L’exposition « Time is Out of Joint », à la Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome, propose un discours sur le temps, sa permanence, l’impermanence et l’état en constante évolution, pour défier et rénover l’espace de la galerie qui permet de nouvelles interprétations de l’art que jamais auparavant.

Un sens du temps déformé, avec l’art de la fin du XIXe siècle, l’art du milieu du XXe siècle et l’art récent du XXIe siècle qui ne semblent pas aller de pair. Tout a une relation; que ce soit avec les artistes, le sujet, les mouvements dans lesquels l’art a été produit, ou simplement par l’esthétique.

Dans chaque pièce, il y a des œuvres d’art avec différents médiums pour vous faire réfléchir sur la relation des pièces entre elles, et c’est difficile car la plupart des relations ne sont pas évidentes. Dans un endroit où l’art de différentes époques et les mouvements artistiques sont réunis dans un seul espace, ils se réunissent dans une pièce vierge où les murs et le décor n’ont aucune prédisposition ni pouvoir sur l’art. Cela permet au public de réfléchir à la raison pour laquelle ils sont tous réunis.

Contre les murs blancs, ces pièces se distinguent toutes d’une manière ou d’une autre, que ce soit la couleur, l’échelle, les cadres ou le fait de devoir contourner une pièce qui a été placée à un endroit pour regarder sous tous les angles et interagir avec elle. L’interaction entre l’art et le public, non pas en touchant, mais par des mouvements, des sons ou des visuels provocateurs pour les faire s’arrêter et réfléchir. Ce qui pourrait être différent, ce sont les étiquettes murales, car elles n’incluent que l’artiste, le titre de l’objet et la date, et non le matériau utilisé ou d’où il provient.

Salle 1
Rome 1911 année du 50e anniversaire
Cette salle, introduction au nouveau siècle, et les salles suivantes sont dédiées à la grande exposition internationale qui s’est tenue à Rome en 1911 à l’occasion du cinquantième anniversaire de l’unification de l’Italie. À cette occasion, le Palazzo delle Belle Arti a été construit comme siège permanent de la galerie et le quartier de Rome entre Valle Giulia et Viale Mazzini a été urbanisé, le pont Risorgimento a également été construit (le premier pont en béton armé à Rome) pour relier le nouveau domaines.

Chambre 2
Rome 1911 l’année du 50e anniversaire
C’est une pièce obtenue d’une mezzanine, on peut y accéder en montant les escaliers de la pièce précédente, elle est rarement ouverte au public.

Toujours dédié à l’exposition de 1911 mais réservé aux artistes étrangers.

Salle 3
Rome 1911 l’année du 50e anniversaire

Autre salle dédiée à l’Exposition de 1911, le thème du travail semble prévaloir, aux côtés d’artistes étrangers deux œuvres du Roman Ferruccio Ferrazzi (1891 – 1978).

Salle 4
Les divisionnistes du XXe siècle
Le couloir qui surplombe la salle Balla est dédié aux divisionnistes de la première décennie du XXe siècle, à Boccioni, Russolo et Cominetti, il y a un présage de futurisme.

Salle 5
Armando spadini
La salle est dédiée au peintre florentin, romain d’adoption, et à d’autres qui rapportent des échos post-impressionnistes dans leur peinture.

Salle 6
Rome 1911, Klimt et le climat de l’école de sécession
La salle est dédiée à l’un des joyaux de la galerie: Gustav Klimt, Les trois âges des femmes, 1905.

Acheté à l’Exposition de Rome de 1911 après divers types de pressions sur le directeur de la Galleria Ugo Fleres qui ne voulait pas l’acheter. « Il est l’un des chefs-d’œuvre du maître autrichien et exemplaire de son style: poétique pour les images symboliques, musical dans la cadence rythmique des lignes et dans la symphonie des couleurs, aussi minutieux que le travail d’un orfèvre dans le cadre de la lamelles d’or et d’argent incrustées à la surface des couleurs qui passent de la transparence d’un voile à la dureté vitreuse d’un émail. L’œuvre est citée dans: Argan, L’arte Moderna 1770/1970, 1970 Sansoni et dans Mary Hollingswrth, L’art dans l’histoire humaine, 1997 Giunti.

Salle 7
Balla: les débuts et l’expérience divisionniste
Les peintures de Balla dans la galerie sont le résultat de la donation des filles de l’artiste (1984), à quelques exceptions près. Dans cette salle, nous trouvons le divisionniste Balla. Dans ces années, son atelier était fréquenté par Boccioni, Severini et Sironi.

Salle 8
Portrait de Bella epoque
Dans la salle, il y a des œuvres de portraits mondains de la première décennie du siècle. Giovanni Boldini, Portrait de M.lle Lanthelme, 1907.

L’actrice, amante d’Alfred Edwads, figure de la haute finance et propriétaire de journaux, dont Le Matin est représentée. Il est tombé à l’eau du yacht et est décédé dans des circonstances obscures. Vêtu de noir brillant, sur fond sombre, le nœud à la taille et au visage est rose, la main sur le côté, le regard fixe d’une sécurité presque effrontée. Exemple de féminité parisienne. Tiré du: catalogue de l’exposition Boldini tenue à la Galerie en 2005. Giovanni Boldini, Portrait de la marquise Casati, 1911-13.

Fille d’un riche industriel lombard, épouse du marquis Camillo Casati, dont elle se sépara officiellement en 1914. De 1906 à 1938, elle fut l’amante et la muse inspirante de Gabriele D’Annunzio qui l’appelait Corè, en fit le protagoniste de « Peut-être » que oui, peut-être pas. « Luisa Amman, c’est le vrai nom, a réussi à créer un véritable culte autour de sa personne légendaire, excentrique et mystérieuse. Toujours original, très élégant, magnétique, centralisateur, mécène d’artistes (Sarah Bernhardt), collectionneur également de ses portraits commandés à des artistes et photographes. La marquise a rencontré et accueilli Boldini qui l’a appelée « La Divina ». De: catalogue d’exposition sur Boldini à Gnam en 2005.

Paolo Troubetzkoy, Ma femme, 1911. « Présentation pleine d’esprit d’un mannequin de l’époque. Issu d’une famille aristocratique russe, il a fait entrer les derniers échos de la scapigliatura lombarde dans le nouveau siècle ». De: Palma Bucarelli, The National Gallery of Modern Art, 1973 State Polygraphic Institute.

Salle 9
Le temps des avant-gardes
La salle est dédiée aux avant-gardes historiques qui se sont établies au cours des trente premières années du XXe siècle et s’articulent en mouvements réels liés conceptuellement entre eux et préparatoires les uns aux autres, ce sont: l’expressionnisme (Die Bruke 1905, non présent dans la galerie / Fauves 1905), Cubism 1907 / Futurism 1910, Abstractionism (Der Blaue Reiter 1911 / Neoplasticism 1917), Dada 1920s, Metaphysics 1917 (voir la salle De Chirico) et Surrealism 1930 (voir la collection Arturo Schwarz).

Expressionnisme En 1905 à Dresde, en Allemagne, un groupe de jeunes peintres, avec l’intention de renouveler le langage de l’art, a formulé un véritable programme et a reçu le nom de Die Brucke, c’est-à-dire Le pont, la route vers l’avenir comprise comme le renouvellement de art. Les artistes de ce groupe croient que chaque œuvre peut en quelque sorte influencer la composition de l’observateur et précisément pour sensibiliser le public aux problèmes de la réalité sociale, ils représentent souvent des thèmes liés à la vie des classes les plus défavorisées, en utilisant des formes schématiques et des couleurs violentes qu’ils communiquent beaucoup de drame et de tension. Les images subissent une violente déformation qui exprime la tension psychologique de l’artiste. En 1911, le groupe se sépare, ils en font partie: Ernest Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein et autres. L’expressionnisme allemand est également un courant littéraire.

En France, également en 1905, le groupe des Fauves, c’est-à-dire Le belve, se manifeste, l’attention des artistes s’adresse principalement à la couleur, au coup de pinceau large et corsé et non à ce qui est représenté. Les principaux représentants sont: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Kees Van Dongen. En 1907, le groupe se sépare.

Cubisme Le mouvement d’avant-garde le plus important du siècle: Pablo Picasso et Georges Braque ont été ses fondateurs en France en 1907. Ils partent de l’étude de la réalité, mais la décomposent puis la construisent sur la toile dans un ordre particulier qui annule la distinction entre les figures, les objets et l’espace dans lequel ils sont insérés. Ils sont venus au cubisme suite à l’étude des formes géométriques de Cézanne et à l’étude de la sculpture primitive africaine que Matisse avait fait connaître. Le terme cubisme a été inventé par la presse en 1908 suite à l’affichage de quelques tableaux de Braque dans lesquels les maisons étaient réduites à de petits cubes: « Case all’Estaque », (relief vallonné du sud de la France) 1908, aujourd’hui à Berne. Pour Apollinaire «avec le cubisme, l’art n’est plus une imitation, mais une pensée» (d’après Apollinaire, Peintres cubistes, 1911).

Futurisme En 1909, en Italie et en France (sur Figaròof Paris le 20 février) est publié le manifeste du Futurisme (Marinetti) qui concerne la littérature, le théâtre et le cinéma. En 1910, il suit le Manifeste de la peinture futuriste et en 1912 celui de l’architecture. Ils signent le manifeste technique de la peinture futuriste: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla et Severini. Le rêve futuriste est de détruire le passé, seul l’avenir peut exister et il faut y tendre, se renouveler sans cesse, abandonner les règles imposées par la tradition. Les images, les sons et les mots ne peuvent être nouveaux que dans un monde de plus en plus renouvelé par les machines et en transformation continue et rapide. La représentation des effets de mouvement est donc à la base de la peinture et de la sculpture futuristes. Extrait du manifeste: « Un cheval qui court n’a pas quatre pattes mais vingt … ».

Abstractionnisme L’art abstrait commence en 1910, lorsque Kandinsky réalise une aquarelle faite de taches colorées combinées à des marques de stylo: « Sans titre », 1910 Paris, Musée d’art moderne. En 1911, Vasili Kandinskijand Franz Marc a fondé le mouvement Der Blaue Reiter à Monaco, c’est-à-dire « Le Chevalier Bleu » affirmant, comme les cubistes, que l’image n’a pas besoin de représenter la nature pour communiquer, les sensations, les émotions, les idées sont suscitées par les couleurs, lignes, des lumières indépendamment de ce qu’elles signifient. Avec l’abstractionnisme, l’art veut communiquer des contenus spirituels internes; il ne veut pas interpréter la réalité, l’art devient une expression de la vie psychologique de l’individu. Ce mouvement peut être défini comme un abstraitisme lyrique. D’autres représentants importants sont Paul Klee et August Macke. Pour Klee: « L’artiste travaille de façon irrationnelle ».

En 1917, aux Pays-Bas, le néoplasticisme s’est propagé à travers le magazine « De Stijl » du peintre Piet Mondrian. Les peintures de Mondrian sont presque obsédées par des lignes horizontales et verticales qui séparent des secteurs de couleur compacte, sans nuances, presque toujours de couleur primaire: rouge, jaune, bleu, Mondrian a tendance à éliminer toute interprétation subjective et à résoudre tous les problèmes de composition comme s’il construisait le preuve d’un théorème.

Avant-garde russe Après avoir découvert le cubisme et le futurisme, les artistes russes créent des mouvements artistiques d’avant-garde d’importance internationale. Racisme. Fondé par les époux Larianov, il se définit comme une synthèse du cubisme et du futurisme, il se caractérise par des lignes dynamiques et dynamiques, similaires à des rayons lumineux combinés à des couleurs très vives.

Suprématisme. Fondée en 1915 par Kazimir Malevic dans laquelle pour la première fois une œuvre d’art est composée uniquement de formes géométriques, les recherches similaires de Mondrian sont plus tard.

Constructivisme. Fondée par Vladimir Evgrafovič Tatlin en 1915, elle propose un art socialement engagé, le domaine de recherche privilégié étant le design industriel et l’architecture. Di Tatlin est le projet jamais réalisé du « Modèle pour le monument à la Troisième Internationale » 1919-20.

Salle 10
Collection Schwarz – Oeuvres Dada
Les œuvres de cette salle et de la suivante sont le fruit d’une donation privée de 1997. Le mouvement est né en 1916 à Zurich où artistes et intellectuels s’étaient réfugiés au début de la Première Guerre mondiale, la Suisse étant un pays neutre. Trois ans plus tôt, Duchamp avait créé « La roue de vélo ». Partant du désir de rompre avec la société et la culture qui ont conduit à la guerre, ces artistes ont créé un mouvement qui rompt toutes les règles, même celles de la langue et de l’art, le mot de passe est « rien », le même mot Dada, dit Tzara , ne signifie rien. Marcel Duchamp y voit un monde plein d’objets produits en série, pour lutter contre cette conformité du goût il prend ces objets et les expose, comme dans le cas de l’urinoir, appelé la fontaine et signé Mutt, présenté en 1917 à New York.

Salle 11
Collection Schwarz – Surréalisme
La chambre est située dans la mezzanine construite au-dessus de la pièce précédente. Le surréalisme, ou réalité supérieure, est un mouvement littéraire et artistique qui a réévalué la partie irrationnelle de l’homme, c’est-à-dire le monde de l’inconscient, l’imagination, le rêve, les impulsions psychiques, la partie la plus profonde de notre esprit, dont nous sommes pas averti de. Pour le poète André Breton, qui a publié le premier manifeste, le surréalisme doit exprimer la pensée de manière « automatique », sans contrôle de la raison. La création artistique devient ainsi immédiate, automatique, capable d’enregistrer chaque battement de coeur intérieur ou vibration psychologique. L’art surréaliste est basé sur les recherches psychanalytiques menées par Sigmund Freud. Ils sympathisent avec les mouvements les plus radicaux de ces années. La première exposition de groupe se déroule à Paris en 1925 avec Man Ray, Arp, Masson, Picasso,

Salle 12
Le retour aux valeurs archaïques d’une Italie rurale
La salle est dédiée, comme la suivante, aux artistes qui, entre les deux guerres mondiales, ont rejoint le mouvement artistique dit «valeurs plastiques», premier et «XXe siècle» ensuite. Le retour à l’ordre est compris comme la restauration de la tradition et veut le rétablissement de la tradition primitiviste (Giotto) et de la Renaissance.

Valeurs plastiques Il s’agit d’un mouvement artistique italien lié au magazine fondé par Mario Broglio (1918-22) qui accueillait des artistes d’horizons divers dans ses rangs: Carrà, Morandi, De Chirico, Soffici et les sculpteurs Melli et Martini. Il a publié des monographies sur les artistes italiens et les artistes et mouvements étrangers. Alors que la revue avait une fonction informative importante, le mouvement était clairement orienté vers l’appel à l’ordre, et exaltait les valeurs de la forme faisant référence à la tradition du XVe siècle.

Le mouvement artistique italien de Novecento, expression caractéristique de la culture nationale issue de la Première Guerre mondiale, a sanctionné la renonciation aux idéaux de l’avant-garde, pour élaborer, dans une tonalité nationaliste, les principes d’un « retour à l’ordre »: le tradition primitiviste (Giotto) et Renaissance, l’étude de la forme-volume, dont les prémisses se trouvent déjà dans Valori Plastici et dans la peinture métaphysique de Carrà et De Chirico. Il était équivalent au XXe siècle littéraire et musical. Son acte de naissance remonte à 1922 avec l’exposition à la galerie Pesaro de Milan d’un premier groupement (Bucci, Funi, Malerba, Oppi, Sironi, Dudreville et Marussig. Pour la Biennale 1924, dans la présentation Margherita Sarfatti, elle espérait un déploiement plus large des forces.

Salle 13
Valeurs plastiques, réalisme magique,
Vingtième siècle

Salle 14
L’air de Paris
La salle est dédiée à Giorgio De Chirico et à la métaphysique, du grec au-delà du physique, le mouvement artistique conçu par lui et par Carrà à Ferrare en 1917. Contrairement au futurisme, l’immobilité absolue domine dans les peintures de la métaphysique. Les scènes sont peuplées d’étranges mannequins au lieu d’êtres vivants: l’espace, toujours défini en perspective, est irréel, apparaît limité par des constructions ou des éléments de paysage selon un ordre non réel, de manière à faire penser au rêve. Dans des scénarios impossibles, les objets sont abordés de façon absurde et projettent des ombres grossies et imminentes. Le monde métaphysique est vide et inhabité. Outre De Chirico et Carrà, d’autres représentants étaient Giorgio Morandi, Alberto Savinio (le frère de De Chirico) et Filippo de Pisis.

Salle 15
Grands courants nationaux dans les années trente
La salle est dédiée aux artistes les plus représentatifs des années trente attribuables au mouvement artistique du XXe siècle. Ils peuvent être considérés comme les artistes « officiels » du régime de l’époque.

Sur les petits côtés de la salle, deux grandes œuvres témoignent de l’art que le fascisme exigeait pour la décoration des bâtiments publics. Ils ne peuvent pas être retracés au mouvement du XXe siècle, mais peuvent être considérés comme des œuvres d’Evasion en ce qui concerne le climat culturel et politique de l’époque. Ce sont des œuvres ouvertement dans Dissense par rapport au régime, qui utilisent les méthodes de l’expressionnisme qui ont déjà été vues dans la salle Avant-garde.

La salle est dédiée au Néoréalisme, un mouvement culturel né dans la période d’engagement politique de la Résistance qui regarde l’aspect social et surtout la vie dure mais digne des humbles, avec un langage compréhensible pour les masses. Le néoréalisme est exprimé dans la littérature avec Pavese, Vittorini, Fenoglio, Pratolini; et au cinéma avec Rossellini (auteur de Rome open city), Visconti (auteur de La terra trema) et De Sica (auteur de Bicycle Thieves et Sciuscià).

Salle 17
La guerre dans la mémoire de l’après-guerre – Couloir et cour centrale

Salle 18
Nouveau front, néoréalisme, postcubisme
La salle représente la recherche artistique de l’immédiat après-guerre.

Salle 19
Evolution et débarquements de l’art abstrait
Cette salle est également dédiée aux nombreuses voix artistiques de l’après-guerre italienne, avec une prédominance d’artistes opérant à Rome.

Chambre 20 (temporairement fermée)
Sculpture non figurative dans les années 50 et 6

Galerie nationale d’art moderne et contemporain à Rome
La Galerie nationale d’art moderne et contemporain, également connue sous le nom de La Galleria Nazionale, est une galerie d’art à Rome, en Italie. Il a été fondé en 1883 à l’initiative de l’ancien ministre Guido Baccelli et est dédié à l’art moderne et contemporain.

Il abrite la collection la plus complète consacrée à l’art italien et étranger du XIXe siècle à nos jours. Parmi les peintures, dessins, sculptures et installations, les près de 20 000 œuvres de la collection sont l’expression des principaux courants artistiques des deux derniers siècles, du néoclassicisme à l’impressionnisme, du divisionnisme aux avant-gardes historiques du début du XXe siècle, de futurisme et surréalisme, au noyau le plus visible d’œuvres d’art italien entre les années 1920 et 1940, du mouvement du XXe siècle à la soi-disant école romaine.

La Galerie nationale d’art moderne et contemporain conserve la collection complète d’art international et italien du XIXe au XXIe siècle, composée de 20 000 œuvres d’art, dont des peintures, des dessins, des sculptures et des installations, et elle représente les principaux mouvements artistiques des deux derniers siècles. . Du néoclassicisme à l’impressionnisme, au divisionnisme et aux avant-gardes historiques du début du XXe siècle, le futurisme, le surréalisme, le groupe d’œuvres le plus remarquable des années 20 aux années 40, du mouvement de Novecento à la soi-disant Scuola Romana, de Pop L’art à Arte Povera, l’art contemporain et les artistes de notre temps, et plus encore, sont représentés et présentés dans la collection et l’espace de La Galleria Nazionale.

Le nouvel aménagement de la galerie a été inauguré en octobre 2016, sur la base d’un projet original qui, en réduisant le nombre d’œuvres exposées, introduit la clé de lecture non chronologique à l’exposition principale «Le temps est hors du commun». En plus de la nouvelle disposition des salles, la zone d’accès aux services, appelée « zone d’accueil », la bibliothèque et la Sala delle Colonne sont redéfinies. Tout en conservant le nom institutionnel de la National Gallery of Modern and Contemporary Art, la galerie prend un nouveau nom dans sa communication, « The National Gallery ».