Rückblick auf die Kunstbiennale Venedig 2009, Italien

Die 53. Internationale Kunstausstellung, die vom 7. Juni bis 22. November 2009 für die Öffentlichkeit zugänglich ist. Die Hauptausstellung der 53. Biennale von Venedig trägt den Titel “Making Worlds”. Diese Biennale umfasst Werke von 90 teilnehmenden Künstlern und 77 nationalen Pavillons, darunter erstmalige Teilnahmen von Montenegro, dem Fürstentum Monaco, der Republik Gabun, der Union der Komoren und den Vereinigten Arabischen Emiraten.

Diese Ausgabe der Biennale umfasst die Internationale Kunstausstellung im Zentralpavillon von Giardini und Arsenale. In diesem Jahr werden die unterschiedlichen Veranstaltungsorte der Biennale auch durch eine neue Brücke besser miteinander verbunden – zwischen dem Giardino delle Vergini und dem Sestriere di Castello, was dem gesamten Gebiet der Giardini-Arsenale ein Gefühl der Einheit verleiht.

Die Hauptausstellung der 53. Biennale von Venedig trägt den Titel “Making Worlds”. Die Biennale betont den kreativen Prozess, in dem ein Kunstwerk die Vision des Künstlers von der Welt präsentiert. “Making Worlds” ist eine Ausstellung, die von dem Bestreben angetrieben wird, Welten um uns herum und Welten vor uns zu erkunden. Es geht um mögliche Neuanfänge. “Welten machen.” ohne allgemeine erzählerische Stoßrichtung, sondern eine Reihe von kuratorischen Mikro-Erzählungen, die sich durch die Installation wirbeln, formale und konzeptionelle Reime und dergleichen, die ihr eine amüsante Textur verleihen und Sie weiterführen.

Ein Kunstwerk repräsentiert eine Vision der Welt und kann, wenn es ernst genommen wird, als eine Möglichkeit gesehen werden, eine Welt zu erschaffen. Die Stärke der Vision hängt nicht von der Art oder Komplexität der eingesetzten Werkzeuge ab. Somit sind alle künstlerischen Ausdrucksformen präsent: Installationskunst, Video und Film, Skulptur, Performance, Malerei und Zeichnung sowie eine Live-Parade. Ausgehend von „Worldmaking“ kann die Ausstellung auch die grundlegende Bedeutung bestimmter Schlüsselkünstler für die Kreativität nachfolgender Generationen hervorheben und neue Räume für die Entfaltung der Kunst außerhalb des institutionellen Kontexts und jenseits der Erwartungen der Kunstmarkt.

Es gibt Künstler, die ganze Generationen inspirieren und diese Schlüsselkünstler sind nicht immer die sichtbarsten in der Museums- und Messewelt. Die Ausstellung erforscht Inspirationsstränge, die mehrere Generationen umfassen, und zeigt die Wurzeln sowie die Äste, die in eine noch nicht definierte Zukunft hineinwachsen. Die Geographie der Kunstwelt hat sich rasant ausgeweitet, neue Zentren entstanden: China, Indien, der Nahe Osten… Die Ausstellung bildet eine in einzelne Intensitätszonen gegliederte Ausstellung, bleibt eine Ausstellung.

Das Konzept der 53. Internationalen Kunstausstellung umfasst insbesondere drei Aspekte: Die Nähe zu den Produktionsprozessen, die “zu einer Ausstellung führen, die näher an den Orten der Entstehung und Bildung (Atelier, Werkstatt) bleibt als das traditionelle Museum”. Ausstellung, die tendenziell nur das fertige Werk selbst hervorhebt Die Beziehung zwischen einigen Schlüsselkünstlern und nachfolgenden Generationen: Eine Reihe historischer Bezugspunkte verankern die Ausstellung… Editionen der Biennale mit vielen Videos und Installationen.

Die Show versucht nicht, eine Kunstphilosophie zu illustrieren, sondern gibt zu, dass die Biennale von Venedig genau das ist, was sie ist: eine intelligente Sommerunterhaltung. Auf den Konventionen der Unterhaltung in der Kunstwelt, eine Art Vergleichs- und Kontrast-Präsentationsstrategie, die Sie von einem Ort zum nächsten führt. Die Ausstellung wechselt zwischen etablierten Namen und aufregendem Nachwuchs; Unkonventionelles von bekannten Künstlern und Bekanntes von unkonventionellen Künstlern…

Nationale Pavillons

Pavillon von Argentinien
Die beiden sich gegenüberliegenden Wandbilder dieser Ausstellung transformieren in ihrer eigenen Materialität, komplex und fragmentarisch, raumgreifend und detailreich diese Spannungen in ihrem Sujet. Als Teil davon und zur Herstellung einer Interdependenz zwischen Zeit- und Raumkoordinaten; zwischen Werk und Kontext. Das Gemälde ist hier eine Blackbox, die diesen Kontext transformiert und enthält. In beiden Werken gibt es eine Organisation, die es schafft, die Sinne durch das Visuelle zu vervielfachen und zu politisieren. In dieser Zeit globaler Rätselraten bietet Noés Werk einen klaren Blick und die Herausforderungen eines großen Künstlers. Die Krise und die Spannungen der Welt und der argentinischen Geschichte sind ein ständiges und konstitutives Thema in Noés Werk. Daher auch die Art und Weise, wie der Künstler seine Werke betitelt,mit ironischen Sätzen zu den gegenwärtigen Paradoxien.

Noés Wandmalereien, in denen eine Vielzahl von Bildern in unterschiedlichen Aufmerksamkeitskernen durch unterschiedliche Malweisen und eine Reihe von Variationen (von Miniatur bis Gestik, von Detail bis Symphonie) koexistieren, implizieren die kritische Akzeptanz des Chaos als schöpferisches und koexistentielles Prinzip. Seine Werke sind pure Sinnesspannung und eine Möglichkeit, Wissen in Malerei und Malerei in eine Art Welterkenntnis zu verwandeln. Noés zwei Wandgemälde, verschlingend und inklusiv – enthüllen die Energie eines der expansivsten und vitalsten jungen Künstler des gegenwärtigen Argentiniens – wirken wie Netze, die den Zustand der Welt beschwören, fangen, zeigen, bauen, vorschlagen und diskutieren.

Pavillon von Australien
“MADDESTMAXIMVS” von Shaun Gladwell, eine fesselnde Suite von fünf thematisch miteinander verbundenen Videos mit skulpturalen und fotografischen Elementen, beeinflusst von australischen Outback-Landschaften und den ikonischen Mad Max-Filmen. Das Projekt vereint die charakteristischen Slow-Footage-Videoinstallationen des Künstlers mit physisch virtuosen Figuren, mit skulpturalen Arbeiten und Eingriffen in die Struktur des Pavillons selbst. Die konzeptionelle Strenge und der visuelle Formalismus von Gladwells Videoarbeiten haben dafür gesorgt, dass sie nie als einfache Verherrlichung urbaner Straßenpraktiken wie Skaten oder später BMX-Fahren, Breakdance, Capoeira, Taekwondo und dergleichen fungieren. MADDESTMAXIMVS markiert eine Abkehr von Gladwells früherem Fokus auf urbane Umgebungen und beschäftigt sich stattdessen mit einer performativen,persönliche Erkundung der Grenzen und Möglichkeiten einer menschlichen Beziehung zum australischen Hinterland.

MADDESTMAXIMVS betrachtet auch unterschiedliche Zeit- und Seinserfahrungen, insbesondere durch die Beziehung des menschlichen Körpers zu seiner unmittelbaren Umgebung. Schlüsselelemente, die sich durch Gladwells spätere Praxis entwickelt haben, waren bereits in seinen frühen Videoarbeiten erkennbar. Am wichtigsten ist, dass die Werke abgebildeten (oder aus der Sicht von) Figuren im öffentlichen Außenraum auftreten, die einerseits die sozialen und architektonischen Funktionen und Konventionen dieser Räume stören und andererseits ihre eigenen Ortserfahrungen physisch artikulieren. Seine Experimente nutzten Zeitlupe und Umgebungsgeräusche, um die Zeit zu verlangsamen und die visuellen Details von Körpern in Bewegung zu konzentrieren und die subtilen Nuancen und wesentlichen Qualitäten der Aktivitäten seiner Darsteller zu enthüllen. Daraus entstehen weiterhin poetische,hypnotische und meditative Darstellungen, die die Aktivitäten selbst für vielfältige Lesarten öffnen.

Pavillon von Brasilien
Der Brasilien-Pavillon präsentierte Live und Arbeit in Brasiliens Nord-/Nordostzone direkt unterhalb des Äquators. An diesen Orten brennt die äquatoriale Sonne unerbittlich direkt nach unten, manchmal fast blendend hell, anders als das idyllische und weiche Licht der Tropen, das oft mit Brasiliens Bildern identifiziert wird. Es ist daher ein anderes Brasilien – ein anderes Licht, Temperatur, Landschaft, Geschmack, Geruch, Klang und Blick – das in ihrer Produktion entwickelt wird. Diese Orte einzuführen ist keine Priorität in der Praxis, Künstler und Fotografen streben danach, den Ort zu bestätigen, von dem aus sie sprechen, und die Möglichkeiten zu erkunden, andere Welten und andere Perspektiven auszudrücken und zu enthüllen.

Pavillon für Zentralasien (Kasachstan, Kirgisistan, Tadschikistan und Usbekistan)
“Making Interstices” schlägt vor, die komplizierten Unterschiede und Möglichkeiten des Kunstschaffens in der globalen Welt zu erkennen. Making Interstices zeigt die Art und Weise, wie Künstler in den zentralasiatischen Ländern während der politischen und wirtschaftlichen Turbulenzen der letzten dreißig Jahre arbeiten, operieren und produzieren. Die Bedingung der Nicht-Kommunikation in diesen Zwischenräumen dient der Flucht vor den vorherrschenden Formen politischer und wirtschaftlicher Macht. Es scheint, dass die zeitgenössischen Kunstproduktionen und ihre Schöpfer keinen signifikanten Standort und keine bedeutende Position in den politischen, wirtschaftlichen, offiziellen und sozialen Prioritäten in den oben genannten Gebieten haben. In dieser Ambiguität von Existierendem und Nicht-Existenz gleichen diese Kunstszenen Zwischenräumen der Nicht-Kommunikation. Allerdings züchten sie in diesen Gesellschaften offenbar alternative Räume.Die gegenwärtige Entstehung individueller Kommunikationsversuche mit potenziellen internationalen Partnern und Gruppeninitiativen ist ein Phänomen, das einen neuen Dialog zwischen Gesellschaft und Staat einführen kann.

Die Künstler arbeiten daran, einen fruchtbaren Kern des freien Denkens und Ausdrucks zu schaffen, unauffällige oder winzige verbale oder visuelle Modelle des Widerstands vorzuschlagen und die jüngere Generation stillschweigend zu beeinflussen. Making Interstices schlägt vor, die komplizierten Unterschiede und Optionen des Kunstschaffens in der Vielfalt der globalen Welt zu erkennen. Wenn Making Worlds das breite Spektrum und den Prozess der heutigen Kunst darstellt, zeigt Making Interstices die Art und Weise auf, wie Künstler in zentralasiatischen Ländern arbeiten, agieren und produzieren – und in vielen anderen Ländern, die ähnliche Spannungen zwischen der jüngsten Vergangenheit und der Gegenwart haben, dh in der gesamten politischen und wirtschaftlichen Turbulenzen der letzten dreißig Jahre. Heftige Komplikationen der schnellen ideologischen und staatlichen Transformationen erschwerten die Fähigkeit der Künstler, zu entdecken,die kleinen Lücken (Zwischenräume) zwischen konventioneller und meist repressiver Makropolitik und Ökonomie zu nutzen und auszunutzen. Making Interstices ist eine Strategie, die es dem Künstler ermöglicht, seine Gedanken, Wünsche und seinen Humor frei zu einer taktischen, experimentellen und explorativen Intervention durch Kunst zu konfigurieren…

Pavillon von Chile
Iván Navarro präsentiert eine Werkgruppe aus gesellschaftspolitischer Perspektive. Der Künstler, der dank einer Reihe von persönlichen Shows auf der internationalen Bühne bekannt ist. Er produziert komplexe Lichtskulpturen, entwickelt das Konzept der Energieumwandlung durch Objekte und spezifische Installationen aus Gebrauchsgegenständen und verknüpft sie mit einer präzisen Machtkritik. Mit dem Thema, das in alle seine Arbeiten verwoben ist, formalisiert der Künstler seine Threshold-Arbeit in drei separaten Elementen/Momenten. Die von ihm verwendeten Materialien, die von scheinbarer Kälte mit extremer Betonung technischer Aspekte gekennzeichnet sind, sind vollständig von elektrischer Energie abhängig und bieten eine zugrunde liegende Metapher von Körperflüssigkeiten und ihrer Wirkung bei der Erzeugung von Leben und der “Animation” von Objekten.

Death Row besteht aus dreizehn Aluminiumtüren mit einem Neonlicht im Inneren. Dadurch entsteht eine optische Lücke im Raum, die den Eindruck von Korridoren hervorruft, die durch eine Wand gehen. Resistance ist eine Installation (Skulptur verbunden mit einem Video): Es ist ein Fahrrad, das an einen Stuhl aus Leuchtstoffröhren gebunden ist, die durch die Pedalumdrehung aktiviert werden. Im Video fährt dasselbe Fahrrad um den Times Square in New York und zeigt den scharfen Kontrast zwischen leuchtenden Stadtmöbeln und den Lichtern, die durch die Muskelkraft des Radfahrers erzeugt werden. Bett ist eine runde Skulptur, die auf dem Boden platziert ist. Es erweckt den Eindruck eines tiefen Lochs, in dem das Wort „BED“ bis „unendlich“ erleuchtet ist. Die Arbeit wirft Fragen nach der Möglichkeit einer Welt jenseits der Mauer auf, schließt aber die Möglichkeit aus, diese Welt zu betreten.Dieses Element der Illusion und die Parallelität zwischen Mensch und Elektrizität in seinem industriellen und fluoreszierenden Ausdruck sind ständige Merkmale auf Navarros künstlerischem Weg.

Pavillon von China
“Open Wall” von Shan Shan Sheng ist eine großformatige Glasinstallation, das Projekt, das einen Abschnitt der Großen Mauer neu interpretiert, indem es einen Abschnitt des chinesischen Erbes einfängt und diese historische Struktur als temporäre Zone der Glasarchitektur übersetzt. Diese Installation repräsentiert die neu entdeckte Offenheit des zeitgenössischen Chinas und greift den zeitgenössischen Moment als zentralen Moment des globalen Austauschs auf. Open Wall ist ein Beispiel für Shan Shan Shengs Faszination für Architektur, Material, nationale Erinnerung und Zeitwahrnehmung. Bekannt für ihre großformatigen Gemälde und Hängeskulpturen in Shanghai, Hongkong und Peking, aktivieren und transformieren Shengs konzeptuelle Kunstinstallationen die Lektüre traditioneller chinesischer Motive und Erinnerungsorte.

Open Wall rekonstruiert einen Moment der Chinesischen Mauer als Assemblage aus Glasbausteinen. Die Glasbausteine ​​werden zu einer Art kultureller Währung, die im Prozess der Installation verteilt und neu verteilt werden. Open Wall suggeriert die Möglichkeit von Chinas gegenwärtigem Moment, öffnet die Kultur für die Weltwirtschaft und einen beispiellosen Gedankenaustausch. Shengs Open Wall ist eine einzigartige schillernde Skulptur, die eine Schwelle von Transparenz und Undurchsichtigkeit anzeigt, als kritisches Symbol für Chinas Schnittmenge mit der westlichen Kultur. Shengs Open Wall lässt sich leicht zerlegen und wieder zusammenbauen und evoziert einen Moment des Flusses und des gegenseitigen Konsums. Open Wall besteht aus 2.200 Glasbausteinen, was den 2.200 Jahren Bauzeit der Großen Mauer entspricht.Sheng stellt sich die Große Mauer als temporären Pavillon aus gestapeltem Glas vor; ihre Installation evoziert den exquisiten und doch vergänglichen Fluss der globalisierten Zeit.

Pavillon der Komoren
Paolo W. Tamburella hat mit Hilfe von Arbeitern von Moroni eines der 28 im Hafen verlassenen Boote repariert und restauriert. Das Djahazi-Boot ist seit Jahrhunderten das einzige Fortbewegungsmittel der Komoren, eine Möglichkeit, mit den Nachbarländern zu kommunizieren und neue Handelsbeziehungen aufzubauen. Im Jahr 2006 wurde nach der Modernisierung des Hafens die Nutzung der Djahazi verboten. Damit wurde eine lange Tradition komorischer Hafenarbeiter auf den Inseln unterbrochen und die Komoren in ein neues Kapitel der Weltwirtschaft aufgeschlagen. Dieses Schiff, das mit einem regulären Schiffscontainer beladen wurde, der heute in den meisten Fällen verwendet wird, steht als Metapher für eine ambivalente Globalität, die Hoffnung und Verzweiflung auftauchen und Not,in einer Art warnender Erzählung über die neuen Formen des Entbehrlichen in einer Welt der Unsicherheit und des Übergangs.

Pavillon von Dänemark
“The Collectors” von Elmgreen & Dragset verwandeln den dänischen und den nordischen Pavillon in häusliche Umgebungen, in die das Publikum als Gäste eingeladen wird. Esszimmer, Schlafzimmer, Möbel, Kamine, ein Buntglas-Oberlicht und die Kunstwerke, die in die Haushalte eingebettet sind, enthüllen die unheimlichen Geschichten der fiktiven Bewohner mit ihren obsessiven Charakteren und unterschiedlichen Lebensstilen. Das Projekt zielt darauf ab, in enger Zusammenarbeit mit den teilnehmenden Künstlern und Designern mit ihrer inszenierten Ausstellung ein Gefühl der Intimität zu schaffen, um die üblichen Wettbewerbsaspekte des größeren Kunstereignisses zu umgehen. Die ausgewählten Kunstwerke bilden neben der Innenarchitektur, Küchenutensilien, Kleidung und sogar einer Fliegensammlung die komplexen Erzählungen dieser Doppelausstellung. Durch das Haus d&eaute;kor und die Sammlung der Kunstwerke, die Kleider in den Kleiderschränken, das Porzellan in der Küche und die Bücher in der Bibliothek, die Identität der fiktiven Bewohner, ihre Leidenschaften und Melancholie tauchen Stück für Stück auf.

Die Öffentlichkeit wurde von einem Immobilienmakler durch einen dänischen Pavillon “Zu verkaufen” geführt und die Geschichte der Familiendramen erzählt, die dieses Haus einst verfolgten. Der benachbarte Nordische Pavillon hat sich in eine extravagante Junggesellenbude verwandelt. Hier erlebt das Publikum nicht nur die Sammlung zeitgenössischer Kunstwerke und Designs des mysteriösen Herrn B., sondern auch seine Kollektion gebrauchter Bademode von Ex-Liebhabern. Wie der Titel ‘The Collectors’ andeutet, nähert sich die Ausstellung dem Thema Sammeln und der Psychologie hinter der Praxis, sich durch physische Objekte auszudrücken. Durch Annäherung an das Thema Sammeln und die Psychologie hinter der Praxis, sich durch physische Objekte auszudrücken.Das Projekt stellte die Frage: Warum sammeln wir Gegenstände und umgeben uns damit in unserem Alltag? Welche Mechanismen des Begehrens lösen unsere Selektion aus?

Pavillon von Frankreich
In diesem Jahr vertritt Claude Lévêque Frankreich auf der 53. Internationalen Kunstausstellung – La Biennale di Venezia. Im französischen Pavillon zeigt er eine Installation mit dem Titel “Le Grand Soir”, die der Stoßrichtung seiner Arbeit entspricht. Ein einzigartiges französisches Konzept vom Vorabend der Revolution, “Le Grand Soir” erinnert an den Moment, als sich die Welt veränderte.

Der französische Pavillon sieht aus wie ein Katafalk. Hinter dem Peristyl steht eine schwarze Wand, blind, stumm, abweisend. Auch die konkave Fassade ist schwarz gestrichen. Die Bewegung wurde eingeschränkt, die Gefühle wurden zurückgehalten. Das Licht ist intensiv, die perlmuttfarbenen Wände kühlen und beugen es. es ist das Halblicht, die Dunkelheit, in der Spiegelungen schimmern. Am Ende wecken zitternde schwarze Fahnen in der Ferne das Bild einer radikalen Hoffnung oder Verzweiflung an der Zerstörung.

Pavillon von Deutschland
„Kitchen“ von Liam Gillick verwandelte den deutschen Pavillon in eine stringente, nüchterne Küche, eine mögliche Anlehnung an die ikonische Frankfurter Küche. Der Pavillon wurde nicht verändert oder maskiert. das Innere und Äußere des Gebäudes wird in der Grundform belassen, damit es gesehen und besichtigt werden kann. Gillick, der kürzlich als allgemeine Wartung des Gebäudes weiß gestrichen wurde, hat die Wände auf diese Weise belassen, um seiner Installation eine atemberaubende Kulisse zu verleihen. Jeder Raum des Gebäudes wird offen gelassen. kein Teil des Pavillons wurde geschlossen oder als Lager genutzt. Eine küchenähnliche Struktur, die aus einfachem Kiefernholz gebaut wurde. Es fehlt an Geräten, aber die „Küche“ existiert als ein Diagramm von Anspruch, Funktion und Echo der angewandten Moderne, das im Gegensatz zur korrumpierten Pracht des Pavillons widerhallt.

Gillick vergleicht die Küche mit etwas zwischen Ikea und etwas viel Modernerem, einer Art alternativer Modernität. Es geht nicht um große Symbolik, es geht nicht um weitreichende Ideologien. Es ist diese andere Moderne, die in gewisser Weise zur zeitgenössischen Küche führt. Als letzten Schliff kreierten gillick und sein Studio-Team in Berlin eine animatronische Katze als Kücheninsasse, die auf einem der Schränke sitzt. Die Katze kämpft gegen das Echo des Gebäudes und erzählt uns eine zirkuläre Geschichte, die niemals endet. Die Katze ist in der Küche, die Kinder sind in der Küche: „Das gefällt mir nicht“, sagt der Junge. „Das gefällt mir nicht“, sagt das Mädchen. ‘Ich mag dich nicht’, denkt die Katze.Das Projekt zwang den Besucher, sich mit der Frage zu beschäftigen, wer mit wem und mit welcher Autorität spricht.

Pavillon von Japan
“Windswept Women: The Old Girls’ Troupe” von Miwa Yanagi, transfrom Japan Pavilion als freistehende oder temporäre Struktur, indem sie seine Außenseite mit einem Schwarzen bedeckt. Das Projekt sieht aus wie die Fließfähigkeit und Mobilität des temporären Zeltspielhauses. Im Inneren installiert Yanagi riesige, 4 m hohe Fotoständer mit Porträts von Frauen unterschiedlichen Alters. Außerdem werden eine neue Videoarbeit und eine Serie kleiner Fotografien gezeigt. Beim Betreten fühlen sich die Betrachter desorientiert und verlieren ihren Sinn für Maßstab und Perspektive, wenn sie zwischen übergroßen Werken gehen. Das Motiv dieser Installation ist eine Truppe, die ausschließlich aus Frauen besteht, die mit ihrem Wohnmobil auf dem Dach ihres Wohnwagens reisen.

Die Fotoausstellung riesiger Frauen, die Yanagi für Venedig geschaffen hat, symbolisiert Auflösung. Sie stehen ungerührt, obwohl sie von turbulentem Wind umgeben sind. Egal was passiert, sie halten ihre Füße fest auf dem Boden. In kunstvoll gestalteten Zierrahmen präsentiert, wirken diese Frauen surreal, verkörpern aber auch ein Element der Nostalgie. Obwohl die Bilder selbst eine makabre Qualität haben, ermutigen sie uns, Lebendigkeit anzunehmen.

Pavillon von Korea
“Condensation” von Haegue Yang erforscht private oder verborgene Räume, die als nebensächlich betrachtet werden könnten, für den Künstler jedoch tiefe Hintergründe für das Verständnis darstellen: die verletzlichen Orte, an denen informelle Entwicklung stattfinden kann. Diese funktionalen Dekorationen für das Zuhause trotzen starren Konzepten von Design oder Periodisierung, um die Nichtästhetik der Privatsphäre zu betonen, in der das Selbst gepflegt und betrachtet wird und auf andere Weise geteilt werden kann.

Mit der Metapher der Verdichtung sucht Yang die direkte Kommunikation mit unbekannten Menschen durch einen scheinbar nicht greifbaren Austauschweg, der nicht-funktionale, aber ontologisch bedeutsame Informationen vermittelt. Bestehend aus einem labyrinthischen System von gestapelten Jalousien, die von natürlichem Licht durchflutet werden, evoziert eine Reihe verletzlicher Arrangements – Stimme und Wind – Schatten von Orten und Erfahrungen, die physisch nicht vorhanden sind. hier verwendet yang kommerziell hergestellte jalousien in unbeschreiblichen, nicht kategorisierbaren farben und mustern, die am rande des geschmacks liegen. Während ihre Betrachter untereinander und gegenüber der Künstlerin namenlos und gesichtslos bleiben, bietet Yangs „Kondensationskommunikation“, die unablässig zu unvorhersehbaren Zeiten und an unvorhersehbaren Orten stattfindet, eine Möglichkeit der gemeinsamen Wiedererkennung.Durch die Aktivierung von Subjektivität und den Widerstand gegen formale Definitionen von Effizienz nährt Yang ein geisterhaftes, aber echtes Verständnis, das zu blinder, gründlicher Akzeptanz anderer inspiriert.

Pavillon von Lateinamerika
“Fare Mondi/Making Worlds”, eine einzigartige Ausstellung, die verschiedene Themen zu einer organischen Einheit verschränkt, in der die Kunstwerke interagieren und miteinander und mit dem Raum selbst in Dialog treten. In Olimpo erforscht Fernando Falconí (Ecuador) das Bild des Vulkans Chimborazo, einem geografischen und historischen Wahrzeichen Lateinamerikas. Ein Video zeigt das Abschmelzen der Schneekappe des Vulkans. Die Götter der Neuen Welt werden von Darío Escobar (Guatemala) in seiner Kukulcan-Installation repräsentiert. Dominiert vom Schwanz eines roten Quetzalcoatl, der mythischen gefiederten Schlange aus Fahrradreifen, folgt dem langjährigen Forschungsprojekt des Künstlers zur Rekontextualisierung des Objekts als Kunstwerk. Luis Roldán (Kolumbien), der in seiner aus kleinen Fragmenten bestehenden Arbeit eine lyrische und existenzielle Dimension des urbanen Lebens evoziert.Carlos Garaicoa (Kuba), der mit Architekturdarstellungen spielt, als sei er der Biograf eines Ortes aus Wachs, Licht, Ziegeln und Papier.

Raquel Paiewonsky (Dominikanische Republik) vereint in einer seltsamen Welt, die von seltenen Exemplaren und verschiedenen ethnischen Mutanten bevölkert ist, Elemente des urbanen Lebens, Stereotypen aller Art, Natur, Spiritualität und Instinkt. Federico Herrero (Costa Rica), der in einer Melange aus Gestik und Farbe Orte malt, an denen seiner Meinung nach Farbe wesentlich ist. Farben und Muster, die an den kulturellen Synkretismus Lateinamerikas erinnern, sind auch in der von Gastón Ugalde (Bolivien) zusammengestellten Textilinstallation Inka und Aymara von entscheidender Bedeutung, die eine spektakuläre Kulisse aus Design und Textur schafft. Mit dem Tromp-l´oeil-Effekt des Fotografen Nils Nova (El Salvador) werden wir auf eine neue Vision von Raum aufmerksam, die die Grenzen zwischen Realität und Fiktion auflöst.

Pavillon von Litauen
Žilvinas Kempinas präsentiert seine Arbeit, indem er Videobänder als skulpturales Material und nicht als visuellen Datenträger verwendet. In seinen Installationen beleben unsichtbare Gravitationskräfte und Luftzirkulation den architektonischen Raum und formen ihn in eine völlig neue Umgebung. Seine neueste Arbeit, eine großformatige Installation TUBE, entstand im Atelier Calder (Saché, Frankreich) und wurde für den litauischen Pavillon in Venedig eingerichtet, um mit der Umgebung der Stadt in Resonanz zu treten. TUBE thematisiert die körperliche und optische Erfahrung des Betrachters, den Zeitablauf, die Körperwahrnehmung und die Architektur. Kempinas nutzt Magnetbänder, um monumentale und zugleich fragile Erlebnisräume zu konstruieren. Ebenso wichtig sind spielerische Gesten und geometrische Klarheit. Seine künstlerische Praxis basiert auf dem Recycling der Prinzipien minimaler, abstrakter,Op-Art und kinetische Kunst im post-medialen Zustand.

Pavillon von Mexiko
“¿De qué otra cosa podríamos hablar? (Was sonst könnten wir reden?)” von Teresa Margolle, präsentiert im mexikanischen Pavillon, sind eine subtile Chronik der Auswirkungen einer teuflischen internationalen Wirtschaft: der Teufelskreis von Verbot, Sucht, Akkumulation , Armut, Hass und Unterdrückung, die die transgressiven Freuden und puritanischen Obsessionen des Nordens in den Süden als Hölle verwandeln. Aufgrund des jüngsten Aufschwungs der Gewalt in Mexiko legt Teresa Margolles in ihrer Arbeit, die sich seit fast zwei Jahrzehnten auf die Erforschung der künstlerischen Möglichkeiten menschlicher Überreste konzentriert, einen zunehmenden Schwerpunkt auf die Meditation über den gewaltsamen Tod und seine Opfer.

De qué otra cosa podríamos hablar? war eine Erzählung, die auf Taktiken der Ansteckung und materiellen Aktionen basiert, die versuchen, die Besucher emotional und intellektuell in die Fragen rund um die Art und Weise, wie Gewalt und die aktuelle Weltwirtschaft die effektive Deklaration ganzer Generationen von Individuen als praktisch verfügbare soziale Klasse einbeziehen, einzubeziehen zwischen der perversen Logik von Kriminalität, Kapitalismus und Verbot. Teresa Margolles umfasst eine einzige und kontinuierliche Intervention mit verschiedenen Aktionen und Arbeiten entlang des Pavillons. Ihre Auseinandersetzung mit dem Thema Tod steht im Zusammenhang mit einer sich ständig vertiefenden Forschung zu wirtschaftlichen und politischen Ungleichheiten, sozialer Ausbeutung,Der Prozess der historischen Trauer und die Art und Weise der erweiterten Gewalt bestimmen die kulturelle und philosophische Landschaft von heute.

Pavillon von Neuseeland
“The Collision” von Judy Millar, eine Installation von großformatigen bemalten Leinwänden, die durch Böden und Decken ragen, über die Grenzen des Gebäudes hinaus in den Raum ragen, sich ein- und ausklappen und bewusst konventionelle Formen der Ausstellung und Ausstellungsgestaltung verwerfen. Das Projekt hinterfragt die traditionelle Beziehung zwischen Kunstobjekt und Ausstellungsraum. Die Künstlerin Judy Millar gilt als eine der führenden Malerinnen Neuseelands. Zentrale Themen in den großformatigen Gemälden des Künstlers sind die Beziehungen zwischen Leinwand und Farbe, Statik und Bewegung sowie der Stellenwert der Malerei in der Kunstgeschichte.

Pavillon von Polen
„Gäste“ von Krzysztof Wodiczko, Fokus auf Immigranten, Menschen, die nicht „zu Hause“ sind, aber „ewige Gäste“ bleiben. ‘Fremde’, ‘Andere’ sind Schlüsselbegriffe in Wodiczkos künstlerischer Praxis, sei es in den Projektionen, den Fahrzeugen oder den technologisch fortschrittlichen Instrumenten, die es denjenigen ermöglichen, die entrechtet, stumm, unsichtbar und namenlos kommunizieren, eine Stimme gewinnen , im öffentlichen Raum präsent sein. Das Projekt, das sich mit der multikulturellen Problematik der Alterität beschäftigt, betrifft eines der brennendsten Themen der heutigen Welt, sowohl global als auch in der EU, wo Akzeptanz- und Legalisierungsdiskurse von einer oft restriktiven Einwanderungspolitik begleitet werden.

Der Polnische Pavillon verwandelt sich in einen Ort, an dem der Betrachter Szenen sieht, die sich scheinbar draußen abspielen, hinter einer Illusion von Fenstern, deren Projektion auf die fensterlosen Wände des Pavillons. Die Einzelprojektionen, die auf die Architektur des Pavillons projizierten Bilder von Fenstern, öffnen sein Inneres für virtuelle, aber gleichzeitig reale Szenen, in denen Einwanderer Fenster putzen, sich ausruhen, reden, auf Arbeit warten, sich über ihre schwierige existenzielle Situation austauschen , Arbeitslosigkeit, Probleme bei der Legalisierung des Aufenthalts. Eine Unfähigkeit, die Kluft zu überwinden, die sie trennt. Erinnern Sie Besucher, die auch hier „Gäste“ sind, an die Bilder von Einwanderern, die ab und zu einen Blick hinein werfen.

Pavillon von Russland
“Victory Over the Future” präsentiert neue Arbeiten von Künstlern, die die Spannung zwischen den Traditionen der russischen Avantgarde und ihren persönlichen Erzählungen erforschen. Rain Theorem, eine Reihe von Wandgemälden, zeigt ausgelassene Fußballfans bei einem Spiel. In einer Szene schreien sie vor Siegesfreude und in der nächsten reagieren sie mit Wut auf die Niederlage. Die Arbeit von Irina Korina erforscht Ungewissheit und Grenzzustände des Seins. Die Skulptur besteht aus alten Plastiktischdecken, die gewundene und starre Formen gegenüberstellen. Durch hydrostatischen Druck aufrecht wie eine Pflanze gehalten, fordert Fountain die Wahrnehmung von Fluidität heraus. Andrei Molodkins Multimedia-Installation Le Rouge et le Noir zeigt zwei hohle Glasreproduktionen der Nike von Samothrake. Einer ist mit pulsierendem Öl gefüllt, der andere mit pulsierendem “Blut”.

Gosha Ostretsov präsentiert eine Installation, die aus einer Reihe verlassener Räume besteht. Durch die Produktion eines Oeuvres, das seinen Schöpfer überdauert, stellt die künstlerische Tätigkeit ihrem Wesen nach einen Sieg über die Zukunft dar. Pavel Pepperstein ist bekannt für seine absurden Zukunftsszenen. Landschaften der Zukunft ist eine Serie von Gemälden, in denen suprematistische Motive die nebulösen Grenzen zukünftiger Megalopolen durchdringen. Sergei Shekhovtsovs Installation CARTOUCHE setzt sich mit der Bedeutung und Symbolik architektonischer Ornamentik auseinander. Er verwendet Schaumgummi, ein durch und durch modernes Material, um Geldautomaten, Sicherheitskameras und Klimaanlagen herzustellen. Anatoly Shuravlevs Black Holes ist eine Installation, die die Komplexität des historischen Gedächtnisses erforscht. Mit Maßstab, Struktur und Textur,Zhuravlyov schafft eine eindrucksvolle Installation, die hinterfragt, wie sich die Zukunft durch die Vergangenheit offenbart.

Pavillon von Singapur
“Life of Imitation” von Ming Wong inszeniert das Nebeneinander multipler Welten, in denen Sprache, Geschlecht, Aussehen und Traditionen ständig miteinander verhandeln. In spielerischen und unvollkommenen Akten der Mimesis und des Melodrams versucht diese Ausstellung, dem singapurischen Zustand von Wurzeln, Hybridität und Wandel den Spiegel vorzuhalten. Wong erforscht die performativen Furniere von Sprache und Identität durch seine eigenen Neuinterpretationen des “Weltkinos” – er hat eine Reihe von Mehrkanal-Videoinstallationen geschaffen, die von klassischen Filmmomenten aus Hollywood, Europa, China und Südostasien inspiriert sind.

Der Pavillon präsentiert uns auch die Verortung der westlichen Kultur im Umfeld Singapurs. Die Stimmung wird noch verstärkt durch Plakate, die von Wongs und Singapurs letztem überlebenden Plakatmaler Neo Chon Teck gemalt wurden, und Film-Erinnerungsstücken wie Fotografien alter Kinos in Singapur, Gemälde, Zeichnungen und Transkripte, die den Entstehungsprozess von Wongs Videoinstallationen und der gesamten Ausstellung darstellen selbst. Das Projekt verortet die Komplexität von Erinnerung und Nostalgie als verschobene Subjekte und argumentiert, wie Mobilitäten die Rekonstruktion von Bedeutungen durch das Angebot von Raum und Identität in zeitgenössischen asiatischen Ausdrucksformen der Kunst formen. Es kontextualisiert Identitätsdiskurse und erforscht die Verbindungen zwischen der Neuvorstellung einer Vergangenheit,die Neugestaltung der Erinnerung und die Dekonstruktion nationaler Diskurse.

Pavillon von Spanien
Unter dem Titel “Miquel Barceló” zeigt der spanische Pavillon neben anderen älteren großformatigen neueren Gemälden einen Überblick über das Werk von Miquel Barceló seit dem Jahr 2000. Die Ausstellung kreist um die immerwährenden Themen des Künstlers, wie Primaten, afrikanische Landschaften und den Schaum der Meereswellen. Barceló gilt allgemein als einer der einflussreichsten lebenden Maler Spaniens. Die Ausstellung zeigt auch eine Reihe von Werken des französischen Künstlers und Schriftstellers François Augiéras, dessen Werk kleinformatige Darstellungen afrikanischer Genreszenen darstellt.

Pavillon der Türkei
„Lapses“ demonstrieren, wie die Wahrnehmung von „auftretenden Ereignissen“ variieren und aufgrund von Lücken im kollektiven Gedächtnis zu unterschiedlichen Geschichtserzählungen führen kann. Realisiert wurde das Projekt durch Arbeiten von zwei Künstlern: Banu Cennetoglus “CATALOG” und Ahmet Ögüts “Exploded City”. Beide Projekte offenbaren die Möglichkeit unterschiedlicher Erinnerungsformationen oder unterschiedlicher Erzählungen, denkbar durch Versäumnisse. Ein Verstreichen des linearen und kontinuierlichen Zeitflusses impliziert entweder ein Gefühl der Orientierungslosigkeit oder eine Abkopplung von unserer persönlichen Umgebung. Erst durch das Erkennen (Après-Coup) eines solchen Verfalls erkennen wir unsere Fähigkeit, die Erinnerung im Raum-Zeit-Kontinuum durch einen ununterbrochenen Fluss mit Nachbildern, die durch Erzählungen und unsere Sinne wiederkehren, neu zu strukturieren. Dies ist ein subjektiver Akt.Doch in Gesellschaften, die auf die Glaubwürdigkeit alltäglicher Medien angewiesen sind, fungieren riesige Bildarchive als kollektives Gedächtnis.

Ahmet Ögüt zeichnet Gebäude nach, die in jüngster Zeit Schauplatz eines entscheidenden Ereignisses waren und zu Ruinen geworden sind und wecken so Assoziationen in unserem Unterbewusstsein. “Exploded City” präsentiert eine Modellstadt unter Bezugnahme auf die ursprünglichen architektonischen Merkmale jedes Gebäudes. Die Arbeit hinterfragt die Bedeutungen und Werte, die diesen Gebäuden vor und nach der Explosion zugeschrieben werden, und entdeckt über mediale Bilder Versäumnisse, die in unserer Erinnerung auftreten. Es manifestiert auch sonst verborgene Fehler, indem es die Gebäude aus ihrem Gedächtnis reißt. “CATALOG 2009” hält daran fest, dass die Fotografie, herausgelöst aus der Realität, in der sie aufgenommen wurde, nicht nur in einem neuen subjektiven und kritischen Kontext existieren, sondern auch Ausdrucksträger für diesen neuen Kontext werden soll. Banu Cennetoglu’s Fotografien beziehen sich auf unterschiedliche Geographien und sind gleichzeitig offen für fiktive Erzählungen. Die Arbeit wird in Form eines performativen „Versandkatalogs“ präsentiert, in dem Hunderte von Fotografien in subjektive Kategorien eingeordnet werden.

Pavillon der Vereinigten Arabischen Emirate
“It’s Not You, It’s Me”, die erste Ausstellung der VAE auf der Biennale in Venedig. Das Projekt macht durch die Kombination von szenografischen Elementen und Architektur auf seinen Charakter und seine Funktion als Schaufenster aufmerksam. Der Pavillon hebt ein Thema der “Weltausstellung” hervor, das verschiedene Komponenten umfasst, darunter Arbeiten der vorgestellten Künstlerin Lamya Gargash; ein Ausstellungsraum mit Arbeiten mehrerer Künstler aus den Vereinigten Arabischen Emiraten: Ebtisam Abdul-Aziz, Tarek Al-Ghoussein, Huda Saeed Saif und Hassan Sharif; Hannah Hurtzigs Kiosk mit Gesprächen mit Schlüsselfiguren des kulturellen Panoramas des Landes; eine Dokumentation einer Dubai-Performance der Jackson Pollock Bar; Szenografie, die an die Tradition der Weltausstellung erinnert, einschließlich Texttafeln und Architekturmodellen der Kunstinfrastruktur der VAE.

Pavillon des Vereinigten Königreichs
Der britische Pavillon präsentiert einen neuen Film mit dem Titel „Giardini“ (Gärten) von Steve Mcqueen, sein 30-minütiger Film zeigt uns die Gärten im Winter. eine trostlose Welt aus kahlen Bäumen, Regentropfen, Kirchenglocken. Giardini ist ein Splitscreen-Film, der die venezianischen Gärten außerhalb der Saison dokumentiert, da dieser Bereich nur während der Biennale-Ausstellung ein halbes Jahr für die Öffentlichkeit zugänglich ist. Durch die Verwendung des Mediums Film ermöglicht McQueen dem Betrachter, die leeren Gärten zu erleben, in denen streunende Hunde auf der Suche nach Nahrung umherstreifen, Fremde im Schatten schleichen und sich Liebende treffen. Mit seiner poetischen Schlichtheit schwelgt Giardini in der Schönheit des Ungesehenen und Ungehörten und enthüllt gleichzeitig das Schauspiel der Biennale und ihre Flüchtigkeit.

Pavillon der Vereinigten Staaten von Amerika
Nauman präsentiert seine neuen Großinstallationen im United States Pavilion. Sowohl in Days als auch in Giorni können die Stimmen, aus denen die Werke bestehen, kollektiv oder isoliert erlebt werden, wodurch eine Klangorchestrierung entsteht, die bewegend, eindringlich und unerbittlich ist. Da Naumans Texte die Wochentage sowohl wiederholen als auch geschickt neu arrangieren, verändern und untergraben sie auch die Reihenfolge, die normalerweise den Lauf der Zeit misst. „Die Präsentation von Days und Giorni im Rahmen der ausschließlich der zeitgenössischen Kunst gewidmeten Reihe ‚Notations‘ des Museums ermöglicht unseren Besuchern, Parallelen zwischen diesen Werken und denen der Sammlung des Museums, darunter auch anderen Werken Naumans, zu ziehen.

Naumans Gesten haben eine ziemlich klare Logik, seine Arbeit dreht sich in und aus: der weitschweifige, sich wiederholende innere Monolog; das Gefühl von Geist und Körper hält nicht mehr zusammen; das quälende Raumgefühl. Der klassische Nauman-Schritt, so scheint es, besteht darin, ein Symptom einer psychischen Erkrankung zu erfassen und ein Werk darum herum aufzubauen. “Topological Gardens” klammert die überdrehten Elemente und die offen publikumsfeindlicheren Aspekte aus (zB keine Clown-Folter) und destilliert aus der Kakophonie von Naumans Werk eine bittersüße, Abschiedsshow. In den beiden Kammern installiert, die den Eingang flankieren, in dem Sie auf The True Artist treffen, sind Naumans Mobile seltsam und unbequem, aber auch elegant und auf eine weltmüde Art sogar charmant.

Pavillon von Uruguay
Drei Künstler repräsentieren den Uruguay-Pavillon, die Ausstellung soll die bedeutenden Dimensionen der zeitgenössischen bildenden Kunst in Uruguay widerspiegeln. Die Kunstwerke bieten einen prismatischen Blick auf die ihr innewohnende Vielfalt, legen Linien fest, die sowohl manuelles Handwerk als auch den Einsatz technologischer Ressourcen beinhalten, Narrative, die an den Grenzen zwischen Identitäts- und Lokalitätsfragen angesiedelt sind und globale Aspekte einschließen. “Gelobtes Land” von Raquel Bessio wird als zersplittertes Terrain suggeriert, grau und dunkelmetallisch. Die umschlossenen Räume zehren an Gewissheiten und Entschlossenheit, ein Prozess, dem die rostenden Stücke ihrer Werke unterliegen. Dabei erlangen sie Autonomie und werden unkontrollierbar. Juan Burgos erweitert urbane apokalyptische Visionen, die sich im täglichen Leben verbreiten.Ausgangspunkt ist ein Kinderbuch, aus dem er eine delirante Collage konstruiert. Pablo Uribe hat einen falschen Dokumentarfilm produziert. Dabei reflektiert er das Spiel zwischen Realität und Fiktion, über Repräsentationen in Repräsentationen.

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