Resenha da Bienal de Arte de Veneza 2009, Itália

A 53ª Mostra Internacional de Arte, aberta ao público de 7 de junho a 22 de novembro de 2009. A mostra principal da 53ª Bienal de Veneza intitula-se “Fazendo Mundos”. Esta bienal inclui trabalhos de 90 artistas e 77 pavilhões nacionais participantes, incluindo participações pela primeira vez de Montenegro, Principado de Mônaco, República do Gabão, União das Comores e Emirados Árabes Unidos.

Esta edição da bienal cobre a Exposição Internacional de Arte no Pavilhão Central de Giardini e Arsenale. Este ano, os diversos locais da Bienal também serão melhor ligados entre si por uma nova ponte – entre o Giardino delle Vergini e o Sestriere di Castello, dando a toda a área do Giardini-Arsenale uma sensação de unidade.

A exposição principal da 53ª Bienal de Veneza é intitulada “Fazendo mundos”. A bienal enfatiza o processo criativo onde uma obra de arte apresenta a visão de mundo do artista, “Making Worlds” é uma exposição impulsionada pela aspiração de explorar os mundos ao nosso redor, bem como os mundos à frente. Trata-se de possíveis novos começos. “Fazendo mundos.” sem um impulso narrativo geral, mas uma série de micro narrativas curatoriais que remoem a instalação, rimas formais e conceituais, e tal, dando a ela uma textura divertida, guiando você.

Uma obra de arte representa uma visão do mundo e, se levada a sério, pode ser vista como uma forma de fazer mundo. A força da visão não depende do tipo ou complexidade das ferramentas utilizadas. Assim, todas as formas de expressão artística estão presentes: arte de instalação, vídeo e filme, escultura, performance, pintura e desenho, e um desfile ao vivo. Tomando como ponto de partida ‘worldmaking’, a mostra também permite destacar a importância fundamental de certos artistas-chave para a criatividade de gerações sucessivas, tanto quanto explorar novos espaços para que a arte se desenvolva fora do contexto institucional e para além das expectativas do mercado de arte.

Existem artistas que inspiram gerações inteiras e esses artistas-chave nem sempre são os mais visíveis no mundo dos museus e das feiras. A exposição explora fios de inspiração que envolvem várias gerações e mostra as raízes e ramos que crescem para um futuro ainda não definido. A geografia do mundo da arte tem se expandido rapidamente com o surgimento de novos centros: China, Índia, Oriente Médio … A exposição cria uma mostra articulada em zonas individuais de intensidade, continua sendo uma exposição.

O conceito da 53ª Mostra Internacional de Arte, engloba três vertentes em particular: A proximidade com os processos de produção, que “resultam numa exposição que se mantém mais próxima dos locais de criação e educação (o atelier, a oficina) do que o museu tradicional mostra, que tende a destacar apenas a própria obra acabada. A relação entre alguns artistas-chave e gerações sucessivas: Vários pontos de referência históricos ancoram a exposição… Uma exploração do desenho e da pintura, no que diz respeito aos desenvolvimentos recentes e à presença nos mais recentes edições da Bienal de muitos vídeos e instalações.

A mostra não tenta ilustrar uma filosofia da arte, mas admite que a Bienal de Veneza é exatamente o que é: um conjunto inteligente de entretenimento de verão. Nas convenções do entretenimento do mundo da arte, um tipo de estratégia de apresentação de comparação e contraste que leva você de um espaço para o outro. A exposição alterna entre nomes estabelecidos e sangue novo e estimulante; coisas não convencionais de artistas conhecidos e coisas familiares de artistas não convencionais …

Pavilhões Nacionais

Pavilhão da Argentina
As duas pinturas murais frente a frente que constituem esta exposição, a partir da sua própria materialidade, complexa e fragmentária, expansiva e detalhada, transformam essas tensões em seu sujeito. Como parte dele e produzindo uma interdependência entre as coordenadas de tempo e espaço; entre a obra e o seu contexto. A pintura é aqui uma caixa preta que transforma e contém esse contexto. Em ambas as obras há uma organização que consegue multiplicar e politizar os sentidos por meio do visual. Nesta época de perplexidades globais, a obra de Noé oferece um olhar lúcido e os desafios de um grande artista. A crise e as tensões do mundo e da história argentina são um tema permanente e constitutivo na obra de Noé. Daí, também, a forma que o artista escolhe para intitular suas obras,com frases irônicas sobre os paradoxos presentes.

Os murais de Noé, onde uma multidão de imagens coexistem em diferentes núcleos de atenção, através de diferentes formas de pintura e um conjunto de variações (da miniatura aos gestos, do detalhado ao sinfônico), implicam na aceitação crítica do caos como princípio criativo e coexistencial. Suas obras são pura tensão dos sentidos e uma forma de transformar o conhecimento em pintura e a pintura em uma forma de conhecer o mundo. Os dois murais de Noé, devoradores e inclusivos – revelando a energia de um dos mais expansivos e vitalmente jovens artistas da atual Argentina – funcionam como redes que convocam, captam, mostram, constroem, propõem, discutem o estado do mundo.

Pavilhão da Austrália
“MADDESTMAXIMVS” de Shaun Gladwell, um conjunto atraente de cinco vídeos temáticos inter-relacionados com elementos escultóricos e fotográficos, influenciados pelas paisagens australianas do outback e pelos icônicos filmes Mad Max. O projeto reúne a marca registrada da artista em videoinstalações em slow-metragem de figuras realizando atos de virtuosismo físico, com obras escultóricas e intervenções na própria estrutura do Pavilhão. O rigor conceitual e formalismo visual dos trabalhos em vídeo de Gladwell garantiram que eles nunca funcionassem como simples glorificações de práticas urbanas de rua, como patinação ou, posteriormente, andar de BMX, break-dancing, capoeira, taekwondo e similares. MADDESTMAXIMVS marca uma mudança do foco anterior de Gladwell em ambientes urbanos e se engaja em uma performativa,exploração pessoal das fronteiras e possibilidades de um relacionamento humano com o interior australiano.

MADDESTMAXIMVS também examina diferentes experiências de tempo e ser, em particular por meio da relação do corpo humano com seu ambiente imediato. Os principais elementos que se desenvolveram por meio da prática subsequente de Gladwell já estavam aparentes em seus primeiros trabalhos em vídeo. Mais crucialmente, as obras retratadas (ou tomaram o ponto de vista de) figuras atuando em espaços públicos ao ar livre, por um lado perturbando as funções e convenções sociais e arquitetônicas desses espaços, por outro articulando fisicamente suas próprias experiências de lugar. Seus experimentos utilizaram câmera lenta e paisagens sonoras ambientais para diminuir o tempo e concentrar os detalhes visuais dos corpos em movimento e para revelar as nuances sutis e as qualidades essenciais das atividades de seus performers. Isso continua a resultar em poética,representações hipnóticas e meditativas que abrem as próprias atividades para uma ampla gama de leituras.

Pavilhão do brasil
O Pavilhão do Brasil apresentou ao vivo e trabalho na zona Norte / Nordeste do Brasil, logo abaixo do Equador. Nesses locais, o sol equatorial bate incansavelmente para baixo, às vezes com um brilho quase ofuscante, ao contrário da luz idílica e suave dos trópicos frequentemente identificados com o imaginário brasileiro. É, portanto, outro Brasil – outra luz, temperatura, paisagem, sabor, cheiro, som e olhar – que se desenvolve em sua produção. Apresentar esses lugares não é uma prioridade na prática, artistas e fotógrafos se empenham em afirmar o lugar de onde falam, e em explorar as possibilidades de expressar e revelar outros mundos, outras perspectivas.

Pavilhão da Ásia Central (Cazaquistão, Quirguistão, Tadjiquistão e Uzbequistão)
“Making Interstices” se propõe a reconhecer as intrincadas distinções e opções de fazer arte no mundo global. Making Interstices indica a forma como os artistas trabalham, operam e produzem nos países da Ásia Central durante as turbulências políticas e econômicas dos últimos trinta anos. A condição de não comunicação nesses interstícios serve como uma fuga das formas dominantes de poder político e econômico. Parece que as produções de arte contemporânea e seus criadores não têm localização e posição significativa nas prioridades políticas, econômicas, oficiais e sociais nos territórios acima mencionados. Nessa ambigüidade de existente e não existente, essas cenas artísticas se assemelham a interstícios de falta de comunicação. No entanto, eles evidentemente geram espaços alternativos nessas sociedades.O atual surgimento de tentativas individuais de comunicação com potenciais parceiros internacionais e iniciativas de grupo é um fenômeno que pode implantar um novo diálogo entre a sociedade e o Estado.

Os artistas operam para criar núcleos prolíficos de pensamento e expressão livres, sugerem modelos verbais ou visuais imperceptíveis ou minuciosos de resistência e influenciam silenciosamente as gerações mais jovens. Making Interstices se propõe a reconhecer as intrincadas distinções e opções do fazer artístico na multiplicidade do mundo global. Se Making Worlds apresenta o amplo espectro e processo da arte de hoje, Making Interstices indica a maneira como os artistas trabalham, operam e produzem nos países da Ásia Central – e em muitos outros países que têm tensões semelhantes entre o passado recente e o presente, ou seja, em toda a política e economia turbulências dos últimos trinta anos. Complicações violentas de rápidas transformações ideológicas e governamentais agravaram a capacidade dos artistas de descobrir,empregar e explorar as pequenas brechas (interstícios) entre a macro política e a economia convencional e, na maioria das vezes, opressora. Fazer Interstícios é uma estratégia que permite ao artista configurar livremente os seus pensamentos, desejos e humor numa intervenção táctica, experimental e exploratória através da arte…

Pavilhão do Chile
Iván Navarro apresenta um conjunto de trabalhos em uma perspectiva sócio-política. O artista é conhecido no cenário internacional graças a uma série de shows pessoais. Ele produz complexas esculturas de luz, desenvolvendo o conceito de conversão de energia por meio de objetos e instalações específicas feitas de objetos de uso cotidiano, vinculando-os a uma crítica precisa do poder. Com o tema entrelaçado em toda a sua obra, o artista formaliza sua obra Threshold em três elementos / momentos distintos. Os materiais que utiliza, marcados pela aparente frieza com extrema ênfase nos aspectos técnicos, são totalmente dependentes da energia elétrica, propondo uma metáfora subjacente aos fluidos corporais e sua ação na geração de vida e “animação” de objetos.

Death Row é composto por treze portas de alumínio com uma luz de néon dentro. Isso cria um hiato óptico no espaço, produzindo um efeito de corredores que atravessam uma parede. Resistance é uma instalação (escultura ligada a um vídeo): é uma bicicleta amarrada a uma cadeira feita de tubos fluorescentes que se activam à medida que os pedais vão rodando. No vídeo, a mesma bicicleta circula pela Times Square em Nova York, mostrando o forte contraste entre o mobiliário urbano luminoso e as luzes geradas pela força muscular do ciclista. A cama é uma escultura circular colocada no chão. Dá a impressão de um buraco profundo no qual a palavra “CAMA” se ilumina ao “infinito”. O trabalho coloca questões sobre a possibilidade de um mundo além da parede, mas elimina a possibilidade de entrar nesse reino.Esse elemento de ilusão e o paralelismo entre o humano e a eletricidade, em sua expressão industrial e fluorescente, são marcas constantes na jornada artística de Navarro.

Pavilhão da China
“Open Wall” de Shan Shan Sheng é uma instalação de vidro em grande escala. O projeto reinterpreta uma seção da Grande Muralha ao capturar um intervalo da herança da China, traduzindo esta estrutura histórica como uma zona temporária de arquitetura de vidro. Esta instalação representa a abertura recém-descoberta da China contemporânea e envolve o momento contemporâneo como um momento crucial de troca global. Open Wall é um exemplo do fascínio de Shan Shan Sheng pela arquitetura, pelo material, pela memória nacional e pela percepção do tempo. Famosa por suas pinturas em grande escala e esculturas suspensas em Xangai, Hong Kong e Pequim, as instalações de arte conceitual de Sheng ativam e transformam a leitura de motivos tradicionais chineses e locais de memória.

Open Wall reconstrói um momento da Grande Muralha da China como uma montagem de tijolos de vidro. Os tijolos de vidro tornam-se uma espécie de moeda cultural, a ser distribuída e redistribuída no processo de instalação. Open Wall sugere a possibilidade do momento contemporâneo da China, abrindo a cultura para a economia global e uma troca de ideias sem precedentes. A Parede Aberta de Sheng é uma escultura iridescente única, indicando um limiar de transparência e opacidade, como um símbolo crítico da interseção da China com a cultura ocidental. Facilmente desmontado e remontado, Sheng’s Open Wall evoca um momento de fluxo e consumo mútuo. A Parede Aberta consiste em 2.200 tijolos de vidro, correspondendo aos 2.200 anos de construção da Grande Muralha.Sheng reimagina a Grande Muralha como um pavilhão temporário de vidro empilhado; sua instalação evoca o fluxo requintado, mas transitório, do tempo globalizado.

Pavilhão das Ilhas Comores
Paolo W. Tamburella consertou e restaurou um dos vinte e oito barcos abandonados no porto, com a ajuda dos trabalhadores de Morôni. O barco Djahazi foi durante séculos o único meio de transporte para os Comorianos, uma forma de comunicar com os países vizinhos e de criar novas relações comerciais. Em 2006, após a modernização do porto, o uso do Djahazi foi proibido, interrompendo assim uma longa tradição dos estivadores comorianos nas ilhas e colocando as Comores em um novo capítulo da economia global. Este navio, que foi carregado com um contêiner regular usado na maior parte do comércio de hoje, representa uma metáfora para uma globalidade ambivalente, reunindo esperança e desespero, emergência e emergência,em uma espécie de conto de advertência sobre as novas formas do dispensável em um mundo de incerteza e transição.

Pavilhão da Dinamarca
“The Collectors”, de Elmgreen & Dragset, transforma os pavilhões dinamarquês e nórdico em ambientes domésticos onde o público é convidado como convidado. Salas de jantar, quartos, móveis, lareiras, uma clarabóia de vitral e as obras de arte aninhadas dentro das famílias, revelam as histórias misteriosas de habitantes fictícios, com seus personagens obsessivos e estilos de vida diversos. O objetivo do projeto é criar um sentimento de intimidade com a exposição encenada, em estreita colaboração com os artistas e designers participantes, para contornar os aspectos competitivos usuais do evento de arte maior. As obras selecionadas, ao lado do design de interiores, utensílios de cozinha, roupas e até uma coleção de moscas, compõem as narrativas complexas desta dupla exposição. Pela casa d & eaute;Cor e a coleção de obras de arte, as vestimentas nos guarda-roupas, a porcelana na cozinha e os livros na biblioteca, as identidades dos habitantes fictícios, suas paixões e melancolia, emergem peça por peça.

O público foi guiado em um tour por um agente imobiliário através de um pavilhão dinamarquês “à venda”, e foi contada a história dos dramas familiares que costumavam assombrar esta casa. O vizinho Pavilhão Nórdico foi transformado em um extravagante apartamento de solteiro. Aqui, o público experimenta não apenas a coleção de obras de arte contemporâneas e design do misterioso Sr. B., mas também sua coleção de trajes de banho usados ​​de ex-namorados. Como o título ‘Os Colecionadores’ indica, a exposição aborda o tema do colecionar e a psicologia por trás da prática de se expressar por meio de objetos físicos. Abordando o tema colecionar e a psicologia por trás da prática de se expressar por meio de objetos físicos.O projeto fez a pergunta como Por que reunimos itens e nos cercamos deles em nossa vida cotidiana? Quais mecanismos de desejo acionam nossa seleção?

Pavilhão da França
Este ano Claude Lévêque é o artista que representa a França na 53ª Mostra Internacional de Arte – La Biennale di Venezia. No Pavilhão da França, apresenta uma instalação intitulada “Le Grand Soir”, que condiz com o impulso da sua obra. Um conceito exclusivamente francês das vésperas da Revolução, “Le Grand Soir” evoca o momento em que o mundo mudou.

O pavilhão francês parece um catafalco. Atrás do peristilo ergue-se uma parede preta, cega, muda, hostil. A fachada côncava também é pintada de preto. O movimento foi limitado, os sentimentos foram controlados. A luz é intensa, as paredes peroladas a refrescam e difractam. é a meia-luz, a escuridão onde cintilam os reflexos. No final, uma tremulante bandeira negra ao longe levanta a imagem de uma esperança radical, ou desespero de destruição.

Pavilhão da Alemanha
“Kitchen”, de Liam Gillick, transformou o pavilhão alemão em uma cozinha rígida e despojada, uma possível referência à icônica cozinha Frankfurter. O pavilhão não foi alterado ou mascarado. o interior e o exterior do edifício são deixados em sua forma básica para que possam ser vistos e examinados. Recentemente pintado de branco para a manutenção geral do edifício, Gillick deixou as paredes dessa forma para criar um cenário perfeito para sua instalação. Todos os cômodos do prédio ficam abertos. nenhuma parte do pavilhão foi fechada ou utilizada para armazenamento. Uma estrutura semelhante a uma cozinha construída em madeira de pinho simples. Faltam eletrodomésticos, mas a ‘cozinha’ existe como um diagrama de aspiração, função e um eco do modernismo aplicado que ressoa em oposição à grandeza corrompida do pavilhão.

Gillick compara a cozinha a algo entre a Ikea e algo muito mais moderno, uma espécie de modernidade alternativa. Não se trata de um grande simbolismo, não se trata de uma ideologia abrangente. É aquele outro modernismo, aquele que de certa forma leva à cozinha contemporânea. Como toque final, gillick e sua equipe de estúdio em berlim, criaram um gato animatrônico como ocupante da cozinha que fica em cima de um dos armários. O gato luta contra o eco do prédio e nos conta uma história circular que nunca acaba. O gato está na cozinha, as crianças estão na cozinha: ‘Não gosto’, diz o menino. ‘Eu não gosto disso,’ a garota disse. ‘Não gosto de você’, pensa o gato.O projeto forçou Vistor a considerar a questão quem fala a quem e com qual autoridade?

Pavilhão do Japão
“Windswept Women: The Old Girls ‘Troupe” por Miwa Yanagi, transfrom o Pavilhão do Japão como uma estrutura independente ou temporária, cobrindo seu exterior com um preto. O projeto se assemelha à fluidez e mobilidade da barraca de teatro provisório. No interior, Yanagi instalou estandes fotográficos gigantes de 4 metros de altura contendo retratos de mulheres de várias idades. Também será exibida uma nova obra em vídeo e uma série de pequenas fotografias. Ao entrar, os espectadores se sentem desorientados, perdendo o senso de escala e perspectiva enquanto caminham entre obras de grandes dimensões. O motivo desta instalação é uma trupe composta exclusivamente por mulheres que viajam com sua casa móvel, no topo de sua caravana.

As fotos de mulheres gigantescas que Yanagi criou para Veneza simbolizam resolução. Eles permanecem imóveis, apesar de estarem rodeados por um vento turbulento. Não importa o que aconteça, eles mantêm os pés firmemente plantados no chão. Apresentadas em molduras decorativas ricamente desenhadas, essas mulheres parecem surreais, mas também incorporam um elemento de nostalgia. Embora as próprias imagens tenham uma qualidade macabra, elas nos encorajam a abraçar a vitalidade.

Pavilhão da Coréia
“Condensation” de Haegue Yang, explora espaços privados ou escondidos que podem ser considerados nebensächlich (marginais ou insignificantes), mas para o artista constituem cenários profundos para a compreensão: os locais vulneráveis ​​onde o desenvolvimento informal pode ocorrer. Essas decorações funcionais para a casa desafiam conceitos rígidos de design ou periodização para enfatizar a não-estética da esfera privada, onde o eu é cuidado e contemplado, e pode ser compartilhado de uma maneira diferente.

Usando a metáfora da condensação, o yang busca comunicação direta com pessoas desconhecidas por meio de um caminho de troca aparentemente intangível, que transmite informações não funcionais, mas ontologicamente significativas. Consistindo em um sistema labiríntico de venezianas empilhadas e inundadas de luz natural, uma série de arranjos vulneráveis ​​- voz e vento, evocam sombras de lugares e experiências não fisicamente presentes. aqui, o yang usa venezianas fabricadas comercialmente em cores e padrões indescritíveis e não categorizáveis ​​que existem no limite do gosto. Enquanto seus espectadores permanecem sem nome e sem rosto um para o outro e para a artista, a “comunicação condensacional” de Yang, que ocorre incessantemente em tempos e lugares imprevisíveis, oferece uma possibilidade de reconhecimento compartilhado.Ao ativar a subjetividade e resistir às definições formais de eficiência, Yang nutre uma compreensão fantasmagórica, porém real, que inspira a aceitação cega e completa dos outros.

Pavilhão da América Latina
“Fare Mondi / Making Worlds”, uma exposição única que entrelaça diferentes temas numa unidade orgânica, onde as obras interagem e dialogam entre si e com o próprio espaço. Em Olimpo Fernando Falconí (Equador) explora a imagem do vulcão Chimborazo, marco histórico e geográfico da América Latina. Um vídeo retrata o derretimento da capa de neve do vulcão. Os Deuses do Novo Mundo são representados por Darío Escobar (Guatemala) em sua Instalação Kukulcan. Dominada pela cauda de um Quetzalcoatl vermelho, a mítica serpente emplumada confeccionada em pneus de bicicleta, que segue o projeto de pesquisa de longa data do artista relacionado à recontextualização do objeto como obra de arte. Luis Roldán (Colômbia) que evoca uma dimensão lírica e existencial da vida urbana em sua obra feita de pequenos fragmentos.Carlos Garaicoa (Cuba), que brinca com representações arquitetônicas como se fosse o biógrafo de um lugar feito de cera, luz, tijolos e papel.

Um estranho mundo povoado por espécimes raros e diversos Mutantes étnicos é como Raquel Paiewonsky (República Dominicana) funde elementos da vida urbana, estereótipos de todos os tipos, natureza, espiritualidade e instinto. Federico Herrero (Costa Rica) que, numa mistura de gestos e cores, pinta lugares onde, segundo seu sentimento, a cor é essencial. Cores e padrões que evocam o sincretismo cultural da América Latina também são fundamentais na instalação têxtil inca e aimará montada por Gastón Ugalde (Bolívia), criando um cenário espetacular de design e textura. Uma nova visão do espaço é trazida ao nosso conhecimento no efeito tromp l´oeil criado pelo fotógrafo Nils Nova (El Salvador), dissolvendo os limites entre a realidade e a ficção.

Pavilhão da Lituânia
Žilvinas Kempinas mostra seu trabalho, utilizando o videoteipe como um material escultural ao invés de um suporte visual de dados. Em suas instalações, forças invisíveis da gravidade e da circulação de ar animam o espaço arquitetônico, remodelando-o em um ambiente totalmente novo. Seu último trabalho, uma instalação em grande escala TUBE foi criada no Atelier Calder (Saché, França) e foi montada para o pavilhão da Lituânia em Veneza para ressoar com o ambiente da cidade. TUBE aborda a experiência física e óptica do espectador, passagem do tempo, percepção do corpo e arquitetura. Kempinas tem usado fita magnética para construir espaços de experiência monumentais, porém frágeis. Gestos lúdicos e clareza geométrica são igualmente importantes. Sua prática artística é baseada na reciclagem dos princípios do mínimo, abstrato,arte op e arte cinética na condição pós-média.

Pavilhão do México
“¿De qué otra cosa podríamos hablar? (De que mais poderíamos falar?)”, De Teresa Margolle, apresentada no Pavilhão do México, é uma sutil crônica dos efeitos de uma diabólica economia internacional: o círculo vicioso da proibição, do vício, da acumulação , pobreza, ódio e repressão que transformam os prazeres transgresivos e as obsessões puritanas do Norte para o Sul como o Inferno. Devido ao recente surto de violência no México, a obra de Teresa Margolles, que há quase duas décadas se concentra na exploração das possibilidades artísticas dos restos humanos, tem colocado uma ênfase cada vez maior na meditação sobre a morte violenta e suas vítimas.

¿De qué otra cosa podríamos hablar? foi uma narrativa baseada em táticas de contaminação e ações materiais, que buscam envolver emocional e intelectualmente os visitantes nas questões que envolvem a forma como a violência e a atual economia global envolvem a declaração efetiva de gerações inteiras de indivíduos como uma classe social virtualmente descartável, presa entre a lógica perversa da criminalidade, capitalismo e proibição. Teresa Margolles envolve uma intervenção única e contínua, com diferentes ações e obras ao longo do pavilhão. Sua exploração da morte como um assunto tem sido relacionada a uma pesquisa cada vez mais aprofundada sobre questões de desigualdades econômicas e políticas, exploração social,o processo de luto histórico e a forma como a violência estendida define a paisagem cultural e filosófica de hoje.

Pavilhão da Nova Zelândia
“The Collision” de Judy Millar, uma instalação de telas pintadas em grande escala que atravessam pisos e tetos, alcançam o espaço além dos confinamentos adequados do edifício, dobram-se para dentro e para fora e deliberadamente descartam os modos convencionais de exibição e design de exposição. O projeto desafia a relação tradicional entre o objeto de arte e o espaço expositivo. A artista Judy Millar é considerada uma das principais pintoras da Nova Zelândia. Os temas centrais nas pinturas em grande escala do artista incluem as relações entre tela e tinta, estática e movimento e o lugar da pintura na história da arte.

Pavilhão da Polônia
“Convidados” de Krzysztof Wodiczko, baseada em imigrantes, pessoas que, não estando ’em casa’, permanecem ‘hóspedes eternos’. ‘Estranhos’, ‘outros’ são noções-chave na prática artística de Wodiczko, seja nas projeções, nos Veículos ou nos Instrumentos tecnologicamente avançados que permitem que aqueles que, privados de direitos, permanecem mudos, invisíveis e sem nome para se comunicar, ganhem uma voz , marcar presença no espaço público. O projeto, que trata da problemática multicultural da alteridade, aborda uma das questões mais candentes do mundo contemporâneo, tanto global quanto na UE, onde um discurso de aceitação e legalização é acompanhado por políticas de imigração muitas vezes restritivas.

O Pavilhão Polonês se transforma em um lugar onde os espectadores assistem às cenas que acontecem aparentemente do lado de fora, por trás de uma ilusão de janelas, sua projeção nas paredes sem janelas do pavilhão. As projeções individuais, as imagens de janelas projetadas na arquitetura do pavilhão, abrem seu interior para o virtual, mas ao mesmo tempo real, cenas que mostram imigrantes lavando janelas, descansando, conversando, esperando o trabalho, trocando comentários sobre sua difícil situação existencial. , desemprego, problemas para legalizar sua permanência. Uma experiência de incapacidade de superar a lacuna que os separa. Lembre aos visitantes quem aqui também são ‘hóspedes’, de que são lembrados pelas imagens de imigrantes que tentam, de vez em quando, espreitar para dentro.

Pavilhão da Rússia
“Victory Over the Future” apresenta novos trabalhos de artistas que exploram a tensão entre as tradições de vanguarda russas e suas narrativas pessoais. O Teorema da Chuva, uma série de murais, retrata fãs de futebol turbulento em uma partida. Em uma cena, eles gritam de alegria pela vitória e, na próxima, reagem com fúria na derrota. O trabalho de Irina Korina explora a incerteza e os estados liminais do ser. A escultura é construída com velhas toalhas de mesa de plástico que justapõem formas sinuosas e rígidas. Mantido ereto como uma planta através da pressão hidrostática, o Fountain desafia a percepção de fluidez. A instalação multimídia de Andrei Molodkin, Le Rouge et le Noir, apresenta duas reproduções ocas em vidro da Nike de Samotrácia. Um está cheio de óleo pulsante, o outro com “sangue” pulsante.

Gosha Ostretsov apresenta uma instalação composta por uma série de quartos abandonados. Através da produção de uma obra que sobrevive ao seu criador, a atividade artística, pela sua própria natureza, representa uma vitória sobre o futuro. Pavel Pepperstein conhecido por suas cenas absurdas do futuro. Paisagens do futuro é uma série de pinturas em que motivos suprematistas avançam pelas fronteiras nebulosas de futuras megalópoles. A instalação CARTOUCHE de Sergei Shekhovtsov aborda o significado e o simbolismo da ornamentação arquitetônica. Ele usa espuma de borracha, um material moderno por excelência, para criar caixas eletrônicos, câmeras de segurança e aparelhos de ar condicionado. Buracos negros de Anatoly Shuravlev é uma instalação que explora as complexidades da memória histórica. Com escala, estrutura e textura,Zhuravlyov cria uma instalação impressionante que questiona como o futuro é revelado por meio do passado.

Pavilhão de Singapura
“Life of Imitation”, de Ming Wong, encena a coexistência de múltiplos mundos onde a linguagem, o gênero, a aparência e as tradições negociam constantemente entre si. Em atos lúdicos e imperfeitos de mimese e melodrama, esta exposição tenta erguer o espelho para a condição cingapuriana relacionada às raízes, ao hibridismo e à mudança. Wong explora os vernizes performáticos da linguagem e da identidade por meio de suas próprias reinterpretações do “cinema mundial” – ele criou uma série de instalações de vídeo multicanais inspiradas em momentos cinematográficos clássicos de Hollywood, Europa, China e Sudeste Asiático.

O pavilhão também nos apresenta a localização da cultura ocidental no meio de Cingapura. O clima é ainda mais reforçado por outdoors pintados por Wong e o último pintor de outdoors sobrevivente de Cingapura, Neo Chon Teck, e memorabilia de filmes, como fotografias de cinemas antigos em Cingapura, pinturas, desenhos e transcrições, retratando o processo de criação das instalações de vídeo de Wong e de toda a exposição em si. O projeto situa as complexidades da memória e da nostalgia como sujeitos deslocados e discute como as mobilidades moldam a reconstrução de significados por meio de recursos de espaço e identidade nas expressões de arte asiáticas contemporâneas. Ele contextualiza os discursos de identidade e explora as conexões entre a re-imaginação de um passado,o refazer da memória e a desconstrução dos discursos nacionais.

Pavilhão de Span
Intitulado “Miquel Barceló”, o pavilhão espanhol apresenta pinturas recentes de grande formato ao lado de outras mais antigas para fazer um levantamento da obra de miquel barceló desde 2000. A exposição gira em torno de temas perenes do artista, como primatas, paisagens africanas e a espuma das ondas do mar. Barceló é geralmente reconhecido como um dos pintores vivos mais influentes da Espanha. A mostra apresenta ainda uma série de obras do artista e escritor francês François Augiéras, cuja obra apresenta representações em pequeno formato de cenas do género africano.

Pavilhão da Turquia
“Lapsos”, demonstra como a percepção de “eventos ocorridos” pode variar e levar a diferentes narrações da história por causa de lapsos na memória coletiva. O projeto foi realizado por meio de obras de dois artistas: “CATÁLOGO” de Banu Cennetoglu e “Cidade Explodida” de Ahmet Ögüt. Ambos os projetos revelam a possibilidade de diversas formações de memória ou diversas narrativas, concebíveis por meio de lapsos. Um lapso no fluxo linear e contínuo do tempo implica uma sensação de desorientação ou uma desconexão com nosso ambiente pessoal. Somente reconhecendo (après coup) tal lapso é que percebemos nossa capacidade de reestruturar a memória no continuum do espaço e do tempo por meio de um fluxo ininterrupto, com imagens residuais que se repetem por meio de narrações e de nossos sentidos. Este é um ato subjetivo.No entanto, em sociedades dependentes da credibilidade da mídia cotidiana, enormes arquivos visuais operam como a memória coletiva.

Ahmet Ögüt traça edifícios que recentemente foram o local de um evento crucial e se transformaram em ruínas, desencadeando associações em nosso subconsciente. “Cidade explodida” apresenta um modelo de cidade referindo-se às características arquitetônicas originais de cada edifício. A obra questiona os significados e valores atribuídos a esses edifícios antes e depois da explosão, ao mesmo tempo em que detecta lapsos que ocorrem em nossa memória por meio de imagens midiáticas. Ele também manifesta lapsos ocultos ao arrancar os edifícios de sua memória. O “CATÁLOGO 2009” sustenta que a fotografia, extraída da realidade em que foi filmada, não só se espera que exista num novo contexto subjetivo e crítico, mas também se torne portadora de expressão para esse novo contexto. Banu Cennetoglu ‘As fotografias pertencem a diferentes geografias e, ao mesmo tempo, estão abertas a narrativas ficcionais. O trabalho é apresentado na forma de um “catálogo de mala direta” performativo, onde centenas de fotografias são classificadas em categorias subjetivas.

Pavilhão dos Emirados Árabes Unidos
“It’s Not You, It’s Me”, a primeira exposição dos Emirados Árabes Unidos na Bienal de Veneza. O projeto chama a atenção para a sua natureza e funciona como vitrine através de uma combinação de elementos cenográficos e arquitetônicos. O Pavilhão destaca um tema de “Feira Mundial” que incorpora vários componentes, incluindo o trabalho da artista em destaque, Lamya Gargash; um showroom de trabalhos de vários artistas dos Emirados Árabes Unidos: Ebtisam Abdul-Aziz, Tarek Al-Ghoussein, Huda Saeed Saif e, Hassan Sharif; Quiosque de Hannah Hurtzig com conversas com figuras-chave do panorama cultural do país; uma documentação de uma apresentação em Dubai pelo Jackson Pollock Bar; cenografia que lembra a tradição da Feira Mundial, incluindo painéis de texto e modelos arquitetônicos da infraestrutura de artes dos Emirados Árabes Unidos.

Pavilhão do Reino Unido
O pavilhão britânico apresenta um novo filme intitulado ‘Giardini’ (jardins) de steve mcqueen, o seu filme de 30 minutos mostra-nos os jardins no inverno. um mundo desolado de árvores nuas, gotas de chuva, sinos de igreja. Giardini é um filme em tela dividida que documenta os jardins venezianos fora de temporada, já que essa área fica aberta ao público durante a metade do ano apenas quando ocorre a exibição da Bienal. Ao usar o meio do filme, McQueen permite que o espectador experimente os jardins vazios onde cães vadios vagam em busca de comida, estranhos se escondem nas sombras e amantes se encontram. Com sua simplicidade poética, Giardini deleita-se com a beleza do invisível e do desconhecido, ao mesmo tempo em que expõe o espetáculo da Bienal e sua natureza fugaz.

Pavilhão dos Estados Unidos da América
Nauman mostra suas novas grandes instalações no Pavilhão dos Estados Unidos. Tanto em Days como em Giorni, as vozes que compõem as obras podem ser vivenciadas coletivamente ou isoladamente, criando uma orquestração sonora comovente, contundente e implacável. Como os textos de Nauman repetem e habilmente reorganizam os dias da semana, eles também alteram e minam a sequência que normalmente mede a passagem do tempo. “A apresentação de Dias e Giorni no contexto da série ‘Notações’ do Museu, exclusivamente dedicada à arte contemporânea, permite aos nossos visitantes traçar paralelos entre estas obras e as do acervo do Museu, incluindo outras obras de Nauman.

Os gestos de Nauman têm uma lógica bastante clara, seu trabalho entra e sai em espirais: o monólogo interno incoerente e incoerente; o sentido da mente e do corpo não mais se mantendo juntos; a torturante sensação de espaço. O movimento clássico de Nauman, ao que parece, é controlar um sintoma de doença mental e construir uma solução para ele. “Topological Gardens”, separando os elementos mais exagerados e os aspectos que são mais abertamente hostis ao seu público (por exemplo, no Clown Torture), destilando da cacofonia do trabalho de Nauman um show que é agridoce, de despedida. Instalado nas duas câmaras que flanqueiam a entrada onde você encontra O Verdadeiro Artista, os móbiles de Nauman são estranhos e desconcertantes, mas também elegantes e até charmosos de uma forma cansada do mundo.

Pavilhão do Uruguai
Três artistas representam o Pavilhão do Uruguai, a exposição busca refletir as dimensões significativas das artes visuais contemporâneas no Uruguai. As obras oferecem uma visão prismática da sua variedade inerente, traçando linhas que envolvem tanto a elaboração manual como o emprego de recursos tecnológicos, narrativas que se situam na fronteira entre questões de identidade e localidade, mas também abrangem aspetos globais. “Terra prometida” por Raquel Bessio é sugerida como um terreno lascado, cinza e metálico escuro. Os espaços fechados corroem certezas e resoluções, processo pelo qual passam as próprias peças de suas obras, à medida que enferrujam. No processo, eles alcançam autonomia e se tornam incontroláveis. Juan Burgos expande visões apocalípticas urbanas que proliferam na vida diária.Seu ponto de partida é um livro de contos infantis, a partir do qual constrói uma colagem delirante. Pablo Uribe produziu um falso documentário. Ao fazer isso, ele reflete sobre o jogo entre realidade e ficção, sobre representações dentro de representações.

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