Rassegna della Biennale d’Arte di Venezia 2009, Italia

La 53. Esposizione Internazionale d’Arte, aperta al pubblico dal 7 giugno al 22 novembre 2009. La mostra principale della 53. Biennale di Venezia si intitola “Making Worlds”. Questa biennale comprende opere di 90 artisti e 77 padiglioni nazionali partecipanti, comprese le prime partecipazioni di Montenegro, Principato di Monaco, Repubblica del Gabon, Unione delle Comore ed Emirati Arabi Uniti.

Questa edizione della Biennale copre l’Esposizione Internazionale d’Arte nel Padiglione Centrale ai Giardini e all’Arsenale. Quest’anno le diverse sedi della Biennale saranno meglio collegate tra loro anche da un nuovo ponte – tra il Giardino delle Vergini e il Sestriere di Castello, che dona un senso di unità all’intera area dei Giardini-Arsenale.

La mostra principale della 53a Biennale di Venezia si intitola “Making Worlds”. La Biennale enfatizza il processo creativo in cui un’opera d’arte presenta la visione del mondo dell’artista, “Making Worlds” è una mostra guidata dall’aspirazione di esplorare i mondi intorno a noi e i mondi futuri. Si tratta di possibili nuovi inizi. “Creare mondi”. senza una spinta narrativa complessiva, ma una serie di micro, narrazioni curate che serpeggiano attraverso l’installazione, rime formali e concettuali, e così via, che le danno una trama divertente e ti guidano.

Un’opera d’arte rappresenta una visione del mondo e se presa sul serio può essere vista come un modo di fare un mondo. La forza della visione non dipende dal tipo o dalla complessità degli strumenti messi in gioco. Quindi tutte le forme di espressione artistica sono presenti: installazioni artistiche, video e film, scultura, performance, pittura e disegno, e una sfilata dal vivo. Prendendo ‘worldmaking’ come punto di partenza, la mostra permette anche di evidenziare l’importanza fondamentale di alcuni artisti chiave per la creatività delle generazioni successive, così come esplorare nuovi spazi per l’arte da dispiegare al di fuori del contesto istituzionale e al di là delle aspettative del mercato dell’arte.

Ci sono artisti che ispirano intere generazioni e non sempre questi artisti chiave sono i più visibili nel mondo dei musei e delle fiere. La mostra esplora fili di ispirazione che coinvolgono diverse generazioni e ne mostra le radici così come i rami che crescono in un futuro non ancora definito. La geografia del mondo dell’arte si sta espandendo rapidamente con l’emergere di nuovi centri: Cina, India, Medio Oriente… La mostra crea uno spettacolo articolato in singole zone di intensità, rimane una mostra.

Il concept della 53. Esposizione Internazionale d’Arte, comprende in particolare tre aspetti: La vicinanza ai processi di produzione, che “si traduce in una mostra che rimane più vicina ai luoghi della creazione e della formazione (lo studio, la bottega) rispetto al museo tradizionale mostra, che tende a mettere in luce solo l’opera finita stessa.Il rapporto tra alcuni artisti chiave e le generazioni successive: alcuni punti di riferimento storici ancorano la mostra… Un’esplorazione del disegno e della pittura, rispetto ai recenti sviluppi e alla presenza nelle ultime edizioni della Biennale di numerosi video e installazioni.

Lo spettacolo non cerca di illustrare una filosofia dell’arte, ma ammette che la Biennale di Venezia è esattamente quello che è: un insieme intelligente di intrattenimento estivo. Sulle convenzioni dell’intrattenimento artistico-mondiale, una sorta di strategia di presentazione di confronto e contrasto che ti sposta da uno spazio all’altro. La mostra alterna nomi affermati e nuove entusiasmanti sangue; cose non convenzionali di artisti noti e cose familiari di artisti non convenzionali…

Padiglioni Nazionali

Padiglione dell’Argentina
I due dipinti murali uno di fronte all’altro che compongono questa mostra, dalla loro stessa materialità, complessa e frammentaria, espansiva e dettagliata, trasformano queste tensioni nel loro soggetto. Come parte di esso e producendo un’interdipendenza tra le coordinate temporali e spaziali; tra l’opera e il suo contesto. Il dipinto è qui una scatola nera che trasforma e contiene quel contesto. In entrambi i lavori c’è un’organizzazione che riesce a moltiplicare e politicizzare i sensi attraverso il visivo. In questo tempo di perplessità globali, il lavoro di Noé offre uno sguardo lucido e le sfide di un grande artista. La crisi e le tensioni del mondo e della storia argentina sono un tema permanente e costitutivo dell’opera di Noé. Di qui anche il modo in cui l’artista sceglie di intitolare le sue opere,con frasi ironiche sui paradossi presenti.

I murales di Noé, dove una moltitudine di immagini coesistono in diversi nuclei di attenzione, attraverso diversi modi di dipingere e un insieme di variazioni (dalla miniatura al gesto, dal dettagliato al sinfonico), implicano l’accettazione critica del caos come principio creativo e coesistenziale. Le sue opere sono pura tensione dei sensi e un modo di trasformare la conoscenza in pittura e la pittura in un modo di conoscere il mondo. I due murales di Noé, divoratori e inclusivi, che rivelano l’energia di uno degli artisti più espansivi e vitalemente giovani dell’attuale Argentina, funzionano come reti che convocano, catturano, mostrano, costruiscono, propongono, discutono lo stato del mondo.

Padiglione dell’Australia
“MADDESTMAXIMVS” di Shaun Gladwell, una suite avvincente di cinque video tematicamente correlati con elementi scultorei e fotografici, influenzati dai paesaggi dell’outback australiano e dagli iconici film di Mad Max. Il progetto riunisce le video installazioni di filmati al rallentatore, marchio di fabbrica dell’artista, di figure che intraprendono atti di virtuosismo fisico, con opere scultoree e interventi nel tessuto del Padiglione stesso. Il rigore concettuale e il formalismo visivo delle opere video di Gladwell hanno assicurato che non funzionassero mai come semplici glorificazioni di pratiche urbane di strada come il pattinaggio o, successivamente, la BMX, la break-dance, la capoeira, il taekwondo e simili. MADDESTMAXIMVS segna un cambiamento dalla precedente attenzione di Gladwell sugli ambienti urbani e si impegna invece in un performativo,esplorazione personale dei confini e delle possibilità di un rapporto umano con l’entroterra australiano.

MADDESTMAXIMVS guarda anche alle diverse esperienze del tempo e dell’essere, in particolare attraverso il rapporto del corpo umano con l’ambiente circostante. Gli elementi chiave che si sono sviluppati attraverso la pratica successiva di Gladwell erano già evidenti nei suoi primi lavori video. Soprattutto, le opere raffiguravano (o prendevano il punto di vista di) figure che si esibivano in spazi pubblici all’aperto, da un lato interrompendo le funzioni e le convenzioni sociali e architettoniche di quegli spazi, dall’altro articolando fisicamente le proprie esperienze del luogo. I suoi esperimenti utilizzavano slow motion e paesaggi sonori ambientali per rallentare il tempo e concentrare i dettagli visivi dei corpi in movimento, e per rivelare le sottili sfumature e le qualità essenziali delle attività dei suoi artisti. Questo continua a tradursi in poetico,rappresentazioni ipnotiche e meditative che aprono le attività stesse ad un’ampia gamma di letture.

Padiglione del Brasile
Il Padiglione del Brasile ha presentato dal vivo e lavora nella zona nord/nordest del Brasile appena sotto l’Equatore. In questi luoghi il sole equatoriale picchia inesorabilmente verso il basso, a volte con una luminosità quasi accecante, a differenza della luce idilliaca e soffusa dei tropici, spesso identificata con l’immaginario brasiliano. È dunque un altro Brasile – un’altra luce, temperatura, paesaggio, gusto, odore, suono, sguardo – che si sviluppa nella loro produzione. Introdurre questi luoghi non è una priorità nella pratica, artisti e fotografi si sforzano di affermare il luogo da cui parlano e di esplorare le possibilità di esprimere e rivelare altri mondi, altre prospettive.

Padiglione dell’Asia centrale (Kazakistan, Kirghizistan, Tagikistan e Uzbekistan)
“Making Interstices” si propone di riconoscere le intricate distinzioni e opzioni del fare arte nel mondo globale. Making Interstices indica il modo in cui gli artisti lavorano, operano e producono nei paesi dell’Asia centrale durante le turbolenze politiche ed economiche degli ultimi trent’anni. La condizione di non comunicazione in questi interstizi serve come fuga dalle forme dominanti di potere politico ed economico. Sembra che le produzioni d’arte contemporanea e i loro creatori non abbiano una collocazione e una posizione significative nelle priorità politiche, economiche, ufficiali e sociali nei suddetti territori. In questa ambiguità di esistente e non esistente, queste scene d’arte assomigliano a interstizi di non comunicazione. Tuttavia, evidentemente generano spazi alternativi in ​​queste società.L’emergere attuale di tentativi individuali di comunicare con potenziali partner internazionali e iniziative di gruppo è un fenomeno che può instaurare un nuovo dialogo tra la società e lo Stato.

Gli artisti operano per creare nuclei prolifici di libero pensiero ed espressione, suggeriscono modelli di resistenza verbali o visivi poco appariscenti o minuti e influenzano silenziosamente le giovani generazioni. Making Interstices si propone di riconoscere le intricate distinzioni e opzioni del fare arte nella molteplicità del mondo globale. Se Making Worlds presenta l’ampio spettro e il processo dell’arte di oggi, Making Interstices indica il modo in cui gli artisti lavorano, operano e producono nei paesi dell’Asia centrale – e in molti altri paesi che hanno tensioni simili tra il recente passato e il presente, cioè in tutto il mondo politico ed economico turbolenze degli ultimi trent’anni. Le complicazioni violente delle rapide trasformazioni ideologiche e governative hanno aggravato la capacità degli artisti di scoprire,impiegare e sfruttare i piccoli divari (interstizi) tra la macropolitica e l’economia convenzionali e il più delle volte oppressive. Making Interstices è una strategia che consente all’artista di configurare liberamente i propri pensieri, desideri e umorismo in un intervento tattico, sperimentale ed esplorativo attraverso l’arte…

Padiglione del Cile
Iván Navarro presenta un gruppo di opere in una prospettiva socio-politica. L’artista conosciuto sulla scena internazionale grazie a numerose mostre personali. Realizza complesse sculture di luce, sviluppando il concetto di conversione dell’energia attraverso oggetti e installazioni specifiche fatte di oggetti di uso quotidiano, legandoli a una precisa critica del potere. Con il tema intessuto in tutta la sua opera, l’artista formalizza il suo lavoro Threshold in tre elementi/momenti separati. I materiali che utilizza, contraddistinti da un’apparente freddezza con estrema enfasi sugli aspetti tecnici, sono totalmente dipendenti dall’energia elettrica, proponendo una metafora di fondo dei fluidi corporei e della loro azione nel generare vita e “animare” gli oggetti.

Death Row è composto da tredici porte in alluminio con all’interno una luce al neon. Questo crea uno spazio ottico nello spazio, producendo un effetto di corridoi che attraversano un muro. Resistance è un’installazione (scultura collegata a un video): è una bicicletta legata a una sedia fatta di tubi fluorescenti che si attivano al movimento dei pedali. Nel video la stessa bicicletta fa il giro di Times Square a New York, mostrando il netto contrasto tra l’arredo urbano luminoso e le luci generate dalla forza muscolare del ciclista. Bed è una scultura circolare posta a terra. Dà l’impressione di un buco profondo in cui la parola “LETTO” è illuminata a “infinito”. L’opera pone interrogativi sulla possibilità di un mondo al di là del muro, ma elimina la possibilità di entrare in quel regno.Questo elemento di illusione e il parallelismo tra l’essere umano e l’elettricità, nella sua espressione industriale e fluorescente, sono caratteristiche costanti nel percorso artistico di Navarro.

Padiglione della Cina
“Open Wall” di Shan Shan Sheng è un’installazione in vetro su larga scala, il progetto che reinterpreta una sezione della Grande Muraglia cattura un intervallo del patrimonio della Cina, traducendo questa struttura storica come una zona temporanea di architettura in vetro. Questa installazione rappresenta la ritrovata apertura della Cina contemporanea e impegna il momento contemporaneo come momento cardine dello scambio globale. Open Wall è un esempio del fascino di Shan Shan Sheng per l’architettura, i materiali, la memoria nazionale e la percezione del tempo. Rinomata per i suoi dipinti su larga scala e le sculture sospese a Shanghai, Hong Kong e Pechino, le installazioni di arte concettuale di Sheng attivano e trasformano la lettura dei motivi tradizionali cinesi e dei luoghi della memoria.

Open Wall ricostruisce un momento della Grande Muraglia cinese come un assemblaggio di mattoni di vetro. I mattoni di vetro diventano una sorta di moneta culturale, da distribuire e ridistribuire in fase di installazione. Open Wall suggerisce la possibilità del momento contemporaneo della Cina, aprendo la cultura all’economia globale e uno scambio di idee senza precedenti. Open Wall di Sheng è una scultura iridescente unica, che indica una soglia di trasparenza e opacità, come simbolo critico dell’intersezione della Cina con la cultura occidentale. Facilmente smontabile e rimontabile, Open Wall di Sheng evoca un momento di flusso e consumo reciproco. Open Wall è composto da 2.200 mattoni di vetro, corrispondenti ai 2.200 anni di costruzione della Grande Muraglia.Sheng reinventa la Grande Muraglia come un padiglione temporaneo di vetro impilato; la sua installazione evoca il flusso squisito ma transitorio del tempo globalizzato.

Padiglione delle Isole Comore
Paolo W. Tamburella ha riparato e restaurato una delle ventotto barche abbandonate al porto, con l’aiuto degli operai di Moroni. La barca Djahazi è stata per secoli l’unico mezzo di trasporto per i comoriani, un modo per comunicare con i paesi vicini e per creare nuove relazioni commerciali. Nel 2006, a seguito della modernizzazione del porto, è stato vietato l’uso del Djahazi, interrompendo così una lunga tradizione di portuali comoriani sulle isole e collocando le Comore in un nuovo capitolo dell’economia globale. Questa nave, che è stata caricata con un normale container utilizzato nella maggior parte del commercio odierno, rappresenta una metafora di una globalità ambivalente, che riunisce speranza e disperazione, emergenza ed emergenza,in una sorta di racconto ammonitore sulle nuove forme del sacrificabile in un mondo di incertezza e di transizione.

Padiglione della Danimarca
“The Collectors” di Elmgreen & Dragset, trasformano i padiglioni danese e nordico in ambienti domestici dove il pubblico è invitato come ospite. Sale da pranzo, camere da letto, mobili, caminetti, un lucernario in vetro colorato e le opere d’arte nascoste all’interno delle famiglie, rivelano le storie inquietanti di abitanti immaginari, con i loro personaggi ossessivi e stili di vita diversi. Il progetto mira a creare una sensazione di intimità con la loro mostra allestita, in stretta collaborazione con gli artisti e i designer partecipanti, per aggirare i soliti aspetti competitivi del più ampio evento artistico. Le opere selezionate, insieme al design degli interni, alle stoviglie, all’abbigliamento e persino a una collezione di mosche, compongono le complesse narrazioni di questa doppia mostra. Attraverso la casa d&eaute;cor e la collezione di opere d’arte, i capi negli armadi, le porcellane in cucina e i libri in biblioteca, le identità degli abitanti immaginari, le loro passioni e malinconiche, emergono pezzo per pezzo.

Il pubblico è stato guidato in un tour da un agente immobiliare attraverso un padiglione danese “In vendita” e gli è stata raccontata la storia dei drammi familiari che un tempo perseguitavano questa casa. Il vicino Padiglione Nordico è stato trasformato in uno sgargiante appartamento da scapolo. Qui il pubblico sperimenta non solo la collezione di opere d’arte contemporanea e design del misterioso Mr. B., ma anche la sua collezione di costumi da bagno usati degli ex amanti. Come indica il titolo ‘The Collectors’, la mostra affronta il tema del collezionismo, e la psicologia dietro la pratica di esprimersi attraverso oggetti fisici. Avvicinandosi al tema del collezionismo, e alla psicologia che sta dietro la pratica di esprimersi attraverso oggetti fisici.Il progetto ha posto la domanda come Perché raccogliamo oggetti e ci circondiamo di essi nella nostra vita quotidiana? Quali meccanismi del desiderio innescano la nostra selezione?

Padiglione della Francia
Quest’anno Claude Lévêque è l’artista che rappresenta la Francia alla 53. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia. Al Padiglione francese, presenta un’installazione intitolata “Le Grand Soir”, che era in linea con la spinta del suo lavoro. Un concetto unicamente francese della vigilia della Rivoluzione, “Le Grand Soir” evoca il momento in cui il mondo è cambiato.

Il padiglione francese sembra un catafalco. Dietro il peristilio si erge un muro nero, cieco, muto, poco accogliente. Anche la facciata concava è dipinta di nero. Il movimento è stato limitato, i sentimenti sono stati trattenuti. La luce è intensa, le pareti perlacee la raffreddano e la diffrangono. è la penombra, l’oscurità dove brillano i riflessi. Alla fine, bandiere nere tremanti in lontananza innalzano l’immagine di una speranza radicale, o disperazione di distruzione.

Padiglione della Germania
“Kitchen” di Liam Gillick, ha trasformato il padiglione tedesco in una cucina rigorosa e spoglia, possibile riferimento all’iconica Frankfurter Kitchen. Il padiglione non è stato modificato né mascherato. l’interno e l’esterno dell’edificio sono lasciati in forma essenziale in modo che possano essere visti ed esaminati. Dipinto di bianco di recente per la manutenzione generale dell’edificio, Gillick ha lasciato le pareti in questo modo per creare uno sfondo eccezionale per la sua installazione. Ogni stanza dell’edificio è lasciata aperta. nessuna parte del padiglione è stata chiusa o utilizzata come deposito. Una struttura simile a una cucina costruita in semplice legno di pino. Mancano gli elettrodomestici, ma la ‘cucina’ esiste come diagramma di aspirazione, funzione ed eco di modernismo applicato che risuona in opposizione alla grandezza corrotta del padiglione.

Gillick paragona la cucina a qualcosa tra Ikea e qualcosa di molto più moderno, una sorta di modernità alternativa. Non si tratta di un grande simbolismo, non si tratta di un’ideologia eccessiva. È quell’altro modernismo, quello che porta in un certo senso alla cucina contemporanea. Come tocco finale, Gillick e il suo team di studio a Berlino, hanno creato un gatto animatronico come occupante della cucina che si trova sopra uno degli armadietti. Il gatto combatte contro l’eco dell’edificio e ci racconta una storia circolare che non finisce mai. Il gatto è in cucina, i bambini sono in cucina: “Non mi piace”, dice il ragazzo. “Non mi piace”, dice la ragazza. “Non mi piaci”, pensa il gatto.Il progetto ha costretto il visitatore a porsi la domanda chi parla a chi e con quale autorità?

Padiglione del Giappone
“Windswept Women: The Old Girls’ Troupe” di Miwa Yanagi, trasformata dal Padiglione del Giappone in una struttura autoportante o temporanea, coprendone l’esterno con un nero. Il progetto assomiglia alla fluidità e mobilità della tenda temporanea del teatro. All’interno, Yanagi installa giganteschi supporti fotografici alti 4 metri contenenti ritratti di donne di varie età. In mostra anche un nuovo lavoro video e una serie di piccole fotografie. Entrando, gli spettatori si sentono disorientati, perdendo il senso della scala e della prospettiva mentre camminano tra opere di grandi dimensioni. Il motivo di questa installazione è una troupe composta esclusivamente da donne che viaggiano con la loro casa mobile, in cima alla loro roulotte.

La vetrina fotografica delle donne gigantesche che Yanagi ha creato per Venezia simboleggia la risoluzione. Rimangono immobili nonostante siano circondati da un vento turbolento. Qualunque cosa accada, tengono i piedi ben piantati a terra. Presentate in cornici decorative dal design elaborato, queste donne sembrano surreali ma incarnano anche un elemento di nostalgia. Sebbene le immagini stesse abbiano una qualità macabra, ci incoraggiano ad abbracciare la vitalità.

Padiglione della Corea
“Condensation” di Haegue Yang, esplora spazi privati ​​o nascosti che potrebbero essere considerati nebensächlich (marginali o insignificanti), ma che per l’artista costituiscono fondali profondi per la comprensione: i luoghi vulnerabili dove può avvenire lo sviluppo informale. Queste decorazioni funzionali per la casa sfidano rigidi concetti di design o periodizzazione per enfatizzare la non estetica della sfera privata, dove il sé è curato e contemplato e può essere condiviso in modo diverso.

Usando la metafora della condensazione, yang cerca la comunicazione diretta con persone sconosciute attraverso un percorso di scambio apparentemente intangibile, che impartisce informazioni non funzionali ma ontologicamente significative. Composto da un sistema labirintico di veneziane impilate inondate di luce naturale, una serie di disposizioni vulnerabili – voce e vento, evoca ombre di luoghi ed esperienze non fisicamente presenti. qui yang utilizza tende veneziane di produzione commerciale in colori e motivi indescrivibili e incategorizzabili che esistono al limite del gusto. Mentre i suoi spettatori rimangono senza nome e senza volto l’uno per l’altro e per l’artista, la “comunicazione condensata” di Yang, che si svolge incessantemente in momenti e luoghi imprevedibili, offre una possibilità di riconoscimento condiviso.Attivando la soggettività e resistendo alle definizioni formali di efficienza, Yang alimenta una comprensione spettrale ma reale che ispira l’accettazione cieca e completa degli altri.

Padiglione dell’America Latina
“Fare Mondi/Making Worlds”, una mostra unica che intreccia temi diversi in un’unità organica, dove le opere interagiscono e dialogano tra loro e lo spazio stesso. A Olimpo Fernando Falconí (Ecuador) esplora l’immagine del vulcano Chimborazo, punto di riferimento geografico e storico dell’America Latina. Un video ritrae lo scioglimento della calotta nevosa del vulcano. Gli Dei del Nuovo Mondo sono rappresentati da Darío Escobar (Guatemala) nella sua installazione di Kukulcan. Dominato dalla coda di un Quetzalcoatl rosso, il mitico serpente piumato ha realizzato pneumatici per biciclette, che segue il lungo progetto di ricerca dell’artista relativo alla ricontestualizzazione dell’oggetto come opera d’arte. Luis Roldán (Colombia) che evoca una dimensione lirica ed esistenziale della vita urbana nella sua opera fatta di piccoli frammenti.Carlos Garaicoa (Cuba), che gioca con le rappresentazioni architettoniche come se fosse il biografo di un luogo fatto di cera, luce, mattoni e carta.

Uno strano mondo popolato da esemplari rari e mutanti etnici diversificati è il modo in cui Raquel Paiewonsky (Repubblica Dominicana) fonde elementi di vita urbana, stereotipi di ogni genere, natura, spiritualità e istinto. Federico Herrero (Costa Rica) che, in un mélange di gesto e colore, dipinge luoghi dove, secondo il suo sentimento, il colore è essenziale. Colori e motivi che evocano il sincretismo culturale dell’America Latina sono anche fondamentali nell’installazione tessile Inca e Aymara assemblata da Gastón Ugalde (Bolivia), creando uno spettacolare scenario di design e texture. Una nuova visione dello spazio è portata alla nostra attenzione nell’effetto tromp l’oeil creato dal fotografo Nils Nova (El Salvador), dissolvendo i limiti tra realtà e finzione.

Padiglione della Lituania
Žilvinas Kempnas mette in mostra il suo lavoro, utilizzando la videocassetta come materiale scultoreo piuttosto che come supporto di dati visivi. Nelle sue installazioni forze invisibili di gravità e circolazione dell’aria animano lo spazio architettonico rimodellandolo in un ambiente totalmente nuovo. Il suo ultimo lavoro, un’installazione su larga scala TUBE, è stata creata nell’Atelier Calder (Saché, Francia) ed è stata allestita per il padiglione lituano a Venezia per risuonare con l’ambiente della città. TUBE affronta l’esperienza fisica e ottica dello spettatore, lo scorrere del tempo, la percezione del corpo e l’architettura. Kempnas ha utilizzato il nastro magnetico per costruire spazi di esperienza monumentali ma fragili. I gesti giocosi e la chiarezza geometrica sono ugualmente importanti. La sua pratica artistica si basa sul riciclo dei principi del minimal, astratto,arte op e arte cinetica nella condizione post-media.

Padiglione del Messico
“¿De qué otra cosa podríamos hablar? (Di che altro si potrebbe parlare?)” di Teresa Margolle, presentati al Padiglione del Messico, sono una sottile cronaca degli effetti di una diabolica economia internazionale: il circolo vizioso del divieto, della dipendenza, dell’accumulazione , povertà, odio e repressione che trasformano i piaceri trasgressivi e le ossessioni puritane del Nord nel Sud come Inferno. A causa della recente ondata di violenza in Messico, il lavoro di Teresa Margolles, che per quasi due decenni si è concentrato nell’esplorazione delle possibilità artistiche dei resti umani, ha posto un’enfasi crescente nella meditazione sulla morte violenta e le sue vittime.

De qué otra cosa podríamos hablar? era una narrazione basata su tattiche di contaminazione e azioni materiali, che cercano di coinvolgere emotivamente e intellettualmente i visitatori nelle questioni che circondano il modo in cui la violenza e l’attuale economia globale implicano l’effettiva dichiarazione di intere generazioni di individui come una classe sociale virtualmente disponibile, intrappolata tra la logica perversa della criminalità, del capitalismo e del proibizionismo. Teresa Margolles prevede un intervento unico e continuo, con diverse azioni e opere lungo il padiglione. La sua esplorazione della morte come soggetto, è stata collegata a una ricerca sempre più approfondita sui temi delle disuguaglianze economiche e politiche, dello sfruttamento sociale,il processo del lutto storico e il modo in cui la violenza estesa definisce il panorama culturale e filosofico di oggi.

Padiglione della Nuova Zelanda
“The Collision” di Judy Millar, un’installazione di tele dipinte su larga scala che attraversano pavimenti e soffitti, si estendono nello spazio oltre i confini propri dell’edificio, si piegano dentro e fuori e deliberatamente scartano le modalità convenzionali di esposizione e design delle mostre. Il progetto sfida il tradizionale rapporto tra l’oggetto d’arte e lo spazio espositivo. L’artista Judy Millar è considerata una delle pittrici più importanti della Nuova Zelanda. I temi centrali nei dipinti su larga scala dell’artista includono le relazioni tra tela e pittura, staticità e movimento e il posto della pittura nella storia dell’arte.

Padiglione della Polonia
“Ospiti” di Krzysztof Wodiczko, fottuti sugli immigrati, persone che, non essendo ‘a casa’, restano ‘ospiti eterni’. ‘Stranieri’, ‘altri’ sono nozioni chiave nella pratica artistica di Wodiczko, che siano le proiezioni, i Veicoli, o gli Strumenti tecnologicamente avanzati che consentono a coloro che, privati ​​di diritti, rimangono muti, invisibili e senza nome di comunicare, ottenere una voce , fare una presenza nello spazio pubblico. Il progetto, affrontando la problematica multiculturale dell’alterità, riguarda uno dei temi più scottanti del mondo contemporaneo, a livello globale così come nell’UE, dove un discorso di accettazione e legalizzazione è accompagnato da politiche di immigrazione spesso restrittive.

Il Padiglione Polacco si trasforma in un luogo in cui gli spettatori osservano scene che si svolgono apparentemente all’esterno, dietro un’illusione di finestre, la loro proiezione sulle pareti prive di finestre del padiglione. Le singole proiezioni, le immagini di finestre proiettate sull’architettura del padiglione, aprono il suo interno a scene virtuali, ma allo stesso tempo reali, che mostrano immigrati che lavano le finestre, si riposano, parlano, aspettano il lavoro, scambiano commenti sulla loro difficile situazione esistenziale , disoccupazione, problemi di legalizzazione del soggiorno. Un’esperienza di incapacità a superare il divario che li separa. Ricorda ai visitatori che anche qui sono ‘ospiti’, di cui ricordano le immagini degli immigrati che cercano, di tanto in tanto, di sbirciare all’interno.

Padiglione della Russia
“Victory Over the Future” presenta nuovi lavori di artisti che esplorano la tensione tra le tradizioni dell’avanguardia russa e le loro narrazioni personali. Rain Theorem, una serie di murales, raffigura chiassosi tifosi di calcio (calcio) durante una partita. In una scena, urlano di gioia per la vittoria e, nella successiva, reagiscono con furia nella sconfitta. Il lavoro di Irina Korina esplora l’incertezza e gli stati liminali dell’essere. La scultura è realizzata con vecchie tovaglie di plastica che giustappongono forme sinuose e rigide. Mantenuta eretta come una pianta dalla pressione idrostatica, Fountain sfida la percezione della fluidità. L’installazione multimediale di Andrei Molodkin, Le Rouge et le Noir, presenta due riproduzioni in vetro cavo della Nike di Samotracia. Uno è pieno di olio pulsante, l’altro di “sangue” pulsante.

Gosha Ostretsov presenta un’installazione composta da una serie di stanze abbandonate. Attraverso la produzione di un’opera che sopravvive al suo creatore, l’attività artistica rappresenta per sua stessa natura una vittoria sul futuro. Pavel Pepperstein noto per le sue scene assurde del futuro. Paesaggi del futuro è una serie di dipinti in cui motivi suprematisti si spingono attraverso i nebulosi confini delle future megalopoli. L’installazione CARTOUCHE di Sergei Shekhovtsov affronta il significato e il simbolismo degli ornamenti architettonici. Usa la gommapiuma, un materiale moderno per eccellenza, per creare bancomat, telecamere di sicurezza e condizionatori d’aria. Black Holes di Anatoly Shuravlev è un’installazione che esplora le complessità della memoria storica. Con scala, struttura e consistenza,Zhuravlyov crea un’installazione sorprendente che mette in discussione il modo in cui il futuro viene rivelato attraverso il passato.

Padiglione di Singapore
“Life of Imitation” di Ming Wong, mette in scena la coesistenza di più mondi in cui lingua, genere, aspetto e tradizioni negoziano costantemente l’uno con l’altro. In atti giocosi e imperfetti di mimesi e melodramma, questa mostra tenta di tenere lo specchio all’altezza della condizione di Singapore legata alle radici, all’ibridità e al cambiamento. Wong esplora le patine performative del linguaggio e dell’identità attraverso le proprie re-interpretazioni del “cinema mondiale” – ha creato una serie di installazioni video multicanale ispirate a momenti cinematografici classici di Hollywood, Europa, Cina e Sud-Est asiatico.

Il padiglione ci presenta anche la localizzazione della cultura occidentale nell’ambiente di Singapore. L’atmosfera è ulteriormente rafforzata dai cartelloni dipinti da Wong e dall’ultimo pittore di cartelloni sopravvissuto a Singapore, Neo Chon Teck, e da cimeli cinematografici come fotografie di vecchi cinema a Singapore, dipinti, disegni e trascrizioni, che raffigurano il processo di creazione delle installazioni video di Wong e l’intera mostra si. Il progetto colloca le complessità della memoria e della nostalgia come soggetti dislocati e sostiene come le mobilità formino la ricostruzione dei significati attraverso l’affordance dello spazio e dell’identità nelle espressioni artistiche asiatiche contemporanee. Contestualizza i discorsi identitari ed esplora le connessioni tra la re-immaginazione di un passato,il rifacimento della memoria e la decostruzione dei discorsi nazionali.

Padiglione di Spagna
Intitolato “Miquel Barceló”, il padiglione spagnolo presenta dipinti recenti di grande formato insieme ad altri più vecchi per comprendere un’indagine sul lavoro di miquel barceló dal 2000. La mostra ruota attorno ai temi perenni dell’artista, come i primati, i paesaggi africani e la schiuma delle onde dell’oceano. Barceló è generalmente riconosciuto come uno dei pittori viventi più influenti della Spagna. La mostra presenta anche una serie di opere dell’artista e scrittore francese François Augiéras, il cui lavoro rende rappresentazioni in piccolo formato di scene di genere africane.

Padiglione della Turchia
“Lapses”, dimostrano come la percezione degli “accadimenti” possa variare e portare a narrazioni diverse della storia a causa di vuoti nella memoria collettiva. Il progetto è stato realizzato attraverso le opere di due artisti: “CATALOGO” di Banu Cennetoglu e “Città esplosa” di Ahmet Ögüt. Entrambi i progetti rivelano la possibilità di diverse formazioni di memoria o diverse narrazioni, concepibili attraverso lacune. Un lasso di tempo nel flusso lineare e continuo del tempo implica un senso di disorientamento o una disconnessione con il nostro ambiente personale. Solo riconoscendo (après coup) una tale lacuna ci rendiamo conto della nostra capacità di ristrutturare la memoria nel continuum spazio-temporale attraverso un flusso ininterrotto, con immagini residue che ricorrono dalle narrazioni e dai nostri sensi. Questo è un atto soggettivo.Tuttavia, nelle società dipendenti dalla credibilità dei media quotidiani, enormi archivi visivi operano come memoria collettiva.

Ahmet Ögüt ripercorre edifici che sono stati recentemente il luogo di un evento cruciale e si sono trasformati in rovine, innescando così associazioni nel nostro subconscio. “Città esplosa” presenta una città modello facendo riferimento alle caratteristiche architettoniche originali di ciascun edificio. Il lavoro mette in discussione i significati e i valori attribuiti a questi edifici prima e dopo l’esplosione, mentre rileva i vuoti che si verificano nella nostra memoria attraverso le immagini dei media. Manifesta anche errori altrimenti nascosti strappando gli edifici dalla loro memoria. “CATALOGO 2009” sostiene che la fotografia, estratta dalla realtà in cui è stata scattata, non solo deve esistere in un nuovo contesto soggettivo e critico, ma anche diventare portatrice di espressione per questo nuovo contesto. Banu Cennetoglu’Le fotografie di s appartengono a diverse geografie e allo stesso tempo sono aperte a narrazioni di fantasia. L’opera si presenta sotto forma di un performativo “catalogo per corrispondenza” dove centinaia di fotografie sono classificate in categorie soggettive.

Padiglione degli Emirati Arabi Uniti
“Non sei tu, sono io”, la prima mostra degli Emirati Arabi Uniti alla Biennale di Venezia. Il progetto richiama l’attenzione sulla sua natura e funge da vetrina attraverso una combinazione di elementi scenografici e architettonici. Il Padiglione evidenzia un tema “Esposizione mondiale” che incorpora vari componenti, include il lavoro dell’artista in primo piano, Lamya Gargash; uno showroom di opere di diversi artisti degli Emirati Arabi Uniti: Ebtisam Abdul-Aziz, Tarek Al-Ghoussein, Huda Saeed Saif e Hassan Sharif; Chiosco di Hannah Hurtzig con conversazioni con figure chiave nel panorama culturale del paese; una documentazione di una performance di Dubai del Jackson Pollock Bar; scenografie che ricordano la tradizione dell’Esposizione Universale, inclusi pannelli di testo e modelli architettonici dell’infrastruttura artistica degli Emirati Arabi Uniti.

Padiglione del Regno Unito
Il padiglione britannico presenta un nuovo film intitolato ‘Giardini’ di steve mcqueen, il suo film di 30 minuti ci mostra i giardini d’inverno. un mondo desolato di alberi spogli, gocce di pioggia, campane di chiese. Giardini è un film a schermo diviso che documenta i giardini veneziani fuori stagione, poiché quest’area è aperta al pubblico solo per metà dell’anno in cui si svolge la mostra della Biennale. Usando il mezzo cinematografico, McQueen permette allo spettatore di sperimentare i giardini vuoti dove i cani randagi vagano alla ricerca di cibo, gli estranei si rintanano nell’ombra e gli amanti si incontrano. Con la sua poetica semplicità Giardini si crogiola nella bellezza dell’invisibile e dell’inaudito, mentre a sua volta espone lo spettacolo della Biennale e la sua natura fugace.

Padiglione degli Stati Uniti d’America
Nauman presenta le sue nuove grandi installazioni nel Padiglione degli Stati Uniti. Sia in Days che in Giorni, le voci che compongono le opere possono essere vissute collettivamente o isolatamente, creando un’orchestrazione sonora commovente, potente e inesorabile. Poiché i testi di Nauman ripetono e riordinano abilmente i giorni della settimana, alterano e minano anche la sequenza che normalmente misura il passare del tempo. “La presentazione di Giorni e Giorni nell’ambito della collana ‘Notazioni’ del Museo, dedicata esclusivamente all’arte contemporanea, consente ai nostri visitatori di tracciare parallelismi tra queste opere e quelle della collezione del Museo, comprese altre opere di Nauman.

I gesti di Nauman hanno una logica abbastanza chiara, il suo lavoro entra ed esce a spirale: il monologo interiore sconclusionato e ripetuto; il senso della mente e del corpo che non tengono più insieme; il tormentoso senso dello spazio. La classica mossa di Nauman, sembrerebbe, è quella di impadronirsi di un sintomo di malattia mentale e costruirci attorno un’opera. “Topological Gardens”, che mette tra parentesi gli elementi più esagerati e gli aspetti più apertamente ostili nei confronti del suo pubblico (ad esempio niente Clown Torture), distillando dalla cacofonia del lavoro di Nauman uno spettacolo agrodolce, di commiato. Installati nelle due camere che fiancheggiano l’ingresso dove incontri The True Artist, i cellulari di Nauman sono strani e sconcertanti, ma anche eleganti e persino affascinanti in un modo che stanca il mondo.

Padiglione dell’Uruguay
Tre artisti rappresentano il Padiglione dell’Uruguay, la mostra cerca di riflettere le dimensioni significative delle arti visive contemporanee in Uruguay. Le opere d’arte offrono una visione prismatica della sua intrinseca varietà, tracciando linee che coinvolgono sia l’artigianato che l’impiego di risorse tecnologiche, narrazioni che si collocano al confine tra questioni di identità e località, nonché aspetti globali. “Terra promessa” di Raquel Bessio si propone come un terreno scheggiato, grigio e cupamente metallico. Gli spazi chiusi corrodono certezze e risoluzioni, un processo che subiscono gli stessi pezzi delle sue opere, arrugginindosi. Nel processo, raggiungono l’autonomia e diventano ingestibili. Juan Burgos amplia le visioni apocalittiche urbane che proliferano nella vita quotidiana.Il suo punto di partenza è un libro di fiabe per bambini, da cui costruisce un collage delirante. Pablo Uribe ha prodotto un falso documentario. Così facendo, riflette sul gioco tra realtà e finzione, sulle rappresentazioni nelle rappresentazioni.

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