Un’importante decorazione in stucco e affreschi qualifica il primo piano del Castello del Valentino, nobile piano residenziale e piano rappresentativo per la corte. Il “Salone d’Onore” è al centro di una composizione di due appartamenti simmetrici, originariamente destinati a Cristina di Francia e al giovane Carlo Emanuele.

Una serie di schizzi di interni rappresenta una preziosa testimonianza pittorica della decorazione originale delle stanze sul nobile piano residenziale. I disegni sono conservati in un album presso la Biblioteca Reale di Torino e talvolta sono annotati ai margini con osservazioni di Leonardo Marini, «disegnatore ordinario delle camere del Re» (ordinario progettista di stanze del re) dal 1782 .

La sala Fleur-de-lis
Isidoro Bianchi e i suoi assistenti decorarono questa stanza, partendo dal grande pannello centrale che, alla fine del XVIII secolo, fu descritto come pieno di un grande dipinto di “soggetti naturali”, ma senza specificare il soggetto. Nei secoli successivi anche altri artisti lavorarono in questa stanza e ora tutto ciò che rimane di questo capolavoro è solo un semplice dipinto in blu che è stato probabilmente realizzato nel tardo XIX secolo. Intorno a questo periodo Domenico Ferri eseguì numerosi lavori di restauro all’interno del Valentino e molti dei suoi lavori sono ancora evidenti in questa stanza.

Infatti, probabilmente il grande fregio in stucco che collegava questo dipinto centrale alle pareti ha conservato solo l’articolazione della volta nella sua forma originale con calette triangolari agli angoli e calette rettangolari sopra le pareti. Questo design del soffitto segue fedelmente le linee generali del modello originale documentato negli schizzi disegnati da Leonardo Marini dopo essere stato nominato nel 1775 da Vittorio Amedeo II come architetto e decoratore dei Regi Palazzi. Lo schizzo in cui Marini illustra una parte di questo bordo decorativo mostra la sottile eleganza di una figura femminile usata come colonna (o cariatide) collegata da decorazioni floreali alla semplice cornice architettonica della nicchia adiacente che ospita due putti che reggono un’anfora (due vaso con manico usato da romani e greci). L’arredamento sottile creato dalle pergamene,

Lo stile lasciato oggi, tuttavia, mostra che la stanza è stata fortemente influenzata dalla Green Room, nella misura in cui è stata probabilmente oggetto di progetti di restauro deliberati e simultanei. Anche l’uso ossessivo e insistente del Fleur-de-lis sembra essere parte di un criterio di “horror vacui” (una paura del vuoto) del diciottesimo secolo per mascherare questi importanti cambiamenti nella collocazione di anfore e statuette. Marini documenta chiaramente una “faccia” bianca i cui dettagli sono “raccolti in oro”. Questa stessa sequenza di colori riappare, questa volta invertita, sull’arazzo che l’inventario del 1644 descrive come “un arazzo in pelle floreale e colorato con fondo oro, realizzato nelle Fiandre”. Un’altra caratteristica originale sembra essere il confine tra le pareti e il soffitto, dove, all’interno di sottili cornici di stucco, Isidoro Bianchi aveva dipinto una linea ininterrotta di putti giocando con nastri incisi con versi italiani e francesi e attorcigliandoli attorno a Fleur-de-lis. La danza dei putti, rappresentata da figure in primo piano, si svolge in realtà sullo sfondo.

Questo è un unico spazio interno ben definito dal soffitto della baia in prospettiva decorato con pergamene e monogrammi reali abbastanza simili a quelli nella stanza intitolata “Dove sono nati i fiori”. Nella sala Fleur-de-lis gli angoli del freize dipinto sono impreziositi dalla presenza di due putti con acanto in stucco dorato e fiancheggiati da teste di leoni. I restauri energetici sembrano caratterizzare il diciannovesimo secolo – anche in effetti, per la pittura e la scultura sopra le porte e le cornici eseguite originariamente da Alessandro Casella nel 1646.

La stanza delle rose
Questa stanza fu originariamente decorata da Isidoro Bianchi e dai suoi collaboratori; ma da allora gran parte del loro lavoro è stato pesantemente “ritoccato”, compresa la stuccatura, e in alcuni punti è completamente danneggiato, come il pannello circolare al centro del soffitto: “Un dipinto di figure raffiguranti Venere e Marte “ancora visibile nel diciottesimo secolo fu sostituito, a metà del diciannovesimo secolo, da un altro con” una Fama che porta lo stemma della Madama Reale e dipinta da uno dei discepoli del professor Gaetano Ferri “.

Il dipinto di Venere e Marte – chiaramente modellato su Cristina e Amedeo – dominava il centro del soffitto a volta la cui cupola è stata eretta su un tamburo circolare, racchiusa in diverse sezioni da una serie di putti su mensoloni. Questo tamburo è collegato alla stanza quadrata sottostante da quattro gruppi angolari di putti in stucco come pedanti. Lo stemma della Savoia Rosa, rafforzato come il simbolo assegnato a Vittorio Amedeo del tanto atteso titolo reale del re di Cipro, nel 1632, appare prolifico su tutti i telai che, in rigorosa successione architettonica compongono la volta, entrambi in quelli con terre e con mensole e cassettoni.

È difficile determinare quale proporzione di queste rose risalga al diciassettesimo secolo e quale risale all’eccessiva glorificazione della Savoia nel diciannovesimo secolo. Quando si ricorda, ad esempio, la distesa di pergamene di rose che ora forma il primo cornicione nella volta, fu descritta da Leonardo Marini alla fine del XVIII secolo come una “mensola con foglie di ulivo”.

La motivazione dei putti in stucco forma un collegamento tra il tamburo e il fregio affrescato nella parte superiore delle pareti. I sedici putti in stucco sul soffitto ad arco dividono questo spazio incorniciando i pannelli ornati da ghirlande di fiori e frutta, e altri putti alati sono stati affrescati sulle pareti in coppie da Isidoro Bianchi sotto le cornici lob lineari e su uno sfondo dorato . Ogni coppia di putti è a metà volo e gioca con un motivo dello stemma sabaudo come la Rosa di Cipro e le insegne cavalleresche, il “Collare dell’Annunziata”.

Le porte, originariamente scolpite da Casella, furono completamente rifatte nel diciannovesimo secolo “dai disegni di Domenico Ferri dello scultore Isella in quanto ridotte così gravemente”. I busti di Emanuele Filiberto e Margherita di Valois alle porte sud e nord e Maria Giovanna Battista sulla porta ovest furono anch’essi scolpiti da Isella.

L’attuale arazzo che imita un campione di finto damasco non antico lasciato in bella vista in un angolo della stanza. Si evita di immaginare l’originale armonia rossa e oro della stanza le cui pareti erano arricchite da “un arazzo in pelle di fondo rosso e fiori dorati in rilievo” che le conferiva un aspetto regale e maestoso. C’era persino spazio per “quattro dipinti circolari, che rappresentavano i quattro elementi” dipinti da Albani e attualmente nella Galleria Savoia, a Torino. Questa stanza era certamente una stanza di rappresentanza e non, come è stato spesso scritto, la camera da letto della duchessa, poiché l’inventario del 1644 spiega che le camere da letto erano al piano inferiore. Tra queste camere da letto ce n’era una con lenzuola reali in filo d’argento e cuscini di raso blu scuro e con frange dorate insieme a una balaustra dorata attorno al letto.

The Green Room
La decorazione di questa stanza è stata eseguita da Isidoro Bianchi e dal suo team. L’inventario del 1644 usa la definizione di “stanza verde” a causa del colore dominante degli arazzi in pelle appesi al muro (sfondo verde con fiori dorati) e non usa come riferimento il soggetto del dipinto al centro del soffitto, come è il caso con le altre stanze dell’appartamento. Questo ci porta a considerare il valore simbolico del colore, che è abbastanza evidente in tutti i pannelli ad affresco, specialmente negli abiti indossati dai personaggi che appaiono in essi. Il verde brillante simboleggia l’arrivo della primavera e un verde molto più scuro presenta la morte e la vita dopo la morte.

Anche l’affresco al centro del soffitto sembra avere un duplice messaggio in quanto rappresenta sia il trionfo di Flora attraverso l’offerta della città a Maria Cristina (così è stato visto da Marini sia i restauri del XIX secolo), insieme ad altri significato, non particolarmente nascosto che mostra eventi più oscuri. L’immagine assume un aspetto funerario a causa della presenza di un grande toro ornato con ghirlande floreali, accompagnato da tre fanciulle che evocano vittime sacrificali. Tuttavia, il dipinto nel cielo del segno zodiacale del Toro suggerisce la rinascita del toro. Vittorio Amedeo Sono nato sotto questo segno e la sua morte nel 1637 probabilmente ha spinto questo dipinto. Flora – Maria Cristina, con dinamici colori bianco-Savoia di bianco, il rosso e il blu non sono più rappresentati come si trova nella stanza “Dove nascono i fiori” che cammina felicemente attraverso un mondo di fiori; ma seduto con le braccia spalancate, il viso disegnato e stanco, circondato da una forte ombra e vicino a lei ci sono vasi vuoti o vasi con fiori appassiti (un Fleur-de-lis bianco e uno rosso).

Le cornici e i motivi nella decorazione a stucco che dividono il soffitto e il bordo finale nella parte superiore delle pareti collegano abilmente decorazioni affrescate e plastiche, e questo equilibrio mostra un’opera compatta e unitaria, come confermato da recenti restauri. Ma se studiamo lo schizzo settecentesco di Marini, restiamo perplessi da molti dettagli eseguiti su una singola parte dell’inquadratura e su singoli elementi decorativi. Se le figure femminili e i putti con le zampe vegetali si trovano in entrambe le immagini e si adattano allo stile del XVII secolo, la forma delle cornici degli affreschi a pannelli e le figure stesse appaiono piuttosto diverse, in effetti sono più simili ai pre stile del XIX secolo.

Il soffitto e il bordo decorato nella parte superiore delle pareti sono perfettamente in armonia tra loro e le loro singole stucchi e pannelli ad affresco hanno la stessa importanza e valore. Una coppia di putti con acanto e una scena dipinta si alternano in pannelli della stessa forma sul bordo in cima alle pareti. La metamorfosi nelle figurine lavorate a stucco rappresenta un ulteriore legame con i soggetti degli affreschi mitologicamente collegati alla nascita di piante e fiori descritti nella “Metamorfosi” di Ovidio. Questa è un’altra ambiguità che domina questa stanza.

Nei quattro affreschi dipinti sul soffitto ci sono: Giacinto, a terra colpito dal discus lanciato dal Febo, e il cui sangue genera l’omonimo fiore (Giacinto); Pyramus e Thisbe separati da un fiume di sangue e da cui cresce un giglio rosso brillante; Prometeo il cui fegato viene mangiato da un’aquila, e poi rinnovato e poi mangiato di nuovo, è raffigurato qui a terra con il petto aperto e Jonquils (Narcisi) che cresce dove cade il suo sangue; e l’Ajax, incapace di sopportare di non ricevere un trofeo di guerra, si lancia sulla sua spada e dal suo sangue cresce un Giacinto rosso. Tutte e quattro le storie mostrano il tema della morte di un eroe e della sua rigenerazione sotto forma di un fiore che ricorda immediatamente, ancora una volta, la morte dell’eroe Savoia Vittorio Amedeo nel 1637. Ciò si aggiunge all’aura già commemorativa della stanza. I dipinti nel bordo in cima alle pareti furono anch’essi ispirati dalla Metamorfosi di Ovidio, ma furono ulteriormente arricchiti da d’Agliè in dipinti in cui la presenza femminile è più significativa di quella maschile.

Sul muro occidentale c’è, come descrive d’Agliè “Helena che riposa su una lapide, piangendo e dalle sue lacrime nasce Elenii” e il banchetto di re Mida. Sul muro meridionale c’è: Venere su un carro trainato da cigni e accompagnato da Eros. Ai loro piedi crescono un giglio bianco e uno rosso (secondo la spiegazione di d’Agliè); Narciso sta guardando il suo riflesso nell’acqua sorgiva e fiori con lo stesso nome, Narciso (o narcisi) stanno crescendo sulla riva vicina. Sul muro orientale troviamo Ercole e Mercurio e, infine, sul muro settentrionale c’è Driope, con suo figlio Anfisso e la sorella Loti nel momento in cui, dopo aver raccolto i rami di una pianta di loto (che era appena stata trasformata da una ninfa) , si trasforma anche in uno. E infine il mito di Clizia, che è stato trasformato in un girasole, continua ad affrontare il sole.

I monogrammi intrecciati di Vittorio Amedeo e Cristina agli angoli della cornice dell’affresco centrale nel soffitto suggeriscono un deciso riferimento ai complessi affari della famiglia ducale tra il 1637 e il 1640. Questi anni furono caratterizzati dalla morte del duca, e sua moglie Maria Cristina ha difeso il suo potere una volta diventata Reggente e la sua determinazione a preservare questo potere e tramandarlo a suo figlio. L’offerta della città alla duchessa, il mito dell’eroe e la continuazione della vita dopo la morte, suggeriscono che questa stanza era destinata all’uso ufficiale della Reggenza – non è un caso che confina immediatamente con il grande salone in cui viene celebrata l’intera eroica storia della Savoia.

Castello del Valentino
Il Castello del Valentino è un edificio storico di Torino, situato nel Parco del Valentino sulle rive del Po. Oggi è di proprietà del Politecnico di Torino e ospita corsi di laurea (triennali e magistrali) in Architettura.

Nel diciannovesimo secolo il castello subì significativi interventi che distorcono la struttura del sistema del padiglione del diciassettesimo secolo. Nel 1858 furono demoliti i portici castellamontiani che collegavano i padiglioni, un piano sopra terra, e le gallerie a due piani furono costruite su progetto di Domenico Ferri e Luigi Tonta. A partire dal 1850-51, fu pianificata l’espansione della città a sud (l’attuale quartiere di San Salvario) e molto presto il castello del Valentino, da un edificio extraurbano, fu urbanizzato.

Il Castello del Valentino è stato inserito nella Lista del Patrimonio Mondiale dell’UNESCO dal 1997, così come nel sito seriale «Le Residenze sabaude», di proprietà del Politecnico di Torino, fondato dall’unione della Scuola di applicazione con il Regio Museo Industriale nel 1906 e sede principale dei Dipartimenti di Architettura.

Oggetto di recenti restauri, il Castello sta riacquistando il suo antico splendore. Le sale al primo piano sono state gradualmente riaperte e ospitano gli uffici della direzione del dipartimento di Architettura e Design del Politecnico di Torino. Il 12 maggio 2007 è stata riaperta la splendida sala dello Zodiaco, con il suo affresco centrale che raffigura mitologicamente il fiume Po con le caratteristiche di Poseidone.