Fauvism은 인상주의에 의해 유지되는 표상 적 또는 현실적인 가치에 대한 회화 적 특질과 강한 색을 강조한 20 세기 초의 현대 미술가 그룹 인 레 포우 브 (Le Fauves)의 스타일입니다. 포비 즘은 1904 년부터 시작되어 1910 년을 넘어서면서 1905 년부터 1908 년까지만해도 몇 년 동안 지속되어 3 차례의 전시회가있었습니다. 운동 지도자들은 안드레 데랑 (André Derain)과 앙리 마티스 (Henri Matisse)였다.

Fauvism은 프랑스어의 회화 작품으로 1818 년부터 1906 년까지 색상의 폭력으로 특징 지어지며 넓은 평평한 지역에서 상업적으로 생산 된 페인트 튜브에서 종종 혼합되지 않고 적용되며 자발성과 실행의 조잡함 및 표면 디자인의 대담한 감각으로 특징 지어졌습니다. 20 세기 미술에서 전위 예술 운동의 연속 중 첫 번째 작품은 표현주의, 오르피즘 및 추상 미술의 발전과 같은 근대 및 추세에 영향을 미쳤다.

성격 묘사
네덜란드의 독단자 Kees van Dongen을 포함한 3 개의 주요 그룹은 Fauvism이라는 용어의 형성에 기여합니다.

구스타브 모로 (Gustave Moreau), 앙리 마티스 (Henri Matisse), 알버트 마레 (Albert Marquet), 찰스 카모 인 (Charles Camoin), 앙리 마구인 (Henri Manguin), 장 퓌이 (Jean Puy)
Chatou : André Derain과 Maurice de Vlaminck의 그룹.
Le Havre의 인상파 출신 인 Othon Friesz, Raoul Dufy 및 Georges Braque의 개조 된 트리오.
화가들은 ​​과거와 헤어졌 으면하고, 특히 인상주의와 리얼리즘을 원했고, 역할 모델에 의존하지 않기를 원했습니다. 그들은 더 많은 시간 동안 인상파의 그림을 식물에 흘끗 보지 않으려 고 노력했다 (Durée to lend).

주제 프리젠 테이션에서 기본적인 목표가 개발되었습니다. 조각품에서 빛과 인테리어 디자인은 색상 때문에 동일합니다. 공간 현상은 chiaroscuro의 모델링과 환상없이 순수한 표면으로 취급됩니다. 공간 착시의 장소는 감각과 환상에 의해 창조 된 시적 공간으로 대체된다. 이 공간은 순수하고 고르게 채워진 색상의 상호 작용을 통해 시각적으로 표현됩니다. Fauves는 그림에서 문학 참고를 거절했다.

작품의 표현 (불어 : 표현)은 이미지의 색깔이있는 표면에 있으며, 전체적으로 관찰자가 포착합니다. 색상의 가장 높은 증가는 Fauvism을 특징 짓기에 충분하지 않습니다. Matisse는 “이것은 외장일뿐입니다.”Fauvism은 색상의 광채를 제외하고는 모조 색상을 거부하고 훨씬 더 강한 효과를 만들어 냈기 때문에 발생합니다. ” 포위 비즘은 또한 화가들이 질서 정연한 구성을 통해 그림의 내부 내용과 표현 사이의 일치를 추구한다는 점에서 전형적이다. 여기에 사용 된 회화 적 수단의 단순함은 명확한주의를 주었다.

아티스트 및 스타일
Matisse와 Derain 외에도 Albert Marquet, Charles Camoin, Louis Valtat, Jean Puy, Maurice de Vlaminck, Henri Manguin, Raoul Dufy, Othon Friesz, Georges Rouault, Jean Metzinger, Kees van Dongen 및 Georges Braque (이후 피카소의 파트너) 입체파).

포브스의 그림은 겉으로보기에는 야생의 브러쉬 작업과 뚜렷한 색으로 특징 지워지는 반면, 주제는 고도의 단순화와 추상화가 특징이었습니다. Fauvism은 Seurat와 다른 Neo-Impressionist 화가, 특히 Paul Signac의 점묘주의와 융합 된 Van Gogh의 포스트 인상주의의 극단적 발전으로 분류 될 수 있습니다. 다른 주요 영향은 Paul Cézanne와 Paul Gauguin이었습니다. 포화 된 지역, 특히 타히티의 회화에서의 작업은 1905 년 Collioure에서의 Derain의 작업에 강력하게 영향을주었습니다. 1888 년 Gauguin은 Paul Sérusier에게 “이 나무를 어떻게 보았습니까? 그들은 황색이므로 황색을 띠고,이 그림자는 청색을 띠고 순수한 군청색으로 칠해집니다.이 붉은 잎은 주홍을 칠하십시오. ” Fauvism은 순수한 색상과 구속받지 않은 붓놀림을 사용하는 Expressionism과 비교되었습니다. 파브의 일부는 아프리카와 대양 예술을 수집하고 연구하는 최초의 전위 예술가 중 한 명이었으며 다른 형태의 비 서구 및 민속 예술과 함께 개발 큐비즘을 향한 여러 명의 파우브를 이끌었다.

역사적인 통합

사회
1905 년 20 세에서 30 세 사이의 화가들은 1870 년 프랑스가 패배 한 직후에 태어 났으며 파리 코뮌 (Paris Commune) 사건은 대부분 가족 관계에서 온 것입니다. 프랑스는 Dreyfus Affair에 의해 1894 년에 흔들리고 쪼개졌고 많은 항의가있었습니다. 국가 권력, 사법부, 군대, 교회 및 경제 체제에 대한 신뢰는 많은 비평가들을 흔들었다. 따라서 반 사무 (anti-clerical), 반군 사주의 (antimilitarist), 반 헌법 (anti-conformist), 무정부주의 경향조차도 전면에 올랐다.

1900 년에서 1905 년까지의 무정부주의는 프랑스에서 활발하고 폭력적인 운동이 아니었지만 카페 무정부주의였다. 파브족은 어떤 의미에서 무정부주의자에게 다가 갔다. 그래서 인정받은 부르주아 예술에 맞서 싸우는 것은 또한 확립 된 질서와의 투쟁을 가져왔다. 그러나 드라 인은 벌써 1905 년 블라민 크에게 편지를 보냈다. “나는 다시 아나키스트를 만났다. 어디든지 가면 나는 매일 밤 세상을 파괴하고 아침에 다시 돌려 놓는 아나키스트 무리가있다. 특히 나는 나 자신이 하나라고 믿었던 생각이다. ”

파리의 1900 년 세계 박람회는 유럽의 산업 사회와 새로 발견 된 극동, 아프리카 및 오세아니아의 문화 사이에 존재하는 격차를 강조했습니다. 이런 식으로 먼 문화의 예술 작품이 프랑스의 수도에 도착하여 파우 브의 주목을 끌었습니다.

철학 및 문학
포브스의 정신은 안드레 길드의 생각과 유사합니다. Gide는 1897 년 Les nourritures terrestres에서 개인이 펼치는 열렬한 열정의 삶에 대한 찬사를 찬양합니다. 상징주의에 대한 불만에서 서면으로 예술을 새롭게하고 싶어하는 문학적 태도 Gides는 Fauves의 반응에 부합했다. 그리하여 그들은 공적인 예술의 비생산 성과 회화를 잃어 버리는 회화에서의 상징주의의 과잉에 반대했다.

1920 년 1 월과 2 월, Mercure de France 지에는 Jules de Gaultier의 기사가 실 렸습니다. Jules de Gaultier는 니체의 철학에 대한 반 합리주의적이고 개인주의적인 토대와 이렇게 말한 Zarathustra에서 서정적 인 열정을 강조했습니다. 니체의 생각의 또 다른 측면은 Dionysian 대 Christianity의 방어였다. 이 태도는 니체를 파비 사람들이 선호하는 지중해 국가의 철학자 인 메디 테라 네스주의 선지자로 만들었습니다. 그 당시 니체의 즐거운 개인주의는 삶의 영광과 비관주의와 지느러미의 과잉에 대한 반응으로 인식되었습니다. Jules de Gaultier가 말하는 Spokes Zarathustra는 Fauvism의 선언문의 일부가 될 수 있습니다. “이것은 즐거움, 새로운 식욕, 색을보고, 소리를 듣고, 이전과 같이 느끼는 새로운 선물입니다. 느꼈다. ”

그림
파리의 20 세기 초 젊은 화가들은 많은 영향과 역류의 영향을 받았다. 그 당시의 대중적인 예술은 Bouguereau의 학문적 “시적 리얼리즘”과 아르누보와 같은 환상적인 발현이 혼합 된 것입니다. 공식 학원 스타일은 신고전주의와 사실주의의 마지막 단계를 제시했습니다. 이 인기있는 그림과의 대조는 이미 전통이 된 프랑스 미술 문화의 중요한 부분 인 아방가르드였다. 그녀의 두 가지 주요 흐름은 인상주의와 신 인상파 (→ 분열론 참조), 상징주의, 클로 위슨주의, 합성주의, 예술가의 나비 (Nabis) 그룹, 반 고흐 (Van Gogh), 고갱 (Gauguin)과 세잔 (Cézanne)의 작품이었다. 그들의 공통 관심사는 인상주의에 의해 만들어진 용해 이미지 인상을 통합하는 것이 었습니다. 비 환상적 이미지의 단일성은 전위의 의지를 지배했다.

선도적 인 마음의 작품들은 젊은 화가들에게 참고와 대결의 포인트를 형성했습니다. 그들의 작품에서, 그들은 예를 들어 반 고흐 (Van Gogh)와 고갱 (Gauguin)에서 색의 표면 처리가 인상파가되어 인상파 작품의 소실에 반대한다고 인정했다. Divisionists 들어, 그것은 관상의 흐름을 탈출하고 싶었던 도움과 함께, 보는 사람의 눈에 혼합 색상을 기반으로 Chevreul의 색상 논리 및 색 이론이었습니다. 운동의 이론가이자 연속체 인 Signac은 1898 년 5 월부터 7 월까지 Revue Blanche에서 그의 놀라운 교리의 모든 장을 출판했습니다. Eugène Delacroix부터 Neo-Impressionism까지. 그러나 지배적 인 영향력은 세잔 (Cézanne)이었으며, 순수한 색상의 관점에서는 적지 만 구현의 이미지와 에너지 구조의 예로서 그러하다.

개발
모로, 선생님
일부 Fauves가 나중에 경건과 감사로 이야기 한 선생님은 Gustave Moreau였습니다. 모로 (Moreau)는 1891 년부터 1898 년까지 École des Beaux-Arts에서 가르쳤습니다. 그는 아침 내내 학생들과 이야기하면서 루브르 박물관으로 몇 번이고 안내했습니다. 앙드레 수아레스 (André Suarès)는 “그는 자신에게 반대하는 것을 이해할 수있는 장점이 있었으며, 그를 격퇴하는 데 가장 폭력적이었을 것”이라고 말했다. 그는 로저 마르크 (Roger Marx)가 4 월 25 일의 백과 사전 (encyclopédique) , 1896 : “개성을 발전시키고 자하는 모든 사람들이 모로 (Moreau) 주변에 모여 들었다.”모로 (Moreau)라는 유명 인사이되었다. “나는 다리가 될 것이다.

1951 년 테리 어드 (Tériade)가 녹음 한 마티스 (Mattisse)의 노트에서 그는 모로 (Moreau) 선생님에 대해 이렇게 말했다. “내 선생님 인 구스타브 모로 (Gustave Moreau)는 스타일의 매너리즘이 일정 시간 후에 그를 반대하며, 실패 할만큼 강해야한다. 그래서 나는 겉으로보기에 놀라운 기술을 모두 염두에두고있다. ”

마티스 1898-1905
Fauvism의 발전을 위해 Matisse의 경력은 결정적이었습니다. 그는 약 1897 년에 피사로 (Pissarro)를 방문하기 시작했으나, 확실히 모로 (Moreau)가 죽은 후 1898 년에 모로 (The Moreau)가 사망 한 이후로 코사인의 도덕적 양심과 예술적 지도자였습니다. . 그는 또한 마티스의 시작에 열려 있었고 잊을 수없는 조언을주었습니다. 마티스 (Matisse)는 그림의 제작을 시작하여 색상 발발의 시작이 1,901 번째까지 표현되고 증가되었습니다

1935 년에 모더니즘과 전통에 관한 그의 논문에서 마티스는 다음과 같이 말했다. “나는 그림을 그리기 시작했을 때 전임자와 모순되지 않았으며 우리는 조심스럽고 점진적으로 표현했다. 인상주의 자들은 인정받은 지도자 였고 인상파 후자는 그들의 발자취. 나는 그것을하지 않았다. ”

1898 년의 코르시카 인 체류는 첫 번째 포비 스트 단계를 나타냅니다. 마티스는 1900 년부터 1903 년까지 양식의 구조를 연구했습니다.이 작품을 통해 그는 한편으로는 대상의 본질을 표현하는 그림 (le-dining이라고 부르는 것)과 다른 한편으로 표현하는 그림을 의미했습니다 그가 dessin d’ aplomb라고 부르는 대상의 안정성. Neoimpressionism에 대한 더 자세한 논의에 따르면 Matisse는 공간을 절약하기 위해 윤곽선 수호자의 색에 도달했으며 색 영역과 대조되는 단순한 색 영역을 읽을 수있는 관계를 설명했습니다.

1904 년 Salon d’ Automne에서 전시 된 Vue de Saint-Tropez (Saint-Tropez의 전망) 이미지와 함께 그는 Fauvism을 시작했습니다. 그것은 Derain이 1904 년 말과 1905 년 초에 그렸던 2 ~ 3 가지 작품에 해당합니다. Fauves의 막내 인 Derain의 초기 성숙은 피카소가 망설임없이 Fauvism의 친자 관계를 부여한 데서 굉장히 인상적이었습니다.

그의 분단 구성 Luxe, calme et volupté (1904-1905)에서 마티스는 그림의 “선형, 조각 소성”과 “색의 가소성”사이의 모순을 발견했다. 회화 적 성명은 공간의 비 환상적, 소성 정의보다는 순수한 색으로 표현됩니다.

1904 년 Herbstsalon의 마티스 (Matisse)가 보여준 작품은 이전에 인상파에 그려진 프리츠 (Friesz)에게 영감을 불어 넣었습니다.

마티스가 1905 년 Salon des Independants Luxe, calme et volupté에서 전시 할 때 Dufy는 방향을 바 꾸었습니다. Le Havre, Friesz, Dufy의 두 화가는 초기 인상주의를 포기하고 마티스를 따랐다. Dufy는 다음과 같이 말했습니다 : “이 작업을하기 전에 새로운 그림의 정당성을 이해했으며, 인상파의 사실주의는이 기적에 직면하여 나에게 호소력을 상실하여 그림과 색상을 순수하게 상상력을 자극했다.”

Chatou 학교 1901 년부터
그것은 인상파의 이전 놀이터 인 Chatou the Argenteuil을 Fauvism이라고합니다. 이 작은 교외 지역에서는 운동의 세 개척자, Matisse, Derain 및 Vlaminck, Chatou에 거주하는 후자의 연결이 이루어졌습니다.

1901 년, 알렉상드르 베른 하임 갤러리 (Bernheim-Jeune)의 반 고흐 (Van Gogh) 기념전을 방문했을 때, 루브르 박물관에서 고전 작품을 모방하면서 만났던 Derain Matisse는 그의 친구 Vlaminck을 소개했습니다. 이 흔히 언급 된 역사적인 만남은 결코 Fauvism의 탄생을 의미하지 않지만, 그것은 가장 중요한 배아 세포 중 하나입니다. 때로는 Chatou의 학교도 있습니다. 그래서 마티스는 이렇게 기억했다. “솔직히, 드라 인과 블라민크의 그림은 저를 놀라게하지 않았습니다. 그것은 제 자신의 시도와 비슷했기 때문입니다.”

마티스 (Matisse)와 블라민크 (Vlaminck)의 태도는 포이 비즘 (Fauvism)의 두 극에 맞 섰다. 한편으로는 그의 힘과 단합을 이끌어 냈지만, 한편으로는 이질적인 구조를 유지했다. 마티스는 본능에 반하는 것이 중요하다고 주장했다. 반면에 블라민 크는 스타일을 생각하지 않고 그의 모든 감각으로 페인트하기 위해 노력했습니다. 마티스는 고전적인 유산을 물려 받았고 결코 다른 사람들의 영향을 부정하지 않았습니다. 작가의 성격은 상반된 생각과 그것들에 대한 정직한 승리에 대한 투쟁에 의해서만 그에게 확증되었다. 반면에, Vlaminck에게 그림은 미적인 경험이 아니었지만, 주스의 발효는 “진정, 농양”이었습니다. 그는 선두 주자의 모든 영향을 거부했다. 예를 들어, Vlaminck의 Restaurant de La Machine à Bougival은 기본 색상 인 노란색, 빨간색 및 파란색에 대한 선호도를 보여줍니다.

Derain과 함께, 두 가지 상반된 본성 사이의 연결 고리로서, Fauvism의 기본적인 삼위 일체가 형성되었습니다. 1904 년 가을, 1901 년부터 군 복무를 해오 던 Derain은 군대 생활에서 돌아 왔습니다. 이것은 “다이너마이트 카트리지”라는 색을 사용하여 마티스 (Matisse)와 카투 (Chatou)의 복원 된 극단을 교환했습니다.

이시기 (1904)에 Derain의 작품은 부분적으로 반 고흐 (Van Gogh)와 네오 인상파 (Neo-Impressionists)의 영향으로 만들어졌다. 그러나 Boud de rivière, Chatou (Riverside, Chatou)는 현실의 묘사가 아닌 형태의 종합 검색을 이미 보여 주지만 그녀와 동등한 그림 세계를 만들어야합니다. La Seine au Pecq (1904)에서는 이제는 Fauvist 열망에 분명하게 직면 해있는 그림 스타일을 가리키고 있습니다.

Collioure 1905 년에 Fauvism의 탄생
Matisse와 Derain은 1905 년 여름을 Collioure에서 함께 보냈습니다. Céret이 Salmons의 말에 이어 “입체파의 메카”였다면 Fauvism은 Collioure에서 태어났다. 포스트 인상주의에서 가을 살롱 스캔들을 일으킬 새로운 종류로의 전환이 있었다.

Collioure의 첫 작품은 여전히 ​​부문 별 고려 사항이었습니다. 가까운 Corneilla-de-Conflent에는 고갱이의 작품과의 만남이있었습니다. 두 화가는 고갱이의 가장 충실한 친구 다니엘 드 몬 프리드 (Daniel de Monfried), 오세아니아에서 아직 알려지지 않은 작품을 보았다. 그 (것)들에서, 그들은 “주관적인 색깔”에 그들의 경로의 확인을 인식했다 (→ 현지 색깔의 “객관적인”대표의 착색 해결). 고갱의 작업에서 평면 컬러가 기본 아이디어입니다. 그것은 빛을 “강하게 착색 된 표면의 일치”에 종속시킴으로써 “빛 속의 국부적 색의 분산”을 극복합니다. 이 시점에서, 마티스는 고갱이가 그의 작품에서와 같이 색으로는 공간의 구성이 부족한 것처럼, 포이 블즈 중 하나로 간주 될 수 없다고 강조했다. Gauguin 역할은 선구자로서 다른 한편으로는 그 후계자에게 도달 한 청소라고도 볼 수 있습니다.

이제 마티스와 드라 인에 의해 개발 된 예술가와 자연 사이의 관계와 완전히 모순이되었으므로 분단 주의적 관점은 완전히 의문의 여지가있다. 후에 마티스는 분열주의를 엄격하게 평가했으며 피사로 (Pissarro)가 보았 듯이 “색깔을 짓기에는 너무 형식적인 교리”의 한계와 불임을 평가했다. 그의 견해로 볼 때, 디바이스트 스타일의 회화 스타일은 단순한 “망막의 인상”에 기반을두고 있으며 색상의 “순전히 물리적 인 순서”만을 겨냥합니다. Paul Signactook Matisse는 신 인상파를 매우 개인적으로 거부했습니다. 드라 인은 또한 1905 년 7 월 28 일자로 빛의 새로운 개념에 대해 블라민 크 (Vlaminck)에게 말했다 : “색조의 구분이 수반하는 모든 것을 근절해야한다”고 조심스럽게 조화를 해치는 것들에 해를 끼친다. 근본적으로 당신이 절대자의 가장자리로 밀어 부치 자마자 파괴되는 세계. ”

이제 Collioure의 마지막 작품은 Fauvism의 본질을 결정하는 과장법을 보여줍니다. 전환으로, 분열과 평면 색의 새로운 혼합이 나타났습니다. 이 붓꽃은 라티에 (La sieste) [마티스 (Matisse)의 그림 4]와 드라 인 (Derain의 Bateaux de pêche à Collioure)과 같이 밝고 수채화 같은 얇고 유동적입니다. 그녀의 그림에서, 공간, 질량 및 물질의 환영은 이제 완전히 제거되었습니다. 또 다른 예가 Matisse의 Collioure Open Window입니다.

Collioure의 작품에서, 전경에 따뜻한 색조를 사용하고 푸르스름한 거리를 식히고 인상파가 극복하려고 시도했던 오래된 그림 같은 색채의 모든 흔적이 사라집니다. 어떤 윤곽선도없이 빛나는 색상으로 서로 옆에 배치 된 색상은 카펫과 같은 표면을 형성하고 마티스가 “영적 공간”이라고 불렀던 순수한 조화를 만듭니다. 여기서 빛의 의미는 대상을 모델링하는 현실의 요소로 축소됩니다. 빛의 공간은 예술가의 감정에 의해 만들어지는 색 공간으로 대체되며, 형식의 기술적 재현 대신 Fauve는 Maurice Denis가 “사진의 누 메인 (noumen of the pictures)”이라고 부르는 것과 현재의 징조라고 부를 수있는 것을 설정합니다.

마티스는 파리로 돌아와 며칠 동안 La femme au chapeau (모자에 걸린 여성)에게 그림을 그렸습니다. 그림과 원주 사이에는 계층이 없으며 모든 것이 중요하고 동등하며 세잔의 수채화 모델에 따라 일련의 색상 표면에 의해 전체 리듬에 삽입됩니다.

오늘날, Collioure에있는 Chemin du Fauvisme은 거기에서 Fauvism의 출현을 기념합니다 : Matisse와 Derain의 이젤이 서있는 20 개 장소에서 결과적인 그림의 복제물이 적합합니다.

클라이 막스 앤드 엔드

파브의 그룹
포브스 그룹은 우호 관계로 발전했습니다. Fauvist 년 동안 그들은 쌍으로 여행하여 Chatou의 Vlaminck과 Derain, 파리의 Matisse와 Marquet, Sainte-Adresse의 Marquet과 Dufy, Trouville과 Le Havre, Friesz and Braque in Antwerp, Dufy와 Friesz in Falaize 그리고 Le Havre, Matisse 및 Derain in Collioure, Dufy 및 Braque in L’ Estaque.

그녀가 한 모든 것은 색채에 대한 열렬한 헌신과 그것을 가져 오는 특정 수단의 사용이었습니다. 그들 각각은 “색”이라고 말했고 모두가 다른 것을 의미했습니다. 반면에, 세잔의 일에 대한 심각한 위기 상황에서 도움을 구하는 것은 모두에게 공통적 인 일입니다. Fauvism은 프로그램 적 인상주의 나 신 인상주의와 같은 통일 된 방법을 가지고 있지 않다.

Dufys와 Matisse 및 Derain의 이미지를 비교하면 그 반대가됩니다. Dufy에서 형식과 선은 점차 서로 독립적입니다. 그의 작품은 시각적으로 자신의 색상 필드를 고정을위한 Derain에 의해 추구 된 대량 효과뿐만 아니라 라인으로 최대한 형태를 뻗어 마티스에 또한 있습니다. 예를 들어 Dufy의 작품은 1906 년부터 Marquet의 작품에 더 가까운 Les affiches à Trouville 지향 (Trouville의 포스터)입니다. 입체주의가 전면에 올 때, Dufy는 일시적으로 그의 포부에 집중했다.

“벨벳 발에 관한 화폭 주의자”Marquet는 나중에 1905 년의 유명한 “새장”(Room VII)에서 그의 존재가 그림 같은 근거에 감사 할 것이 많다고 말했다. 그가 전시 한 다섯 가지 풍경은 파리의 회색 하늘 아래 그렸습니다. 반 고흐 (Van Gogh)와 인상파 (Impressionists)보다 더 중요한 것은 그에게 결정적인 영향을 미치는 것은 마네 (Manet)였다. Lequet Saint-Michel [그림 5]와 같은 Marquet의 파리 전망은 Fauvism에게 특별한 메모를 추가합니다.

하이 포인트 1906
1906 년 Braque와 외국에 대한 영향을 연결하여 Fauvism의 승리와 확산을 장식했다. 1906 년의 허스트 슈 탈론 (Herbstsalon)은 그들의 가장 중요한 발전에서 파브의 완전한 그룹을 모았고, 그들의 본질적 원리를 드러냈다.

런던에서 드린의 그림은 파비 스무에서 가장 성공적인 작품 중 일부입니다. 영국의 수도에서의 체류는 Vollard에 의해 영감을 받았는데, Vollard는 1905 년 가을 살롱의 일로 인상 깊은 Monets가 다른 정신으로 새롭게 변한 것을보고 싶어했습니다. 작품은 두 가지 명확한 구분이 가능한 방향으로 만들어졌습니다 : 유색 인종의 병치 (juxtaposition)에서. Charing Cross [그림 8]의 다리는 첫 번째 방향의 예입니다. Derain이 Herbstsalon 1906에 대한 런던의 그림 전체에서 선택한 Westminster Bridge는 그 당시의 결과를 요약합니다. 이 그림에서 로트렉과 고갱의 새롭고 정교한 종합이 일어난다.

1907 년 말
1907 년부터 피카소와 브라 케 큐 비즘 (Braque cubism)에 의해 시작된 추진력에 힘 입어 운동의 단합이 해체되었다. 마티스와 드라 인의 출현은 영향을받지 않았다. 두 반대 운동이 연대에 있다는 사실은 브라보에서 볼 수있다. 브라케 (Braque)는 계속해서 그리고 예약없이, 포비스트 (Fauvist)와 큐 비스트 (Cubist)를 그린다.

Braf는 1908 년 여름 Dufy를 공유 한 L’ Estaque에서 3 번째로 머물렀다. Braque는 Fauvist 범위를 포기했다. 그는 L’ Estaque에있는 주택과 같은 풍경을 지 었으며 Louis Vauxcelles에 “큐브”에 대해 말하게 한 측면면에서 회색, 황토색, 초록색의 차분한 크기로 계속 살아납니다.

운동의 붕괴 이후, 드린도 1907 년부터 입체주의로 바뀌었기 때문에 마티스는 국제적인 중요성을 얻었다. 그의 영향은 주로 독일과 북유럽 국가에서 효과적이었다. 그리하여 1909 년 1908 년 12 월 Grand Revue에서 출판 된 그의 책 Notes of a Painter는 독일 잡지 Kunst und Künstler에 출판되었습니다. 이 에세이는 나중에 포브스 운동에 대해 프로그램 적으로 중요합니다.

수신

첫 반응
Vauxcelles 지명 Fauves는 경청자 경멸에 의해 받았다. Vauxcelles 그 자신은 운동에 반대하지 않았다. 피가로 비평가 카미유 모 클레어 (Camille Mauclair)는 1905 년 존 러스킨 (John Ruskin)의 말과 대조를 이뤘다. “페인트 통이 청중의 머리 위로 쏟아졌다!” 저널 드 RouenOne에서 특정 Nicolle에 의해 기사에서 읽을 수있다 : “우리가 보여주는 것은 – 사용되는 재료를 제외하고 – 그림과 관련 없음 : 파란색, 빨간색, 노란색, 녹색, 모든 밝은 색 얼룩 주어진 색상 상자를 즐기는 어린이의 무작위 – 순진하고 순진한 장난기에 함께 합친 것 “이라고 말했다.

그러나 관객을 일반적으로 “혼합”이라고 부르는 것은 너무 자비 롭다. 많은 방문객들이 화가났다. 심지어 마티스의 그림 인 라 펨므 오 샤파 우를 파괴하려는 시도가있었습니다.

미술사 분류
색상은 수세기 동안 도면의 보완 부분이었습니다. Raphael, Mantegna 및 Diirer는 르네상스 시대의 거의 모든 화가와 마찬가지로 주로 그림을 통해 그림을 작성한 다음 현지 색상을 추가했습니다. 델라 크로이 (Delacroix)에서 인상파 (Impressionists)에 이르기까지 반 고흐 (Van Gogh)와 세잔 (Cézanne)은 단호한 자극과 컬러 매스를 선보였습니다.

1885 년과 1900 년 사이에 심볼 앤 아르누보 (Art Nouveau) 요소와 혼합 된 최초의 표현주의 물결이 인상주의와 세잔 (Cézanne)과 쥐라 (Seurat)의 객관적 의지에 대한 반응으로 이미 나타났습니다. 그들의 대표자는 반 고흐, 고갱, 로트렉, 엔 소르, 뭉크 그리고 호들러였다. 예술가들의 내적 공포는 색상의 증가뿐만 아니라 표현적인 형태와 긴장된 선에 중점을 두어 자유 로워졌습니다. 첫 번째 표현파보다 훨씬 강력한 두 번째 표현주의 파는 Rouault의 기여, 피카소의 초기 작업, Fauvism의 일반적 작업, DresdenersBridge의 기초를 지닌 독일에서 이미 분명했다.

Fauvism의 수명은 짧았지 만 유럽의 회화에 대한 Fauvism의 기여도는 짧은 기간에 의존하지 않았습니다. 서양화의 역사에서 처음으로 fauvism은 디자인의 중심에 파손되지 않은 색상의 색상을 배치했습니다. 결과적으로 색상의 가능성뿐만 아니라 한계도 나타났습니다. 가장 강한 색상 효과는 가장 다채로운 색상이 아닌 가장 풍부한 색상의 비전으로 만들어집니다. Fauvist 작품은 색상이 애니메이션 색상과 아무 관련이없는 방식으로 설명합니다.

Fauvists는 예술이 그들의 부정과 그들의 아름다운면을 받아 들인 사회를 변화 시키길 기대하지 않았다. 다다 이스트가 요구 한대로 회화가 파괴 될 것이라고 그들은 믿지 않았다. 반대로, 그들은 그림이 더 발전되어야한다는 것을 발견했다.

독일 표현주의에 대한 입장
1900 년과 1910 년 사이에 유럽 회화의 전반적인 경향에서 예술 비평의 경향은 Fauvism과 Dresden Bridge의 움직임을 표현주의와 연관시키는 것이다. 또한 Fauvism과 Bridge의 차이점은 민족주의, 인종 차별적 인 고려와 경쟁력에 기반을두고 있다고 주장하는 의견이 있습니다.

그러나 다리의 초기에는 생명과 예술에 대한 각각의 개념에서와 같이 fauvism과의 차이가 이미 나타났다. 북유럽 예술의 영향을받은 화가들은 강박 관념, 무의식적 인 충동, 꿈, 악몽 등 옛 북유럽 주제에서 영감을 받았다. 그들은 또한 Kierkegaard를 근원으로 삼았고 두려움에 대한 개념으로 인간의 기본 성질을 보았을뿐 아니라 그를 위해 또한 모든 자연을 만들어 냈습니다. 그들은 뭉크 (Munch)의 작품에 의해 그림의 분야에 영향을 받았는데, 이것은 첸 (Cézanne)의 그림과는 정반대입니다.

포브스의 경우 색이 망막에 영향을줍니다. Newton과 Chevreul의 아들로서 그녀는 태양 스펙트럼에 관심이있었습니다. 반면 표현주의 자에게는 색이 상징적이며 신화 적이기 때문에 영혼에 영향을 미친다. 괴테의 색채 및 형이상학 이론에 대한 개념에 대한 평가를 받아야합니다. 따라서 독일 표현주의는 사회적 위기와 정신적 무력감에 특히 주목을 받았다. 표현주의에서, 색 구성표는 억제되지 않고 길들이지 않은 것처럼 보인 반면, 포비 즘은 색의 지배하에있었습니다.

효과와 영향
프랑스에서는 Fauvism이 1907 년경 입체파로 대체되었습니다. 독일에서는 표현주의 화가, 특히 Fauves의 영감을받은 Blaue Reiter의 멤버였습니다. Kandinsky와 Jawlensky는 1905 년의 역사적인 가을 살롱에서 잘 표현되었지만 “야만인의 새장”이 아니라 Diaghilev가 주최 한 러시아 섹션에서 잘 표현되었습니다. 마티스 (Matisse)의 영향을 받아 칸딘스키 (Kandinsky)와 줄렌 스키 (Jawlensky)의 사기극 (fauvistic phase)이 일어났다. 따라서, 칸딘스키의 작품에서, 약간의 지연과 함께, 파비 샴의 발달 단계가 반복되는 기간이 관찰된다. 마티스가 1908 년 뮌헨을 방문한 후, 칸딘스키는 1909 년에 “Neue Künstlervereinigung München”(NKVM)을 설립했습니다.이 방문은 1910 년에 반복되었습니다.

마티스는 1908/09 겨울 베를린에서 카시 레르 (Cassirer)와 함께 전시했으며 독일에서는 1908 년에서 1910 년 사이에 세 번이나 전시되었습니다. Matisse와 Fauvism의 예에 의해 촉진 된 Dresden 교량의 스타일은 더욱 강해졌습니다.

마티스의 작품은 그가 형성 한 대립성의 입체파에 대한 균형을 나타냈다. 1908 년에 마티스는 사립 학교 인 Académie Matisse를 설립했습니다. 그곳에서 그는 1908 년 1 월부터 1911 년까지 가르쳤고 마침내 국내외에서 100 명의 학생들을 받았다.

1909 년 밴 동엔 (Van Dongen)은 드레 스너 (Dresdner) 아티스트 그룹 Brücke의 멤버가되었습니다. 최대 Pechstein는 1907/1908 년의 회전의 주위에 파리에있는 van Dongen를 만났고 그가 드레스덴에있는 1908 년에 Brücke 화가의 전람에있는 그의 fauvist 일을 선물하는 격려했다.

또한 파브의 예술은 카시미르 말레 비치 (Kasimir Malevich)와 나탈리아 곤차 로바 (Natalia Goncharova)와 같은 러시아 전위 예술가들에게 영향을 미쳤다. 그들은 또한 일부 네덜란드 예술가들에게 영향을 주 었으며 아마도 이탈리아의 미래파 움베르토 보치 오니 (Umberto Boccioni)에게도 영향을 미쳤을 것입니다. Pierre Bonnard, Fernand Léger, Robert Delaunay, František Kupka, Roger de La Fresnaye와 같은 화가에게는 색이 예술 표현의 가장 중요한 수단이되었습니다.

프랑스 문화원이 인스부르크에서 영향을 받아 프랑스 예술가들의 전시회와 문화 교류를 촉진하고 프랑스에서의 체류를 위해 Fauvism은 1945 년 이후 티롤로 와서 회화에서 큰 후유증을 낳았습니다. Fritz Berger, Gerhild Diesner, Walter Honeder, Emmerich Kerle 또는 Hilde Nöbl과 같은 아티스트는 Fauvists의 명확한 차입금을 업무에 사용했습니다.

Fauvism은 때때로 추상적 인 회화의 선구자로 여겨진다. 그러나 포브스는 대상과의 관계를 완전히 포기하는 마지막 단계를 완료하지 못했다. 마티스와 도란이 강조했듯이 추상화는 모방 된 것이기 때문이다.