제 53 회 국제 미술전은 2009 년 6 월 7 일부터 11 월 22 일까지 일반에 공개되었습니다. 제 53 회 베니스 비엔날레의 메인 전시는 “Making Worlds”입니다. 이 비엔날레에는 몬테네그로, 모나코 공국, 가봉 공화국, 코모로 연합, 아랍 에미리트 연합 등 90 명의 ​​예술가와 77 개의 국립 관이 참여한 작품이 포함되어 있습니다.

이번 비엔날레 에디션은 Giardini와 Arsenale의 중앙관에서 열리는 국제 미술 전시회를 다룹니다. 올해 이질적인 비엔날레 장소는 또한 Giardino delle Vergini와 Sestriere di Castello 사이의 새로운 다리로 더 잘 연결되어 Giardini-Arsenale의 전체 지역에 통일감을 부여합니다.

제 53 회 베니스 비엔날레의 주요 전시회는 “Making Worlds”입니다. 비엔날레는 예술 작품이 작가의 세계에 대한 비전을 제시하는 창의적인 과정을 강조하며, “Making Worlds”는 우리 주변 세계와 미래 세계를 탐험하려는 열망에 의해 추진되는 전시입니다. 가능한 새로운 시작에 관한 것입니다. “세계 만들기.” 전반적인 내러티브 추진력은 없지만 일련의 큐레이터 마이크로, 설치, 형식적 및 개념적 운 등을 통해 소용돌이 치는 내러티브는 재미있는 질감을 제공하여 여러분을 안내합니다.

예술 작품은 세계의 비전을 나타내며 진지하게 생각하면 세계를 만드는 방법으로 볼 수 있습니다. 비전의 강점은 사용되는 도구의 종류 나 복잡성에 좌우되지 않습니다. 따라서 설치 미술, 비디오 및 영화, 조각, 공연, 회화 및 드로잉, 라이브 퍼레이드 등 모든 형태의 예술적 표현이 존재합니다. ‘월드 메이킹’을 시작점으로 삼아 전시는 예술이 제도적 맥락 밖에서 그리고 기대를 뛰어 넘는 새로운 공간을 탐구하는 것과 마찬가지로 연속 세대의 창의성을 위해 특정 주요 예술가의 근본적인 중요성을 강조 할 수 있습니다. 예술 시장.

전 세대에 영감을주는 예술가들이 있으며 이러한 주요 예술가들은 항상 박물관과 박람회의 세계에서 가장 눈에 띄는 것은 아닙니다. 전시는 여러 세대를 아우르는 영감의 끈을 탐구하고 아직 정의되지 않은 미래로 성장하는 가지와 뿌리를 보여줍니다. 중국, 인도, 중동 등 새로운 센터가 등장하면서 예술계의 지리가 빠르게 확장되고 있습니다.이 전시회는 개별적인 강렬한 영역으로 연결되는 쇼를 만들고 하나의 전시회로 남아 있습니다.

제 53 회 국제 미술전의 콘셉트는 특히 세 가지 측면을 포함한다. 생산 과정과의 근접성, “전통 박물관보다 창작과 교육의 현장 (스튜디오, 워크숍)에 더 가까운 전시를 이룬다” 완성 된 작품 자체 만 강조하는 경향이있는 쇼 일부 주요 예술가와 후속 세대 간의 관계 : 여러 역사적 참조 지점이 전시를 고정합니다. 최근 개발 및 최신 작품의 존재와 관련하여 드로잉과 페인팅에 대한 탐구 비엔날레의 많은 비디오 및 설치 판.

이 쇼는 예술 철학을 보여 주려는 것이 아니라 베니스 비엔날레가 바로 그 자체임을 인정합니다. 즉, 스마트 한 여름 엔터테인먼트 세트입니다. 예술계 엔터테인먼트의 관습에서 한 공간에서 다음 공간으로 이동하는 일종의 비교 및 ​​대조 프레젠테이션 전략입니다. 전시회는 기존의 이름과 흥미 진진한 새 피를 번갈아 가며 나타납니다. 익숙한 아티스트의 색다른 것, 색다른 아티스트의 익숙한 것 …

국립 관

아르헨티나 파빌리온
이번 전시를 구성하는 두 개의 벽화는 복잡하고 단편적이며 확장적이고 세부적인 고유의 물질 성으로 인해 이러한 긴장감을 주제에서 변형시킨다. 그것의 일부로서 시간과 공간 좌표 사이의 상호 의존성을 생성합니다. 작품과 맥락 사이. 그림은 여기에서 그 맥락을 변형하고 포함하는 블랙 박스입니다. 두 작품 모두 시각을 통해 감각을 증가시키고 정치화하는 조직이 있습니다. 이 글로벌 퍼즐의 시대에 Noé의 작업은 명쾌한 시선과 위대한 예술가의 도전을 제공합니다. 세계와 아르헨티나 역사의 위기와 긴장은 Noé의 작업에서 영구적이고 구성적인 주제입니다. 따라서 작가가 자신의 작품에 제목을 붙이는 방식도현재의 역설에 관한 아이러니 한 문장으로.

다양한 그림 방식과 일련의 변형 (미니어처에서 제스처, 디테일에서 교향곡까지)을 통해 여러 이미지가 서로 다른 관심의 핵심에서 공존하는 Noé의 벽화는 혼돈을 창의적이고 공존하는 원칙으로 비판적으로 수용 함을 암시합니다. 그의 작품은 감각의 순수한 긴장감이자 회화와 회화의 지식을 세상을 아는 방식으로 변화시키는 방식이다. 현재 아르헨티나에서 가장 광범위하고 활력이 넘치는 젊은 예술가 중 한 사람의 에너지를 드러내는 노에의 두 벽화는 세계의 상태를 소환하고, 포착하고, 보여주고, 구축하고, 제안하고, 토론하는 그물처럼 작동합니다.

호 주관
Shaun Gladwell의 “MADDESTMAXIMVS”는 호주 아웃백 풍경과 상징적 인 Mad Max 영화의 영향을 받아 조각 및 사진 요소가 포함 된 5 개의 주제별 상호 관련된 동영상 모음입니다. 이 프로젝트는 조각 작품과 파빌리온 자체의 구조에 대한 개입과 함께 예술가의 상표 인 느린 푸티 지 비디오 설치물을 결합하여 물리적 기교를 수행하는 인물을 결합합니다. Gladwell의 비디오 작업의 개념적 엄격함과 시각적 형식주의는 스케이팅이나 BMX 라이딩, 브레이크 댄스, 카포에이라, 태권도 등과 같은 도시 거리 관행의 단순한 미화로 기능하지 않도록 보장했습니다. MADDESTMAXIMVS는 Gladwell의 초기 초점에서 도시 환경에 대한 전환을 표시하고 대신 공연에 참여합니다.호주 배후지와 인간 관계의 경계와 가능성에 대한 개인적인 탐구.

MADDESTMAXIMVS는 또한 시간과 존재에 대한 다양한 경험, 특히 인간의 직접적인 환경과의 관계를 통해 관찰합니다. Gladwell의 후속 연습을 통해 개발 된 핵심 요소는 그의 초기 비디오 작업에서 이미 분명해졌습니다. 가장 결정적으로, 작품은 야외, 공공 장소에서 공연하는 인물을 묘사 한 (또는 관점을 취함) 한편으로는 그러한 공간의 사회적 및 건축 적 기능과 관습을 방해하고 다른 한편으로는 자신의 장소 경험을 물리적으로 표현했습니다. 그의 실험은 슬로우 모션과 주변 사운드 스케이프를 활용하여 시간을 늦추고 움직이는 신체의 시각적 세부 사항에 집중하고 연주자의 활동의 미묘한 뉘앙스와 본질적인 특성을 드러 냈습니다. 이것은 계속해서 시적인 결과를 낳고활동 자체를 광범위한 독서에 개방하는 최면 및 명상 표현.

브라질 파빌리온
브라질 파빌리온은 적도 바로 아래 브라질 북동부 지역에서 라이브 및 작업을 선보였습니다. 이 지역에서 적도의 태양은 종종 브라질의 이미지로 식별되는 열대 지방의 목가적이고 부드러운 빛과는 달리 거의 눈부시게 밝게 똑바로 똑바로칩니다. 따라서 생산 과정에서 또 다른 빛, 온도, 풍경, 맛, 냄새, 소리 및 시선과 같은 또 다른 브라질이 개발되었습니다. 이러한 장소를 소개하는 것은 관행의 우선 순위가 아니며, 예술가와 사진 작가는 자신이 말하는 장소를 확인하고 다른 세계, 다른 관점을 표현하고 드러 낼 가능성을 탐색하기 위해 노력합니다.

중앙 아시아 관 (카자흐스탄, 키르기스스탄, 타지키스탄, 우즈베키스탄)
“Making Interstices”는 글로벌 세계에서 예술 제작의 복잡한 구별과 옵션을 인식 할 것을 제안합니다. Making Interstices는 지난 30 년간의 정치적, 경제적 혼란 속에서 예술가들이 중앙 아시아 국가에서 작업, 운영 및 생산하는 방식을 나타냅니다. 이러한 틈새에서 의사 소통이되지 않는 상태는 지배적 인 형태의 정치 및 경제 권력에서 벗어나는 역할을합니다. 현대 미술 작품과 창작자들은 위에서 언급 한 영역에서 정치적, 경제적, 공식적, 사회적 우선 순위에서 중요한 위치와 지위를 갖지 않는 것으로 보입니다. 존재하는 것과 존재하지 않는 것의 모호함 속에서 이러한 예술 장면은 의사 소통이없는 틈새와 비슷합니다. 그러나 그들은 분명히 이러한 사회에서 대안 공간을 낳습니다.미래의 국제 파트너 및 그룹 이니셔티브와 의사 소통하려는 개인 시도의 현재 출현은 사회와 국가 간의 새로운 대화를 심어줄 수있는 현상입니다.

예술가들은 자유로운 사고와 표현의 핵을 다작으로 만들고, 눈에 띄지 않거나 미세한 언어 적 또는 시각적 저항 모델을 제안하며 젊은 세대에 조용히 영향을 미칩니다. Making Interstices는 글로벌 세계의 다양성 속에서 예술 제작의 복잡한 구별과 선택권을 인식 할 것을 제안합니다. Making Worlds가 오늘날 예술의 광범위한 스펙트럼과 과정을 제시하는 경우, Making Interstices는 중앙 아시아 국가 및 최근 과거와 현재 사이에 유사한 긴장이있는 다른 많은 국가에서 예술가가 작업, 운영 및 제작하는 방식을 나타냅니다. 지난 30 년간의 난기류. 급속한 이데올로기 및 정부 변화의 폭력적인 합병증은 예술가의 발견 능력을 악화 시켰습니다.전통적인 거시 정치와 대부분의 시간 동안 억압적인 거시 정치와 경제 사이의 작은 간격 (간극)을 사용하고 활용합니다. Making Interstices는 예술가가 자신의 생각, 욕망 및 유머를 예술을 통한 전술적, 실험적, 탐색 적 개입으로 자유롭게 구성 할 수있는 전략입니다.

칠레 파빌리온
Iván Navarro는 사회 정치적 관점에서 일련의 작품을 발표합니다. 수많은 개인 쇼 덕분에 국제 무대에서 알려진 아티스트. 그는 복잡한 빛 조각품을 제작하여 일상적인 물건으로 만든 물건과 특정 설치물을 통한 에너지 변환의 개념을 개발하여 정확한 권력 비평과 연결합니다. 그의 모든 작품에 주제가 짜여진 작가는 자신의 Threshold 작업을 세 가지 요소 / 순간으로 공식화합니다. 그가 사용하는 재료는 기술적 인 측면을 극도로 강조하는 냉담함으로 표시되며, 전적으로 전기 에너지에 의존하여 체액의 근본적인 은유와 생명을 생성하고 물체를 “움직이게하는”대상을 제안합니다.

Death Row는 내부에 네온 불빛이있는 13 개의 알루미늄 도어로 구성되어 있습니다. 이것은 공간에 광학적 틈새를 만들어 벽을 통과하는 복도 효과를 생성합니다. 저항은 설치물입니다 (비디오에 연결된 조각품) : 페달이 돌면 활성화되는 형광 파이프로 만든 의자에 묶인 자전거입니다. 비디오에서 같은 자전거가 뉴욕의 타임 스퀘어를 돌아 다니며 빛나는 도시 가구와 사이클리스트의 근력에 의해 생성 된 조명 사이의 선명한 대조를 보여줍니다. 침대는 바닥에 놓인 원형 조각입니다. 그것은 “BED”라는 단어가 “무한”으로 비춰지는 깊은 구멍의 느낌을줍니다. 이 작품은 벽 너머 세계의 가능성에 의문을 제기하지만 그 영역에 들어갈 가능성을 제거합니다.이러한 환상의 요소와 인간과 전기 사이의 평 행성, 산업적 표현과 형광 표현은 Navarro의 예술적 여정에서 끊임없는 특징입니다.

중국 관
Shan Shan Sheng의 “Open Wall”은 대규모 유리 설치물로,이 프로젝트는 중국의 유산을 포착하여 만리장성의 한 부분을 재 해석하여이 역사적인 건축물을 유리 건축의 임시 구역으로 번역합니다. 이 설치물은 현대 중국의 새로운 개방성을 나타내며 세계 교류의 중추적 인 순간으로 현대의 순간을 연결합니다. Open Wall은 Shan Shan Sheng의 건축, 재료, 국가 기억 및 시간 인식에 대한 매혹의 예입니다. 상하이, 홍콩, 베이징에서 그녀의 대규모 그림과 서스펜션 조각으로 유명한 Sheng의 개념 미술 설치는 전통적인 중국 주제와 기억의 장소에 대한 읽기를 활성화하고 변형시킵니다.

열린 벽은 중국의 만리장성의 순간을 유리 벽돌의 집합체로 재구성합니다. 유리 벽돌은 일종의 문화적 화폐가되어 설치 과정에서 배포되고 재분배됩니다. Open Wall은 중국의 현대적 순간의 가능성을 제시하고 세계 경제에 문화를 개방하고 전례없는 아이디어 교환을 제공합니다. Sheng의 열린 벽은 중국과 서양 문화의 교차점을 상징하는 투명성과 불투명도의 문턱을 나타내는 독특한 무지개 빛깔의 조각품입니다. 쉽게 분해하고 재 조립할 수있는 Sheng의 Open Wall은 유동성과 상호 소비의 순간을 불러 일으 킵니다. Open Wall은 2,200 개의 유리 벽돌로 구성되어 있으며, 이는 만리장성 건설의 2,200 년에 해당합니다.Sheng은 만리장성을 쌓아 놓은 유리로 된 임시 파빌리온으로 재 해석합니다. 그녀의 설치는 세계화 된 시간의 절묘하면서도 일시적인 흐름을 불러 일으 킵니다.

코모로 제도 ​​파빌리온
Paolo W. Tamburella는 모로나이의 일꾼들의 도움을 받아 항구에 버려진 28 척의 배 중 하나를 수리하고 복원했습니다. Djahazi 보트는 수세기 동안 코모리 안을위한 유일한 교통 수단, 인근 국가와 의사 소통하고 새로운 상업 관계를 창출하는 방법이었습니다. 2006 년, 항구의 현대화 이후, Djahazi의 사용이 금지되어 섬에있는 코모로 항구의 오랜 전통을 방해하고 코모로를 세계 경제의 새로운 장에 넣었습니다. 오늘날 대부분의 무역에 사용되는 일반 선적 컨테이너가 적재 된이 선박은 희망과 절망의 출현과 비상을 결합하는 양면적인 세계 성을 상징하는 은유로 서 있습니다.불확실성과 전환의 세계에서 새로운 형태의 소모품에 대한 일종의 경고 이야기입니다.

덴마크 파빌리온
Elmgreen & Dragset의 “The Collectors”는 덴마크 파빌리온과 북유럽 파빌리온을 관객이 게스트로 초대되는 국내 환경으로 변모시킵니다. 식당, 침실, 가구, 벽난로, 스테인드 글라스 채광창, 가구 안에 자리 잡은 예술품은 강박적인 성격과 다양한 라이프 스타일로 가상의 주민들의 기이 한 이야기를 드러냅니다. 이 프로젝트는 참여하는 아티스트 및 디자이너와의 긴밀한 협력을 통해 무대 전시와 친밀감을 형성하여 더 큰 예술 행사의 일반적인 경쟁적 측면을 우회하는 것을 목표로합니다. 인테리어 디자인, 주방 용품, 의류 및 파리 컬렉션과 함께 엄선 된 예술 작품은 이번 이중 전시의 복잡한 내러티브를 구성합니다. 하우스 d & eaute를 통해;cor와 예술품 컬렉션, 옷장의 의복, 부엌의 도자기와 도서관의 책, 가상의 주민들의 정체성, 그들의 열정과 우울함이 조각으로 나타납니다.

대중은 부동산 중개인이 “판매용”덴마크 파빌리온을 통해 투어를 안내했으며이 집을 괴롭히던 가족 드라마 이야기를 들었습니다. 이웃 한 노르딕 파빌리온은 화려한 총각의 패드로 바뀌 었습니다. 이곳에서 관객들은 신비로운 B 씨의 현대 미술품과 디자인 컬렉션뿐만 아니라 그의 전 연인들의 중고 수영복 컬렉션도 경험합니다. ‘The Collectors’라는 제목에서 알 수 있듯이, 전시는 수집의 주제와 물리적 대상을 통해 자신을 표현하는 실천의이면에있는 심리학에 접근한다. 수집의 주제에 접근함으로써 물리적 대상을 통해 자신을 표현하는 연습 뒤에있는 심리학.프로젝트는 왜 우리가 일상 생활에서 물건을 모아서 그들과 함께 둘러싸 는가와 같은 질문을 던졌습니다. 욕망의 어떤 메커니즘이 우리의 선택을 촉발합니까?

프랑스 관
올해 Claude Lévêque는 제 53 회 국제 미술 전시회 – La Biennale di Venezia에서 프랑스를 대표하는 예술가입니다. 프렌치 파빌리온에서 그는 그의 작품의 요점과 특징이있는 “Le Grand Soir”라는 설치 작품을 선보입니다. 혁명 전야의 독특한 프랑스 컨셉 인 “Le Grand Soir”는 세상이 변한 순간을 떠올리게합니다.

프랑스 파빌리온은 카타 팔크처럼 보입니다. 페리 스타일 뒤에는 검은 색 벽, 블라인드, 음소거, 환영받지 못하는 벽이 있으며 오목한 외관도 검은 색으로 칠해져 있습니다. 움직임이 제한되고 감정이 제한되었습니다. 빛은 강렬하고 진주 벽은 차갑고 회절합니다. 반광, 반사가 반짝이는 어둠입니다. 결국 멀리서 떨리는 검은 깃발은 급진적 인 희망, 즉 파괴의 절망의 이미지를 높입니다.

독일 관
Liam Gillick의 “Kitchen”은 독일 파빌리온을 엄격한 베어 주방으로 변경하여 상징적 인 Frankfurter Kitchen을 참조 할 수 있습니다. 파빌리온은 변경되거나 가려지지 않았습니다. 건물의 내부와 외부는 기본 형태로 남겨 두어보고 검토 할 수 있습니다. 최근 건물의 일반적인 유지 보수로 흰색으로 칠해진 Gillick은이 방식으로 벽을 남겨두고 그의 설치물에 딱딱한 배경을 만듭니다. 건물의 모든 방은 열려 있습니다. 파빌리온의 어떤 부분도 폐쇄되거나 보관에 사용되지 않았습니다. 단순한 소나무로 지어진 부엌과 같은 구조. 가전 ​​제품은 없지만 ‘주방’은 파빌리온의 타락한 웅장함에 반하여 공명하는 적용된 모더니즘의 열망, 기능 및 에코의 다이어그램으로 존재합니다.

Gillick은 부엌을 Ikea와 훨씬 더 현대적인 것, 일종의 대안적인 현대성 사이에 비유합니다. 그것은 웅장한 상징주의가 아니고 지나친 이념에 관한 것이 아닙니다. 그것은 다른 모더니즘이며, 어떤 방식 으로든 현대 부엌으로 이어지는 것입니다. 마지막 터치로 gillick과 베를린에있는 그의 스튜디오 팀은 캐비닛 중 하나 위에 앉는 부엌의 점유자로 애니 마 트로닉 고양이를 만들었습니다. 고양이는 건물의 메아리에 맞서 싸우며 끝나지 않는 순환 이야기를 들려줍니다. 고양이는 부엌에 있고, 아이들은 부엌에 있습니다. 소년은 이렇게 말합니다. ‘좋지 않아요.’소녀가 말한다. ‘나는 당신이 싫다’고 고양이는 생각합니다.이 프로젝트는 vistor가 누가 누구에게 어떤 권한으로 말하는지에 대한 질문을 고려하도록 강요했습니다.

일본 관
일본 관에서 독립형 또는 임시 구조물로 변신 한 야나기 미와의 “바람에 휩쓸린 여성 : 노 소녀 단”은 외관을 검은 색으로 덮었습니다. 이 프로젝트는 텐트 임시 극장의 유동성과 이동성처럼 보입니다. 내부에 야나기는 다양한 연령대의 여성 초상화가 담긴 4m 높이의 거대한 사진 스탠드를 설치합니다. 새로운 비디오 작업과 일련의 작은 사진도 표시됩니다. 입장하자마자 큰 작품 사이를 걸을 때 관객은 방향 감각을 잃고 규모와 관점을 잃어버린다. 이 설치의 모티브는 캐러밴 상단에 모바일 하우스를 가지고 여행하는 여성으로 만 구성된 극단입니다.

야나기가 베니스를 위해 제작 한 거인 여성들의 사진 쇼케이스는 해상도를 상징합니다. 격렬한 바람에 둘러싸여도 움직이지 않고 서 있습니다. 무슨 일이 있어도 그들은 발을 땅에 단단히 고정시킵니다. 화려하게 디자인 된 장식 프레임으로 표현 된이 여성들은 초현실적으로 보이지만 향수를 불러 일으키기도합니다. 이미지 자체는 무시 무시한 품질이지만 활력을 받아들이도록 권장합니다.

한국관
양혜규의 “결로”는 네벤 사히 리치 (한계 또는 중요하지 않음)로 간주 될 수있는 사적 또는 숨겨진 공간을 탐구하지만 작가에게는 이해를위한 심오한 배경, 즉 비공식적 개발이 발생할 수있는 취약한 사이트를 구성합니다. 가정을위한 이러한 기능적 장식은 디자인이나주기 화라는 엄격한 개념을 무시하고 자아를 돌보고 숙고하는 사적 영역의 비 미학을 강조하며 다른 방식으로 공유 할 수 있습니다.

응축이라는 은유를 사용하여 양은 겉보기에는 무형의 교환 경로를 통해 알려지지 않은 사람들과 직접적인 소통을 추구하며, 이는 비 기능적이지만 존재 론적으로 중요한 정보를 전달합니다. 자연광으로 가득 찬 베네 치안 블라인드를 쌓아 놓은 미로 시스템으로 구성된 일련의 취약한 배열 (음성과 바람)은 물리적으로 존재하지 않는 장소의 그림자와 경험을 불러 일으 킵니다. 여기서 양은 맛의 가장자리에 존재하는 설명 할 수없고 분류 할 수없는 색상과 패턴으로 상업적으로 제조 된 베네 시안 블라인드를 사용합니다. 그녀의 시청자들은 서로와 작가에게 이름도없고 얼굴도없는 반면, 예측할 수없는 시간과 예측할 수없는 장소에서 끊임없이 일어나는 양의 ‘응 축적 소통’은 공감할 수있는 가능성을 제공한다.주관성을 활성화하고 효율성에 대한 공식적인 정의에 저항함으로써 Yang은 타인에 대한 맹목적이고 철저한 수용을 고무시키는 유령 적이지만 진정한 이해를 키 웁니다.

라틴 아메리카 파빌리온
“Fare Mondi / Making Worlds”는 서로 다른 주제를 유기적으로 결합한 독특한 전시로 작품이 상호 작용하고 공간 자체가 대화하는 곳입니다. Olimpo에서 Fernando Falconí (에콰도르)는 지리적이고 역사적인 라틴 아메리카 랜드 마크인 Chimborazo 화산의 이미지를 탐험합니다. 비디오는 화산의 스노우 캡이 녹는 것을 묘사합니다. 신세계 신들은 Kukulcan 설치에서 Darío Escobar (과테말라)에 의해 대표됩니다. 붉은 케찰코아틀의 꼬리가 지배적 인 신화적인 깃털 달린 뱀은 자전거 타이어를 만들어 냈는데, 이는 예술 작품으로서의 대상을 재 문맥 화하는 것과 관련된 예술가의 오랜 연구 프로젝트를 따른 것입니다. 루이스 롤단 (콜롬비아)은 작은 파편으로 이루어진 작품에서 도시 생활의 서정적이고 실존적인 차원을 불러 일으킨다.카를로스 가라이 코아 (쿠바)는 마치 밀랍, 빛, 벽돌, 종이로 만든 장소의 전기 작가 인 것처럼 건축 렌더링으로 활약합니다.

희귀 한 표본과 다양한 민족 돌연변이로 가득 찬 이상한 세계는 Raquel Paiewonsky (도미니카 공화국)가 도시 생활의 요소, 모든 종류의 고정 관념, 자연, 영성 및 본능을 융합하는 방법입니다. 페데리코 헤레로 ​​(코스타리카)는 자신의 감정에 따라 색이 필수적인 장소를 몸짓과 색채의 멜란지로 그립니다. 라틴 아메리카의 문화적 혼합주의를 불러 일으키는 색상과 패턴은 Gastón Ugalde (볼리비아)가 조립 한 잉카 및 아이 마라 직물 설치의 핵심이며, 디자인과 질감의 화려한 설정을 만듭니다. 사진 작가 Nils Nova (엘살바도르)가 만든 트롬 프 로일 효과는 현실과 허구의 한계를 허물고 공간에 대한 새로운 비전을 보여줍니다.

리투아니아 파빌리온
Žilvinas Kempinas는 시각적 데이터 매체가 아닌 조각 자료로 비디오 테이프를 사용하여 그의 작품을 선보입니다. 그의 설치에서 보이지 않는 중력과 공기 순환은 건축 공간을 애니메이션으로 만들어 완전히 새로운 환경으로 재구성합니다. 그의 최신 작품 인 대규모 설치 TUBE는 Atelier Calder (프랑스 사체)에서 제작되었으며 베니스의 리투아니아 파빌리온이 도시의 환경에 공감할 수 있도록 설치되었습니다. TUBE는 시청자의 물리적 및 광학적 경험, 시간의 흐름, 신체 및 건축에 대한 인식을 다룹니다. Kempinas는 기념비적이지만 깨지기 쉬운 경험 공간을 만들기 위해 자기 테이프를 사용해 왔습니다. 장난기 넘치는 제스처와 기하학적 선명도도 똑같이 중요합니다. 그의 예술적 실천은 최소, 추상,포스트 미디엄 상태의 op 아트 및 키네틱 아트.

멕시코 파빌리온
멕시코 관에서 발표 한 Teresa Margolle의 “¿ De qué otra cosa podríamos hablar? (What Else Can We Talk About?)” , 가난, 증오 및 억압은 북한의 초월적인 쾌락과 청교도의 집착을 남쪽으로 지옥으로 변형시킵니다. 최근 멕시코의 폭력 급증으로 인해, 거의 20 년 동안 인간 유해의 예술적 가능성을 탐구하는 데 집중해온 Teresa Margolles의 작업은 폭력적인 죽음과 그 희생자에 대한 명상에 점점 더 강조를 두었습니다.

¿ De qué otra cosa podríamos hablar? 폭력과 현재의 세계 경제가 모든 세대의 개인을 사실상 일회용 사회 계급으로 효과적으로 선언하는 방식을 둘러싼 문제에 방문객을 정서적, 지적으로 참여시키려는 오염 및 물질적 행동의 전술에 기반한 내러티브였습니다. 범죄, 자본주의, 금지의 비뚤어진 논리 사이에서. Teresa Margolles는 파빌리온을 따라 다양한 작업과 작업을 통해 단일 및 지속적인 개입을 포함합니다. 주제로서의 죽음에 대한 그녀의 탐구는 경제적, 정치적 불평등, 사회적 착취,역사적 애도의 과정과 확장 된 폭력 방식은 오늘날의 문화적, 철학적 풍경을 정의합니다.

뉴질랜드 파빌리온
Judy Millar의 “The Collision”은 바닥과 천장을 뚫고 들어가서 건물의 적절한 경계를 넘어서 공간으로 뻗어 들어가고 접 히고 기존의 디스플레이 및 전시 디자인 모드를 의도적으로 폐기하는 대규모 페인팅 캔버스 설치 작품입니다. 이 프로젝트는 예술의 대상과 전시 공간 사이의 전통적인 관계에 도전합니다. 아티스트 Judy Millar는 뉴질랜드 최고의 화가 중 한 명으로 간주됩니다. 작가의 대규모 그림의 중심 주제에는 캔버스와 그림의 관계, 정적과 움직임, 미술사에서 그림의 장소가 포함됩니다.

폴란드 파빌리온
Krzysztof Wodiczko의 “손님”, 이민자, ‘집에’있지 않고 ‘영원한 손님’으로 남아있는 사람들에 대한 관심. ‘낯선 사람’, ‘기타’는 Wodiczko의 예술적 관행에서 핵심 개념입니다. 프로젝션, 차량 또는 기술적으로 진보 된 악기에서 권리를 박탈당한 사람들이 음소거 상태를 유지하고 보이지 않으며 이름이없는 사람들이 의사 소통하고 목소리를 낼 수 있도록합니다. , 공공 장소에서 존재를 만드십시오. 변경의 다문화 문제를 다루는이 프로젝트는 수용 및 합법화에 대한 담론이 종종 제한적인 이민 정책을 수반하는 EU뿐만 아니라 전 세계적으로 현대 세계에서 가장 불타는 문제 중 하나에 관한 것입니다.

폴란드 파빌리온은 창문이없는 벽에 투영 된 창문 뒤에서 외부에서 일어나는 장면을 보는 사람이 보는 장소로 변모합니다. 파빌리온의 건축물에 투영 된 창문의 이미지 인 개별 투영은 내부를 가상으로 개방하지만 동시에 현실적으로 이민자들이 창문을 닦고, 휴식을 취하고, 이야기하고, 일을 기다리고, 힘든 실존 상황에 대한 발언을 교환하는 장면을 보여줍니다. , 실업, 체류 합법화 문제. 그들을 분리하는 격차를 극복 할 수없는 경험. 이곳에서도 ‘손님’인 방문객을 상기시키고, 때때로 내부를 들여다 보려는 이민자들의 모습을 상기시켜줍니다.

러시아 관
“Victory Over the Future”는 러시아 아방가르드 전통과 그들의 개인적인 서사 사이의 긴장을 탐구하는 예술가들의 새로운 작품을 선보입니다. 일련의 벽화 인 Rain Theorem은 경기에서 열광적 인 축구 (축구) 팬들을 묘사합니다. 한 장면에서 그들은 승리의 기쁨으로 비명을 지르고 다음 장면에서 패배로 분노로 반응합니다. Irina Korina의 작업은 존재의 불확실성과 한계 상태를 탐구합니다. 조각품은 구불 구불하고 단단한 모양이 나란히있는 오래된 플라스틱 식탁보로 만들어졌습니다. 정수압을 통해 식물처럼 세워진 Fountain은 유동성 인식에 도전합니다. Andrei Molodkin의 멀티미디어 설치물 인 Le Rouge et le Noir는 Nike of Samothrace의 두 가지 속이 빈 유리 복제품을 선보입니다. 하나는 펄싱 오일로 채워져 있고 다른 하나는 펄싱 “피”로 채워져 있습니다.

Gosha Ostretsov는 일련의 버려진 방들로 구성된 설치물을 선보입니다. 창작자보다 오래 살아남는 작품의 생산을 통해 예술적 활동은 본질적으로 미래에 대한 승리를 나타냅니다. 파벨 페퍼스 타인은 미래의 터무니없는 장면으로 유명합니다. 미래의 풍경은 미래의 거대 도시의 모호한 경계를 초월 주의자 모티프로 밀어 붙이는 일련의 그림입니다. Sergei Shekhovtsov의 설치 CARTOUCHE는 건축 장식의 의미와 상징주의를 다룹니다. 그는 본질적으로 현대적인 소재 인 발포 고무를 사용하여 ATM 기계, 보안 카메라 및 에어컨을 만듭니다. Anatoly Shuravlev의 Black Holes는 역사적 기억의 복잡성을 탐구하는 설치물입니다. 규모, 구조 및 질감으로Zhuravlyov는 과거를 통해 미래가 어떻게 드러나는 지 의문을 제기하는 놀라운 설치물을 만듭니다.

싱가포르 파빌리온
Ming Wong의 “Life of Imitation”은 언어, 성별, 외모 및 전통이 서로 지속적으로 협상하는 여러 세계의 공존을 무대로합니다. 모방과 멜로 드라마의 장난스럽고 불완전한 행위에서 이번 전시는 뿌리, 혼성 및 변화와 관련된 싱가포르의 상태를 거울로 붙잡 으려고한다. Wong은 “월드 시네마”를 자신의 재 해석을 통해 언어와 정체성의 공연 적 베니어를 탐구합니다. 그는 할리우드, 유럽, 중국 및 동남아시아의 고전적인 영화 적 순간에서 영감을 얻은 일련의 다중 채널 비디오 설치 작품을 제작했습니다.

파빌리온은 또한 싱가포르 환경에서 서양 문화의 현지화를 보여줍니다. 분위기는 Wong과 싱가포르에서 마지막으로 살아남은 광고판 화가 Neo Chon Teck이 그린 광고판과 싱가포르의 오래된 영화관 사진, 그림, 드로잉 및 대본과 같은 영화 기념품으로 Wong의 비디오 설치 및 전체 전시회의 제작 과정을 묘사하여 더욱 강화됩니다. 그 자체. 이 프로젝트는 기억과 향수의 복잡성을 실향민으로 놓고 현대 아시아 예술 표현에서 공간과 정체성의 어포던스를 통해 이동성이 어떻게 의미의 재건을 형성하는지에 대해 논의합니다. 그것은 정체성 담론을 맥락화하고 과거의 재 상상 사이의 연결을 탐구합니다.기억의 재구성과 국가 담론의 해체.

스팬 파빌리온
“Miquel Barceló”라는 제목의 스페인 파빌리온에는 2000 년 이후 miquel barceló의 작품 조사를 구성하기 위해 다른 오래된 그림과 함께 최근의 대형 그림이 있습니다. 전시회는 영장류, 아프리카 풍경 및 파도 거품과 같은 예술가의 다년생 테마를 중심으로 진행됩니다. 바르 셀로는 일반적으로 스페인에서 가장 영향력있는 살아있는 화가 중 한 사람으로 알려져 있습니다. 이 전시회는 또한 프랑스 예술가이자 작가 인 François Augiéras가 아프리카 장르 장면을 작은 형식으로 표현한 일련의 작품을 선보입니다.

터키 파빌리온
“Lapses”는 “발생하는 사건”에 대한 인식이 어떻게 달라지고 집단 기억의 상실로 인해 역사에 대한 다른 내레이션으로 이어질 수 있음을 보여줍니다. 이 프로젝트는 Banu Cennetoglu의 “CATALOG”와 Ahmet Ögüt의 “Exploded City”라는 두 예술가의 작품을 통해 실현되었습니다. 두 프로젝트 모두 실수를 통해 상상할 수있는 다양한 기억 형성 또는 다양한 내러티브의 가능성을 보여줍니다. 선형적이고 연속적인 시간 흐름의 경과는 방향 감각 상실 또는 개인 환경과의 단절을 의미합니다. 그러한 과실을 인식 (아 프레스 쿠데타)해야만 우리는 내레이션과 감각에 의해 반복되는 잔상과 함께 중단없는 흐름을 통해 공간과 시간 연속체에서 기억을 재구성하는 능력을 실현할 수 있습니다. 이것은 주관적인 행동입니다.그러나 일상 미디어의 신뢰성에 의존하는 사회에서는 거대한 시각적 아카이브가 집단 기억으로 작동합니다.

Ahmet Ögüt는 최근에 중요한 사건의 현장이되어 폐허가 된 건물을 추적하여 우리의 잠재 의식에서 연상을 유발합니다. “Exploded City”는 각 건물의 본래 건축 적 특징을 참조하여 모델 도시를 제시합니다. 이 작업은 폭발 전후에 이러한 건물의 의미와 가치에 의문을 제기하고 미디어 이미지를 통해 우리 기억에서 발생하는 과실을 감지합니다. 그것은 또한 건물을 기억에서 뜯어 냄으로써 다른 방식으로 숨겨진 실수를 나타냅니다. “CATALOG 2009″는 촬영 된 현실에서 추출 된 사진이 새로운 주관적이고 비판적인 맥락에서 존재할뿐만 아니라이 새로운 맥락의 표현의 전달자가 될 것으로 기대된다는 사실을 고수하고 있습니다. Banu Cennetoglu ‘s 사진은 서로 다른 지역에 속하며 동시에 허구 적 내러티브에 개방되어 있습니다. 작품은 수백 장의 사진이 주관적인 카테고리로 분류되는 공연 적 “우편 주문 카탈로그”의 형태로 제공됩니다.

아랍 에미리트 관
베니스 비엔날레에서 UAE의 첫 번째 전시회 “그건 너가 아니야 나야” 이 프로젝트는 시노 그래픽 요소와 건축의 조합을 통해 쇼케이스로서의 본질과 기능에 주목합니다. 파빌리온은 특집 아티스트 Lamya Gargash의 작업을 포함하여 다양한 구성 요소를 포함하는 “World ‘s Fair”테마를 강조합니다. Ebtisam Abdul-Aziz, Tarek Al-Ghoussein, Huda Saeed Saif 및 Hassan Sharif와 같은 UAE 예술가의 작품 쇼룸; Hannah Hurtzig의 키오스크는 국가의 문화적 파노라마에서 주요 인물과의 대화를 특징으로합니다. Jackson Pollock Bar의 두바이 공연 문서; UAE 예술 인프라의 텍스트 패널 및 건축 모델을 포함하여 세계 박람회 전통을 연상시키는 시노 그래피.

영국 관
영국 관은 스티브 맥퀸의 새로운 영화 ‘Giardini'(정원)를 선보이며, 그의 30 분짜리 영화는 우리에게 겨울의 정원을 보여줍니다. 나무, 빗방울, 교회 종의 황량한 세상. 지 아르디 니는 비엔날레 전시회가 열리는 반년 동안 만 일반인에게 공개되기 때문에 시즌이 아닌 베네치아 정원을 기록한 분할 스크린 영화입니다. 영화 ‘맥퀸’이라는 매체를 이용하면 길 잃은 개들이 음식을 찾아 헤매고, 낯선 사람은 그림자 속으로 잠입하고 연인들이 만나는 빈 정원을 경험할 수있다. 시적 단순함으로 Giardini는 보이지 않는 것과 들어 보지 않은 것의 아름다움을 뽐내면서 비엔날레의 광경과 그 순간적인 자연을 드러냅니다.

아메리카 합중국 파빌리온
Nauman은 미국 파빌리온에서 새로운 주요 설치물을 선보입니다. Days와 Giorni에서 작품을 구성하는 목소리는 집단적으로 또는 분리되어 경험할 수 있으며, 감동적이고 강력하며 가차없는 소리의 오케스트레이션을 만듭니다. Nauman의 텍스트는 요일을 반복하고 교묘하게 재배치하므로 마찬가지로 일반적으로 시간의 흐름을 측정하는 순서를 변경하고 약화시킵니다. “현대 미술에만 전념하는 박물관의 ‘기보법’시리즈의 맥락에서 Days와 Giorni를 발표함으로써 방문객들은 이러한 작품과 Nauman의 다른 작품을 포함하여 박물관 컬렉션의 작품 사이에 유사점을 그릴 수 있습니다.

Nauman의 제스처는 매우 명확한 논리를 가지고 있습니다. 그의 작업은 뒤틀리고 반복되는 내부 독백입니다. 심신의 감각이 더 이상 함께 붙지 않습니다. 고통스러운 공간 감각. 고전적인 나우 만의 움직임은 정신 질환의 증상을 파악하고이를 해결하는 것입니다. “토폴로지 컬 가든”은 더 과장된 요소와 청중에 대해 더 공개적으로 적대적인 측면 (예 : 광대 고문 없음)을 괄호로 묶어 나우 만의 작품의 불협화음에서 씁쓸하고 고결한 쇼를 추출합니다. The True Artist를 만나는 입구 옆에있는 두 개의 방에 설치된 Nauman의 모빌은 이상하고 불편할뿐만 아니라 우아하고 심지어는 세상에 지친 것처럼 매력적입니다.

우루과이 파빌리온
세 명의 예술가가 우루과이 파빌리온을 대표하며 전시회는 우루과이에서 현대 시각 예술의 중요한 차원을 반영하기 위해 노력합니다. 예술 작품은 고유의 다양성에 대한 프리즘 적 관점을 제공하며, 수작업 제작과 기술 자원의 고용, 정체성 문제와 지역성 문제 사이의 경계에 위치하며 글로벌 측면을 포함하는 내러티브를 포함하는 선을 내려 놓습니다. Raquel Bessio의 “Promised land”는 쪼개진 지형, 회색 및 어두운 금속성으로 제안됩니다. 밀폐 된 공간은 그녀의 작품이 녹슬면서 진행되는 과정 인 확실성과 결의를 앗아간 다. 그 과정에서 그들은 자율성을 달성하고 관리 할 수 ​​없게됩니다. Juan Burgos는 일상 생활에서 확산되는 도시 종말의 비전을 확장합니다.그의 출발점은 아이들을위한 동화책이며, 여기에서 그는 섬뜩한 콜라주를 구성합니다. Pablo Uribe는 거짓 다큐멘터리를 제작했습니다. 그렇게하면서 그는 현실과 허구 사이의 연극, 표현 내의 표현에 대해 반성합니다.