A exposição “O tempo está fora de comum”, na Galeria Nacional de arte moderna e contemporânea de Roma, fornece um discurso sobre o tempo, sua permanência, impermanência e estado em constante mudança, para desafiar e renovar o espaço da galeria que permite novas interpretações da arte do que nunca.

Um senso de tempo distorcido, com arte do final do século XIX, arte de meados do século XX e arte recente do século XXI que parece não pertencer uma à outra. Tudo tem alguma relação; seja com os artistas, com o assunto, com os movimentos em que a arte foi produzida ou apenas com a estética.

Em cada sala, há obras de arte com diferentes mídias para fazer você pensar sobre a relação das peças juntas, e é difícil, pois a maioria das relações não é óbvia. Em um lugar onde arte de diferentes períodos e movimentos artísticos são reunidos em um espaço, eles se reúnem em uma sala em branco, onde as paredes e a decoração não têm predisposições ou empoderamento sobre a arte. Isso permite que o público pense sobre por que todos eles são reunidos.

Contra as paredes brancas, todas essas peças se destacam de uma maneira ou de outra, seja cor, escala, molduras ou ter que andar em torno de uma peça que foi colocada em um local para olhar em todos os ângulos e interagir com ela. A interação entre a arte e o público, não pelo toque, mas pelo movimento, sons ou visuais provocativos para fazê-los parar e pensar. O que poderia ser diferente são os rótulos das paredes, visto que eles incluíam apenas o artista, o título do objeto e a data, e não o material usado ou de onde veio.

Sala 1
Roma 1911 anos do 50º aniversário
Esta sala, introdutória ao novo século, e as seguintes salas são dedicadas à grande exposição internacional realizada em Roma em 1911, por ocasião do cinquentenário da unificação da Itália. Naquela ocasião, o Palazzo delle Belle Arti foi construído como sede permanente da galeria e a área de Roma entre Valle Giulia e Viale Mazzini foi urbanizada. Também foi construída a ponte Risorgimento (a primeira ponte de concreto armado em Roma) para conectar o novo áreas.

Quarto 2
Roma 1911, o ano do 50º aniversário
É uma sala obtida em um mezanino, você pode chegar lá subindo as escadas da sala anterior, raramente é aberta ao público.

Ainda dedicado à Exposição de 1911, mas reservado a artistas estrangeiros.

Quarto 3
Roma 1911, o ano do 50º aniversário

Outra sala dedicada à Exposição de 1911, o tema da obra parece prevalecer, ao lado de artistas estrangeiros duas obras de Roman Ferruccio Ferrazzi (1891 – 1978).

Quarto 4
Divisionistas do século XX
O corredor que dá para a sala Balla é dedicado aos separacionistas da primeira década do século XX, em Boccioni, Russolo e Cominetti, há um presságio de futurismo.

Quarto 5
Armando spadini
A sala é dedicada ao pintor florentino, romano por adoção, e a outros que relatam ecos pós-impressionistas em sua pintura.

Quarto 6
Roma 1911, Klimt e clima da escola de secessão
A sala é dedicada a uma das jóias da galeria: Gustav Klimt, As Três Idades das Mulheres, 1905.

Comprado na Exposição de Roma de 1911, após vários tipos de pressão sobre o diretor da Galleria Ugo Fleres, que não queria comprá-lo. “É uma das obras-primas do mestre austríaco e exemplar de seu estilo: poético para as imagens simbólicas, musical na cadência rítmica das linhas e na sinfonia das cores, tão meticuloso quanto o trabalho de um ourives no contexto da ripas de ouro e prata inseridas na superfície das cores que passam da transparência de um véu à dureza vítrea de um esmalte. O trabalho é citado em: Argan, L’arte Moderna 1770/1970, 1970 Sansoni; e em Mary Hollingswrth, L ‘arte na história da humanidade, 1997 Giunti.

Room 7
Balla: as estreias e a experiência divisionista
As pinturas de Balla na galeria são o resultado da doação das filhas do artista (1984), com algumas exceções. Nesta sala, encontramos o divisionista Balla. Naqueles anos, seu estúdio era frequentado por Boccioni, Severini e Sironi.

Room 8
Bella epoque portrait
Na sala, há obras de retratos mundanos da primeira década do século. Giovanni Boldini, Retrato de M.Lle Lanthelme, 1907.

A atriz, amante de Alfred Edwads, alta figura financeira e dona de jornais, incluindo Le Matin, está representada. Ele caiu na água do iate e morreu em circunstâncias pouco claras. Vestido de preto brilhante, sobre um fundo escuro, o laço na cintura e o rosto é rosa, a mão na lateral, o olhar firme de uma segurança quase descarada. Exemplo de feminilidade parisiense. De: catálogo da exposição Boldini realizada na Galeria em 2005. Giovanni Boldini, Retrato da Marquise Casati, 1911-13.

Filha de um rico industrial lombardo, esposa do Marquês Camillo Casati, de quem se separou oficialmente em 1914. De 1906 a 1938, foi amante e musa inspiradora de Gabriele D’Annunzio, que a chamou de Corè, fez dela a protagonista de “Talvez que sim, talvez não. “Luisa Amman, esse é o nome real, foi capaz de criar um verdadeiro culto em torno de sua pessoa lendária, excêntrica e misteriosa. Sempre original, muito elegante, magnético, centralizador, patrono dos artistas (Sarah Bernhardt), colecionador também de seus retratos encomendados a artistas e fotógrafos. A marquesa conheceu e recebeu Boldini, que a chamou de “La Divina”. De: catálogo de exposições da Boldini em Gnam em 2005.

Paolo Troubetzkoy, minha esposa, 1911. “Apresentação espirituosa de um modelo da época. De uma família aristocrática russa, trouxe os últimos ecos da scapigliatura lombarda para o novo século”. De: Palma Bucarelli, Galeria Nacional de Arte Moderna, 1973 State Polygraphic Institute.

Quarto 9
O tempo das vanguardas
O salão é dedicado às vanguardas históricas que se estabeleceram nos primeiros trinta anos do século XX e são articuladas em movimentos reais conceitualmente ligados entre si e preparatórios entre si, são eles: Expressionismo (Die Bruke 1905, não presente na Galeria) / Fauves 1905), Cubism 1907 / Futurism 1910, Abstractionism (Der Blaue Reiter 1911 / Neoplasticism 1917), Dada 1920, Metaphysics 1917 (veja a sala De Chirico) e Surrealismo 1930 (veja a coleção Arturo Schwarz).

Expressionismo Em 1905, em Dresden, Alemanha, um grupo de jovens pintores, com a intenção de renovar a linguagem da arte, formulou um programa real e recebeu o nome de Die Brucke, que é A ponte, o caminho para o futuro entendido como renovação de arte. Os artistas deste grupo acreditam que cada obra pode de alguma forma influenciar a composição do observador e, precisamente, para aumentar a conscientização do público sobre os problemas da realidade social, eles geralmente representam temas relacionados à vida das classes mais desfavorecidas, utilizando formas esquemáticas e cores violentas. que eles comunicam grande drama e tensão. As imagens passam por uma deformação violenta que expressa a tensão psicológica do artista. Em 1911, o grupo se separou: eles faziam parte: Ernest Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein e outros. O expressionismo alemão também é uma corrente literária.

Na França, também em 1905, o grupo Fauves, que é Le belve, se manifesta, a atenção dos artistas é principalmente voltada para a cor, para a pincelada ampla e encorpada e não para o que é representado. Os principais expoentes são: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain e Kees Van Dongen. Em 1907, o grupo se separou.

Cubismo O movimento de vanguarda mais importante do século: Pablo Picasso e Georges Braque foram seus fundadores na França em 1907. Eles começam no estudo da realidade, mas a dividem e a constroem na tela em uma ordem específica que cancela a distinção entre figuras, objetos e espaço em que estão inseridos. Eles chegaram ao cubismo após o estudo das formas geométricas de Cézanne e o estudo da escultura africana primitiva que Matisse havia conhecido. O termo cubismo foi cunhado pela imprensa em 1908, após a exibição de algumas pinturas de Braque, nas quais as casas foram reduzidas a pequenos cubos: “Case all’Estaque”, (relevo montanhoso no sul da França) 1908, hoje em Berna. Para Apollinaire “com cubismo, a arte não é mais imitação, mas pensamento” (de Apollinaire, pintores cubistas, 1911).

Futurismo Em 1909, na Itália e na França (em Figaròof Paris, em 20 de fevereiro), é publicado o manifesto do Futurismo (Marinetti), que trata de literatura, teatro e cinema. Em 1910, ele seguiu o Manifesto da pintura futurista e, em 1912, o da arquitetura. Eles assinam o manifesto técnico da pintura futurista: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla e Severini. O sonho futurista é destruir o passado, apenas o futuro pode existir e devemos lutar por ele, renovando-se constantemente, abandonando as regras impostas pela tradição. Imagens, sons e palavras só podem ser novidade em um mundo cada vez mais renovado por máquinas e em contínua e rápida transformação. A representação dos efeitos do movimento é, portanto, a base da pintura e escultura futuristas. Do manifesto: “Um cavalo correndo não tem quatro patas, mas vinte …”.

Abstracionismo A arte abstrata começa em 1910, quando Kandinsky executa uma aquarela feita de manchas coloridas combinadas com marcas de caneta: “Sem título”, 1910 Paris, Museu de Arte Moderna de Paris. Em 1911, Vasili Kandinskijand Franz Marc fundou o movimento Der Blaue Reiter em Mônaco, que é “O Cavaleiro Azul”, afirmando, como os cubistas, que a imagem não precisa representar a natureza para se comunicar, sensações, emoções, idéias são despertadas pelas cores, linhas, das luzes, independentemente do que elas significam. Com o abstracionismo, a arte quer comunicar conteúdos espirituais internos; ele não quer interpretar a realidade, a arte se torna uma expressão da vida psicológica do indivíduo. Esse movimento pode ser definido como abstracionismo lírico. Outros expoentes importantes são Paul Klee e August Macke. Para Klee: “O artista trabalha irracionalmente”.

Em 1917, na Holanda, o neoplasticismo se espalhou pela revista “De Stijl”, do pintor Piet Mondrian. As pinturas de Mondrian são quase obsessivamente baseadas em linhas horizontais e verticais que separam setores de cores compactas, sem nuances, quase sempre cores primárias: vermelho, amarelo, azul, Mondrian tende a eliminar qualquer interpretação subjetiva e resolver todos os problemas de composição como se estivesse construindo o prova de um teorema.

Vanguarda russa Depois de aprender sobre cubismo e futurismo, os artistas russos criam movimentos artísticos vanguardistas de importância internacional. Racismo. Fundada pelos cônjuges Larianov, define-se como uma síntese do cubismo e do futurismo, é caracterizada por linhas ágeis e dinâmicas, semelhantes aos raios de luz combinados com cores muito vivas.

Suprematismo. Fundada em 1915 por Kazimir Malevic, na qual pela primeira vez uma obra de arte é composta apenas de formas geométricas, a pesquisa semelhante de Mondrian é posterior.

Construtivismo. Fundada por Vladimir Evgrafovič Tatlin em 1915, oferece uma arte socialmente engajada, o campo de pesquisa preferido é o design e a arquitetura industriais. Di Tatlin é o projeto nunca realizado do “Modelo para o monumento à Terceira Internacional” 1919-20.

Room 10
Coleção Schwarz – Works Dada
As obras nesta sala e na seguinte são o resultado de uma doação privada de 1997. O movimento nasceu em 1916 em Zurique, onde artistas e intelectuais se refugiaram no início da Primeira Guerra Mundial desde que a Suíça era um país neutro. Três anos antes, Duchamp havia criado “A roda da bicicleta”. A partir do desejo de romper com a sociedade e a cultura que levaram à guerra, esses artistas criaram um movimento que quebra todas as regras, mesmo as de linguagem e arte, a senha é “nada”, a mesma palavra Dadá, diz Tzara , não significa nada. Marcel Duchamp, ele vê um mundo cheio de objetos produzidos em massa; para combater essa conformidade de gosto, ele pega esses objetos e os exibe, como no caso do mictório, chamado chafariz e assinado Mutt, apresentado em 1917 em Nova York.

Room 11
Coleção Schwarz – Surrealismo
A sala está localizada no mezanino construído acima da sala anterior. O surrealismo, ou realidade superior, é um movimento literário e artístico que reavalia a parte irracional do homem, ou seja, o mundo do inconsciente, imaginação, sonho, impulsos psíquicos, a parte mais profunda de nossa mente, da qual somos não está ciente. Para o poeta André Breton, que publicou o primeiro manifesto, o surrealismo deve expressar o pensamento de maneira “automática”, sem o controle da razão. A criação artística torna-se assim imediata, automática, capaz de registrar todos os batimentos cardíacos internos ou vibrações psicológicas. A arte surrealista baseia-se na pesquisa psicanalítica realizada por Sigmund Freud. Eles simpatizam com os movimentos mais radicais daqueles anos. A primeira exposição coletiva foi realizada em Paris em 1925, com Man Ray, Arp, Masson, Picasso,

Room 12
O retorno aos valores arcaicos de uma Itália rural
A sala é dedicada, como a seguir, aos artistas que, entre as duas guerras mundiais, aderiram ao movimento artístico chamado “valores plásticos”, primeiro e “século XX” da época. O retorno à ordem é entendido como a restauração da tradição e deseja a recuperação da tradição primitivista (Giotto) e renascentista.

Valores plásticos Trata-se de um movimento artístico italiano vinculado à revista fundada por Mario Broglio (1918-22) que acolheu artistas de diversas origens em suas fileiras: Carrà, Morandi, De Chirico, Soffici e os escultores Melli e Martini. Ele publicou monografias sobre artistas italianos e artistas e movimentos estrangeiros. Embora a revista tivesse uma importante função informativa, o movimento foi claramente orientado para o chamado à ordem e exaltou os valores da forma referente à tradição do século XV.

O movimento artístico italiano do Novecento, expressão característica da cultura nacional que emergiu da Primeira Guerra Mundial, sancionou a renúncia aos ideais da vanguarda, para elaborar, numa chave nacionalista, os princípios do “retorno à ordem”: o tradição primitivista (Giotto) e renascentista, o estudo da forma – volume, cujas premissas já se encontram em Valori Plastici e na pintura metafísica de Carrà e De Chirico. Era equivalente ao século XX literário e musical. Sua certidão de nascimento data de 1922 com a exposição na Galeria Pesaro, em Milão, de um primeiro agrupamento (Bucci, Funi, Malerba, Oppi, Sironi, Dudreville e Marussig. Para a Bienal de 1924, na apresentação Margherita Sarfatti, ela esperava implantação mais ampla de forças.

Room 13
Valores plásticos, realismo mágico,
Século XX

Room 14
O ar de Paris
A sala é dedicada a Giorgio De Chirico e Metafísica, do grego para além do físico, o movimento artístico concebido por ele e por Carrà em Ferrara em 1917. Ao contrário do futurismo, a imobilidade absoluta domina nas pinturas da Metafísica. As cenas são povoadas por estranhos manequins, em vez de seres vivos: o espaço, sempre definido em perspectiva, é irreal, parece limitado por construções ou elementos da paisagem de acordo com uma ordem não real, de modo a pensar nos sonhos. Em cenários impossíveis, os objetos são absurdamente abordados e projetam sombras ampliadas e iminentes. O mundo metafísico é vazio e desabitado. Além de De Chirico e Carrà, outros expoentes foram Giorgio Morandi, Alberto Savinio (irmão de De Chirico) e Filippo de Pisis.

Room 15
Grandes correntes nacionais nos anos trinta
O salão é dedicado aos artistas mais representativos dos anos 30, atribuíveis ao movimento artístico do século XX. Eles podem ser considerados os artistas “oficiais” do regime da época.

Nos lados curtos do salão, duas grandes obras testemunham a arte que o fascismo exigia para a decoração de edifícios públicos. Eles não podem ser rastreados até o movimento do século XX, mas podem ser considerados obras de evasão no que diz respeito ao clima cultural e político da época. São obras abertamente dissensas em relação ao regime, que usam os métodos do expressionismo já vistos no salão de vanguarda.

A sala é dedicada ao neorrealismo, um movimento cultural nascido no período de compromisso político da Resistência, que examina o aspecto social e, sobretudo, a vida dura, mas digna, dos humildes, com linguagem compreensível para as massas. O neorrealismo é expresso na literatura com Pavese, Vittorini, Fenoglio, Pratolini; e no cinema com Rossellini (autor de Roma, cidade aberta), Visconti (autor de La terra trema) e De Sica (autor de Bicycle Thieves and Sciuscià).

Quarto 17
A guerra na memória do pós-guerra – Corredor e tribunal central

Room 18
Nova frente, neorrealismo, pós-cubismo
A sala representa a pesquisa artística do pós-guerra imediato.

Quarto 19
Evolução e desembarques da arte abstrata
Esta sala também é dedicada às muitas vozes artísticas do período pós-guerra italiano, com predominância de artistas que operam em Roma.

Quarto 20 (temporariamente fechado)
Escultura não figurativa nos anos cinquenta e sexto

Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea de Roma
A Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea, também conhecida como La Galleria Nazionale, é uma galeria de arte em Roma, Itália. Foi fundada em 1883 por iniciativa do então ministro Guido Baccelli e é dedicada à arte moderna e contemporânea.

Abriga a coleção mais completa dedicada à arte italiana e estrangeira do século XIX até hoje. Entre pinturas, desenhos, esculturas e instalações, as quase 20.000 obras da coleção são uma expressão das principais correntes artísticas dos últimos dois séculos, do neoclassicismo ao impressionismo, do divisionismo às vanguardas históricas do início do século XX, de futurismo e surrealismo, ao núcleo mais conspícuo de obras de arte italiana entre as décadas de 1920 e 1940, desde o movimento do século XX até a chamada escola romana.

A Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea mantém a coleção completa de arte internacional e italiana do século XIX ao XXI, composta por 20.000 obras de arte, incluindo pinturas, desenhos, esculturas e instalações e representa os principais movimentos artísticos dos últimos dois séculos . Do neoclassicismo ao impressionismo, divisionismo e vanguardas históricas do início do século XX, Futurismo, surrealismo, o grupo mais notável de obras dos anos 20 aos 40, do movimento do Novecento à chamada Scuola Romana, do Pop Arte para Arte Povera, arte contemporânea e artistas de nossa época, e muito mais, são representados e exibidos na coleção e no espaço da La Galleria Nazionale.

O novo layout da galeria foi inaugurado em outubro de 2016, com base em um projeto original que, ao reduzir o número de obras em exibição, introduz a chave de leitura não cronológica na exposição principal “O tempo está fora de comum”. Além do novo layout das salas, a área de acesso aos serviços, denominada “área de boas-vindas”, a biblioteca e a Sala delle Colonne são redefinidas. Mantendo o nome institucional da Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea, a galeria ganha um novo nome em sua comunicação, “A Galeria Nacional”.