Arte abstrata

Sumário da arte aplicada no seu sentido mais estrito para formas de arte ocidental do século 20 que rejeitam representação e não têm starting- ou terminando-ponto na natureza como distinto de processos de captação a partir da natureza ou de objectos (uma tendência recorrente em muitas culturas e que períodos pode ser rastreada tanto para trás como pintura rupestre paleolítica), a arte abstrata como uma estética consciente com base em premissas de auto-suficiência é um fenômeno totalmente moderna

A arte abstracta usa uma linguagem visual de forma, forma, cor e da linha para criar uma composição que possa existir com um grau de independência das referências visuais no mundo. arte ocidental tinha sido, desde a Renascença até a metade do século 19, impulsionadas pela lógica da perspectiva e uma tentativa de reproduzir uma ilusão de realidade visível. As artes de outros do que o europeu culturas tornou-se acessível e mostrou formas alternativas de descrever a experiência visual para o artista. Até o final do século 19 muitos artistas sentiram a necessidade de criar um novo tipo de arte que abrangem as mudanças fundamentais que ocorrem em tecnologia, ciência e filosofia. As fontes de onde artistas individuais chamou seus argumentos teóricos foram diversas,

arte, a arte não-figurativa, a arte não-objetiva, ea arte não-representacional são termos vagamente relacionados. Eles são semelhantes, mas talvez não de significado idêntico.

Abstração indica um afastamento da realidade em representação de imagens em arte. Esta partida de representação precisa pode ser ligeira, parcial ou completa. Abstracção existe ao longo de uma série contínua. Mesmo arte que visa a verossimilhança do mais alto grau pode ser considerado abstrato, pelo menos teoricamente, uma vez que a representação perfeita é provável que seja extremamente evasivo. Obra que toma liberdades, alterando por exemplo a cor e forma de maneiras que são visíveis, pode ser dito para ser parcialmente abstrato. abstração total não tem qualquer vestígio de qualquer referência a qualquer coisa reconhecível. Na abstração geométrica, por exemplo, é improvável encontrar referências a entidades naturalistas. arte figurativa ea abstracção total, são quase mutuamente exclusivas. Mas figurativa e representacional (ou realista) arte muitas vezes contém abstração parcial.

Ambos abstração geométrica e abstração lírica são muitas vezes totalmente abstrato. Entre os muito numerosos movimentos de arte que incorporam abstração parcial seria, por exemplo, fauvismo em que a cor é visivelmente e deliberadamente alterados vis-a-vis a realidade, e cubismo, que altera evidente as formas das entidades da vida real descritas.

Abstraction início:
Grande parte da arte de culturas anteriores – sinais e marcas na cerâmica, têxteis, e inscrições e pinturas na rocha – Usado simples, geométricas e lineares formas que possam ter tido um propósito simbólico ou decorativo. É neste nível de significado visual que arte se comunica. Pode-se apreciar a beleza da caligrafia chinesa ou caligrafia islâmica sem ser capaz de lê-lo.

Na pintura chinesa, a abstração pode ser atribuída ao pintor dinastia Tang Wang Mo ( 王墨), que é creditado por ter inventado o estilo de pintura de tinta espirrada. Embora nenhuma de suas pinturas permanecem, este estilo é claramente visto em algumas pinturas da Dinastia Song. O Chan pintor budista Liang Kai ( 梁楷, c.1140 -1210) aplicou o estilo para descobrir a pintura em sua “Immortal em tinta espirrado” no qual representação precisa é sacrificado para aumentar a espontaneidade ligada à mente não-racional dos iluminados. Um pintor Canção tarde chamado Yu Jian, adepto de Tiantai budismo, criou uma série de paisagens de tinta espirrado que, eventualmente, inspirou muitos pintores zen japoneses. Suas pinturas mostram montanhas enevoadas fortemente em que as formas dos objetos são pouco visíveis e extremamente simplificado. Este tipo de pintura foi continuado por Sesshu Toyo em seus últimos anos.

Outro exemplo de abstração na pintura chinesa é visto em Zhu Derun de “Círculo cósmico”. No lado esquerdo desta pintura é um pinheiro no solo rochoso, seus ramos atados com vinhas que se estendem de forma desordenada para o lado direito da pintura em que um círculo perfeito (provavelmente feito com ajuda de uma bússola) carros alegóricos no vazio. a pintura é um reflexo da metafísica taoístas em que o caos ea realidade são etapas complementares do curso normal da natureza. em Tokugawa Japãoalguns monges-pintores zen criado Enso, um círculo que representa o esclarecimento absoluto. Normalmente, feito em uma pincelada espontânea, tornou-se o paradigma da estética minimalista que guiou parte da pintura zen.

Abstração em período de romantismo:
Patrocínio da igreja diminuiu e patrocínio privado do público tornou-se mais capaz de fornecer um meio de subsistência para os artistas.

Três movimentos de arte que contribuíram para o desenvolvimento da arte abstrata foram Romantismo, Impressionismo e Expressionismo. independência artística para artistas foi avançada durante o século 19. Um interesse objetivo no que é visto, pode ser discernido a partir das pinturas de John Constable, JMW Turner, Camille Corot e deles para os impressionistas que continuaram a pintura do ar do plein doBarbizon escola.

intimations início de uma nova arte foi feita por James McNeill Whistler, que, na sua pintura Nocturne in Black and Gold: The Rocket caindo, (1872), colocou maior ênfase na sensação visual do que a representação de objetos.

pintores expressionistas explorou o uso ousado da superfície da pintura, desenho distorções e exageros e cor intensa. Expressionistas produzidas pinturas emocionalmente carregadas que eram reações a e percepções da experiência contemporânea; e reações ao impressionismo e outras direções mais conservadores da pintura do século 19. Os expressionistas mudou drasticamente a ênfase no assunto em favor da interpretação de estados psicológicos do ser. Embora artistas como Edvard Munch e James Ensor chamou influências principalmente do trabalho dos pós-impressionistas eles foram fundamentais para o advento de abstração no século 20. Paul Cézanne tinha começado como um impressionista, mas seu objetivo – para fazer uma construção lógica da realidade baseada em uma visão de um único ponto,

Além disso, no final do século 19 em Europa Orientalmisticismo e filosofia religiosa modernista cedo como expresso por teósofo Mme. Blavatsky teve um profundo impacto sobre pioneiras artistas geométricas como Hilma af Klint e Wassily Kandinsky. O ensino mística de Georges Gurdjieff e PD Ouspensky também teve uma influência importante sobre os primeiros formações dos estilos geométricas abstratas de Piet Mondrian e seus colegas no início do século 20.

Abstração em período moderno:
Impressionismo do cargo, tal como praticada por Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh e Paul Cézanne teve um enorme impacto sobre a arte do século 20 e levou ao advento da abstração do século 20. A herança de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. No início do século 20 Henri Matisse e vários outros jovens artistas, incluindo a pré-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck revolucionou oParismundo da arte com a “selvagem”, multi-colorido, paisagens expressivos e pinturas de figuras que os críticos chamados fauvismo. Com seu uso expressivo da cor e sua livre e imaginativo desenho Henri Matisse vem muito perto de abstração pura na janela francesa em Collioure (1914), Vista de Notre-Dame (1914), e A Cortina amarela desde 1915. A linguagem crua de cor tal como desenvolvida pela Fauves directamente influenciada outro pioneiro de abstracção, Wassily Kandinsky (ver ilustração).

Embora o cubismo em última análise, depende de assunto, tornou-se, juntamente com o fauvismo, o movimento de arte que diretamente abriu a porta à abstração no século 20. Pablo Picasso fez suas primeiras pinturas cubistas com base na ideia de Cézanne que todos representação da natureza podem ser reduzidos a três sólidos: cubo, esfera e cone. Com a pintura Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso criou dramaticamente uma imagem nova e radical que descreve uma cena de bordel cru e primitivo com cinco prostitutas, mulheres violentamente pintadas, que lembram máscaras tribais africanas e suas próprias invenções novas cubistas. cubismo analítico foi desenvolvido em conjunto por Pablo Picasso e Georges Braque, de cerca de 1908 até 1912. Analytic cubismo, a primeira manifestação clara do cubismo, foi seguido pelo cubismo sintético, praticado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e outros para os anos 1920. cubismo sintético é caracterizado pela introdução de diferentes texturas, superfícies, os elementos da colagem, collé papier e uma grande variedade de matéria fundidos. Os artistas colagem como Kurt Schwitters e Man Ray e outros que tomam a pista do cubismo foram fundamentais para o desenvolvimento do movimento chamado Dada.

O poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publicou o Manifesto Futurista em 1909, que mais tarde inspirou artistas como Carlo Carra em pintura de sons, ruídos e cheiros e Umberto Boccioni Train in Motion, 1911, para uma nova fase de abstração que, juntamente com cubismo, profundamente influenciado movimentos da arte ao longo Europa.

Durante 1912 Salon de la Seção d’Or, o poeta Guillaume Apollinaire chamado o trabalho de vários artistas, incluindo Robert, Orfismo. Ele definiu como, a arte de pintar novas estruturas fora de elementos que não foram emprestados a partir da esfera visual, mas tinha sido criado inteiramente pelo artista … é uma arte pura.

Desde a virada do século, as ligações culturais entre artistas das grandes cidades europeias tornou-se extremamente ativo como eles se esforçavam para criar uma forma de arte igual aos grandes aspirações do modernismo. Ideias foram capazes de cruzar-fertilizar, por meio de artista livros, exposições e manifestos para que muitas fontes estavam abertos à experimentação e discussão, e formou uma base para uma diversidade de modos de abstração. O seguinte extrato de ‘The World Backwards’ dá alguma impressão da inter-relação da cultura na época: “o conhecimento de David Burliuk dos movimentos de arte moderna deve ter sido extremamente up-to-date, pela segunda Valete de Ouros exposição, realizada em janeiro de 1912 (em Moscou) incluía não só pinturas enviados a partir de Munique, mas alguns membros do grupo Die Brücke alemão, enquanto que a partir de Paris veio obra de Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger, bem como Picasso. Durante a mola David Burliuk deu duas conferências sobre cubismo e prevista uma publicação polémica, que o Valete de diamantes era a financiar. Ele foi para o exterior em maio e voltou determinado a rivalizar com o almanaque Der Blaue Reiter, que tinham emergido das impressoras enquanto ele estava emAlemanha”.

De 1909 a 1913 muitos trabalhos experimentais na busca por essa ‘arte pura’ tinha sido criado: por Hilma af Klint; Francis Picabia pintado Borracha, 1909, A Primavera de 1912, Danças na Primavera e a procissão, Sevilha, 1912; Wassily Kandinsky pintou Untitled (Primeira Abstract Watercolor), de 1910, Improvisação 21A, a série de impressão e imagem com um círculo (1911); František Kupka tinha pintado os Orphist funciona, Discos de Newton (Estudo para Fugue em duas cores), 1912 e Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga em duas cores), 1912; Robert Delaunay pintou uma série intitulada simultânea Windows e Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912-1913); Léopold Survage criado Colorido Rhythm (Estudo para o filme) de 1913; Piet Mondrian, pintado Tableau No. 1 e Composição No. 11 de 1913.

E a busca continua: Os Rayist (Luchizm) desenhos de Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, usado linhas como raios de luz para fazer uma construção. Kasimir Malevich completou o seu primeiro trabalho totalmente abstrato, o suprematista “,Quadrado preto’Em 1915. Outra do grupo suprematista’ Liubov Popova, criou as construções arquitectónicas e espaciais da Força Construções entre 1916 e 1921. Piet Mondrian foi evoluindo sua linguagem abstrata, de linhas horizontais e verticais com retângulos de cor, entre 1915 e 1919, neoplasticismo era a estética que Mondrian, Theo Doesburg e outro no grupo de Stijl destina-se a remodelar o ambiente do futuro.

Música abstração:
Como arte visual se torna mais abstrato, desenvolve algumas características da música: uma forma de arte que utiliza os elementos abstratos de som e divisões do tempo. Wassily Kandinsky, ele próprio um músico, foi inspirado pela possibilidade de marcas e associativo retumbante cor na alma. A ideia tinha sido apresentada por Charles Baudelaire, que todos os nossos sentidos responder a vários estímulos, mas os sentidos estão conectados em um nível estético mais profundo.

Intimamente relacionado com esta, é a ideia de que a arte tem a dimensão espiritual e pode transcender a experiência de cada dia “, atingindo um plano espiritual. A Sociedade Teosófica popularizou a antiga sabedoria dos livros sagradosÍndia e China nos primeiros anos do século. Foi neste contexto que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint e outros artistas que trabalham no sentido de um ‘estado sem objeto’ tornou-se interessado no ocultismo como uma maneira de criar um objeto ‘interior’. As formas universais e atemporais encontrados na geometria: o círculo, quadrado e triângulo tornar os elementos espaciais em arte; eles estão, como a cor, sistemas fundamentais subjacentes realidade visível.

Impacto:
Vanguarda russa:
Muitos dos artistas abstratos em Rússiase tornaram construtivistas acreditando que a arte não era mais algo remoto, mas a própria vida. O artista deve se tornar um técnico, aprendendo a usar as ferramentas e materiais de produção moderna. Arte na vida! era o slogan de Vladimir Tatlin, e que de todas as futuras construtivistas. Varvara Stepanova e Alexandre Exter e outros abandonaram a pintura de cavalete e desviou suas energias para design de teatro e trabalhos gráficos. Por outro lado, estavam Kazimir Malévich, Anton Pevsner e Naum Gabo. Eles argumentaram que a arte era essencialmente uma atividade espiritual; para criar o lugar do indivíduo no mundo, para não organizar a vida em um sentido prático, materialista. Muitos daqueles que eram hostis à ideia de produção materialista da arte esquerdaRússia. Anton Pevsner foi paraFrança, Gabo foi primeiro para Berlim, então, para Inglaterra e, finalmente, América. Kandinsky estudado emMoscou depois à esquerda para a Bauhaus. Em meados da década de 1920 o período revolucionário (1917-1921), quando os artistas tinha sido livre para experimentar acabou; e na década de 1930 foi permitido apenas realismo socialista.

A Bauhaus:
A Bauhaus em Weimar, Alemanha foi fundada em 1919 por Walter Gropius. A filosofia subjacente ao programa de ensino era a unidade de todas as artes plásticas e visuais de arquitetura e pintura para tecelagem e vitrais. Esta filosofia tinha crescido a partir das idéias do movimento Artes e Ofícios emInglaterraeo Deutscher Werkbund. Entre os professores eram Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, e László Moholy-Nagy. Em 1925 a escola foi transferida paraDessaue, como o partido nazista assumiu o controle em 1932, A Bauhaus foi fechada. Em 1937, uma exposição de arte degenerada ‘Entartete Kunst’ continha todos os tipos de arte avant-garde desaprovava pelo partido nazista. Em seguida, o êxodo começou: não apenas a partir da Bauhaus, mas da Europa em geral; paraParis, Londres e América. Paul Klee foi paraSuíça mas muitos dos artistas na Bauhaus foi para América.

abstracção na Paris e Londres:
Durante a década de 1930 Paris tornou-se o acolhimento de artistas de Rússia, Alemanha, a Países Baixose outros países europeus afetados pela ascensão do totalitarismo. Sophie Tauber e Jean Arp colaborou em pinturas e esculturas usando formas orgânicas / geométricas. A polonesa Katarzyna Kobro aplicado idéias baseadas matematicamente a escultura. Os vários tipos de abstração agora em estreita proximidade levou a tentativas de artistas para analisar os vários agrupamentos conceituais e estéticos. Uma exposição de quarenta e seis membros do grupo Cercle et Carré organizado por Joaquin Torres-Garcia assistido por Michel Seuphor contida trabalho pelos Neo-Plasticists bem como abstracionistas tão variados como Kandinsky, Anton Pevsner e Kurt Schwitters. Criticada por Theo van Doesburg ser muito indefinido uma coleção, ele publicou a revista Art Concret estabelecendo um manifesto definição de uma arte em que a linha, cor e superfície única, são a realidade concreta. Abstraction-Création fundada em 1931 como um grupo mais aberto, desde um ponto de referência para artistas abstratos, como a situação política agravou-se em 1935, e os artistas novamente se reagruparam, muitos em Londres. A primeira exposição de arte britânica foi realizada emInglaterraem 1935. No ano seguinte, a exposição abstrato e concreto mais internacional foi organizado pela Nicolete Gray incluindo trabalho de Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson e Gabo mudou-se para o grupo de St. Ives emCornualha para continuar seu trabalho ‘construtivista’.

América: meio século
Durante a ascensão dos nazistas ao poder na década de 1930 muitos artistas fugiram da Europa para o Estados Unidos. Até o início dos anos 1940 os principais movimentos da arte moderna, expressionismo, cubismo, abstração, surrealismo, e dada foram representados em Nova York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, eram apenas alguns dos europeus exilados que chegaram em Nova York. Os ricos influências culturais trazidas pelos artistas europeus foram destilada e construído em cima de pintores locais de Nova York. O clima de liberdade emNova yorkpermitiu todas essas influências para florescer. As galerias de arte que primeiramente havia focados em arte europeia começou a notar a comunidade artística local e o trabalho dos artistas americanos mais jovens, que tinham começado a amadurecer. Alguns artistas neste momento tornou-se distintamente resumo em sua obra madura. Durante este período Composição pintura de Piet Mondrian No. 10, 1939-1942, caracterizado por cores primárias, fundo branco e linhas de grade pretas claramente definida sua abordagem radical, mas clássico para o retângulo e arte em geral. Alguns artistas do período desafiaram a categorização, como Georgia O’Keeffe que, enquanto um abstracionista modernista, foi um maverick pura em que ela pintou formas altamente abstractas, enquanto não entrar em qualquer grupo específico do período.

Eventualmente artistas americanos que estavam trabalhando em uma grande diversidade de estilos começou a se aglutinam em grupos estilísticos coesas. O grupo mais conhecido de artistas americanos ficaram conhecidos como os expressionistas abstratos e doNova york Escola. DentroCidade de Nova York havia uma atmosfera que incentivou a discussão e houve nova oportunidade para aprender e crescer. Artistas e professores John D. Graham e Hans Hofmann tornou-se figuras ponte importante entre os modernistas europeus recém-chegados e os artistas americanos mais jovens que vêm de idade. Mark Rothko, nascido em Rússia, Começou com imagens fortemente surrealista que mais tarde se dissolveu em suas composições cores poderosas do início dos anos 1950. O gesto expressionista eo próprio ato de pintar, tornou-se de primordial importância para Jackson Pollock, Robert Motherwell, e Franz Kline. Enquanto na década de 1940 de Arshile Gorky e trabalho figurativo de Willem de Kooning evoluiu para abstração até o final da década. Cidade de Nova Yorktornou-se o centro, e artistas em todo o mundo deslocaram-se para ele; de outros lugaresAmérica também.

Desenvolvimentos posteriores:
arte digital, pintura hard-edge, abstracção geométrica, minimalismo, abstracção lírica, op art, o expressionismo abstrato, pintura campo de cor, pintura monocromática, assemblage, neo-Dada, pintura da lona em forma, estão algumas orientações relativas à abstração na segunda metade do século 20.

No Estados Unidos, A arte como objeto como visto na escultura minimalista de Donald Judd e as pinturas de Frank Stella são vistos hoje como permutações mais recentes. Outros exemplos incluem a abstracção lírico eo uso sensual da cor visto no trabalho de pintores tão diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell.

causalidade:
Uma explicação histórico-social que tem sido oferecido para a crescente prevalência do resumo em arte moderna – uma explicação ligada ao nome de Theodor W. Adorno – é que tal abstração é uma resposta a, e um reflexo de, a crescente abstração relações sociais na sociedade industrial.

Frederic Jameson semelhante vê a abstração modernista como uma função do poder abstrato de dinheiro, o que equivale todas as coisas igualmente como valores de troca. O conteúdo social da arte é, então, precisamente a natureza abstrata da existência social – formalidades legais, impessoalização burocrática, informações / potência – no mundo da modernidade tardia.

Pós-junguianos por contraste veria as teorias quânticas com a sua desintegração das idéias convencionais de forma e matéria como subjacente ao divórcio do concreto e do resumo em arte moderna.