실험 음악은 기존 경계 및 장르 정의를 푸는 모든 음악의 일반적인 레이블입니다 (Anon. & n.d. (c)). 실험적 구성 연습은 음악의 제도화 된 구성, 공연 및 미학적 관습에 근본적으로 반대하고 탐구하는 탐구 감각자에 의해 광범위하게 정의됩니다 (Sun 2013). 실험 음악 요소에는 작곡가가 작곡이나 연주와 관련하여 우연 또는 예측 불가능 요소를 소개하는 불확정 음악이 포함됩니다. 아티스트는 이질적인 스타일의 하이브리드에 접근하거나 정교하고 고유하지 않은 요소를 통합 할 수도 있습니다 (Anon. & n.d. (c)).

관행은 20 세기 중반, 특히 유럽과 북미에서 두드러졌습니다. 존 케이지 (John Cage)는 실험 음악의 주된 혁신가 중 하나 인 용어를 사용하고 불확정성 기술을 활용하고 알려지지 않은 결과를 찾는 최초의 작곡가 중 한 명입니다. 프랑스에서는 1953 년 초 Pierre Schaeffer가 “musique expererimentale”이라는 용어를 사용하여 테이프 음악, musique concrète 및 elektronische Musik을 포함하는 작곡 활동을 설명하기 시작했습니다. 또한 미국에서는 Lejaren Hiller와 같은 작곡가와 관련된 컴퓨터 제어 작곡을 설명하기 위해 1950 년대 후반에 상당히 다른 의미의 용어가 사용되었습니다. Ivor Darreg와 Harry Partch는 고조파 음악에 대한 물리적 법칙을 기반으로 다른 튜닝 스케일을 사용했습니다. 이 음악을 위해 그들은 둘 다 일련의 실험적인 악기를 개발했습니다. Musique concrète (프랑스어, 문자 그대로 “콘크리트 음악”)는 acousmatic 사운드를 구성 자원으로 활용하는 전자 음향 음악의 한 형태입니다. 무료 즉흥 연주 또는 무료 음악은 관련 뮤지션의 취향이나 취향을 뛰어 넘는 규칙없이 즉석 음악입니다. 많은 경우 뮤지션들은 “clichés”, 즉 유명한 음악 협약이나 장르에 대한 명백한 언급을 피하기 위해 적극적으로 노력합니다.

술어
이 용어는 여러 가지 방법으로 사용할 수 있기 때문에 혼란 스럽습니다. 현대 음악의 넓은 의미에서 동의어로 사용되거나 제한된 의미에서 음악의 특정 트렌드만을 언급하는 것입니다. 이 용어는 더 넓은 의미로 사용될 수도 있으며 현대 학술 음악과 함께 전위적인 민속 음악의 앙상블을 포함합니다.

정의 및 사용법
태생
피에르 쉐퍼 (Pierre Schaeffer) 지도력하에있는 GRMC (Groupe de Recherches de Musique Concrte)는 1953 년 6 월 8 일에서 18 일 사이 실험 음악의 첫 국제 10 년을 조직했다. 이것은 Schaeffer가 음악 컨트라스트의 동화를 독일의 전자 음악, 그리고 대신 음향 컨소시엄, 전자 음악, 테이프 음악, 그리고 세계 음악을 루 브릭 “musique experimentale”(Palombini 1993, 18)에 포함하려고 시도했다. Schaeffer의 선언문 (Schaeffer 1957)은 4 년 지연되었는데, Schaeffer는 “음악가 연구”라는 용어를 선호했다. 그러나 그는 음악적 연구를 완전히 포기한 적이 없었다. (Palombini 1993a, 19; Palombini 1993b, 557 ).

Cage의 정의에 따르면, “실험적 행동은 예견되지 않은 결과이며”(Cage 1961, 39), 그는 예측할 수없는 일을 수행 한 완성 된 작품에 특히 관심이있었습니다. 행동 (Mauceri 1997, 197). 독일에서 Cage의 기사는 1954 년 8 월 13 일 Darmstädter Ferienkurse에서 “Amerikanische Experimentalmusik”이라는 제목으로 Wolfgang Edward Rebner가 강의 한 몇 달 동안 발표되었습니다. Rebner의 강연은 Charles Ives, Edgard Varèse, Henry Cowell, Cage 등이있다. (Rebner 1997).

대체 분류
작곡가 겸 비평가 인 Michael Nyman은 Cage의 정의 (Nyman 1974, 1)에서 시작하여 다른 미국 작곡가 (Christian Wolff, Earle Brown, Meredith Monk, Malcolm Goldstein, Morton Feldman, Terry Riley , Toshi Ichiyanagi, Cornelius Cardew, John Tilbury, Frederic Rzewski, Keith Rowe와 같은 작곡가 (Nyman, 1974, 78-81, La Monte Young, Philip Glass, John Cale, Steve Reich 등) 93-115). Nyman은 실험 음악을 “컴포지션의 정체성이 가장 중요한 요소”인 Boulez, Kagel, Xenakis, Birtwistle, Berio, Stockhausen 및 Bussotti와 같은 유럽의 전위 예술에 반대합니다 (Nyman 1974, 2 및 9 ). 이전 사례의 “실험적”이라는 단어는 “나중에 성공 또는 실패로 평가할 행위를 설명하는 것이 아니라 단지 결과가 알려지지 않은 행동으로 이해된다”(Cage 1961) ).

데이비드 코프 (David Cope)는 또한 실험 음악과 “전위 예술”을 구별하며, 실험 음악을 “현상 유지를 거부하는 것을 나타낸다”라고 기술했다 (Cope 1997, 222). David Nicholls 역시 “… 매우 일반적으로, 전위적인 음악은 실험 음악이 외부에있는 동안 전통 안에서 극단적 인 위치를 차지하는 것으로 볼 수있다”(Nicholls 1998, 318).

워렌 버트 (Warren Burt)는 “최첨단 기법과 특정 탐구 적 태도의 결합”으로서 실험 음악은 “카이 옹 영향과 작업”과 같은 영역을 포괄하는 광범위하고 포괄적 인 정의를 요구한다. 낮은 테크놀러지와 즉석 음악, 사운드시와 언어학, 새로운 악기 제작 및 멀티미디어 및 음악 공연, 첨단 기술 및 커뮤니티 음악 작업 등을 통해 이러한 활동이 우리가 싫어하는 음악을 찾는 목적으로 수행 될 때, 아직 ‘(Herbert Brün을 인용하면서)’문제 추구 환경 ‘[Chris Mann을 인용] “(Burt 1991, 5).

벤자민 피에 쿠트 (Benjamin Piekut)는 “실험주의에 대한 합의 된 견해”는 “이 작곡가들이 처음에 어떻게 모아져 지금은 묘사의 대상이 될 수 있는가?”라는 질문을하기보다는 선험적 “그룹화”에 기초한다고 주장한다. ” 즉, “대부분 실험 음악 연구가 실제로 설명하지 않은 채로 범주를 설명합니다”(Piekut 2008, 2-5). 그는 David Nicholls와 특히 Amy Beal (Piekut 2008, 5)의 연구에서 칭찬할만한 예외를 발견하고 “실험주의를 성취로 표시하는 근본적인 존재 론적 교대는 표현주의에서부터 실행 성에 이르기까지”라고 결론 지었다. “이미 설명하고자하는 범주를 가정 한 실험주의에 대한 설명은 온톨로지가 아니라 형이상학에서의 운동”(Piekut 2008, 7).

한편 Leonard B. Meyer는 Berio, Boulez and Stockhausen과 같은 Nyman에 의해 거부 된 “실험 음악”작곡가와 “전체 연쇄주의”(Meyer 1994, 106-107 및 266)의 기술을 포함한다. “독창적 인 음악이나 실험적 음악은 없지만 다양한 방법과 종류가있다.”(Meyer 1994, 237).

중단 기간
1950 년대에 “실험적”이라는 용어는 보수적 인 음악 평론가와 “엔지니어 예술”, “원자의 음악적 분할”, “연금술사의 부엌”, “atonal”과 같은 여러 단어와 함께 종종 적용되었습니다. “연속적”이라는 용어는 “주제를 파악하지 못했기 때문에”불합리한 개념으로 간주되어야하는 폐기 용어이다 (Metzger 1959, 21). 이것은 주 변화시키려는 의도 였고, 이로써 기존의 관례에 부합하지 않는 다양한 종류의 음악을 거부했다 (Mauceri 1997, 189). 1955 년 피에르 부 레즈 (Pierre Boulez)는 그것을 “허용 할 수는 있지만 검사를 받으면서 도덕적 인 도덕을 부당하게 만드는 실험실에 국한 할 수있게하는 새로운 정의”라고 규정했다. 일단 그들이 위험에 한계를두면 좋은 타조는 사라진다 실험으로 야기 된 정기적 인 황폐화의 끔찍한 사실을 받아 들일 의무가있을 때 다시 잠자고 깨어나서 분노로 발을 밟을뿐입니다. ” 그는 “실험 음악과 같은 것은 없지만 불임과 발명은 매우 구별된다”고 결론 지었다 (Boulez 1986, 430, 431). 1960 년대에 들어서면서 “실험 음악”은 거의 반대의 목적으로 미국에서 사용되기 시작했으며 근본적으로 혁신적인 “외부인”작곡가 그룹을 합법적으로 정당화하는 데 도움이되는 역사적인 카테고리를 만들기 위해 시도되었습니다. 이것이 장르에서 성공한 것이 무엇이든, 장르를 구성하려는이 시도는 메츠거 (Metzger)가 지적한 의미없는 namecalling만큼이나 낙오적이었다. 왜냐하면 “장르의”정의에 따르면 그것이 포함하는 저작은 “근본적으로 다르며 고도로 개인주의 적”이기 때문이다 (Mauceri 1997, 190). 그러므로 장르는 아니지만 “실험적인 음악처럼 분류 할 수없고 (종종 어려운) 현상을 부분적으로 분류하려는 어떠한 시도도 있기 때문에”(Nyman, 1974, 5). 또한, 공연에서의 특성 불확실성은 “동일한 작품의 두 가지 버전이 공통적으로인지 할 수있는 음악적 사실 ‘을 실질적으로 갖지 않을 것이라고 보장합니다.”(Nyman 1974, 9).

컴퓨터 구성
1950 년대 후반, Lejaren Hiller와 LM Isaacson은 “실험”(Hiller and Isaacson 1959)의 과학적 의미에서 컴퓨터 제어 구성과 관련하여이 용어를 사용했습니다. 기존의 음악 기술을 기반으로 새로운 구성을 예측합니다 (Mauceri 1997, 194-95). “실험 음악”이라는 용어는 전자 음악, 특히 프랑스의 Schaeffer and Henry (Vignal 2003, 298)의 초기 음악 Concert 작품에서 동시 사용되었습니다. 다운 뮤직과 좀 더 일반적으로 실험 음악이라고 불리는 것 사이에는 상당한 차이가 있습니다. 특히 Nyman이 그의 저서 Experimental Music : Cage and Beyond (1974, Second Edition 1999)에서 정의한 용어가 그 의미입니다.

역사

영향력있는 선구자
존 케이지 (John Cage)의 전례와 영향을받은 20 세기 초반의 미국 작곡가들은 때로는 “미국 실험 학교”라고도합니다. Charles Ives, Charles와 Ruth Crawford Seeger, Henry Cowell, Carl Ruggles, John Becker (Nicholls 1990, Rebner 1997)가 포함됩니다.

뉴욕 학교
예술가 : 존 케이지, 얼 브라운, 크리스티안 울프, 모튼 펠드만, 데이비드 튜더, 관련 : 머스 커닝햄

Musique concrète
Musique concrète (프랑스어, 문자 그대로 “콘크리트 음악”)는 acousmatic 사운드를 구성 자원으로 활용하는 전자 음향 음악의 한 형태입니다. 구성 소재는 악기 나 목소리에서 파생 된 음계를 포함하거나 “뮤지컬”(멜로디, 하모니, 리듬, 미터 등)으로 간주되는 요소에 국한되지 않습니다. 미학의 이론적 토대는 1940 년대 후반부터 Pierre Schaeffer에 의해 개발되었습니다.

플럭서스
플럭서스 (Fluxus)는 1960 년대에 시작된 예술적 운동으로, 연극성과 혼합 매체의 사용이 특징입니다. Fluxus 운동에서 나타나는 또 다른 알려진 음악적 측면은 원초 치료에서 파생 된 공연에서 Primal Scream의 사용이었습니다. 오노 요코 (Yoko Ono)는이 표현 기법 (Bateman n.d.)을 사용했습니다.

미니멀리즘
최소한의 음악은 제한되거나 최소한의 음악 자료를 사용하는 예술 음악의 한 형태입니다. 서양 미술 음악 전통에서 미국의 작곡가 인 La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich 및 Philip Glass는 최소한의 접근법을 사용하는 작곡 기법을 처음으로 개발 한 것으로 알려져 있습니다. 그것은 1960 년대의 뉴욕 다운타운 장면에서 유래했으며 처음에는 뉴욕 최면 학교라는 실험 음악의 한 형태로 간주되었습니다. 미적으로, 그것은 진행중인 작품에 대한 비 서사적, 비 기술적, 비 표상 적 개념으로 특징 지어지며, 음악의 내부 과정에 초점을 맞춤으로써 음악 듣기 활동에 대한 새로운 접근법을 대표합니다. 목표 또는 목표 달성을위한 움직임이 결여되어있다. 이 기법의 주요 특징은 자음 조화, 꾸준한 맥박 (움직이지 않는 무인 항공기는 아닐지라도), 정지 또는 점진적 변형, 종종 음악 문구 나 인물, 모티브 및 세포와 같은 더 작은 단위의 반복이다. 그것은 위상 음악 (phase music)으로 불리는 것을 유도하는 가산 과정 (additive process) 및 위상 시프 팅 (phase shifting)과 같은 특징을 포함 할 수있다. 엄격한 규칙을 따르는 프로세스 기술에 크게 의존하는 최소한의 구성은 대개 프로세스 음악이라는 용어를 사용하여 설명됩니다.

Transethnicism
“실험적”이라는 용어는 때로는 로리 앤더슨, 추웬 춘, 스티브 라이히, 케빈 볼란 스, 마틴 스 쉐링 어 (Martin Scherzinger) 등의 음악에서 볼 수있는 인식 가능한 음악 장르, 특히 특정 인종 집단으로 분류 된 장르의 혼합에 적용되었습니다. Michael Blake, Rüdiger Meyer (Blake 1999, Jaffe 1983, Lubet 1999)를 포함한다.

무료 즉흥 연주
무료 즉흥 연주 또는 무료 음악은 관련 뮤지션의 취향이나 취향을 뛰어 넘는 규칙없이 즉석 음악입니다. 많은 경우 음악가들은 눈에 띄는 음악 장르에 대한 명백한 언급을 피하기 위해 적극적으로 노력합니다. 이 용어는 테크닉 (엄격한 장르와 형식을 무시하고자하는 음악가에 의해 고용 됨)과 그 자체로 인식 가능한 장르로 간주 될 수 있기 때문에 다소 역설적입니다.

영향
주민들은 팝 음악, 전자 음악, 실험 음악, 영화, 만화 및 공연 예술 (Ankeny n.d.)과 같은 모든 종류의 예술적 장르를 섞은 특이한 음악 그룹으로 70 년대에 시작했습니다. Rhys Chatham과 Glenn Branca는 1970 년대 후반에 멀티 기타 작곡을 작곡했습니다. 채텀 (Chatham)은 LaMonte Young과 함께 몇 시간 동안 일한 후 실험적인 뮤지컬 아이디어를 그의 작품 인 Guitar Trio에서 펑크 록과 혼합했습니다. Lydia Lunch는 펑크 록 (punk rock)으로 화자를 통합하기 시작했으며 화성 (Mars)은 새로운 슬라이딩 기타 기술을 연구했습니다. Arto Lindsay는 어떤 종류의 음악 연습이나 이론을 사용하여 특이한 음색 재생 기술을 개발하지 않았습니다. DNA와 James Chance는 다른 유명 웨이브 아티스트도 아닙니다. 기회가 나중에 무료로 즉석으로 이동했습니다. No Wave 운동은 Transgressive Art와 밀접한 관련이 있으며, Fluxus처럼 종종 음악과 함께 공연 예술을 혼합합니다. 그러나 그것은 1970 년대 펑크의 전위적인 파생물과 실험적인 암석과 관련된 장르로 보입니다 (Anon. & n.d. (b)).

미국의 진화와 고용
1960 년대에이 용어는 특히 미국의 경우보다 제한된 의미를가집니다. 그런 다음 유럽의 전위 적 경향 3과 대조적으로 반 (反) 전통 작곡가 (John Cage와 같은)를 구별하기 위해 주로 사용되었습니다.이 음악은 작곡가의 무력화에 대한 의지와 창조적 행위의 비 결정론이 특징입니다. 예기치 않은 음악적 결과. 결정론과 모든 음악적 매개 변수의 완전한 제어에 의해 특징 지워지는 완전한 연속성과 같은 공식적인 시대의 공식적인 유럽 전위 음악의 접근법에 반하는 비 통제의 의지.

Michael Nyman이이 용어를 사용하지만 일반적인 방식으로 미니멀리스트와 포스트 모더니스트 작곡가에게 그것을 확장하는 것은 다소 유사한 의미입니다. 사실, 그의 실험 음악 : 케이지와 그 너머에서 실험 음악의 저장소로 여겨지는 그는 현대 미국 뮤지션 (존 케이지, 크리스티안 울프, 얼 브라운, 메레디스 몽크, 모튼 펠드만, 테리)의 작품을 의미하는 데 “실험적”이라는 용어를 사용합니다. (Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez, Iannis Xenakis)와는 대조적으로, Riley, Riley, Young Monte, Philip Glass, John Cale, Steve Reich 등이있다.

이런 의미에서 현대 유럽 음악의 전위적인 접근법은 가장 혁신적이라 할지라도 실험적인 음악으로 간주되지 않습니다. 이러한 의미에서 “실험 음악”이라는 용어는 현대 음악의 많은 트렌드 중 하나만 제시하므로 직렬 음악이나 콘크리트 음악과 같은 유럽의 전위적인 형식은 포함되지 않습니다. 이러한 의미에서 작곡가 존 케이지 (John Cage)는 실험 음악의 선구자 중 한 명이었습니다. 그의 작곡으로이 운동의 기반을 정의하는 데 도움을주었습니다. 이런 의미에서 미국인들은 “실험 음악”이라는 말을 듣는 경우가 가장 흔합니다.

현대 음악
그러나 실험 음악이라는 용어는 단순히 특정 전문가뿐만 아니라 “실험적”이라는 용어가 “동시대”라는 용어보다 더 분명하게 보이는 장르에 익숙하지 않은 사람들에 의해 실제로 현대 음악을 언급하는 데 사용됩니다. . “현대 음악이라는 용어는 역사적으로 클래식 음악에서 내려 왔지만 새로운 음악을 창작하기 위해이 음악의 원리에 대한 대부분의 도전을받은 아방가르드 학술 음악을 모두 가리키는 기술적 용어입니다.”현대 음악 “이라는 용어는 비엔나 제 2 학교와 완전한 연대 운동의 결과로 개발 된 매우 광범위한 새로운 미학에 이르기까지,이 점에서이 음악의 극도로 혁신적인면을 고려할 때 많은 사람들은 실험 음악으로 간주합니다. 이 전위적인 형태를 실험적인 음악으로 간주하지 않는 반면 미국의 음악 학자 레오나르드 마이어 (Léonard B. Meyer)와 같은 다른 사람들은 피에르 부레즈 (Pierre Boulez), 루치아노 베리오 (Luciano Berio) 또는 카를 헤인츠 (Karlheinz)와 같은 전위 음악 현대 작곡가의 음악을 “실험 음악” Stockhausen과 완전한 연속성.

그러나 현대 음악의 많은 작곡가들은 그들이 “감정적 인”실험적인 이름을 거부합니다. 실제로이 용어는 작곡가가 자신의 소재를 실제로 제어하지 못하고 무엇이든을 시도하지 않는다는 것을 암시하는 많은 의미를 가질 수 있습니다. 비평 때문에 많은 작곡가들은 그들의 음악이 많은 사람들에 의해 “실험적”이라고 여겨지더라도 거부합니다.

전위 음악
마지막으로 가장 보편적 인 의미에서 “실험 음악”이라는 용어는 전위적인 방식이나 일반적인 방식으로 대중적으로 배운 모든 음악을 미분화 된 방식으로 나타 내기 위해 사용됩니다. 필립 로버트가 “실험 음악”이라는 개념에 접근한다는 것은 더 넓은 의미 에서다. “실험 음악”이라는 용어는 이러한 의미에서 다음 두 가지를 모두 포함합니다.

현대 음악, 연재, 콘크리트 음악, 전자 음향 음악, 미니멀리스트 음악, 확률 론적 음악, 스펙트럼 음악 등 모든 다양한 트렌드

즉흥 음악에서 벗어나 예술적으로나 개념적으로 소위 학술적 또는 대중적 흐름에 속하지 않지만 주인공, 이들 요소 또는 문자 그대로 즉각적인 창조를 문자 그대로 들리지 않는 음악을 정의에 따라 차용합니다.

아방가르드 록 (avant-rock) ( “실험용 암석”이라고도 함), 전위 예술 재즈 (avant-garde jazz), 암석 예술, 무료 록, 무료 재즈, 금속 이전의 금속 (실험 금속이라고도 함) 등 다양한 전위적이고 실험적인 대중 음악 “), 산업 음악 (또는 산업), 파동, 소음, 결함. 그리고 때때로, 진보적 인 바위와 진보적 인 금속.