La exposición «El tiempo no está en común», en la Galería Nacional de arte moderno y contemporáneo de Roma, ofrece un discurso sobre el tiempo, su permanencia, impermanencia y estado en constante cambio, para desafiar y renovar el espacio de la galería que permite nuevas interpretaciones del arte que nunca antes.

Un sentido del tiempo distorsionado, con arte de finales del siglo XIX, arte de mediados del siglo XX y arte reciente del siglo XXI que no parecen estar juntos. Todo tiene alguna relación; ya sea con los artistas, el tema, los movimientos en los que se produjo el arte o simplemente por la estética.

En cada habitación, hay obras de arte con diferentes medios para hacerte pensar en la relación de las piezas juntas, y es difícil ya que la mayoría de las relaciones no son obvias. En un lugar donde el arte de diferentes períodos de tiempo y los movimientos artísticos se unen en un solo espacio, se unen en una habitación en blanco donde las paredes y la decoración no tienen predisposiciones o empoderamiento sobre el arte. Esto permite que la audiencia piense por qué están todos juntos.

Contra las paredes blancas, estas piezas se destacan de una forma u otra, ya sea de color, escala, los marcos o tener que caminar alrededor de una pieza que se colocó en un lugar para mirar en cada ángulo e interactuar con ella. La interacción entre el arte y el público, no al tocar, sino mediante movimientos, sonidos o imágenes provocativas para que se detengan y piensen. Lo que podría ser diferente son las etiquetas de las paredes, ya que solo incluyen el artista, el título del objeto y la fecha, y no el material utilizado o de dónde proviene.

Habitación 1
Roma 1911 año del 50 aniversario
Esta sala, introductoria al nuevo siglo, y las siguientes salas están dedicadas a la gran exposición internacional que se celebró en Roma en 1911 con motivo del cincuentenario de la unificación de Italia. En esa ocasión, se construyó el Palazzo delle Belle Arti como sede permanente de la galería y se urbanizó el área de Roma entre Valle Giulia y Viale Mazzini, también se construyó el puente Risorgimento (el primer puente de hormigón armado en Roma) para conectar el nuevo zonas

Sala 2
Roma 1911 el año del 50 aniversario
Es una habitación obtenida de un entrepiso, se puede llegar subiendo las escaleras desde la habitación anterior, rara vez está abierta al público.

Todavía dedicado a la Exposición de 1911, pero reservado para artistas extranjeros.

Sala 3
Roma 1911 el año del 50 aniversario

Otra sala dedicada a la Exposición de 1911, el tema del trabajo parece prevalecer, junto a artistas extranjeros, dos obras del romano Ferruccio Ferrazzi (1891 – 1978).

Sala 4
Divisionistas del siglo XX
El corredor que da a la sala Balla está dedicado a los divisionistas de la primera década del siglo XX, en Boccioni, Russolo y Cominetti, hay un presagio de futurismo.

Sala 5
Armando spadini
La sala está dedicada al pintor florentino, romano por adopción, y a otros que informan ecos posimpresionistas en su pintura.

Sala 6
Roma 1911, Klimt y clima de secesión escolar
La sala está dedicada a una de las gemas de la galería: Gustav Klimt, The Three Ages of Women, 1905.

Comprado en la Exposición de Roma de 1911 después de varios tipos de presión sobre el director de la Galería Ugo Fleres que no quería comprarlo. «Es una de las obras maestras del maestro austríaco y ejemplar de su estilo: poético para las imágenes simbólicas, musical en la cadencia rítmica de las líneas y en la sinfonía de los colores, tan meticuloso como el trabajo de un orfebre en el contexto de la listones dorados y plateados en la superficie de los colores que pasan de la transparencia de un velo a la dureza vítrea de un esmalte .. El trabajo se cita en: Argan, L’arte Moderna 1770/1970, 1970 Sansoni; y en Mary Hollingswrth, L ‘art in human history, 1997 Giunti.

Sala 7
Balla: los debuts y la experiencia divisionista
Las pinturas de Balla en la galería son el resultado de la donación de las hijas del artista (1984), con algunas excepciones. En esta sala encontramos al divisionista Balla. En esos años su estudio era frecuentado por Boccioni, Severini y Sironi.

Sala 8
Bella epoque retrato
En la sala hay obras de retratos mundanos de la primera década del siglo. Giovanni Boldini, Retrato de M.lle Lanthelme, 1907.

La actriz, amante de Alfred Edwads, una figura de altas finanzas y propietaria de periódicos, incluido Le Matin, está representada. Cayó al agua desde el yate y murió en circunstancias poco claras. Vestido de negro brillante, sobre un fondo oscuro, el lazo en la cintura y la cara son de color rosa, la mano a un lado, la mirada firme de una seguridad casi descarada. Ejemplo de feminidad parisina. Del: catálogo de la exposición Boldini realizada en la Galería en 2005. Giovanni Boldini, Retrato de la marquesa Casati, 1911-13.

Hija de un rico industrial lombardo, esposa del marqués Camillo Casati, de quien se separó oficialmente en 1914. De 1906 a 1938 fue la amante y musa inspiradora de Gabriele D’Annunzio que la llamó Corè, la convirtió en la protagonista de «Quizás eso sí, tal vez no «. Luisa Amman, este es el nombre real, fue capaz de crear un verdadero culto en torno a su legendaria, excéntrica y misteriosa persona. Siempre original, muy elegante, magnético, centralizador, mecenas de artistas (Sarah Bernhardt), coleccionista también de sus retratos encargados a artistas y fotógrafos. La marquesa conoció y recibió a Boldini, quien la llamó «La Divina». De: catálogo de la exposición sobre Boldini en Gnam en 2005.

Paolo Troubetzkoy, mi esposa, 1911. «Presentación ingeniosa de un modelo de moda de la época. De una familia aristocrática rusa, trajo los últimos ecos de la escapigliatura lombarda, al nuevo siglo». De: Palma Bucarelli, The National Gallery of Modern Art, 1973 State Polygraphic Institute.

Sala 9
El tiempo de las vanguardias.
La sala está dedicada a las vanguardias históricas que se establecieron en los primeros treinta años del siglo XX y se articulan en movimientos reales conceptualmente vinculados entre sí y preparatorios entre sí, son: Expresionismo (Die Bruke 1905, no presente en la Galería / Fauves 1905), Cubismo 1907 / Futurismo 1910, Abstraccionismo (Der Blaue Reiter 1911 / Neoplasticismo 1917), Dada 1920, Metafísica 1917 (ver sala De Chirico) y Surrealismo 1930 (ver colección Arturo Schwarz).

Expresionismo En 1905, en Dresde, Alemania, un grupo de jóvenes pintores, con la intención de renovar el lenguaje del arte, formuló un programa real y se le dio el nombre de Die Brucke, que es El puente, el camino hacia el futuro entendido como renovación de Arte. Los artistas de este grupo creen que cada trabajo puede influir de alguna manera en la composición del observador y, precisamente, para aumentar la conciencia pública sobre los problemas de la realidad social, a menudo representan temas relacionados con la vida de las clases más desfavorecidas, utilizando formas esquemáticas y colores violentos. que comunican gran drama y tensión. Las imágenes sufren una deformación violenta que expresa la tensión psicológica del artista. En 1911 el grupo se separó, formaron parte de él: Ernest Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein y otros. El expresionismo alemán es también una corriente literaria.

En Francia, también en 1905, el grupo Fauves, que es Le belve, se manifiesta, la atención de los artistas se dirige principalmente al color, a la pincelada amplia y con cuerpo, y no a lo que se representa. Los principales exponentes son: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Kees Van Dongen. En 1907 el grupo se separó.

Cubismo El movimiento de vanguardia más importante del siglo: Pablo Picasso y Georges Braque fueron sus fundadores en Francia en 1907. Comienzan desde el estudio de la realidad, pero la desglosan y luego la construyen sobre el lienzo en un orden particular que cancela La distinción entre las figuras, los objetos y el espacio en el que se insertan. Llegaron al cubismo siguiendo el estudio de las formas geométricas de Cézanne y el estudio de la escultura primitiva africana que Matisse había dado a conocer. El término cubismo fue acuñado por la prensa en 1908 tras la exhibición de algunas pinturas de Braque en las que las casas se redujeron a pequeños cubos: «Case all’Estaque», (relieve montañoso en el sur de Francia) 1908, hoy en Berna. Para Apollinaire «con el cubismo, el arte ya no es imitación, sino pensamiento» (de Apollinaire, pintores cubistas, 1911).

Futurismo En 1909, en Italia y Francia (en Figaròof París el 20 de febrero) se publica el manifiesto del futurismo (Marinetti) que se refiere a la literatura, el teatro y el cine. En 1910 siguió el Manifiesto de la pintura futurista y en 1912 el de la arquitectura. Firman el manifiesto técnico de la pintura futurista: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla y Severini. El sueño futurista es destruir el pasado, solo el futuro puede existir y debemos luchar por él, renovando constantemente, abandonando las reglas impuestas por la tradición. Las imágenes, los sonidos y las palabras solo pueden ser nuevos en un mundo cada vez más renovado por las máquinas y en una transformación continua y rápida. La representación de los efectos de movimiento es, por lo tanto, la base de la pintura y escultura futuristas. Del manifiesto: «Un caballo que corre no tiene cuatro patas sino veinte …».

Abstraccionismo El arte abstracto comienza en 1910, cuando Kandinsky realiza una acuarela hecha de manchas de colores combinadas con rotuladores: «Sin título», 1910 París, Museo de Arte Moderno. En 1911, Vasili Kandinskijand Franz Marc fundó el movimiento Der Blaue Reiter en Mónaco, que es «El Caballero Azul», afirmando, como los cubistas, que la imagen no necesita representar la naturaleza para comunicarse, las sensaciones, las emociones, las ideas se despiertan con los colores, líneas, desde las luces independientemente de lo que signifiquen. Con el abstraccionismo, el arte quiere comunicar contenidos internos y espirituales; no quiere interpretar la realidad, el arte se convierte en una expresión de la vida psicológica del individuo. Este movimiento puede definirse como el abstractismo lírico. Otros exponentes importantes son Paul Klee y August Macke. Para Klee: «El artista trabaja irracionalmente».

En 1917 en Holanda, el neoplasticismo se extendió por la revista «De Stijl» del pintor Piet Mondrian. Las pinturas de Mondrian se basan casi obsesivamente en líneas horizontales y verticales que separan sectores de color compacto, sin matices, casi siempre de color primario: rojo, amarillo, azul, Mondrian tiende a eliminar cualquier interpretación subjetiva y resolver cada problema de composición como si estuviera construyendo el prueba de un teorema.

Vanguardia rusa Después de aprender sobre el cubismo y el futurismo, los artistas rusos crean movimientos artísticos de vanguardia de importancia internacional. Racismo. Fundada por los cónyuges Larianov, se define como una síntesis del cubismo y el futurismo, se caracteriza por líneas ágiles y dinámicas, similares a los rayos de luz combinados con colores muy vivos.

Suprematismo Fundada en 1915 por Kazimir Malevic en la que, por primera vez, una obra de arte se compone solo de formas geométricas, la investigación similar de Mondrian es posterior.

Constructivismo. Fundada por Vladimir Evgrafovič Tatlin en 1915, ofrece un arte socialmente comprometido, el campo de investigación preferido es el diseño industrial y la arquitectura. Di Tatlin es el proyecto nunca realizado del «Modelo para el monumento a la Tercera Internacional» 1919-20.

Sala 10
Colección Schwarz – Obras Dada
Las obras en esta sala y en la siguiente son el resultado de una donación privada de 1997. El movimiento nació en 1916 en Zurich, donde artistas e intelectuales se habían refugiado en el estallido de la Primera Guerra Mundial ya que Suiza era un país neutral. Tres años antes, Duchamp había creado «La rueda de la bicicleta». Partiendo del deseo de romper con la sociedad y la cultura que condujo a la guerra, estos artistas han creado un movimiento que rompe todas las reglas, incluso las del lenguaje y el arte, la contraseña es «nada», la misma palabra Dada, dice Tzara. , no significa nada. Marcel Duchamp ve un mundo lleno de objetos producidos en masa, para combatir esta conformidad del gusto toma estos objetos y los exhibe, como en el caso del urinario, llamado la fuente y firmado Mutt, presentado en 1917 en Nueva York.

Sala 11
Colección Schwarz – Surrealismo
La habitación está ubicada en el entrepiso construido sobre la habitación anterior. El surrealismo, o realidad superior, es un movimiento literario y artístico que ha reevaluado la parte irracional del hombre, es decir, el mundo del inconsciente, la imaginación, el sueño, los impulsos psíquicos, la parte más profunda de nuestra mente, de la cual somos no consciente de. Para el poeta André Breton, quien publicó el primer manifiesto, el surrealismo debe expresar el pensamiento de una manera «automática», sin el control de la razón. La creación artística se convierte así en inmediata, automática, capaz de registrar cada latido interno o vibración psicológica. El arte surrealista se basa en la investigación psicoanalítica realizada por Sigmund Freud. Simpatizan con los movimientos más radicales de esos años. La primera exposición colectiva se realizó en París en 1925 con Man Ray, Arp, Masson, Picasso,

Sala 12
El regreso a los valores arcaicos de una Italia rural
La sala está dedicada, como la siguiente, a aquellos artistas que, entre las dos guerras mundiales, se unieron al movimiento artístico llamado «valores plásticos», primero y «siglo XX». El retorno al orden se entiende como la restauración de la tradición y quiere la recuperación de la tradición primitivista (Giotto) y renacentista.

Valores plásticos Es un movimiento artístico italiano vinculado a la revista fundada por Mario Broglio (1918-22) que acogió a artistas de diversos orígenes en sus filas: Carrà, Morandi, De Chirico, Soffici y los escultores Melli y Martini. Publicó monografías sobre artistas italianos y artistas y movimientos extranjeros. Si bien la revista tenía una función informativa importante, el movimiento estaba claramente orientado hacia la llamada al orden y exaltaba los valores de la forma que se referían a la tradición del siglo XV.

El movimiento artístico italiano Novecento, expresión característica de la cultura nacional que surgió de la Primera Guerra Mundial, sancionó la renuncia a los ideales de la vanguardia, para elaborar, en clave nacionalista, los principios de «un retorno al orden»: el primitivista (Giotto) y tradición renacentista, el estudio de la forma – volumen, cuyas premisas ya se encuentran en Valori Plastici y en la pintura metafísica de Carrà y De Chirico. Era equivalente al siglo XX literario y musical. Su certificado de nacimiento data de 1922 con la exposición en la Galería Pesaro de Milán de un primer grupo (Bucci, Funi, Malerba, Oppi, Sironi, Dudreville y Marussig. Para la Bienal de 1924, en la presentación Margherita Sarfatti, esperaba despliegue más amplio de fuerzas.

Sala 13
Valores plásticos, realismo mágico,
Siglo veinte

Sala 14
El aire de paris
La sala está dedicada a Giorgio De Chirico y Metaphysics, desde el griego más allá del físico, el movimiento artístico concebido por él y por Carrà en Ferrara en 1917. A diferencia del futurismo, la quietud absoluta domina en las pinturas de Metaphysics. Las escenas están pobladas por maniquíes extraños en lugar de seres vivos: el espacio, siempre definido en perspectiva, es irreal, parece limitado por construcciones o elementos del paisaje de acuerdo con un orden no real, para que uno piense en los sueños. Dentro de escenarios imposibles, los objetos se abordan absurdamente y proyectan sombras magnificadas y que se avecinan. El mundo metafísico está vacío y deshabitado. Además de De Chirico y Carrà, otros exponentes fueron Giorgio Morandi, Alberto Savinio (el hermano de De Chirico) y Filippo de Pisis.

Sala 15
Grandes corrientes nacionales en los años treinta
La sala está dedicada a los artistas más representativos de los años treinta atribuibles al movimiento artístico del siglo XX. Pueden considerarse los artistas «oficiales» del régimen de la época.

En los lados cortos de la sala, dos grandes obras atestiguan el arte que el fascismo requería para la decoración de los edificios públicos. No se remontan al movimiento del siglo XX, pero se pueden considerar obras de Evasión con respecto al clima cultural y político de la época. Son obras abiertamente en Dissense con respecto al régimen, que utilizan los métodos de expresionismo que ya se han visto en la sala de vanguardia.

La sala está dedicada al neorrealismo, un movimiento cultural nacido en el período de compromiso político de la Resistencia que analiza el aspecto social y, sobre todo, la vida dura pero digna de los humildes, con un lenguaje comprensible para las masas. El neorrealismo se expresa en la literatura con Pavese, Vittorini, Fenoglio, Pratolini; y en cine con Rossellini (autor de la ciudad abierta de Roma), Visconti (autor de La terra trema) y De Sica (autor de Bicycle Thieves y Sciuscià).

Sala 17
La guerra en la memoria de la posguerra: el corredor y la corte central

Sala 18
Nuevo frente, neorrealismo, postcubismo.
La sala representa la investigación artística del período inmediato de posguerra.

Sala 19
Evolución y aterrizajes del arte abstracto.
Esta sala también está dedicada a las muchas voces artísticas del período de posguerra italiano, con una prevalencia de artistas que operan en Roma.

Sala 20 (cerrada temporalmente)
Escultura no figurativa en los años cincuenta y sexto

Galería nacional de arte moderno y contemporáneo en Roma.
La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, también conocida como La Galleria Nazionale, es una galería de arte en Roma, Italia. Fue fundada en 1883 por iniciativa del entonces Ministro Guido Baccelli y se dedica al arte moderno y contemporáneo.

Alberga la colección más completa dedicada al arte italiano y extranjero desde el siglo XIX hasta nuestros días. Entre las pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones, las casi 20,000 obras en la colección son una expresión de las principales corrientes artísticas de los últimos dos siglos, desde el neoclasicismo hasta el impresionismo, desde el divisionismo hasta las vanguardias históricas de principios del siglo XX, desde futurismo y surrealismo, al núcleo más notable de obras de arte italiano entre las décadas de 1920 y 1940, desde el movimiento del siglo XX hasta la llamada escuela romana.

La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo conserva la colección completa de arte internacional e italiano del siglo XIX al XXI, compuesta por 20.000 obras de arte, que incluyen pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones, y representa los principales movimientos artísticos de los últimos dos siglos. . Del neoclasicismo al impresionismo, el divisionismo y las vanguardias históricas de principios del siglo XX, el futurismo, el surrealismo, el grupo más notable de obras de los años 20 a los 40, del movimiento del Novecento a la llamada Scuola Romana, del pop Art to Arte Povera, arte contemporáneo y artistas de nuestro tiempo, y más, están representados y exhibidos en la colección y el espacio de La Galleria Nazionale.

El nuevo diseño de la galería se inauguró en octubre de 2016, basado en un proyecto original que, al reducir el número de obras en exhibición, introduce la clave de lectura no cronológica de la exposición principal «El tiempo se ha salido de la articulación». Además del nuevo diseño de las habitaciones, se redefine el área de acceso a los servicios, llamada «área de bienvenida», la biblioteca y la Sala delle Colonne. Mientras conserva el nombre institucional de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, la galería adquiere un nuevo nombre en su comunicación, «La Galería Nacional».