbene il termine stesso non sia stato utilizzato in questo contesto fino alla fine del XX secolo); già durante il Rinascimento, artisti come Michelangelo non vedevano una rigida divisione nei loro compiti tra architettura, interior design, scultura, pittura e persino ingegneria. È stato sostenuto dallo storico Robert L. Delevoy che l’Art Nouveau rappresentava una tendenza essenzialmente decorativa che si prestava così all’idea del Gesamtkunstwerk architettonico. Ma è ugualmente possibile che sia nato da teorie sociali nate dalla paura dell’aumento dell’industrialismo.
Tuttavia la prova di interi interni che caratterizzano il concetto di Gesamtkunstwerk può essere vista qualche tempo prima del 1890. C’era una crescente tendenza tra gli architetti nei secoli XVIII e XIX per controllare ogni aspetto di una commissione architettonica. Oltre ad essere responsabili della struttura, hanno cercato di estendere il proprio ruolo includendo la progettazione (o almeno la verifica) di ogni aspetto del lavoro interno. Ciò includeva non solo le caratteristiche architettoniche degli interni, ma era esteso anche alla progettazione di mobili, tappeti, carta da parati, tessuti, lampadari e maniglie delle porte. Robert Adam e Augustus Welby Pugin sono esempi di questa tendenza per creare un effetto di armonizzazione generale che in alcuni casi potrebbe anche estendersi alla scelta o alla progettazione di argento da tavola, porcellana e vetro.
Un approccio decisamente moderno al concetto di architettura Gesamtkunstwerk è emerso con la scuola Bauhaus, fondata a Weimar nel 1919 da Walter Gropius. La scuola si specializzò in design, arte e artigianato (l’architettura non fu introdotta come un corso separato fino al 1927 dopo essere stata trasferita a Dessau). Gropius sosteneva che gli artisti e gli architetti dovrebbero essere anche artigiani, che dovrebbero avere esperienza di lavoro con materiali e mezzi artistici diversi, tra cui design industriale, design di abiti, teatro e musica. Tuttavia, Gropius non ha necessariamente visto un edificio e ogni aspetto del suo design come il lavoro di una singola mano.
La società di sviluppo canadese Westbank, fondata da Ian Gillespie, utilizza Gesamtkunstwerk come idea fondante della visione e della filosofia dell’azienda per lo sviluppo urbano.
Simbolismo di sintesi al modernismo:
Impressionato dalla visione del lavoro “totale” dell’arte di Richard Wagner, Charles Baudelaire considerava la musica come un modello per la poesia che esprimeva le esperienze e le impressioni più personali e sfuggenti. Tale importanza simbolica è stata data ai musicisti, perché era lei – più efficacemente della parola, e persino l’immagine (quindi ancora realistica) – che stimolava i sentimenti e innescava l’intuizione. Il famoso sonetto Baudelaire Corrispondenze (nelle traduzioni polacche è stato dato a equivalenti o echos, anche se il titolo significa semplicemente Corrispondenza, nel senso di “interazione reciproca”) dal volume Flowers of Evil, 1857) divenne presto una parte del ritorno di corespondances des arts come termine nel campo dell’estetica. Baudelaire dipinse in questo sonetto l’affinità spirituale dell’uomo e della natura, chiamata “foresta di simboli”. Da questa visione romantica della natura, il poeta ha disegnato un nuovo concetto del simbolo, non tanto come una particella di un lessico riconoscibile di significati, ma come una visione profondamente personale e incomprensibile. Baudelaire ispirò il simbolismo come estetica e una direzione artistica che si aprì alle affinità delle arti e si stava dirigendo verso una grande visione sincretica. Così scrisse Arthur Rimbaud, che si esprime nella sua poesia e prosa poetica, e programmaticamente il Sonoflu Sonnet (rivelando le affinità tra suono e immagine).
Dall’ispirazione del nuovo simbolismo, il modernismo come epoca in letteratura e arte ha raggiunto spesso la sintesi delle arti. Stavano sviluppando in modo creativo i compositori Gustav Mahler (nelle sue sinfonie ricche di filosofia) e Aleksandr Scriabin (combinando suono e colore all’interno della performance – il famoso concetto del “pianoforte leggero”). Tra gli artisti della Giovane Polonia, Stanisław Wyspiański, poeta, pittore e disegnatore, realizza la comunità artistica più versatile, specialmente nei drammi di Noc listopadowa, Wesele e visionario Akropolis. La sintesi delle opere teatrali è anche interpretata da Tadeusz Miciński in – con il brio pittorico e quasi “film” – la tragedia di Basilis Teofanu ”
Le definizioni della sintesi delle arti e della corrispondenza delle arti sono spesso usate in modo intercambiabile, mentre differiscono negli scopi e nei campi dell’arte in cui si manifestavano principalmente.
Dopo la prima guerra mondiale, il poeta Guillaume Apollinaire nella collezione di Caligrams (1918) ha coraggiosamente trattato il testo come una composizione grafica libera, dando l’intero carattere della poesia visiva (ad esempio nel lavoro Mandolino, chiodo di garofano e bambù). Anche il futurismo ha spesso sperimentato, cercando di sintetizzare le arti.
Una nuova lode dell’immaginazione è stata data dal surrealismo, in qualche modo programmaticamente aperto al libero campo delle associazioni e alla combinazione del materiale delle varie arti. Il teorico, André Breton, ha dato al Manifesto del Surrealismo (1924) un programma di arte liberata e fantasmagorica. Le realizzazioni artistiche di queste ipotesi erano più modeste. L’eccezione era il film muto di Luis Buñuel, un cane andaluso del 1928 – una combinazione allucinatoria di immagini drastiche (la famosa scena di tagliare l’occhio con un rasoio) con un vago significato simbolico, soprattutto erotico; ma questo era principalmente uno studio del subconscio. Tuttavia, il significato dell’idea del surrealismo come ispirazione per l’arte successiva è grande – questo è il consenso (dallo spirito del barocco e del romanticismo) alla libertà creativa dell’artista.
Nel periodo tra le due guerre, il poeta e pittore futurista, Tytus Czyżewski, ha portato le sue opere in un modo vicino alla poesia visiva – queste sono le poesie Poznań e Dom, la poesia delle visioni Electric. Tom Czyżewski Pastorałki realizza l’effetto della sintesi delle arti combinando il testo poetico e stilizzato nella vecchia grafica con le illustrazioni di Tadeusz Makowski. I più vicini alla sintesi delle arti sono i due artisti versatili: Witkacy e Bruno Schulz, sia in termini di estensione delle attività creative che di formazione del materiale delle opere. La teoria delle Pure Form di Witkacy era anche un progetto di un’arte sincretica che esprime (come ha scritto) “sentimenti metafisici”, unendo la dimensione estetica ed esistenziale e costituendo una catarsi purificante. Witkiewicz ha dato ai suoi dipinti ad olio del periodo del formismo una dimensione letteraria-visionaria (Tempting Saint Antoni), mentre nei suoi drammi ha dato forma a tensioni piene di tensione, composizione sofisticata, inclusa nella pittura e nel cinema (Kurka Wodna, Matka, Sonata Beelzebub). Schulz ha creato un quadro basato sulla trama erotica della grafica (Xięga idwochwalcza), e la prosa è stata espressa come immagini riccamente intonacate artisticamente.
Sintesi postmoderna delle arti:
La letteratura più recente si riferisce all’idea della sintesi delle arti, spesso in occasione dell’esperimento. Jan Lechoń, un poeta sempre sensibile alla pittura e alla musica, il poema di Sarabanda per Wanda Landowska (dal suo ultimo volume, Marble and Rose, 1954), ha descritto come quasi musicale, secondo il titolo, sarabande, il cui ritmo ricorda una miniatura di clavicembalo. Jarosław Iwaszkiewicz ancora nel periodo tra le due guerre nel film dedicato da Witkacy An Evening to Abdon (1922) ha costruito una storia lunatica come una visione onirica, un ritmo musicale distintivo e una vivida chiarezza di strati di immagini. Anni dopo, come la sintesi della narrativa psicologica, le immagini dipinte ei motivi leitmotiv della musica (usando le composizioni di Wagner), ha costruito la storia di Dreams dal volume di Dreams. Giardini. Sérénité (1974). Nel tardo volume di poesia e prosa, il Tatra Album (1975) ha pubblicato un poema intitolato Niebo scritto in prosa ritmica, inizialmente commentato che si tratta di “un tentativo di collocare la forma di sonata il più vicino possibile nella parola” – il lavoro è quindi una trasposizione letteraria della sonata della forma musicale.
Nella cultura contemporanea, la sintesi programmatica delle arti è stata plasmata dal compositore Olivier Messiaen (dotato di immaginazione sincretica, “udito colorato”, che associa colori e suoni), in particolare nell’opera San Francesco d’Assisi e musica elettronica con onde Martenot. Vari materiali sono anche collegati in opere operistiche di Krzysztof Penderecki, più pienamente nella sacra rappresentazione (una varietà di genere dell’opera) che il Paradiso perduto, raggiungendo direttamente la tradizione stilistica barocco-romantica.
L’individualità speciale era il versatile Roland Topor, dalla tradizione barocca e, in particolare, il Surrealismo (conosceva personalmente Breton), un artista grafico, drammaturgo e autore di storie che traeva la sua opera, collaborando anche con il cinema (lanterna magica per Casanova Fellini).
Il film creato durante il periodo moderno come tecnica di registrazione e visualizzazione del movimento, e con il tempo e l’arte, potrebbe costruire una visione sincretica non appena la maturità tecnica del messaggio è stata raggiunta con la precisione del suono e del colore. È successo negli anni 50-60. Il ventesimo secolo. Ha costruito le più grandi visioni del film, Federico Fellini – il regista dell’immaginazione del pittore (e del talento artistico) e anche musicalmente sensibile. Ha creato una sintesi di opere teatrali durante tutto il lavoro, culminando in sequenze selezionate – nei film di Giulietta dai fantasmi (episodi sensuali e orgiastici nella casa di Suzy, il vicino del protagonista), Satyricon (passeggiata degli amanti omosessuali nella casa pubblica), Roma (sfilata della chiesa), Casanova (mago del progetto di Topor, suono corale dell’episodio musicale di Wagner in tedesco), City of women (moglie dell’eroe, che canta nella casa di Snaporaza aria di Verdiowska La Traviata), E la nave sta navigando (musica da Verdi nella dispersione delle ceneri del cantante in mare e affondando).
Uno stile simile fu rivelato da Luchino Visconti (che valeva l’opera e dirigeva le rappresentazioni liriche) nei film di Leopard e il Crepuscolo degli Dei, ma soprattutto nella sazia musica di Wagner Ludwig (il cui eroe era il folle mecenate del compositore – Re Ludwig Bavarian). La sintesi di opere teatrali è interpretata da Ken Russell, saturazione dei suoi film con la musica di compositori ritratti, utilizzata anche in scene strettamente visionarie (Gli amanti della musica – su Ciajkovskij, Mahler), e in Diavoli che danno una visione brutale e teatrale del Barocco era. Russell made the Tommy film in 1975, which is a baroque, vivid adaptation of the musical – the synthesis of arts has entered the circle of mass culture. In turn, in the films of Andrey Tarkovsky (Andrei Rublev, Zwierciadło, Sacrifice), the synthesis of the arts is created by direct quotations from the works of painting, connected with the music of the great masters. A similar synthesis was obtained by Werner Herzog, associating the “pictorial” filmed landscape and sound (Glass Heart – with psychedelic rock music, Fitzcarraldo – with opera music).
In the exhibition “The Hang to Gesamtkunstwerk” by Harald Szeemann, which was shown in 1983 in the Kunsthaus Zürich, in the Museum of the 20th Century in Vienna and the beginning of 1984 also in Berlin Charlottenburg , various works of art were presented to the public: among others the Merzbau of Kurt Schwitters, the Goetheanum in Dornach, the cathedrals (like Sagrada Família) by Antonio Gaudi, the Monte Verità near Ascona, the Vittoriale degli italiani on Lake Garda. The exhibition has brought together European utopias since 1800 that do not want to limit themselves to a purely aesthetic meaning but have in mind a transformation of social reality into a renewed society.
More recently, the term Gesamtkunstwerk overlaps with that of (synthetic) intermediality. Whether works of art that address different senses at the same time, are free compositions in the sense of multimedia or mixed media, or whether they meet the requirement of unification into a Gesamtkunstwerk, is a matter of interpretation. Happening, Fluxus, Performance, Experimental Theater and other phenomena are also interpreted as variations of the idea of the Gesamtkunstwerk.
A separate opera is occupied by an opera, which is an adaptation of the opera, but only when the director does not aim at realism, but draws the artistic consequences of meeting many plays within one work. That’s what Ingmar Bergman (Mozart’s The Magic Flute) and Andrzej Żuławski (Borys Godunov according to Mussorgsky) did. It is close to the European musical film, which deviates from the tradition of a realistically shaped musical – it is Jacques Demy and Parasolki of Cherbourg with Catherine Deneuve in the lead role and Legrand’s music, the film is sung entirely, but also full of tastefully colored frames.
Within the scope of painting and sculptures after World War II, the synthesis of the arts was revealed, moreover, often through the syncretism of form, and finally the departure from the finished, finished by the artist, works to show the creative process using the material of various arts. Such conceptual art as, related to it, performance improvising, showing art as a process – they use a variety of materials: painting, literary, but especially multimedia technology (especially video). Yes, with the use of electronic devices and digital technology, the old, centuries-long idea of the synthesis of arts takes shape.
Within the mass culture, the phenomenon emerging from, the simplest, synthesis of the material within the perception is a comic book. The more interesting and often sophisticated and artistically outstanding, practical manifestation of the synthesis of arts is a video clip – a phenomenon common in the popular musical culture, and based on the association of image and sound. Interpreting, or rather visualizing, a song, a music video hangs around the outline of the plot, puts on the performer the role of acting, gives meaning to the scenery, costumes, or even make-up characters. The assembly (usually its fast rhythm) is of special importance, as well as special visual effects obtained by computer. The whole resulting from this is a synthesis of arts. Pioneer achievements in this regard had the band Queen (in the video for the song “Save Me” animation was used for the first time). The original music videos were recorded by Madonna (“Music”, also “Hung Up” and “Sorry” – from the album Confessions on a Dance Floor). The master of this form was Michael Jackson, whose music video for the title song of the album Thriller is considered a masterpiece.