Il XVIII secolo continuò in larga misura a perfezionare le formule del XVII secolo e i livelli di produzione diminuirono. In stile rococò, la decorazione floreale divenne molto più comune su porcellana, carta da parati, tessuti e mobili in legno intagliato, in modo che gli acquirenti preferissero i loro dipinti per avere figure per un contrasto. Un cambiamento è stato un nuovo entusiasmo tra i pittori francesi, che ora formano una grande proporzione degli artisti più importanti, mentre gli inglesi sono rimasti contenti di importare. Jean-Baptiste Chardin dipinse piccole e semplici assemblee di cibo e oggetti in uno stile molto sottile, entrambi costruiti sui maestri dell’età dell’oro olandese, e avrebbe avuto grande influenza sulle composizioni del XIX secolo. I soggetti dei giochi morti continuarono ad essere popolari, specialmente per le case di caccia; la maggior parte degli specialisti ha anche dipinto soggetti animali vivi. Jean-Baptiste Oudry ha combinato splendidi rendering delle trame di pelliccia e piume con sfondi semplici, spesso il bianco chiaro di un muro di dispensa lavato a calce, che li ha valorizzati.

Nel XVIII secolo, in molti casi, le connotazioni religiose e allegoriche dei dipinti di natura morta furono abbandonate e le tele da cucina si evolvettero in rappresentazioni calcolate di vari colori e forme, mostrando cibi quotidiani. L’aristocrazia francese impiegava gli artisti per eseguire dipinti di soggetti di natura morta stravaganti e stravaganti che abbellivano il loro tavolo da pranzo, anche senza il messaggio moralistico vanitas dei loro predecessori olandesi. L’amore rococò dell’artificio portò ad un aumento di apprezzamento in Francia per la pittura del trompe-l’œil (in francese: “ingannare l’occhio”). I dipinti di natura morta di Jean-Baptiste Chardin impiegano una varietà di tecniche dal realismo in stile olandese alle armonie più morbide.

La maggior parte del lavoro di Anne Vallayer-Coster era dedicata al linguaggio delle nature morte come era stato sviluppato nel corso del diciassettesimo e diciottesimo secolo. Durante questi secoli, il genere della natura morta è stato posto più in basso nella scala gerarchica. Vallayer-Coster ha avuto un modo sui suoi dipinti che ha portato alla loro attrattiva. Sono state le “linee audaci e decorative delle sue composizioni, la ricchezza dei suoi colori e le trame simulate, e le imprese dell’illusionismo che ha raggiunto nel dipingere un’ampia varietà di oggetti, sia naturali che artificiali” che attirò l’attenzione della Royal Académie e i numerosi collezionisti che hanno acquistato i suoi dipinti. Questa interazione tra arte e natura era abbastanza comune nelle nature morte olandesi, fiamminghe e francesi. Il suo lavoro rivela la chiara influenza di Jean-Baptiste-Siméon Chardin, così come dei maestri olandesi del XVII secolo, il cui lavoro è stato molto più apprezzato, ma ciò che ha reso lo stile di Vallayer-Coster distinguersi dagli altri pittori di nature morte era lei un modo unico di illusionismo rappresentativo coalescente con strutture compositive decorative.

La fine del diciottesimo secolo e la caduta della monarchia francese hanno chiuso le porte all’era della natura morta di Vallayer-Coster e le hanno aperte al suo nuovo stile di fiori. È stato affermato che questo è stato il momento saliente della sua carriera e per cosa è meglio conosciuta. Tuttavia, è stato anche sostenuto che i dipinti floreali erano inutili per la sua carriera. Tuttavia, questa collezione conteneva studi floreali su olio, acquerello e tempera.

Carl Hofverberg (1695-1765),Trompe l’oeil (1737), Fondazione dell’Armeria reale, Svezia	Jean-Baptiste-Siméon Chardin,Natura morta con fiaschetta di vetro e frutta (1750 circa)	Jean-Baptiste Oudry, The White Duck (1753), rubato da Houghton Hall nel 1990	Rachel Ruysch, Rose, Convolvolo, Papaveri e altri fiori in un’urna su una sporgenza di pietra (1680s)
Anne Vallayer-Coster, The Attributes of Music (1770 circa)	Carlo Manieri, Natura morta con argenteria , Pronkstilleven (1662-1700)	Anne Vallayer-Coster, Natura morta con aragosta (1781 ca)	Anne Vallayer-Coster, The Attributes of Painting (1769 circa)

Una natura morta è un’opera d’arte raffigurante principalmente soggetti inanimati, oggetti tipicamente banali che sono o naturali (cibo, fiori, animali morti, piante, rocce, conchiglie, ecc.) O artificiali (bicchieri, libri, vasi, gioielli, monete, tubi, ecc.).

Con origini nel Medioevo e nell’antica arte greco-romana, la pittura di nature morte emerse come un genere distinto e una specializzazione professionale nella pittura occidentale verso la fine del XVI secolo, ed è rimasta significativa da allora. Una forma di natura morta conferisce all’artista più libertà nella disposizione degli elementi all’interno di una composizione rispetto a dipinti di altri tipi di soggetti come il paesaggio o la ritrattistica. La natura morta, come genere particolare, è iniziata con la pittura olandese dei secoli XVI e XVII e il termine inglese still life deriva dalla parola olandese stilleven. I primi dipinti di nature morte, in particolare prima del 1700, contenevano spesso simbolismi religiosi e allegorici relativi agli oggetti raffigurati. Alcuni lavori di still-life moderni rompono la barriera bidimensionale e impiegano mezzi di comunicazione misti tridimensionali, e utilizzano oggetti trovati, fotografia, computer grafica, nonché video e audio.

Il termine include la pittura di animali morti, in particolare il gioco. Quelli vivi sono considerati arte animale, anche se in pratica sono stati spesso dipinti da modelli morti. La categoria still-life condivide anche le parti comuni con l’illustrazione zoologica e soprattutto botanica, dove si è verificata una notevole sovrapposizione tra gli artisti. Generalmente una natura morta include uno sfondo completamente dipinto e pone le preoccupazioni estetiche piuttosto che illustrative come primarie.

La natura morta ha occupato il gradino più basso della gerarchia di generi, ma è stata estremamente popolare tra gli acquirenti. Così come il soggetto di natura morta indipendente, la pittura di natura morta comprende altri tipi di pittura con elementi di spicco della vita, di solito simbolici, e “immagini che si basano su una moltitudine di elementi di natura morta apparentemente per riprodurre una” fetta di vita ” ‘”. La pittura trompe-l’œil, che intende ingannare lo spettatore nel pensare che la scena sia reale, è un tipo specializzato di natura morta, che di solito mostra oggetti inanimati e relativamente piatti.