초기 피렌체 르네상스

르네상스는 공식적으로 피렌체에서 태어났습니다. 피렌체는 종종 요람이라고합니다. 이 새로운 비 유적 언어는 인간과 세계에 대한 다른 사고 방식과도 관련이 있으며 프란체스코 페트라 카 (Francesco Petrarca) 또는 살 루타 티 (Saluutati)와 같은 사람들에 의해 이미 전면에 드러난 지역 문화와 휴머니즘으로 시작되었습니다. Filippo Brunelleschi, Donatello, Masaccio와 같은 주인에 의해 15 세기 초에 제안 된 뉴스는 클라이언트에 의해 즉시 받아 들여지지 않았으며 실제로 지배적 인 상황에 직면하여 적어도 20 년 동안 소수로 남아 있었고 예술적 사실을 오해했습니다 국제 고딕.

나중에 르네상스는 가장 높이 평가 된 비 유적 언어가되었고, 예술가들의 움직임 덕분에 다른 이탈리아 법원 (로마의 첫 번째 로마 교황청)과 유럽에 전달되기 시작했다.

피렌체 르네상스의 순환은 15 세기 초반부터 시작되어 기술적 인 실질적인 접근에 기반한 실험으로 세기의 중반까지 열정을 보급했다. 두번째 단계는 1492 년에 그의 죽음까지 대략 1450 년에서 Magnificent Lorenzo의 시간에 일어나고, 정복의 지식주의적인 배열이 특징이었다. 세 번째 단계는 Girolamo Savonarola의 성격에 의해 지배됩니다. Girolamo Savonarola는 많은 예술가들이 자신의 선택을 재고하도록 설득력있게 표시합니다. 마지막 단계는 1490 년에서 1520 년 사이의 “성숙한”르네상스 라 불리우며, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti 및 Raffaello Sanzio와 같은 세 세대의 예술에 절대적으로 영향을 미치는 3 가지 절대 유전자를 피렌체에서 볼 수 있습니다.

풍모
적어도 세 가지가 새로운 스타일의 핵심 요소였습니다.

공간을 함께 조직 한 선형 중심 관점의 규칙을 공식화한다.
심리학과 해부학과 감정 표현에서 사람으로서의 인간에 대한 관심

장식 요소를 거부하고 본질로 돌아갑니다.

이 중 가장 큰 특징은 확실하게 Filippo Brunelleschi가 세기 초에 개발 한 수학적 기하학적이고 측정 가능한 방법에 따라 구축 된 선형 중심의 관점이었습니다. 특정한 세련미에 대한 기하학적 지식을 필요로하지 않는 적용의 용이성은 특정한 탄력성을 지닌 상점에서 항상 정통적인 방식으로 채택되지 않았던이 방법의 성공에있어 핵심 요소 중 하나였습니다.

선형 중심의 관점은 현실을 표현하는 한 가지 방법 일 뿐이지 만, 그 특성은 르네상스 인물의 사고 방식과 특히 일치한다. 왜냐하면 그것은 예술가들에 의해 정해진 기준에 따라 합리적으로 공간의 순서를 낳기 때문이다. 한편으로 수학적 규칙의 존재가 관점을 객관적인 문제로 만든다면, 다른 한편으로는 이러한 규칙이 소실점의 위치, 관찰자로부터의 거리, 높이와 같은 완벽하게 주관적인 성격을 가졌음을 결정한 선택 수평선의. 궁극적으로, 르네상스의 관점은 오늘날 큐비즘과 같은 19 세기의 운동이 단지 환상 일 뿐인 것처럼 보이더라도 자연스럽게 나타나기 위해 뿌리깊은 대표적인 대회 일뿐입니다.

개척자 (1401)
이미 피렌체의 로마네스크 양식은 San Giovanni (아마도 X 세기 -XIII 세기) 또는 San Miniato Al Monte (1013 년에서 XIII 세기)의 세례당 에서처럼 고대 작품을 회상 한 고요한 기하학적 조화가 특징이었습니다. 14 세기 말, 고딕 시대에 Loggia della Signoria 또는 Loggia del Bigallo와 같은 둥근 아치가있는 건물이 지어졌습니다. 회화 에서조차, 도시는 고딕 양식의 영향을 거의받지 않고 남아있었습니다. 예를 들어 인근의 시에나에서 잘 발달되었습니다. Giottohe는 세기의 끝까지 그의 수많은 추종자에 의해 거의 진화와 함께 유지되지 않은 14 세 세기의 시작 부분에 합성과 기념비적 인 스타일을 설정했다.

15 세기의 새벽에 유럽과 이탈리아의 일부가 국제적인 고딕 스타일에 의해 지배되었지만 피렌체에서는 두 가지 가능한 반대 흐름에 초점을 맞춘 예술적 논쟁이있었습니다. 그리고 고딕 양식의 선조들은 현지 전통에 의해 걸러졌지만 고대 로마인들의 방식을보다 엄격하게 회복하여 로마의 로마 기원과의 연결을 보완했다.

이 두 가지 경향은 고딕 양식의 나선과 장신구 옆에있는 자갈 (jambs)에서 고대에 따라 단단히 모형화 된 이식편을 볼 수있는 Porta della Mandorla (1391 년)의 마당에서 이미 볼 수 있습니다. 무엇보다도 세례당의 북문 실현을 위탁 할 예술가를 선택하기 위해 칼리 마 예술 (Art of Calimala)에 의해 1401 년에 개최 된 경쟁이 두 가지 경향이 명확 해졌습니다. 에세이는 Isaac의 희생과 함께 한 패널 제작과 관련이있었습니다. 경쟁에서 Lorenzo Ghiberti와 Filippo Brunelleschi와의 경쟁이있었습니다. 그 중 2 개의 결선 테이블을 받았습니다. Ghiberti 타일에서 수치는 우아하고 구성된 헬레니즘 스타일에 따라 모델링되었지만 관여가없는 표현이 비어 있습니다. 대신 브루넬레스키, 지오바니 피사노 (Giovanni Pisano)의 예전뿐만 아니라 교훈을 언급하면서, 아브라함, 천사, 이삭의 손에 수직선을 엇갈려 표현한 드라마의 초점에 주목하는 피라미드 형의 장면을 만들었습니다 몸이 덜 우아하지만 훨씬 더 파괴적인 표현에 따르면. 경쟁은 기 버티 (Ghiberti)의 좁은 승리로 끝났다.

출생과 발달 (1410-1440)
르네상스의 첫 번째 단계는 15 세기의 30 대 / 40 대 때였 다. 혁신과 새로운 목표가 고립되어 있지 않은 기술적이고 실용적인 접근 방식을 특징으로하는, 종종 열정적 인 실험의 시대였다. 젊은 예술가들에 의해 개발되고 개발되었으며, 다른 유럽 국가에서는 평등하지 못한 특별한 강점을 지니고있다.

새로운 언어를 개발 한 최초의 학문은 영감을 얻을 고대 작품의 더 큰 존재에 의해 부분적으로 촉진 된 조각품이었습니다 : 15 세기의 처음 20 년 동안 도나 텔로는 이미 과거와 비교하여 원래의 언어를 개발했습니다. 필리포 브루넬레스키 (Filippo Brunelleschi)의 인물이 지배적 인 건축물은 (1419 년에 이드로 센테 (Spedale degli Innocenti)와 산 로렌조 (San Lorenzo)의 옛 신자유 공예품의 첫 번째 작품)과 마침내 1422 년에서 1428 년까지 활발한 마사 치오의 화려한 경력에 의해 지배 된 그림이 이어졌다.

최고의 예술적 업적 중 일부는 Brunelleschi와 Donatello의 Crucifixes, Donatello 대성당과 Luca della Robbia의 칸타타스, 루카 델라 랍 비아의 이야기, 비슷한 주제에 직접 대면하기 위해 부름받은 예술가들 사이의 직접적인 대결에서 비롯되었습니다. Masaccio와 Masolino의 Brancacci 채플.

조각

두 개의 십자가
브루넬레스키와 도나 텔로는 처음에는 휴머니즘의 이상과 표현의 새로운 형태 사이의 관계에 대한 문제를 제기했고, 때로는 그 반대 인 다른 스타일을 밀접하게 비교하고 개발 한 두 명의 예술가였다. 브루넬레스키는 약 10 년 이상되었고, 1409 년에 로마에 갔다가 남아있는 고대 작품을보고 연구하여 그러한 창조물을 얻기위한 모든 기술을 재구성하려고 노력한 젊은 동료를위한 지침과 자극제로 사용되었습니다.

그러나 그들의 공통점은 기질과 예술적 결과의 차이를 저해하지 않았습니다. 이 의미에서 전형적인 것은 브나 넬리가 “농부”인 도나 텔로의 그리스도에 대한 비판과 산타 마리아 노벨 라의 십자가에서의 그의 반응에 대한 비판을보고있는 바사리가 말한 생동감있는 일화의 중심에있는 두 개의 나무 십자가의 비교이다 충격받은 동료. 실제로 두 작품은 약 10 년이라는 더 넓은 시간 틀에 조각되어있는 것으로 보이지만 일화는 여전히 웅변 적이다.

Donatello의 십자가는 Ghiberti의 Hellenistic 우아함과 미적 감각을 배제한 고통의 인간 드라마에 중점을 둡니다. 계약 된 기능은 고뇌의 순간을 강조하고 몸은 무겁고 비관적이지만 진동하는 에너지입니다.

더 이상화되고 측정 된 브루넬레스키의 그리스도, 형태의 수학적 완전성은 그 대상의 신성한 완전성을 반영합니다.

비율은 조심스럽게 연구됩니다 (열린 팔은 피규어의 높이를 측정하고, 코 선은 배꼽의 중심을 가리 킵니다). 조토 크 립 픽스 (Giotto Crucifix)의 유형을 다시 고치지 만, 왼쪽에 조금 더 비틀어 더 많은 것을 만듭니다. 특권을 부여한 관점과 그를 둘러싼 “공간을 생성”합니다. 즉, 관찰자를 그림 주위의 반원형 경로로이 끕니다.

Orsanmichele
1406 년에는 피렌체의 예술이 Orsanmichele 교회의 외부 벽감 각각에 보호자 동상을 장식했다고 발표되었습니다. 새로운 조각 작업장은 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)라는 대형 워크샵에 추가되었습니다. 당시 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)는 로렌조 지 베르 티 (Lorenzo Ghiberti)와 비슷한 스타일로 지배되었는데, 고렌의 요소를 고대의 인용문과 제스처의 느슨한 자연 스러움으로 중재했습니다 실험에 온건 한 개방성을 가지고 있습니다. 이 환경에서 도나 텔로 (Donatello)와 그와 함께 Nanni di Banco (Nanni di Banco)도 형성되었으며, 그와 함께 약간 더 젊었습니다. 그와 함께 협업과 우정을 쌓았습니다.

1411 년과 1417 년 사이에 그들은 둘 다 Orsanmichele에서 일했고,이 경우에는 성공적인 작품 들간의 비교가 상호 차이와 친화력을 강조하는 데 도움이 될 수 있습니다. 둘 다 고딕 양식의 스타일을 거부했는데 고대 미술에서 영감을 얻었다. 둘 다 자유롭게 공간에 인물을 배치하고 전통적인 방식을 피하며 인물의 소성 강도와 지형의 렌더링을 증폭시켰다.

그러나 네 명의 왕관을 쓴 성도 (1411 ~ 1414)의 난니 디 방코가 황제 로마 인물의 엄숙한 부동을 인용하면 산 조르지오 (San Giorgio, 1415 ~ 1417)의 도나 텔로 (Donatello in San Giorgio) (1415 ~ 1417)는 절제된 모습을 나타내지 만, 한 순간에서 다음 순간으로 이 효과는 기하학적이고 조밀 한 모양 (나침반에 열린 다리의 삼각형, 방패의 타원과 방어구)을 통해 그림의 구성을 통해 얻어지며, 머리에 가해진 방향으로의 약간의 횡 방향 클릭 몸의 최대 증거, 또한 목의 힘줄의 밑줄, 눈썹을 찌르는 눈과 깊은 눈의 chiaroscuro에 감사드립니다.

장막 바닥에있는 San Giorgio의 구원에서 Donatello는 stiacciato의 첫 번째 사례 중 하나를 조각하고 중앙 선형 관점에서 가장 오래된 표현 중 하나를 만들었습니다. 그러나 Brunelleschi의 이론과는 달리 그는 공간을 연속적으로 그리고 공간적으로 고치는 방법으로 원근법을 원했다. Donatello는 행동의 매듭을 강조하기 위해 주인공 뒤에 소실점을 두어 반대의 효과를 창출했다. 주인공들 자신에 의해 풀렸다.

두오모 (Duomo)의 구 (cantons)
15 세기의 30 년대에 피렌체의 두오모 (Duomo of Florence)에 대한 두 개의 칸토리아 (cantorias)의 실현으로 조각품의 도착 지점과 전환점이 나타납니다. 1431 년에 루카 델라 로비아 (Luca della Robbia)에게 위탁을 받았고, 1433 년에 도나 텔로 (Donatello)와 같은 크기의 1 초가되었습니다.

그 당시 약 30 세였던 Luca는 고전적인 식물에서 6 개의 타일이 삽입되고 4 개의 타일이 선반 사이에 배치 된 발코니를 조각했습니다. 릴리프는 찬송가 150 번을 단계별로 나타내 었습니다.이 책의 텍스트는 선반 위와 아래의 낮은 밴드에 대문자로 표기하고, 노래하고, 춤추고, 놀고, 고전적인 아름다움으로 구성되며, 효과적인 자연스럽고, 감정을 평온하고 고요한 방식으로 표현합니다.

두 번째 로마 여행 (1430 ~ 1432)에서 돌아온 도나 텔로 (Donatello)는 황제 폐허에서부터 초기 기독교 및 로마네스크 작품에 이르기까지 수많은 제안을 융합하여 연속 모자이크 배경에 대한 일련의 putti 춤 (모자이크 배경에 대한 인용문 두오모 자체 Arnolfo 디 Cambioof의 외관). 둥근 기둥이있는 구조는 프리웨어를 위해 일종의 무대를 만들어 내는데, 이것은 합창단 건축의 직선 및 수직 선과 대비되는 대각선을 기반으로 원활하게 실행됩니다. 운동의 감각은 배경과 모든 건축 요소를 감싸고있는 유리 색의 금빛 색의 tesserae의 생생한 반짝임에 의해 두드러집니다.

건축물
초기 르네상스 시대의 건축시기는 조각가로서의 시작 이후 건축 문제에 대한 명상에 이르기까지 세기의 첫 10 년 동안 자신을 헌신하고 자신의 여행에 대한 관찰을 잘 활용 한 필리포 브루넬레스키 (Filippo Brunelleschi)의 인물이 지배합니다 로마. 처음에는 Staggia와 Vicopisano 요새화와 같은 군사 공학 작품에 대한 피렌체 공화국의 자문을 구한 후 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)의 돔 문제에 중점을 뒀다. 미래의 작업을 위해.

그의 건축 작업의 특유한 특징은 기술 – 구조적 질문이 형식의 공식적인 특징과 불가분의 관계가있는 맑은 결정입니다. 이러한 의미에서 전형적으로 회색 pietra serena를 건축 요소에 사용하면 벽의 밝은 석고에 대항 할 수 있습니다. 그는 건축 주문서에서 가져온 고전적 요소를 사용했지만 몇 가지 모듈에 중점을 두었습니다. 여러 가지 방법으로 연관되어 반복성을 피하고 고딕 양식의 수많은 측면에 자신을 반대했습니다. 아키텍처의 명료성은 건물의 여러 부분의 정확한 고조파 비율에 따라 다르지만 기하학적 관계와 관련이 없지만 일부 기본 측정 (대개 10 개 피렌체 암)의 더 간단하고 직관적 인 반복 다중성과 준법성은 모든 차원을 생성합니다. 예를 들어, Spedale degli Innocenti (1419 – 1428)에는 둥근 아치가있는 유명한 현관이 있고 9 개의 스팬을 형성하는 기둥이 있습니다. 기본 모듈은 열의 길이로, 서로의 거리 (호의 “빛”)와 깊이 사이를 결정합니다. 약간의 세련된 장식 요소로 강조되는 조화로운 리듬에 따라 공간은 육안으로 명확하고 측정 가능합니다.

그러나 다음과 같은 많은 프로젝트에서 세균을 포함하고있는 그의 모든 천재성을 포함하는 작업은 브루넬레스키의 전기 작가에 의해 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)의 웅장한 돔의 건축이었습니다. 주인공, 천재성, 강인함, 추론에 대한 자신감. 브루넬레스키는 두오모 노동자의 난처함, 비판과 불확실성을 극복해야했으며, 그의 프로젝트에 대한 설명, 모델 및 보고서에 관심을 가졌습니다.이 프로젝트는 비계없이 발판을 사용하지만 내부 공간과 보도가있는 통로가있는 이중 돔 돔 건설을 포함했습니다 자립. Brunelleschi는 실용적이고 심미적 인 요구에 의해 의무화 된 “더 웅장하고 팽창하는”돔 모양의 뾰족한 모양을 사용했습니다. 실제로 치수는 반구형 모양을 사용할 수 없으며 두 개의 돔, 하나는 내부, 하나는 외부, 각각은 8 개의 돛으로 수직으로 분할 된 이중 캡을 사용합니다. 더욱이, 제 6 급의 더 큰 높이 발달은 높이에서 보상했다. 그것은 돔의 모든 공간을 통일하면서, 본당의 예외적 인 수평 한 발달이었다. 거대한 돔 구획이 방사형 채플의 공간을 집중시켜 랜턴 눈의 이상적인 소실점을 향해 눈을 인도하는 내부에서 유사한 효과가 감지 될 수 있습니다. 돔의 모든 공간을 통합했습니다. 거대한 돔 구획이 방사형 채플의 공간을 집중시켜 랜턴 눈의 이상적인 소실점을 향해 눈을 인도하는 내부에서 유사한 효과가 감지 될 수 있습니다. 돔의 모든 공간을 통합했습니다. 거대한 돔 구획이 방사형 채플의 공간을 집중시켜 랜턴 눈의 이상적인 소실점을 향해 눈을 인도하는 내부에서 유사한 효과가 감지 될 수 있습니다.

브루넬레스키는 첫 번째와 평행 한 바깥 쪽을 24 개 지지대 위에 놓았고, 수평 지지대는 자오선과 평행의 격자 전체를 일깨워 주었다. 8 개의 흰 립이 흩어져있는 붉은 벽돌로 벽돌로 덮인 바깥 돔은 습기로부터 건축물을 보호하고 돔을보다 넓게 보였다. 내부 돔은 작고 견고하며 외부 돔의 무게를 지탱하고 중간 지지대를 통해 높이를 더 많이 발달시킵니다. 마지막으로, 내부 공간에는 계단 시스템이있어 맨 위로 올라갈 수 있습니다. 돔은 특히 랜턴으로 결론을 내린 후에 무게가 더 강화 된 갈빗대와 돛이 있었기 때문에 유기적 인 구조였습니다. 개별적인 요소가 서로 힘을주고, 또한 잠재적으로 부정적인 가중치를 응집력을 증가시키는 힘으로 변환하여 긍정적입니다. 회원은 장식용 틴셀이없고 고딕 양식의 건축물과는 달리 건물의 복잡한 정적 게임은 공개적으로 표시되지 않고 공기 공간에 숨겨져 있습니다.

Brunelleschi는 항상 건설 현장에 존재하며, 중세의 장인과 같은 기술 운영 프로세스에 항상 참여하지만 설계 단계에서 실질적이고 의식적인 역할을 담당하는 현대 건축가의 모습이 탄생했습니다. 더 이상 오랫동안 “기계적”인 예술을 연습하지만 수학, 기하학, 역사 지식에 기초한 “자유주의 예술”을 실천하는 지식인입니다.

그림

마사 수프
르네상스 혁명의 세 번째 아버지는 그림을 그리기 위해 마사 찌오 (Masaccio)였습니다. 그의 활동은 1422 년에 처음으로 일어난 일부터 1428 년에 로마에서 죽을 때까지 집중되어 있습니다. 1417 년 그는 브루넬레스키와 도나 텔로와 친구가되어 피렌체에 있었고 그들의 업적을 토대로 ( 명확한 공간 및 소성 강도) 그는 그의 첫 번째 저서 인 San Giovenale (1422)에서 볼 수 있듯이 Giotto의 작품을 다시 읽기 시작했습니다. 그는 Masolino da Panicale와 함께 가게를 열었지만, 분명히 그들의 그림의 완전히 다른 출발점에서 알 수 있듯이, 그의 제자가 아니 었습니다. 나중에이 두 사람은 서로에게 영향을 끼쳤습니다. 우 피지의 Sant’Anna Metterza 협회의 첫 번째 작품에서 이미 볼 수 있듯이.

인간의 개성과 정서적 강렬함을 향상시키는 인물 구성과 공간성의 이러한 강점은 1426 년에 시작된 피사 (Pisa)의 폴리 빈프 (Polyptych)와 같은 여러 작품들에서 더욱 발전되어 오늘날에는 여러 박물관과 브란 카치 (Brancacci)의 프레스코 화 예배당. Masolino의 협력으로 1424 년에 시작된이 마지막 기업은 1426 년부터 1427 년까지 Masaccio가 단독으로 계속해서 작업 한 것으로, 회화의 혁신적인 작업이었으며 동일한 미켈란젤로 부오나 로티 (Michelangelo Buonarroti)가 있었던 화가들의 연속적인 세대에 의해 연구 된 것에 대해 높이 평가 받았다.

이미 공간적 구성은 혁명적입니다. 모든 장식은 하나의 아키텍처 케이지 (architectural caging)에 그려져 있습니다. 페인트 칠 된 벽옥과 장면을 분리하는 톱니 모양의 처마 장식으로 이루어져 있습니다. 시야는 독특하고 예배당 중앙에 서있는 가상의 관객을 위해 설계되었습니다. 특히 뒤 벽에있는 멀 리언 티드 창문 측면의 장면이나 장면에서 분명합니다. 예배당의 창문에서 자연스럽게 나오듯이 일반적으로 통일 된 빛과 명확하고 밝은 단일 색상 범위를 사용합니다. 물론 두 손 사이 (Filippino Lippi의 1481 년 완성은 말할 것도없고)에는 상당한 차이가있었습니다. Masolino는 공간에서 해부학 적으로 정확하고 잘 보정 된 인물을 만들기위한 노력에도 불구하고, 리듬에 따라 인물 간의 관계를 설정하고, 일반 얼굴과 빈 표현을 사용합니다. Masaccio는 대신 강력하고 필수적인 몸짓을 통해 시체를 형성하고 풍부한 표현력을주는보다 격렬한 조명 (선조 퇴학)을 사용했습니다. 그의 모습은 Masolino에 알려지지 않은 역 동성과 인간의 깊이를 발산합니다. 인용문은 학문적으로 고고학이 아닌 살아있는 육체를 만드는 자연의 엄격한 심사에 의해 변형 된 겸손한 금성을 회상하는 이브의 포즈와 같은 교육을 받았다. 이미 동시대의 사람들은 그의 예술에서 “훌륭한 자연의 모방 자”라고 칭찬했다. “고 고대 예술의 resuscitator보다는 오히려. Masaccio는 대신 강력하고 필수적인 몸짓을 통해 시체를 형성하고 풍부한 표현력을주는보다 격렬한 조명 (선조 퇴학)을 사용했습니다. 그의 모습은 Masolino에 알려지지 않은 역 동성과 인간의 깊이를 발산합니다. 인용문은 학문적으로 고고학이 아닌 살아있는 육체를 만드는 자연의 엄격한 심사에 의해 변형 된 겸손한 금성을 회상하는 이브의 포즈와 같은 교육을 받았다. 이미 동시대의 사람들은 그의 예술에서 “훌륭한 자연의 모방 자”라고 칭찬했다. “고 고대 예술의 resuscitator보다는 오히려. Masaccio는 대신 강력하고 필수적인 몸짓을 통해 시체를 형성하고 풍부한 표현력을주는보다 격렬한 조명 (선조 퇴학)을 사용했습니다. 그의 모습은 Masolino에 알려지지 않은 역 동성과 인간의 깊이를 발산합니다. 인용문은 학문적으로 고고학이 아닌 살아있는 육체를 만드는 자연의 엄격한 심사에 의해 변형 된 겸손한 금성을 회상하는 이브의 포즈와 같은 교육을 받았다. 이미 동시대의 사람들은 그의 예술에서 “훌륭한 자연의 모방 자”라고 칭찬했다. “고 고대 예술의 resuscitator보다는 오히려.

더 복잡한 장면에서 (예 : 병사의 치료와 Tabita di Masolino의 부활과 Masaccio의 공물 지불과 같은) Masolino는 고전적인 삽입물, 원근법의 정확성 및 정확성에도 불구하고 중세 예술 에서처럼 분산 된 에피소드에서 자신의 언어를 파쇄합니다. 매우 고화질이며 국제 고딕 예술을 상기시키는 세세한 부분까지 신경을 썼다. Masaccio는 대신 에피소드를 통합하여 사도들 가운데 그리스도의 형상을 중심으로 회전 시키며, 그 머리 뒤에 전체 표현의 소실점이 있습니다. 하나의 그림 그룹과 다른 그룹의 그림 그룹 사이의 제스처 간의 대응은 강력하게 다른 작업을 연결합니다.

둘 사이의 페인팅 기술조차도 매우 다릅니다. Masolino는 모양과 디테일을 조심스럽게 완성한 다음 부드러운 조명과 얇은 브러시 스트로크로 볼륨을 모델링합니다. Masaccio는 반면에, 윤곽선을 포기하고 빛과 색의 직접 부착을 통해 구성하여 인물의 특별한 플라스틱 점프를 얻는보다 간결한 방식으로 작동합니다.

San Pietro의 더 낮은 에피소드에서 그의 그림자와 물건의 분배로 아픈 사람들을 치유합니다. Masaccio와 Scene은 현대 피렌체의 거리와 매우 흡사 한 도시의 환경에 빠져 들었습니다. 일화적인 우회를 피했습니다. 각 요소는 정밀합니다 기능에 눈이 덮인 산과 같은 배포판에서 신성한 개입이 시급한 필요성을 증언합니다. 사람들은 또한 일반적인 유형을 피하면서 개성을 특징으로합니다. 또한 우리는 인간의 존엄성이라는 새로운 의미를 읽습니다. 그것은 인간의 존엄성에 대한 자만감도없이 약점, 추악함, 배려의 가치가있는 빈곤 (성 베드로는 그의 그림자로 병자를 치유합니다)을 만듭니다.

Masaccio의 학생들
Masaccio의 첫 번째 상속인은 Brancacci 예배당의 혁신을 즉시 연구하고 잘 활용 한 학생과 학생들이었습니다. 여기에는 필리포 리피 (Filippo Lippi)와 비토 안젤리코 (Beato Angelico)가 포함되어 있습니다. 이들은 자신의 스타일을 개발하기 위해 마사 쉬오 (Masaccio) 기능을 사용했습니다.

이미 로렌조 모나코 (Lorenzo Monaco)의 학생이었던 안젤리코 (Angelico)는 곧 국제 고딕 양식 이외의 방법을 모색했다. 이미 소형 미술가로서의 초기 작품에서 그는 기하학적 순도의 피규어를 길고 가늘고 긴 주름이있는 단순한 옷으로 밝고 밝은 색상으로 만들어 측정 된 공간에 배치했습니다. 이 요소들은 성 베드로 마르티르의 삼부작 (1427-1428 년)과 같은 표의 첫 번째 시험에서도 발견된다. 안젤리코는 이방인의 Fabriano의 장식품과 Masaccio의 물리적 공간적 딱딱함을 중재 할 수있는 예술가였다. 프라다 (Prado)의 성모 영보 동의서 (Parente of Prado)에서 그는 약간의 세세한 부분까지 신경 쓰는 우아한 메인 장면을 만들었지 만 원근법으로 구성된 건축 환경에 빠져 들었다. predella의 테이블에서 그는 더 대담하게 일했습니다.

뉴스 수신

피렌체 예술의 세 혁신가는 훌륭한 존경과 감탄을 받았고, 다른 현대 미술가들에 의해 완전히 받아 들여지지 않았더라도 장기적으로 예술적 생산에 영향을주었습니다. 클라이언트는 또한 일반적으로 덜 급진적 인 솔루션에 찬성하여이 역할을 수행했습니다. 전형적인 예가 산타 트리 니타 (Santa Trinita)에있는 예배당 제단의 건설을 1423 년에 이탈리아의 국제 고딕 양식의 걸작 인 ‘동방 박사 (Magi)의 숭배’를 선언 한 이방인 파브리 아노 (Gentile da Fabriano)에 위탁 한 부유 한 상인이자 인본주의자인 Palla Strozzi . 이 작품은 에피소드의 비잔틴 문학 모델에서 유래 한 설정이나 예술 작품의 서술 / 해석에 따라 수많은 세부 사항과 일화 장면에서 눈이 사라지는 여러 에피소드의 역동적 인 결합입니다.

알베르티의 이론적 배열
15 세기 중반부터 선구적인 열정이 점차 줄어들면서 이전에 경험했던 것에 이론적 인 배열을 시도했습니다. 이 재판의 주역은 리온 바티스타 알베르티 (Leon Battista Alberti) 였는데, 그는 1434 년에만 도시에 정착했다. 유태인 가족의 아들 인 것은 비 유적 혁명이 벌어졌을 때 도시에 도착했고, 주로 로마의 행렬을 중심으로 인본주의가 물 들었다. 얻은 결과를 평가하고 개개인의 차이점을 완화하여 “중생”이 공통 분모로 갖는 비전에 찬성하십시오. 논문에서 De pictura는 Brunelleschi, Donatello, Ghiberti, Luca della Robbia 및 Masaccio의 헌신에 결합했습니다.

Alberti는 객관적인 토대와 기술적 인 측면과 미적인 측면 모두를 다루는 중생을 허용 한 언어 학적 경로를 추구했습니다. 그는 3 대 예술 (1436 년의 그림, 1454 년의 신화, 1462 년의 신화)에 자신을 바쳤다. 그리고 그의 본문은 르네상스 아이디어의 보급을위한 다음 세대의 새로운 세대 형성을위한 기본 도구였다. 무엇보다도 중세의 장인에서 현대의 지식인으로 예술가를 변형시키는 것을 허용해야한다.

중재 수치
세기 중반기의 다음 단계는 과거의 정복에 대한보다 지적주의적인 배열의 기치 아래있었습니다. 15 세기의 40 대에 이르는 이탈리아의 정치 체제는 한반도를 5 개 주요 국가로 분리 한 로디 평화 협상 (1454)으로 안정화되었다. 도시의 정치 계급이 개인의 지배적 인 인물의 부상을 선호하는 등 그들의 손에 권력을 집중 시켰지만 다른 한편으로는 부르주아지는 덜 적극적으로되고 농업 투자를 선호하고 옛 귀족의 행동 모델을 추측한다. 절제와 금주의 거부. 그 해의 비 유적 언어는 문화적으로, 화려하고 유연하게 정의 될 수 있습니다.

로렌조 기 베르 티
기 베르 티는 Masolino와 Michelozzo와 함께 이전의 전통에 대한 긍정적 인 평가를 유지하고, 그것을 정복하지 않고 그것을 업데이트하기 위해 인본주의 문화와 전망의 엄격함의 신기함에 따라 그것을 수정하고 재배치 한 최초의 예술가 중 한 명이다. 세례당의 북문을 오랫동안 가공 한 후에도 안드레아 피사노 (Andrea Pisano)가 14 세기 사우스 게이트 (South Gate)를 세우고 1425 년에 새로 문을 여는 명령을 받았다. 미켈란젤로는 나중에 포르타 del Paradiso “”지 버티의 “중재”입장을 상징하는 작품으로 종교적인, 종교적, 시민 적, 정치적, 문화적 주제가 대단히 정교하고 명료하고 세련된 스타일로 꾸며져 있으며, ..

마 솔리 노
Masolino는 회화에서 국제 고딕의 단맛과 일란성과 르네상스의 견고한 공간성을 중재했다. Masaccio와의 제휴가 끝나고 만든 작품에서 그는 시에나 (Vecchietta는 그의 학생이자 공동 작업자 였음) 나 북부 이탈리아 (카스 틸리 오네의 중요한 프레스코와 함께 고딕 양식의 문화가 여전히 우세한 곳에서 동화하기 쉬운 스타일을 개발했습니다. Olona).

미첼 로조
Michelozzo는 가장 중요한 공공 및 사설위원회의 건축가 인 Cosimo il Vecchio의위원회와 불가분의 관계가있는 조각가이자 건축가였습니다. 그는 피렌체 근처의 보스코에 이프 라티 수녀원 (Bosco ai Frati) 수녀원을 위촉했으며, 1444 년부터는 비아 비아 (Larga)에있는 메디치 궁전 (Palazzo Medici)을 지었다. 그는 1438 년 이래로 산 마르코 (San Marco)의 혁신 수녀원을위한 프로젝트이기도했습니다. Michelozzo는 브루넬레스키스탄 (Brunelleschithat)의 피렌체 대성당의 고딕 전통에 대한 심오한 감정가였으며 과거의 전통을 정화하고 풍요롭게하는 르네상스적인 수단을 사용했습니다. 나중에 피렌체 시민 건축의 많은 모델 인 팔라 초 메디치 (Palazzo Medici)는 중세의 공공 건물에서 가져온 외부의 녹슬지를 이용하여 중앙 안뜰 주변에 지어졌으며, 그곳에서 정원으로가는 통로가 열립니다. 장식은 클래식 레퍼토리에서 판타지 드로잉으로 세련되고 구성되어 있습니다. 예를 들어, 안뜰은 오염되지 않은 채로 개방되어 있습니다 (안뜰은 예를 들어 안뜰이 없으면 대칭으로 보이고 가장 미묘한 구석이 있습니다).

파올로 우 첼로
그의 생애에서 바사리 (Vasari)의 말에 따르면, 파올로 우 켈로 (Paolo Uccello)는 “어렵고 불가능한 일들을 조사하는 것보다 즐거움이 없다”는 그의 가장 즉각적인 특징을 강조했다. 그것은 투시 구조에 대한 거의 강박적인 관심이다. 이 특성은 국제 고딕 양식의 동화 풍토와 결합되어 파올로 우 첼로 (Paolo Uccello)를 15 세기의 가장 자율적 인 예술적 여정에 따라 두 비 유적 세계의 경계에있는 인물로 만든다. 그러나 Masaccio와는 달리 그의 작품을 대담하게 바라 보는 시각은 구성에 논리적 인 질서를 부여하는 것이 아니라 무한한 공간에서 환상적이고 환상적인 장면을 창조하는 데 도움이된다.

성숙의 작품에서, 수치는 자연의 지평선과 감정의 수평선이 제외되는 수학적이고 합리적인 반응의 함수로 배치 볼륨으로 간주됩니다. 산 로마노 전투와 같은 작품에서인지 할 수있는 효과는 얼어 붙은 행동으로 장면을 사칭하는 일련의 마네킹의 효과이지만, 그림의 상징적이고 꿈 같은 성격은이 불가해 한 고정 속에서 탄생합니다.

필라레테
Filarete는 Lorenzo Ghiberti의 학생 중 한 명이었는데, 세례당 북쪽 문이 융합되었을 때, 그는 유진 IV가 St. Peter의 문을 융합 한 중요한 임무를 위임 받았다. Filarete는 고대의 모든 연구와 제정을 가장 많이 만들었습니다. 그는 고전적인 스타일의 작품을 재창조하기위한 “골동품”취향에 따라 그 자체로 목적으로 고대 세계에 대한 지식을 개발 한 최초의 예술가 중 한 사람입니다. 그러나 그의 재발견은 문헌 학적이 아니라 판타지와 희귀성에 의한 애니메이션으로 과거의 환상적인 환기를 만들어 냈습니다. 로마와 밀라노에서의 체류는 이탈리아 르네상스 문화의 근본적인 확산 자였습니다.