La 53e Exposition internationale d’art, ouverte au public du 7 juin au 22 novembre 2009. L’exposition principale de la 53e Biennale de Venise s’intitule « Making Worlds ». Cette biennale comprend des œuvres de 90 artistes et 77 pavillons nationaux participants, dont les premières participations du Monténégro, de la Principauté de Monaco, de la République du Gabon, de l’Union des Comores et des Émirats arabes unis.

Cette édition de la biennale couvre l’exposition internationale d’art dans le pavillon central de Giardini et Arsenale. Cette année, les lieux disparates de la Biennale seront également mieux reliés entre eux par un nouveau pont – entre le Giardino delle Vergini et le Sestriere di Castello, donnant à toute la zone des Giardini-Arsenale un sentiment d’unité.

L’exposition principale de la 53e Biennale de Venise s’intitule « Making Worlds ». La biennale met l’accent sur le processus créatif où une œuvre d’art présente la vision du monde de l’artiste, « Making Worlds » est une exposition animée par l’aspiration à explorer les mondes qui nous entourent ainsi que les mondes à venir. Il s’agit de nouveaux commencements possibles. « Faire des mondes. » sans poussée narrative globale, mais une série de micros, récits de commissaires tourbillonnant à travers l’installation, des rimes formelles et conceptuelles, etc., lui donnant une texture amusante, vous guidant.

Une œuvre d’art représente une vision du monde et si elle est prise au sérieux, elle peut être considérée comme une façon de faire un monde. La force de la vision ne dépend pas du type ou de la complexité des outils mis en œuvre. Ainsi toutes les formes d’expression artistique sont présentes : l’art de l’installation, la vidéo et le cinéma, la sculpture, la performance, la peinture et le dessin, et un défilé en direct. En partant de la « création du monde », l’exposition permet aussi de mettre en lumière l’importance fondamentale de certains artistes clés pour la créativité des générations successives, tout autant que d’explorer de nouveaux espaces pour que l’art se déploie en dehors du contexte institutionnel et au-delà des attentes des marché de l’art.

Il y a des artistes qui inspirent des générations entières et ces artistes clés ne sont pas toujours les plus visibles dans le monde des musées et des foires. L’exposition explore des chaînes d’inspiration qui impliquent plusieurs générations et montre les racines ainsi que les branches qui poussent dans un avenir non encore défini. La géographie du monde de l’art s’est rapidement étendue avec l’émergence de nouveaux centres : Chine, Inde, Moyen-Orient… L’exposition crée un spectacle articulé en zones individuelles d’intensité, reste une exposition.

Le concept de la 53ème Exposition Internationale d’Art, comporte notamment trois aspects : La proximité avec les processus de production, qui « se traduisent par une exposition qui reste plus proche des lieux de création et d’éducation (l’atelier, l’atelier) que le musée traditionnel exposition qui tend à ne mettre en valeur que l’œuvre finie elle-même La relation entre quelques artistes clés et les générations successives : De nombreux repères historiques ancrent l’exposition… Une exploration du dessin et de la peinture, au regard des évolutions récentes et de la présence dans les dernières éditions de la Biennale de nombreuses vidéos et installations.

Le spectacle ne cherche pas à illustrer une philosophie de l’art, mais admet que la Biennale de Venise est exactement ce qu’elle est : un ensemble intelligent de divertissements estivaux. Sur les conventions du divertissement du monde de l’art, une sorte de stratégie de présentation de comparaison et de contraste qui vous fait passer d’un espace à l’autre. L’exposition alterne entre noms établis et sang neuf passionnant ; des choses non conventionnelles d’artistes familiers, et des choses familières d’artistes non conventionnels…

Pavillons Nationaux

Pavillon de l’Argentine
Les deux peintures murales se faisant face qui composent cette exposition, de par leur propre matérialité, complexe et fragmentaire, expansive et détaillée, transforment ces tensions dans leur sujet. En tant que partie de celui-ci et produisant une interdépendance entre les coordonnées temporelles et spatiales ; entre l’œuvre et son contexte. La peinture est ici une boîte noire qui transforme et contient ce contexte. Dans les deux œuvres, il y a une organisation qui parvient à multiplier et à politiser les sens au moyen du visuel. En cette période de perplexité planétaire, l’œuvre de Noé offre un regard lucide et les enjeux d’un grand artiste. La crise et les tensions du monde et de l’histoire argentine sont un sujet permanent et constitutif de l’œuvre de Noé. D’où aussi la manière dont l’artiste choisit de titrer ses œuvres,avec des phrases ironiques sur les paradoxes actuels.

Les peintures murales de Noé, où une multitude d’images coexistent dans différents noyaux d’attention, à travers différentes manières de peindre et un ensemble de variations (de la miniature aux gestes, du détaillé au symphonique), impliquent l’acceptation critique du chaos comme principe créatif et coexistentiel. Ses œuvres sont une pure tension des sens et une manière de transformer la connaissance en peinture et la peinture en une manière de connaître le monde. Les deux peintures murales de Noé, dévorantes et inclusives – révélant l’énergie de l’un des artistes les plus expansifs et les plus dynamiques de l’Argentine actuelle – fonctionnent comme des filets qui appellent, attrapent, montrent, construisent, proposent, discutent l’état du monde.

Pavillon de l’Australie
« MADDESTMAXIMVS » de Shaun Gladwell, une suite fascinante de cinq vidéos thématiquement interdépendantes avec des éléments sculpturaux et photographiques, influencée par les paysages de l’outback australien et les films emblématiques de Mad Max. Le projet rassemble les installations vidéo au ralenti de l’artiste représentant des figures entreprenant des actes de virtuosité physique, avec des œuvres sculpturales et des interventions dans le tissu du pavillon lui-même. La rigueur conceptuelle et le formalisme visuel des œuvres vidéo de Gladwell ont fait en sorte qu’elles ne fonctionnent jamais comme de simples glorifications de pratiques urbaines telles que le patinage ou par la suite le BMX, le breakdance, la capoeira, le taekwondo, etc. MADDESTMAXIMVS marque un changement par rapport à la focalisation antérieure de Gladwell sur les environnements urbains et s’engage plutôt dans une approche performative,exploration personnelle des limites et des possibilités d’une relation humaine avec l’arrière-pays australien.

MADDESTMAXIMVS s’intéresse également aux différentes expériences du temps et de l’être, notamment à travers la relation du corps humain à son environnement immédiat. Les éléments clés qui se sont développés grâce à la pratique ultérieure de Gladwell étaient déjà apparents dans ses premières œuvres vidéo. Plus important encore, les œuvres représentaient (ou prenaient le point de vue de) des personnages se produisant dans des espaces publics extérieurs, perturbant d’une part les fonctions et conventions sociales et architecturales de ces espaces, d’autre part articulant physiquement leurs propres expériences du lieu. Ses expérimentations ont utilisé le ralenti et les paysages sonores ambiants pour ralentir le temps et concentrer les détails visuels des corps en mouvement, et pour révéler les nuances subtiles et les qualités essentielles des activités de ses interprètes. Cela continue à se traduire par de la poétique,des représentations hypnotiques et méditatives qui ouvrent les activités elles-mêmes à un large éventail de lectures.

Pavillon du Brésil
Le Pavillon du Brésil a présenté vivre et travailler dans la zone nord/nord-est du Brésil juste en dessous de l’équateur. Dans ces endroits, le soleil équatorial frappe sans relâche, parfois d’une luminosité presque aveuglante, contrairement à la lumière idyllique et adoucie des tropiques souvent identifiée à l’imagerie du Brésil. C’est donc un autre Brésil – une autre lumière, température, paysage, goût, odeur, son et regard – qui est développé dans leur production. Introduire ces lieux n’est pas une priorité dans la pratique, artistes et photographes s’efforcent d’affirmer le lieu d’où ils parlent, et d’explorer les possibilités d’exprimer et de révéler d’autres mondes, d’autres perspectives.

Pavillon de l’Asie centrale (Kazakhstan, Kirghizistan, Tadjikistan et Ouzbékistan)
« Making Interstices » propose de reconnaître les distinctions et les options complexes de la création artistique dans le monde global. Making Interstices montre la manière dont les artistes travaillent, opèrent et produisent dans les pays d’Asie centrale à travers les turbulences politiques et économiques des trente dernières années. La condition de non-communication dans ces interstices sert d’échappatoire aux formes dominantes du pouvoir politique et économique. Il apparaît que les productions d’art contemporain et leurs créateurs n’ont pas de place et de position significative dans les priorités politiques, économiques, officielles et sociales des territoires susmentionnés. Dans cette ambiguïté de l’existant et de l’inexistant, ces scènes d’art ressemblent à des interstices de non-communication. Cependant, ils engendrent évidemment des espaces alternatifs dans ces sociétés.L’émergence actuelle de tentatives individuelles de communication avec des partenaires internationaux potentiels et d’initiatives de groupe est un phénomène qui peut implanter un nouveau dialogue entre la société et l’État.

Les artistes opèrent pour créer un noyau prolifique de libre pensée et d’expression, suggèrent des modèles verbaux ou visuels discrets ou infimes de résistance et influencent silencieusement les jeunes générations. Making Interstices propose de reconnaître les distinctions et les options complexes de la création artistique dans la multiplicité du monde global. Si Making Worlds présente le large spectre et le processus de l’art d’aujourd’hui, Making Interstices indique la manière dont les artistes travaillent, opèrent et produisent dans les pays d’Asie centrale – et dans de nombreux autres pays qui connaissent des tensions similaires entre le passé récent et le présent, c’est-à-dire à travers turbulences des trente dernières années. Les complications violentes des transformations idéologiques et gouvernementales rapides ont aggravé la capacité des artistes à découvrir,d’employer et d’exploiter les petits écarts (interstices) entre la macro-politique et l’économie conventionnelles et la plupart du temps oppressives. Making Interstices est une stratégie qui permet à l’artiste de configurer librement ses pensées, ses désirs et son humour dans une intervention tactique, expérimentale et exploratoire à travers l’art…

Pavillon du Chili
Iván Navarro présente un ensemble d’œuvres dans une perspective socio-politique. L’artiste connu sur la scène internationale grâce à de nombreux spectacles personnels. Il réalise des sculptures lumineuses complexes, développant le concept de conversion d’énergie à travers des objets et des installations spécifiques constitués d’objets d’usage quotidien, les liant à une critique précise du pouvoir. Avec le thème tissé dans toute son œuvre, l’artiste formalise son œuvre Threshold en trois éléments/moments séparés. Les matériaux qu’il utilise, marqués par une apparente froideur avec un accent extrême sur les aspects techniques, sont totalement dépendants de l’énergie électrique, proposant une métaphore sous-jacente des fluides corporels et de leur action dans la génération de la vie et « l’animation » des objets.

Death Row est composé de treize portes en aluminium avec un néon à l’intérieur. Cela crée un hiatus optique dans l’espace, produisant un effet de couloirs traversant un mur. Resistance est une installation (sculpture reliée à une vidéo) : c’est un vélo attaché à une chaise faite de tuyaux fluorescents qui s’activent au fur et à mesure que les pédales tournent. Dans la vidéo, le même vélo fait le tour de Times Square à New York, montrant le contraste saisissant entre le mobilier urbain lumineux et les lumières générées par la puissance musculaire du cycliste. Le lit est une sculpture circulaire posée au sol. Il donne l’impression d’un trou profond dans lequel le mot « BED » est illuminé à « l’infini ». L’œuvre pose des questions sur la possibilité d’un monde au-delà du mur, mais élimine la possibilité d’entrer dans ce royaume.Cet élément d’illusion et le parallélisme entre l’humain et l’électricité, dans son expression industrielle et fluorescente, sont des constantes du parcours artistique de Navarro.

Pavillon de la Chine
« Open Wall » de Shan Shan Sheng est une installation en verre à grande échelle, le projet réinterprétant une section de la Grande Muraille en capturant un intervalle de l’héritage chinois, traduisant cette structure historique comme une zone temporaire d’architecture de verre. Cette installation représente l’ouverture retrouvée de la Chine contemporaine et engage le moment contemporain comme un moment pivot d’échange mondial. Open Wall est un exemple de la fascination de Shan Shan Sheng pour l’architecture, les matériaux, la mémoire nationale et la perception du temps. Réputée pour ses peintures à grande échelle et ses sculptures en suspension à Shanghai, Hong Kong et Pékin, les installations d’art conceptuel de Sheng activent et transforment la lecture des motifs traditionnels chinois et des lieux de mémoire.

Open Wall reconstitue un moment de la Grande Muraille de Chine sous la forme d’un assemblage de briques de verre. Les briques de verre deviennent une sorte de monnaie culturelle, à distribuer et redistribuer au fil de l’installation. Open Wall suggère la possibilité du moment contemporain de la Chine, ouvrant la culture à l’économie mondiale et à un échange d’idées sans précédent. Le mur ouvert de Sheng est une sculpture irisée unique, indiquant un seuil à la fois de transparence et d’opacité, en tant que symbole essentiel de l’intersection de la Chine avec la culture occidentale. Facilement démontable et remonté, Open Wall de Sheng évoque un moment de flux et de consommation mutuelle. Open Wall se compose de 2 200 briques de verre, correspondant aux 2 200 ans de construction de la Grande Muraille.Sheng réinvente la Grande Muraille comme un pavillon temporaire de verre empilé ; son installation évoque le flux exquis mais transitoire du temps globalisé.

Pavillon des Comores
Paolo W. Tamburella a réparé et restauré l’un des vingt-huit bateaux abandonnés au port, avec l’aide d’ouvriers de Moroni. Le bateau Djahazi a été pendant des siècles le seul moyen de transport pour les Comoriens, un moyen de communiquer avec les pays voisins et de créer de nouvelles relations commerciales. En 2006, suite à la modernisation du port, l’utilisation du Djahazi a été interdite, interrompant ainsi une longue tradition de dockers comoriens sur les îles et plaçant les Comores dans un nouveau chapitre de l’économie mondiale. Ce navire, qui était chargé d’un conteneur maritime régulier utilisé dans la plupart des échanges commerciaux d’aujourd’hui, se présente comme une métaphore d’une globalité ambivalente, réunissant espoir et désespoir émergence et urgencedans une sorte de mise en garde sur les nouvelles formes du consommable dans un monde d’incertitude et de transition.

Pavillon du Danemark
« The Collectors » par Elmgreen & Dragset, transforment les pavillons danois et nordiques en environnements domestiques où le public est invité en tant qu’invité. Les salles à manger, les chambres, les meubles, les cheminées, une lucarne en vitrail et les œuvres d’art nichées dans les foyers révèlent les histoires étranges d’habitants fictifs, avec leurs personnages obsessionnels et leurs modes de vie variés. Le projet vise à créer un sentiment d’intimité avec leur exposition mise en scène, en étroite collaboration avec les artistes et designers participants, afin de contourner les aspects compétitifs habituels de l’événement artistique plus large. Les œuvres sélectionnées, aux côtés de la décoration intérieure, des ustensiles de cuisine, des vêtements et même d’une collection de mouches, composent les récits complexes de cette double exposition. Par la maison d&eaute;cor et la collection d’œuvres d’art, les vêtements dans les armoires, la porcelaine dans la cuisine et les livres dans la bibliothèque, les identités des habitants fictifs, leurs passions et leur mélancolie, émergent pièce par pièce.

Le public a été guidé lors d’une visite guidée par un agent immobilier à travers un pavillon danois « À vendre », et a été informé de l’histoire des drames familiaux qui hantaient cette maison. Le Pavillon Nordique voisin s’est transformé en une flamboyante garçonnière. Ici, le public découvre non seulement la collection d’œuvres d’art et de design contemporains du mystérieux M. B., mais aussi sa collection de maillots de bain usagés d’anciens amants. Comme le titre ‘The Collectors’ l’indique, l’exposition aborde le thème de la collection et la psychologie derrière la pratique de s’exprimer à travers des objets physiques. En abordant le thème de la collection et la psychologie derrière la pratique de s’exprimer à travers des objets physiques.Le projet posait la question du type Pourquoi rassemblons-nous des objets et nous en entourons-nous dans notre vie de tous les jours ? Quels mécanismes du désir déclenchent notre sélection ?

Pavillon de la France
Cette année Claude Lévêque est l’artiste qui représente la France à la 53e Exposition Internationale d’Art – La Biennale de Venise. Au Pavillon France, il présente une installation intitulée « Le Grand Soir », qui correspond à l’axe de son œuvre. Concept typiquement français de la veille de la Révolution, « Le Grand Soir » évoque le moment où le monde a changé.

Le pavillon français ressemble à un catafalque. Derrière le péristyle se dresse un mur noir, aveugle, muet, peu accueillant. La façade concave est également peinte en noir. Le mouvement est devenu limité, les sentiments se sont restreints. La lumière est intense, les parois nacrées la refroidissent et la diffractent. c’est la pénombre, l’obscurité où scintillent les reflets. Au final, des drapeaux noirs grelottant au loin élèvent l’image d’un espoir radical, ou d’un désespoir de destruction.

Pavillon de l’Allemagne
« Kitchen » de Liam Gillick, a transformé le pavillon allemand en une cuisine stricte et nue, une référence possible à l’emblématique Frankfurter Kitchen. Le pavillon n’a pas été modifié ni masqué. l’intérieur et l’extérieur du bâtiment est laissé dans sa forme de base afin qu’il puisse être vu et examiné. Récemment peint en blanc pour l’entretien général du bâtiment, Gillick a laissé les murs de cette façon pour créer une toile de fond austère à son installation. Chaque pièce du bâtiment est laissée ouverte. aucune partie du pavillon n’a été fermée ou utilisée pour le stockage. Une structure semblable à une cuisine qui a été construite à partir de bois de pin simple. Il manque d’appareils, mais la « cuisine » existe comme un schéma d’aspiration, de fonction et un écho du modernisme appliqué qui résonne en opposition à la grandeur corrompue du pavillon.

Gillick compare la cuisine à quelque chose entre Ikea et quelque chose de beaucoup plus moderne, une sorte de modernité alternative. Il ne s’agit pas d’un grand symbolisme, il ne s’agit pas d’une idéologie démesurée. C’est cet autre modernisme, celui qui mène à la cuisine contemporaine en quelque sorte. Comme touche finale, Gillick et son équipe de studio à Berlin ont créé un chat animatronique en tant qu’occupant de la cuisine qui se trouve au-dessus de l’une des armoires. Le chat lutte contre l’écho du bâtiment et nous raconte une histoire circulaire qui n’en finit pas. Le chat est dans la cuisine, les enfants sont dans la cuisine : « Je n’aime pas ça », dit le garçon. « Je n’aime pas ça », dit la fille. « Je ne t’aime pas », pense le chat.Le projet a obligé vistor à se poser la question qui parle à qui et avec quelle autorité ?

Pavillon du Japon
« Windswept Women: The Old Girls’ Troupe » de Miwa Yanagi, transposé du pavillon du Japon en structure autonome ou temporaire, en recouvrant son extérieur d’un noir. Le projet ressemble à la fluidité et à la mobilité de la tente de théâtre temporaire. À l’intérieur, Yanagi installe des stands photo géants de 4 m de haut contenant des portraits de femmes d’âges variés. Une nouvelle œuvre vidéo et une série de petites photographies seront également présentées. En entrant, le spectateur se sent désorienté, perdant son sens de l’échelle et de la perspective alors qu’il marche parmi des œuvres surdimensionnées. Le motif de cette installation est une troupe composée exclusivement de femmes voyageant avec leur maison mobile, au sommet de leur caravane.

La vitrine de photographies de femmes gigantesques que Yanagi a créée pour Venise symbolise la résolution. Ils restent immobiles malgré le vent turbulent. Quoi qu’il arrive, ils gardent les pieds bien ancrés dans le sol. Présentées dans des cadres décoratifs richement conçus, ces femmes semblent surréalistes mais incarnent également un élément de nostalgie. Bien que les images elles-mêmes aient une qualité macabre, elles nous encouragent à embrasser la vitalité.

Pavillon de la Corée
« Condensation » de Haegue Yang explore des espaces privés ou cachés qui pourraient être considérés comme nebensächlich (marginaux ou insignifiants), mais qui constituent pour l’artiste des toiles de fond profondes pour la compréhension : les sites vulnérables où le développement informel peut se produire. Ces décorations fonctionnelles pour la maison défient les concepts rigides de conception ou de périodisation pour mettre l’accent sur la non-esthétique de la sphère privée, où le soi est pris en charge et contemplé, et peut être partagé d’une manière différente.

Utilisant la métaphore de la condensation, le yang cherche à communiquer directement avec des personnes inconnues par le biais d’un chemin d’échange apparemment intangible, qui transmet des informations non fonctionnelles mais ontologiquement significatives. Constitué d’un système labyrinthique de stores vénitiens empilés inondés de lumière naturelle, une série d’agencements vulnérables – voix et vent, évoque les ombres de lieux et d’expériences non physiquement présentes. ici, yang utilise des stores vénitiens fabriqués dans le commerce dans des couleurs et des motifs indescriptibles et inclassables qui existent à la limite du goût. Alors que ses spectateurs restent anonymes et sans visage les uns envers les autres et envers l’artiste, la « communication condensation » de Yang, qui a lieu sans cesse à des moments imprévisibles et dans des lieux imprévisibles, offre une possibilité de reconnaissance partagée.En activant la subjectivité et en résistant aux définitions formelles de l’efficacité, Yang nourrit une compréhension fantomatique mais réelle qui inspire une acceptation aveugle et complète des autres.

Pavillon de l’Amérique latine
« Fare Mondi/Making Worlds », une exposition unique entremêlant différents thèmes dans une unité organique, où les œuvres interagissent et dialoguent entre elles et l’espace lui-même. Dans Olimpo Fernando Falconí (Equateur) explore l’image du volcan Chimborazo, un point de repère géographique et historique d’Amérique latine. Une vidéo montre la fonte de la calotte neigeuse du volcan. Les Dieux du Nouveau Monde sont représentés par Darío Escobar (Guatemala) dans son Installation Kukulcan. Dominé par la queue d’un Quetzalcoatl rouge, le serpent à plumes mythique a fait des pneus de bicyclette, qui suit le projet de recherche de longue date de l’artiste lié à la re-contextualisation de l’objet en tant qu’œuvre d’art. Luis Roldán (Colombie) qui évoque une dimension lyrique et existentielle de la vie urbaine dans son œuvre faite de petits fragments.Carlos Garaicoa (Cuba), qui joue avec les rendus architecturaux comme s’il était le biographe d’un lieu fait de cire, de lumière, de briques et de papier.

Un monde étrange peuplé de spécimens rares et de mutants ethniques divers est la façon dont Raquel Paiewonsky (République dominicaine) fusionne des éléments de la vie urbaine, des stéréotypes de toutes sortes, de la nature, de la spiritualité et de l’instinct. Federico Herrero (Costa Rica) qui, dans un mélange de geste et de couleur, peint des lieux où, selon son sentiment, la couleur est essentielle. La couleur et les motifs qui évoquent le syncrétisme culturel de l’Amérique latine sont également essentiels dans l’installation textile inca et aymara assemblée par Gastón Ugalde (Bolivie), créant un cadre spectaculaire de design et de texture. Une nouvelle vision de l’espace est portée à notre attention dans l’effet trompe l’œil créé par le photographe Nils Nova (El Salvador), dissolvant les limites entre réalité et fiction.

Pavillon de la Lituanie
Žilvinas Kempinas présente son travail en utilisant la bande vidéo comme matériau sculptural plutôt que comme support de données visuel. Dans ses installations, des forces invisibles de gravité et de circulation d’air animent l’espace architectural en le remodelant en un environnement totalement nouveau. Sa dernière œuvre, une installation à grande échelle TUBE a été créée à l’Atelier Calder (Saché, France) et a été installée pour le pavillon lituanien à Venise afin de résonner avec l’environnement de la ville. TUBE aborde l’expérience physique et optique du spectateur, le passage du temps, la perception du corps et l’architecture. Kempinas utilise la bande magnétique pour construire des espaces d’expérience monumentaux mais fragiles. Les gestes ludiques et la clarté géométrique sont tout aussi importants. Sa pratique artistique est basée sur le recyclage des principes du minimal, de l’abstrait,op art et art cinétique dans la condition post-moyenne.

Pavillon du Mexique
« ¿De qué otra cosa podríamos hablar? (What Else could we talk about?) » de Teresa Margolle, présentées au Pavillon mexicain sont une subtile chronique des effets d’une économie internationale diabolique : le cercle vicieux de l’interdit, de l’addiction, de l’accumulation , la pauvreté, la haine et la répression qui métamorphosent les plaisirs transgressifs et les obsessions puritaines du Nord en enfer au Sud. En raison de la récente recrudescence de la violence au Mexique, le travail de Teresa Margolles, qui s’est concentré pendant près de deux décennies sur l’exploration des possibilités artistiques des restes humains, a mis de plus en plus l’accent sur la méditation sur la mort violente et ses victimes.

De qué otra cosa podríamos hablar? était un récit basé sur des tactiques de contamination et des actions matérielles, qui cherchent à impliquer émotionnellement et intellectuellement les visiteurs dans les questions entourant la façon dont la violence et l’économie mondiale actuelle impliquent la déclaration effective de générations entières d’individus comme une classe sociale pratiquement jetable, piégée entre la logique perverse de la criminalité, du capitalisme et de l’interdit. Teresa Margolles implique une intervention unique et continue, avec différentes actions et travaux le long du pavillon. Son exploration de la mort en tant que sujet a été liée à une recherche toujours plus approfondie sur les questions d’inégalités économiques et politiques, d’exploitation sociale,le processus de deuil historique et la manière dont la violence prolongée définit le paysage culturel et philosophique d’aujourd’hui.

Pavillon de la Nouvelle-Zélande
« The Collision » de Judy Millar, une installation de toiles peintes à grande échelle qui traversent les sols et les plafonds, s’étendent dans l’espace au-delà des confinements appropriés du bâtiment, se replient et se déplient délibérément et rejettent délibérément les modes conventionnels d’affichage et de conception d’exposition. Le projet remet en cause la relation traditionnelle entre l’objet d’art et l’espace d’exposition. L’artiste Judy Millar est considérée comme l’une des plus éminentes peintres néo-zélandaises. Les thèmes centraux dans les peintures à grande échelle de l’artiste incluent les relations entre la toile et la peinture, la statique et le mouvement et la place de la peinture dans l’histoire de l’art.

Pavillon de la Pologne
« Invités » de Krzysztof Wodiczko, axé sur les immigrés, des personnes qui, n’étant pas « chez eux », restent des « invités éternels ». Les « étrangers », les « autres » sont des notions clés dans la pratique artistique de Wodiczko, que ce soit dans les projections, les Véhicules ou les Instruments technologiquement avancés qui permettent à ceux qui, privés de droits, restent muets, invisibles et anonymes de communiquer, de prendre la parole , s’imposer dans l’espace public. Le projet, traitant de la problématique multiculturelle de l’altérité, concerne l’une des questions les plus brûlantes du monde contemporain, aussi bien dans le monde que dans l’UE, où un discours d’acceptation et de légalisation s’accompagne de politiques d’immigration souvent restrictives.

Le pavillon polonais se transforme en un lieu où les spectateurs regardent des scènes se déroulant apparemment à l’extérieur, derrière une illusion de fenêtres, leur projection sur les murs sans fenêtre du pavillon. Les projections individuelles, les images de fenêtres projetées sur l’architecture du pavillon, ouvrent son intérieur à des scènes virtuelles, mais en même temps réelles, montrant des immigrés lavant des vitres, se reposant, discutant, attendant du travail, échangeant des remarques sur leur difficile situation existentielle. , chômage, difficultés à régulariser leur séjour. Une expérience d’incapacité à surmonter le fossé qui les sépare. Rappeler aux visiteurs qui sont ici aussi des « invités », dont ils se souviennent par les images d’immigrants essayant, de temps en temps, de jeter un coup d’œil à l’intérieur.

Pavillon de la Russie
« Victory Over the Future » présente de nouvelles œuvres d’artistes explorant la tension entre les traditions d’avant-garde russes et leurs récits personnels. Rain Theorem, une série de peintures murales, représente des supporters bruyants de football (soccer) lors d’un match. Dans une scène, ils crient la joie de la victoire et, dans la suivante, ils réagissent avec fureur à la défaite. Le travail d’Irina Korina explore l’incertitude et les états d’être liminaires. La sculpture est construite à partir d’anciennes nappes en plastique qui juxtaposent des formes sinueuses et rigides. Tenu dressé comme une plante par pression hydrostatique, Fountain défie la perception de la fluidité. L’installation multimédia d’Andrei Molodkin, Le Rouge et le Noir, présente deux reproductions en verre creux de la Nike de Samothrace. L’un est rempli d’huile pulsée, l’autre de « sang » pulsant.

Gosha Ostretsov présente une installation composée d’une série de pièces abandonnées. Par la production d’une œuvre qui survit à son créateur, l’activité artistique représente par sa nature même une victoire sur l’avenir. Pavel Pepperstein connu pour ses scènes absurdes du futur. Landscapes of the Future est une série de peintures dans lesquelles des motifs suprématistes repoussent les frontières nébuleuses des futures mégalopoles. L’installation CARTOUCHE de Sergei Shekhovtsov aborde le sens et la symbolique de l’ornementation architecturale. Il utilise du caoutchouc mousse, un matériau par excellence moderne, pour créer des distributeurs automatiques de billets, des caméras de sécurité et des climatiseurs. Black Holes d’Anatoly Shuravlev est une installation qui explore les complexités de la mémoire historique. Avec échelle, structure et texture,Zhuravlyov crée une installation saisissante qui interroge la manière dont le futur se révèle à travers le passé.

Pavillon de Singapour
« Life of Imitation » de Ming Wong, met en scène la coexistence de plusieurs mondes où la langue, le genre, l’apparence et les traditions négocient constamment les uns avec les autres. Dans des actes ludiques et imparfaits de mimesis et de mélodrame, cette exposition tente de tenir le miroir à la hauteur de la condition singapourienne liée aux racines, à l’hybridité et au changement. Wong explore les facettes performatives du langage et de l’identité à travers ses propres réinterprétations du « cinéma du monde » – il a créé une série d’installations vidéo multicanaux inspirées de moments cinématographiques classiques d’Hollywood, d’Europe, de Chine et d’Asie du Sud-Est.

Le pavillon nous présente également la localisation de la culture occidentale dans le milieu de Singapour. L’ambiance est encore renforcée par les panneaux d’affichage peints par Wong et le dernier peintre de panneaux d’affichage survivant de Singapour, Neo Chon Teck, et des souvenirs de films tels que des photographies d’anciens cinémas à Singapour, des peintures, des dessins et des transcriptions, illustrant le processus de création des installations vidéo de Wong et de l’ensemble de l’exposition. lui-même. Le projet situe les complexités de la mémoire et de la nostalgie en tant que sujets déplacés et explique comment les mobilités façonnent la reconstruction des significations à travers les possibilités d’espace et d’identité dans les expressions artistiques asiatiques contemporaines. Il contextualise les discours identitaires et explore les liens entre la ré-imagination d’un passé,la refonte de la mémoire et la déconstruction des discours nationaux.

Pavillon de Span
Intitulé « Miquel Barceló », le pavillon espagnol présente des peintures grand format récentes aux côtés d’autres plus anciennes pour constituer un aperçu du travail de miquel barceló depuis 2000. L’exposition s’articule autour des thèmes pérennes de l’artiste, comme les primates, les paysages africains et l’écume des vagues de l’océan. Barceló est généralement reconnu comme l’un des peintres vivants les plus influents d’Espagne. L’exposition présente également une série d’œuvres de l’artiste et écrivain français François Augiéras, dont l’œuvre rend des représentations en petit format de scènes de genre africaines.

Pavillon de la Turquie
Les « lapses » montrent comment la perception des « événements survenus » peut varier et conduire à des narrations différentes de l’histoire en raison des oublis de la mémoire collective. Le projet a été réalisé à travers les œuvres de deux artistes : « CATALOGUE » de Banu Cennetoglu et « Exploded City » d’Ahmet Ögüt. Les deux projets révèlent la possibilité de diverses formations mémorielles ou de divers récits, concevables par des lapsus. Un décalage dans le flux linéaire et continu du temps implique soit un sentiment de désorientation, soit une déconnexion avec notre environnement personnel. Ce n’est qu’en reconnaissant (après coup) un tel écart que nous réalisons notre capacité à restructurer la mémoire dans le continuum de l’espace et du temps à travers un flux ininterrompu, avec des images rémanentes qui se reproduisent par les narrations et nos sens. C’est un acte subjectif.Cependant, dans les sociétés dépendantes de la crédibilité des médias quotidiens, d’immenses archives visuelles fonctionnent comme la mémoire collective.

Ahmet Ögüt retrace des bâtiments qui ont été récemment le site d’un événement crucial et se sont transformés en ruines, déclenchant ainsi des associations dans notre subconscient. « Exploded City » présente une ville modèle en se référant aux caractéristiques architecturales originales de chaque bâtiment. L’œuvre interroge les significations et les valeurs attribuées à ces bâtiments avant et après l’explosion, tout en détectant les oublis qui se produisent dans notre mémoire via des images médiatiques. Il manifeste également des lacunes autrement cachées en arrachant les bâtiments de leur mémoire. « CATALOGUE 2009 » tient au fait que la photographie, extraite de la réalité dans laquelle elle a été tournée, est non seulement censée exister dans un nouveau contexte subjectif et critique, mais aussi devenir le vecteur d’expression de ce nouveau contexte. Banu Cennetoglu’s photographies appartiennent à des géographies différentes tout en étant simultanément ouvertes à des récits fictifs. L’œuvre est présentée sous la forme d’un « catalogue de vente par correspondance » performatif où des centaines de photographies sont classées sous des catégories subjectives.

Pavillon des Emirats Arabes Unis
« Ce n’est pas toi, c’est moi », la première exposition des EAU à la Biennale de Venise. Le projet attire l’attention sur sa nature et sa fonction de vitrine à travers une combinaison d’éléments scénographiques et architecturaux. Le pavillon met en évidence un thème « Exposition universelle » qui intègre divers éléments, notamment le travail de l’artiste vedette, Lamya Gargash ; une salle d’exposition d’œuvres de plusieurs artistes des Émirats arabes unis : Ebtisam Abdul-Aziz, Tarek Al-Ghoussein, Huda Saeed Saif et Hassan Sharif ; le kiosque d’Hannah Hurtzig présentant des conversations avec des personnalités clés du panorama culturel du pays ; une documentation d’une performance à Dubaï par le Jackson Pollock Bar ; une scénographie rappelant la tradition de l’exposition universelle, y compris des panneaux de texte et des modèles architecturaux de l’infrastructure artistique des Émirats arabes unis.

Pavillon du Royaume-Uni
Le pavillon britannique présente un nouveau film intitulé ‘Giardini’ (jardins) de steve mcqueen, son film de 30 minutes nous montre les jardins en hiver. un monde désolé d’arbres nus, de gouttes de pluie, de cloches d’église. Giardini est un film sur écran partagé qui documente les jardins vénitiens hors saison, car cet espace n’est ouvert au public que la moitié de l’année lorsque l’exposition de la Biennale a lieu. En utilisant le support du film, McQueen permet au spectateur de découvrir les jardins vides où les chiens errants errent à la recherche de nourriture, les étrangers se cachent dans l’ombre et les amoureux se rencontrent. Avec sa simplicité poétique, Giardini se délecte de la beauté de l’invisible et de l’inouï, tout en exposant à son tour le spectacle de la Biennale et sa nature éphémère.

Pavillon des États-Unis d’Amérique
Nauman présente ses nouvelles installations majeures dans le pavillon des États-Unis. Dans Days et Giorni, les voix qui composent les œuvres peuvent être vécues collectivement ou isolément, créant une orchestration sonore émouvante, puissante et implacable. Comme les textes de Nauman répètent et réarrangent adroitement les jours de la semaine, ils modifient et sapent également la séquence qui mesure normalement le passage du temps. « La présentation de Days et Giorni dans le cadre de la série ‘Notations’ du Musée, exclusivement consacrée à l’art contemporain, permet à nos visiteurs de faire des parallèles entre ces œuvres et celles de la collection du Musée, y compris d’autres œuvres de Nauman.

Les gestes de Nauman ont une logique assez claire, son travail va et vient en spirale : le monologue interne décousus et répété ; le sens de l’esprit et du corps ne tient plus ensemble; le sentiment tourmentant de l’espace. La démarche classique de Nauman, semble-t-il, consiste à s’emparer d’un symptôme de maladie mentale et à construire un travail autour de lui. « Topological Gardens », mettant entre parenthèses les éléments les plus surmenés et les aspects plus ouvertement hostiles à son public (par exemple pas de Clown Torture), distillant de la cacophonie de l’œuvre de Nauman un spectacle doux-amer, d’adieu. Installés dans les deux chambres flanquant l’entrée où vous rencontrez The True Artist, les mobiles de Nauman sont étranges et déconcertants, mais aussi élégants et même charmants d’une manière las du monde.

Pavillon de l’Uruguay
Trois artistes représentent le Pavillon de l’Uruguay, l’exposition cherche à refléter les dimensions significatives des arts visuels contemporains en Uruguay. Les œuvres d’art offrent une vision prismatique de sa variété inhérente, établissant des lignes qui impliquent à la fois l’artisanat et l’emploi de ressources technologiques, des récits qui se situent à la frontière entre les questions d’identité et de localité, ainsi que des aspects globaux. « Terre promise » de Raquel Bessio est suggérée comme un terrain éclaté, gris et sombrement métallique. Les espaces clos rongent les certitudes et les résolutions, processus que subissent les pièces mêmes de ses œuvres, en rouillent. Dans la foulée, ils accèdent à l’autonomie et deviennent ingérables. Juan Burgos élargit les visions apocalyptiques urbaines qui prolifèrent dans la vie quotidienne.Son point de départ est un livre de contes pour enfants, à partir duquel il construit un collage délirant. Pablo Uribe a réalisé un faux documentaire. Ce faisant, il réfléchit sur le jeu entre réalité et fiction, sur les représentations dans les représentations.