La mostra “Time is Out of Joint”, nella galleria nazionale di arte moderna e contemporanea di Roma, offre un discorso sul tempo, la sua permanenza, impermanenza e stato in continua evoluzione, per sfidare e rinnovare lo spazio della galleria che consente nuove interpretazioni dell’arte che mai.

Un senso del tempo distorto, con l’arte della fine del 19 ° secolo, l’arte della metà del 20 ° secolo e l’arte recente del 21 ° secolo che non sembrano appartenere insieme. Tutto ha qualche relazione; sia con gli artisti, la materia, i movimenti in cui l’arte è stata prodotta, o semplicemente per l’estetica.

In ogni stanza, ci sono opere d’arte con mezzi diversi per farti pensare alla relazione dei pezzi insieme, ed è difficile poiché la maggior parte delle relazioni non sono ovvie. In un luogo in cui arte di diversi periodi di tempo e movimenti artistici sono riuniti in uno spazio, si riuniscono in una stanza vuota in cui le pareti e l’arredamento non hanno predisposizioni o potenziamento sull’arte. Ciò consente al pubblico di pensare al motivo per cui sono tutti messi insieme.

Contro le pareti bianche, questi pezzi si distinguono in un modo o nell’altro, che si tratti di colore, scala, cornici o dover camminare attorno a un pezzo che è stato posizionato in una posizione per guardare ogni angolo e interagire con esso. L’interazione tra l’arte e il pubblico, non toccando, ma attraverso movimenti, suoni o immagini provocatorie per farli fermare e pensare. Ciò che potrebbe essere diverso sono le etichette del muro, visto che includevano solo l’artista, il titolo dell’oggetto e la data, e non il materiale utilizzato o da dove proveniva.

Stanza 1
Roma 1911 anno del 50 ° anniversario
Questa sala, introduttiva al nuovo secolo, e le seguenti sale sono dedicate alla grande mostra internazionale che si tenne a Roma nel 1911 in occasione del cinquantesimo anniversario dell’Unità d’Italia. In quell’occasione fu costruito il Palazzo delle Belle Arti come sede permanente della galleria e fu urbanizzata la zona di Roma tra Valle Giulia e Viale Mazzini, fu costruito anche il ponte del Risorgimento (il primo ponte in cemento armato a Roma) per collegare il nuovo le zone.

Stanza 2
Roma, 1911, anno del 50 ° anniversario
È una stanza ricavata da un mezzanino, ci si arriva salendo le scale dalla stanza precedente, raramente è aperta al pubblico.

Ancora dedicato alla mostra del 1911 ma riservato ad artisti stranieri.

Stanza 3
Roma, 1911, anno del 50 ° anniversario

Un’altra sala dedicata alla Mostra del 1911, sembra prevalere il tema del lavoro, accanto ad artisti stranieri due opere di Roman Ferruccio Ferrazzi (1891 – 1978).

Stanza 4
Divisionisti del ventesimo secolo
Il corridoio che si affaccia sulla sala Balla è dedicato ai divisionisti del primo decennio del XX secolo, in Boccioni, Russolo e Cominetti, c’è un presagio di futurismo.

Stanza 5
Armando Spadini
La sala è dedicata al pittore fiorentino, romano di adozione, e ad altri che riportano echi post-impressionisti nella loro pittura.

Stanza 6
Roma 1911, Klimt e clima della scuola di secessione
La sala è dedicata a una delle gemme della galleria: Gustav Klimt, Le tre età delle donne, 1905.

Acquistato alla Mostra di Roma del 1911 dopo vari tipi di pressioni sul direttore della Galleria Ugo Fleres che non voleva acquistarlo. “È uno dei capolavori del maestro austriaco ed esemplare del suo stile: poetico per le immagini simboliche, musicale nella cadenza ritmica delle linee e nella sinfonia dei colori, meticoloso come il lavoro di un orafo nel contesto del doghe in oro e argento incastonate nella superficie dei colori che passano dalla trasparenza di un velo alla durezza vetrosa di uno smalto. L’opera è citata in: Argan, L’arte Moderna 1770/1970, Sansoni del 1970; e in Maria Hollingswrth, L’arte nella storia umana, 1997 Giunti.

Stanza 7
Balla: i debutti e l’esperienza divisionista
I dipinti di Balla nella galleria sono il risultato della donazione delle figlie dell’artista (1984), con alcune eccezioni. In questa stanza troviamo il Divisionista Balla. In quegli anni il suo studio fu frequentato da Boccioni, Severini e Sironi.

Sala 8
Ritratto di bella epoca
Nella sala sono presenti opere di ritrattistica mondana del primo decennio del secolo. Giovanni Boldini, Ritratto di M.lle Lanthelme, 1907.

L’attrice, amante di Alfred Edwads, una figura di grande finanza e proprietaria di giornali, tra cui Le Matin è rappresentata. Cadde in acqua dallo yacht e morì in circostanze poco chiare. Vestito di nero brillante, su uno sfondo scuro, l’arco in vita e il viso sono rosa, la mano sul lato, lo sguardo fisso di una sicurezza quasi sfacciata. Esempio di femminilità parigina. Da: catalogo della mostra Boldini tenutasi nella Galleria nel 2005. Giovanni Boldini, Ritratto della marchesa Casati, 1911-13.

Figlia di un ricco industriale lombardo, moglie del Marchese Camillo Casati, da cui si separò ufficialmente nel 1914. Dal 1906 al 1938 fu l’amante e ispiratrice musa di Gabriele D’Annunzio che la chiamò Corè, facendola protagonista in “Forse che sì, forse no. “Luisa Amman, questo è il vero nome, è stata in grado di creare un vero culto attorno alla sua leggendaria, eccentrica, misteriosa persona. Sempre originale, molto elegante, magnetico, accentratore, mecenate degli artisti (Sarah Bernhardt), collezionista anche dei suoi ritratti commissionati ad artisti e fotografi. La marchesa incontrò e ospitò Boldini che la chiamò “La Divina”. Da: catalogo della mostra su Boldini a Gnam nel 2005.

Paolo Troubetzkoy, Mia moglie, 1911. “Presentazione spiritosa di un modello di moda dell’epoca. Da una famiglia aristocratica russa, ha portato gli ultimi echi della scapigliatura lombarda, nel nuovo secolo”. Da: Palma Bucarelli, The National Gallery of Modern Art, 1973 State Polygraphic Institute.

Stanza 9
Il tempo delle avanguardie
La sala è dedicata alle avanguardie storiche che si sono affermate nei primi trenta anni del ventesimo secolo e sono articolate in movimenti reali concettualmente collegati tra loro e preparatori tra loro, sono: Espressionismo (Die Bruke 1905, non presente in Galleria / Fauves 1905), Cubismo 1907 / Futurismo 1910, Astrattismo (Der Blaue Reiter 1911 / Neoplasticismo 1917), Dada 1920, Metafisica 1917 (vedi sala De Chirico) e Surrealismo 1930 (vedi collezione Arturo Schwarz).

Espressionismo Nel 1905 a Dresda, in Germania, un gruppo di giovani pittori, con l’intenzione di rinnovare il linguaggio dell’arte, formulò un vero programma e gli fu dato il nome Die Brucke, ovvero Il ponte, la strada verso il futuro intesa come rinnovamento di arte. Gli artisti di questo gruppo credono che ogni lavoro possa in qualche modo influenzare la composizione dell’osservatore e proprio per sensibilizzare l’opinione pubblica sui problemi della realtà sociale, spesso rappresentano temi legati alla vita delle classi più svantaggiate, usando forme schematiche e colori violenti che comunicano grande drammaticità e tensione. Le immagini subiscono una violenta deformazione che esprime la tensione psicologica dell’artista. Nel 1911 il gruppo si sciolse, ne fecero parte: Ernest Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein e altri. L’espressionismo tedesco è anche una corrente letteraria.

In Francia, anche nel 1905, si manifesta il gruppo Fauves, ovvero Le belve, l’attenzione degli artisti è rivolta principalmente al colore, alla pennellata ampia e corposa e non a ciò che viene rappresentato. I principali esponenti sono: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Kees Van Dongen. Nel 1907 il gruppo si sciolse.

Cubismo Il più importante movimento d’avanguardia del secolo: Pablo Picasso e Georges Braque furono i suoi fondatori in Francia nel 1907. Partono dallo studio della realtà, ma lo scompongono e poi lo costruiscono sulla tela in un ordine particolare che annulla la distinzione tra le figure, gli oggetti e lo spazio in cui sono inseriti. Arrivarono al cubismo in seguito allo studio delle forme geometriche di Cezanne e allo studio della scultura primitiva africana che Matisse aveva fatto conoscere. Il termine cubismo fu coniato dalla stampa nel 1908 in seguito all’esposizione di alcuni dipinti di Braque in cui le case furono ridotte a cubetti: “Case all’Estaque”, (rilievo collinare nel sud della Francia) 1908, oggi a Berna. Per Apollinaire “con il cubismo l’arte non è più imitazione, ma pensiero” (da Apollinaire, pittori cubisti, 1911).

Futurismo Nel 1909, in Italia e Francia (su Figaròof Parigi il 20 febbraio) viene pubblicato il manifesto sul futurismo (Marinetti) che riguarda la letteratura, il teatro e il cinema. Nel 1910 seguì il Manifesto della pittura futurista e nel 1912 quello dell’architettura. Firmano il manifesto tecnico della pittura futurista: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla e Severini. Il sogno futurista è quello di distruggere il passato, solo il futuro può esistere e dobbiamo lottare per esso, rinnovandosi costantemente, abbandonando le regole imposte dalla tradizione. Immagini, suoni e parole non possono che essere nuovi in ​​un mondo sempre più rinnovato dalle macchine e in continua e rapida trasformazione. La rappresentazione degli effetti del movimento è quindi la base della pittura e della scultura futurista. Dal manifesto: “Un cavallo che corre non ha quattro zampe ma venti …”.

Astrattismo L’arte astratta inizia nel 1910, quando Kandinsky esegue un acquerello fatto di macchie colorate combinate con segni di penna: “Untitled”, 1910 Paris, Museum of Modern Art. Nel 1911 Vasili Kandinskijand Franz Marc fondò il movimento Der Blaue Reiter a Monaco, ovvero “Il cavaliere blu” affermando, come i cubisti, che l’immagine non ha bisogno di rappresentare la natura per comunicare, sensazioni, emozioni, idee suscitate dai colori, linee, dalle luci indipendentemente dal loro significato. Con l’astrattismo, l’arte vuole comunicare contenuti spirituali interni; non vuole interpretare la realtà, l’arte diventa espressione della vita psicologica dell’individuo. Questo movimento può essere definito come astrattismo lirico. Altri esponenti importanti sono Paul Klee e August Macke. Per Klee: “L’artista lavora irrazionalmente”.

Nel 1917 in Olanda il neoplasticismo si diffuse attraverso la rivista “De Stijl” del pittore Piet Mondrian. I dipinti di Mondrian si basano quasi ossessivamente su linee orizzontali e verticali che separano settori di colore compatto, senza sfumature, quasi sempre di colore primario: rosso, giallo, blu, Mondrian tende a eliminare qualsiasi interpretazione soggettiva e risolvere ogni problema compositivo come se stesse costruendo il prova di un teorema.

Avanguardia russa Dopo aver appreso del cubismo e del futurismo, gli artisti russi creano movimenti artistici d’avanguardia di importanza internazionale. Razzismo. Fondata dagli sposi Larianov, si definisce come una sintesi di cubismo e futurismo, è caratterizzata da linee scattanti e dinamiche, simili ai raggi di luce combinati con colori molto vivaci.

Suprematismo. Fondata nel 1915 da Kazimir Malevic in cui per la prima volta un’opera d’arte è composta solo da forme geometriche, la ricerca simile di Mondrian è successiva.

Costruttivismo. Fondato da Vladimir Evgrafovič Tatlin nel 1915, offre un’arte socialmente impegnata, il campo di ricerca preferito è il design industriale e l’architettura. Di Tatlin è il progetto mai realizzato del “Modello per il monumento alla Terza Internazionale” 1919-20.

Stanza 10
Collezione Schwarz – Opere Dada
Le opere in questa stanza e in quella successiva sono il risultato di una donazione privata del 1997. Il movimento è nato nel 1916 a Zurigo, dove artisti e intellettuali si erano rifugiati allo scoppio della prima guerra mondiale da quando la Svizzera era un paese neutrale. Tre anni prima Duchamp aveva creato “La ruota della bicicletta”. Partendo dal desiderio di rompere con la società e la cultura che hanno portato alla guerra, questi artisti hanno creato un movimento che infrange tutte le regole, anche quelle del linguaggio e dell’arte, la password è “niente”, la stessa parola Dada, dice Tzara , non significa niente. Marcel Duchamp vede un mondo pieno di oggetti prodotti in serie, per combattere questa conformità del gusto prende questi oggetti e li espone, come nel caso dell’orinatoio, chiamato fontana e firmato Mutt, presentato nel 1917 a New York.

Stanza 11
Collezione Schwarz – Surrealismo
La camera si trova nel mezzanino costruito sopra la stanza precedente. Il surrealismo, o realtà superiore, è un movimento letterario e artistico che ha rivalutato la parte irrazionale dell’uomo, cioè il mondo dell’inconscio, l’immaginazione, il sogno, gli impulsi psichici, la parte più profonda della nostra mente, di cui siamo non a conoscenza di. Per il poeta André Breton, che ha pubblicato il primo manifesto, il surrealismo deve esprimere il pensiero in modo “automatico”, senza il controllo della ragione. La creazione artistica diventa così immediata, automatica, in grado di registrare ogni battito del cuore interiore o vibrazione psicologica. L’arte surrealista si basa sulla ricerca psicoanalitica condotta da Sigmund Freud. Sono in sintonia con i movimenti più radicali di quegli anni. La prima mostra collettiva fu allestita a Parigi nel 1925 con Man Ray, Arp, Masson, Picasso,

Stanza 12
Il ritorno ai valori arcaici di un’Italia rurale
La sala è dedicata, come la seguente, a quegli artisti che, tra le due guerre mondiali, si unirono al movimento artistico chiamato “valori plastici”, prima e “Novecento” poi. Il ritorno all’ordine è inteso come il ripristino della tradizione e vuole il recupero del primitivista (Giotto) e della tradizione rinascimentale.

Valori plastici È un movimento artistico italiano legato alla rivista fondata da Mario Broglio (1918-22) che ha accolto artisti di vari background tra i suoi ranghi: Carrà, Morandi, De Chirico, Soffici e gli scultori Melli e Martini. Ha pubblicato monografie su artisti italiani e artisti e movimenti stranieri. Mentre la rivista aveva un’importante funzione informativa, il movimento era chiaramente orientato verso la chiamata all’ordine ed esaltava i valori della forma riferendosi alla tradizione del XV secolo.

Il movimento artistico italiano Novecento, espressione caratteristica della cultura nazionale emersa dalla prima guerra mondiale, sancì la rinuncia agli ideali dell’avanguardia, per elaborare, in chiave nazionalistica, i principi del “ritorno all’ordine”: il primitivista (Giotto) e tradizione rinascimentale, lo studio della forma – volume, le cui premesse si trovano già in Valori Plastici e nella pittura metafisica di Carrà e De Chirico. Era equivalente al Novecento letterario e musicale. Il suo certificato di nascita risale al 1922 con la mostra alla Galleria Pesaro di Milano di un primo raggruppamento (Bucci, Funi, Malerba, Oppi, Sironi, Dudreville e Marussig. Per la Biennale del 1924, nella presentazione Margherita Sarfatti, sperava in una più ampio dispiegamento di forze.

Stanza 13
Valori plastici, realismo magico,
XX secolo

Stanza 14
L’aria di Parigi
La sala è dedicata a Giorgio De Chirico e alla Metafisica, dal greco oltre il fisico, il movimento artistico ideato da lui e da Carrà a Ferrara nel 1917. A differenza del futurismo, la quiete assoluta domina nei dipinti della Metafisica. Le scene sono popolate da strani manichini anziché da esseri viventi: lo spazio, sempre definito in prospettiva, è irreale, appare limitato da costruzioni o elementi del paesaggio secondo un ordine non reale, in modo da far pensare ai sogni. All’interno di scenari impossibili, gli oggetti vengono assurdamente avvicinati e proiettano ombre ingrandite e incombenti. Il mondo metafisico è vuoto e disabitato. Oltre a De Chirico e Carrà altri esponenti furono Giorgio Morandi, Alberto Savinio (fratello di De Chirico) e Filippo de Pisis.

Stanza 15
Grandi correnti nazionali negli anni trenta
La sala è dedicata agli artisti più rappresentativi degli anni Trenta attribuibili al movimento artistico del Novecento. Possono essere considerati gli artisti “ufficiali” del regime dell’epoca.

Ai lati corti della sala due grandi opere testimoniano l’arte richiesta dal fascismo per la decorazione di edifici pubblici. Non possono essere fatti risalire al movimento del ventesimo secolo, ma possono essere considerati opere di evasione rispetto al clima culturale e politico del tempo. Sono opere apertamente in Dissense rispetto al regime, che usano i metodi dell’espressionismo che è già stato visto nella sala delle avanguardie.

La sala è dedicata al Neorealismo, un movimento culturale nato nel periodo di impegno politico della Resistenza che guarda all’aspetto sociale e soprattutto alla vita dura ma dignitosa degli umili, con un linguaggio comprensibile alle masse. Il neorealismo è espresso in letteratura con Pavese, Vittorini, Fenoglio, Pratolini; e al cinema con Rossellini (autore di Roma città aperta), Visconti (autore di La terra trema) e De Sica (autore di Ladri di biciclette e Sciuscià).

Stanza 17
La guerra nella memoria del dopoguerra – Corridoio e corte centrale

Sala 18
Nuovo fronte, neorealismo, postcubismo
La sala rappresenta la ricerca artistica dell’immediato dopoguerra.

Stanza 19
Evoluzione e atterraggi di arte astratta
Questa sala è anche dedicata alle molte voci artistiche del dopoguerra italiano, con una prevalenza di artisti che operano a Roma.

Camera 20 (temporaneamente chiusa)
Scultura non figurativa degli anni Cinquanta e sesta

Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea a Roma
La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, conosciuta anche come La Galleria Nazionale, è una galleria d’arte a Roma, in Italia. È stata fondata nel 1883 su iniziativa dell’allora ministro Guido Baccelli ed è dedicata all’arte moderna e contemporanea.

Ospita la collezione più completa dedicata all’arte italiana e straniera dal XIX secolo ad oggi. Tra dipinti, disegni, sculture e installazioni, le quasi 20.000 opere della collezione sono espressione delle principali correnti artistiche degli ultimi due secoli, dal neoclassicismo all’impressionismo, dal divisionismo alle avanguardie storiche dei primi del novecento, da futurismo e surrealismo, al nucleo più cospicuo di opere d’arte italiana tra gli anni 1920 e 1940, dal movimento del XX secolo alla cosiddetta scuola romana.

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea conserva la collezione completa di arte internazionale e italiana dal XIX al XXI secolo, composta da 20.000 opere d’arte, tra cui dipinti, disegni, sculture e installazioni e rappresenta i principali movimenti artistici degli ultimi due secoli . Dal neoclassicismo all’impressionismo, al divisionismo e alle avanguardie storiche dei primi del novecento, il futurismo, il surrealismo, il gruppo più notevole di opere dagli anni ’20 agli anni ’40, dal movimento del Novecento alla cosiddetta Scuola Romana, dal Pop Art to Arte Povera, arte contemporanea e artisti del nostro tempo e molti altri sono rappresentati e messi in mostra nella collezione e nello spazio de La Galleria Nazionale.

Il nuovo layout della galleria è stato inaugurato nell’ottobre 2016, sulla base di un progetto originale che, riducendo il numero di opere esposte, introduce la chiave di lettura non cronologica alla mostra principale “Time is out of joint”. Oltre al nuovo layout delle sale, vengono ridefiniti l’area di accesso ai servizi, denominata “area di benvenuto”, la biblioteca e la Sala delle Colonne. Pur mantenendo il nome istituzionale della National Gallery of Modern and Contemporary Art, la galleria assume un nuovo nome nella sua comunicazione, “The National Gallery”.