Reseña de la Bienal de Arte de Venecia 2009, Italia

La 53ª Exposición Internacional de Arte, abierta al público del 7 de junio al 22 de noviembre de 2009. La exposición principal de la 53ª Bienal de Venecia se titula “Making Worlds”. Esta bienal incluye obras de 90 artistas y 77 pabellones nacionales que participan, incluidas las participaciones por primera vez de Montenegro, el Principado de Mónaco, la República de Gabón, la Unión de Comoras y los Emiratos Árabes Unidos.

Esta edición de la bienal cubre la Exposición Internacional de Arte en el Pabellón Central de Giardini y Arsenale. Este año, las distintas sedes de la Bienal también estarán mejor unidas por un nuevo puente, entre el Giardino delle Vergini y el Sestriere di Castello, dando a toda la zona del Giardini-Arsenale un sentido de unidad.

La exposición principal de la 53ª Bienal de Venecia se titula “Making Worlds”. La bienal enfatiza el proceso creativo donde una obra de arte presenta la visión del mundo del artista, “Making Worlds” es una exposición impulsada por la aspiración de explorar los mundos que nos rodean, así como los mundos venideros. Se trata de posibles nuevos comienzos. “Haciendo mundos”. sin un empuje narrativo general, sino una serie de micro-narrativas curadoras que se arremolinaban a través de la instalación, rimas formales y conceptuales, y demás, dándole una textura divertida, guiándote.

Una obra de arte representa una visión del mundo y, si se toma en serio, puede verse como una forma de hacer un mundo. La fuerza de la visión no depende del tipo o complejidad de las herramientas que se pongan en juego. De ahí que estén presentes todas las formas de expresión artística: arte de instalación, video y cine, escultura, performance, pintura y dibujo, y un desfile en vivo. Tomar ‘worldmaking’ como punto de partida, también permite que la exposición resalte la importancia fundamental de ciertos artistas clave para la creatividad de las generaciones sucesivas, así como explorar nuevos espacios para que el arte se desarrolle fuera del contexto institucional y más allá de las expectativas de la mercado del arte.

Hay artistas que inspiran a generaciones enteras y estos artistas clave no siempre son los más visibles en el mundo de los museos y ferias. La exposición explora cadenas de inspiración que involucran a varias generaciones y para mostrar tanto las raíces como las ramas que crecen hacia un futuro aún no definido. La geografía del mundo del arte se ha expandido rápidamente con la aparición de nuevos centros: China, India, Oriente Medio … La exposición crea un espectáculo articulado en zonas individuales de intensidad, sigue siendo una exposición.

El concepto de la 53ª Exposición Internacional de Arte, incluye tres aspectos en particular: La proximidad a los procesos de producción, que “dan como resultado una exposición que se mantiene más cercana a los espacios de creación y educación (el estudio, el taller) que el museo tradicional. muestra, que tiende a destacar solo la obra terminada La relación entre algunos artistas clave y las generaciones sucesivas: Una serie de puntos de referencia históricos anclan la exposición … Una exploración del dibujo y la pintura, con respecto a los desarrollos recientes y la presencia en los últimos ediciones de la Bienal de numerosos videos e instalaciones.

El espectáculo no intenta ilustrar una filosofía del arte, pero admite que la Bienal de Venecia es exactamente lo que es: un elegante conjunto de entretenimiento de verano. Sobre las convenciones del entretenimiento del mundo del arte, una especie de estrategia de presentación de comparación y contraste que te lleva de un espacio a otro. La exposición alterna entre nombres establecidos y excitante sangre nueva; cosas no convencionales de artistas familiares y cosas familiares de artistas no convencionales …

Pabellones nacionales

Pabellón de Argentina
Las dos pinturas murales enfrentadas que componen esta exposición, desde su propia materialidad, compleja y fragmentaria, expansiva y detallada, transforman estas tensiones en su tema. Como parte de ella y produciendo una interdependencia entre coordenadas espaciales y temporales; entre la obra y su contexto. La pintura es aquí una caja negra que transforma y contiene ese contexto. En ambas obras hay una organización que logra multiplicar y politizar los sentidos a través de lo visual. En esta época de perplejidad global, el trabajo de Noé ofrece una mirada lúcida y los desafíos de un gran artista. La crisis y las tensiones del mundo y de la historia argentina son un tema permanente y constitutivo en la obra de Noé. De ahí, también, la forma en que el artista elige titular sus obras,con frases irónicas sobre las paradojas presentes.

Los murales de Noé, donde conviven multitud de imágenes en distintos núcleos de atención, a través de diferentes formas de pintar y un conjunto de variaciones (de la miniatura a los gestos, de lo detallado a lo sinfónico), implican la aceptación crítica del caos como principio creativo y coexistente. Sus obras son pura tensión de los sentidos y una forma de transformar el conocimiento en pintura y la pintura en una forma de conocer el mundo. Los dos murales de Noé, devoradores e inclusivos –revelando la energía de uno de los artistas más expansivos y vitalmente jóvenes de la Argentina actual–, funcionan como redes que convocan, atrapan, muestran, construyen, proponen, discuten el estado del mundo.

Pabellón de Australia
“MADDESTMAXIMVS” de Shaun Gladwell, un atractivo conjunto de cinco videos interrelacionados temáticamente con elementos escultóricos y fotográficos, influenciados por los paisajes del interior de Australia y las icónicas películas de Mad Max. El proyecto reúne las instalaciones de video de metraje en cámara lenta del artista de figuras que realizan actos de virtuosismo físico, con obras escultóricas e intervenciones en el tejido del propio Pabellón. El rigor conceptual y el formalismo visual de los trabajos en video de Gladwell ha asegurado que nunca funcionen como simples glorificaciones de prácticas urbanas de la calle como el patinaje o, posteriormente, montar en BMX, break dance, capoeira, taekwondo y similares. MADDESTMAXIMVS marca un cambio con respecto al enfoque anterior de Gladwell sobre los entornos urbanos y, en cambio, se involucra en una actuación,exploración personal de los límites y posibilidades de una relación humana con el interior de Australia.

MADDESTMAXIMVS también analiza diferentes experiencias del tiempo y el ser, en particular a través de la relación del cuerpo humano con su entorno inmediato. Los elementos clave que se han desarrollado a través de la práctica posterior de Gladwell ya eran evidentes en sus primeros trabajos en video. Más importante aún, las obras representaron (o tomaron el punto de vista de) figuras que actuaban en espacios públicos al aire libre, por un lado interrumpiendo las funciones y convenciones sociales y arquitectónicas de esos espacios, por el otro articulando físicamente sus propias experiencias de lugar. Sus experimentos utilizaron cámara lenta y paisajes sonoros ambientales para ralentizar el tiempo y concentrar los detalles visuales de los cuerpos en movimiento, y revelar los matices sutiles y las cualidades esenciales de las actividades de sus artistas. Esto sigue resultando en poético,representaciones hipnóticas y meditativas que abren las propias actividades a un amplio abanico de lecturas.

Pabellón de Brasil
El Pabellón de Brasil se presentó en vivo y en vivo en la zona norte / noreste de Brasil, justo debajo del Ecuador. En estos lugares, el sol ecuatorial golpea implacablemente hacia abajo, a veces con un brillo casi deslumbrante, a diferencia de la luz idílica y suavizada de los trópicos que a menudo se identifica con las imágenes de Brasil. Es, por tanto, otro Brasil -otro luz, temperatura, paisaje, gusto, olfato, sonido y mirada- el que se desarrolla en su producción. Introducir estos lugares no es una prioridad en la práctica, los artistas y fotógrafos se esfuerzan por afirmar el lugar desde donde hablan y explorar las posibilidades de expresar y revelar otros mundos, otras perspectivas.

Pabellón de Asia Central (Kazajstán, Kirguistán, Tayikistán y Uzbekistán)
“Making Interstices” propone reconocer las intrincadas distinciones y opciones de la creación de arte en el mundo global. Making Interstices indica la forma en que los artistas trabajan, operan y producen en los países de Asia Central a lo largo de las turbulencias políticas y económicas de los últimos treinta años. La condición de no comunicación en estos intersticios sirve como un escape a las formas dominantes de poder político y económico. Parece que las producciones de arte contemporáneo y sus creadores no tienen una ubicación y posición significativa en las prioridades políticas, económicas, oficiales y sociales de los territorios mencionados. En esta ambigüedad de lo existente y lo no existente, estas escenas artísticas se asemejan a intersticios de no comunicación. Sin embargo, evidentemente generan espacios alternativos en estas sociedades.El surgimiento actual de intentos individuales de comunicarse con posibles socios internacionales e iniciativas grupales es un fenómeno que puede implantar un nuevo diálogo entre la sociedad y el estado.

Los artistas operan para crear un núcleo prolífico de libre pensamiento y expresión, sugieren modelos verbales o visuales discretos o diminutos de resistencia y una influencia silenciosa en las generaciones más jóvenes. Making Interstices propone reconocer las intrincadas distinciones y opciones de la creación artística en la multiplicidad del mundo global. Si Making Worlds presenta el amplio espectro y el proceso del arte actual, Making Interstices indica la forma en que los artistas trabajan, operan y producen en los países de Asia Central, y muchos otros países que tienen tensiones similares entre el pasado reciente y el presente, es decir, a lo largo de la política y la economía. turbulencias de los últimos treinta años. Las violentas complicaciones de las rápidas transformaciones ideológicas y gubernamentales agravaron la capacidad de los artistas para descubrir,emplear y explotar las pequeñas brechas (intersticios) entre la macropolítica y la economía convencional y la mayoría de las veces opresiva. Making Interstices es una estrategia que permite al artista configurar libremente sus pensamientos, deseos y humor en una intervención táctica, experimental y exploratoria a través del arte …

Pabellón de Chile
Iván Navarro presenta un conjunto de trabajos desde una perspectiva sociopolítica. El artista conocido en el escenario internacional gracias a una serie de espectáculos personales. Realiza complejas esculturas de luz, desarrollando el concepto de conversión de energía a través de objetos e instalaciones específicas hechas de objetos de uso cotidiano, vinculándolos a una crítica precisa del poder. Con el tema entretejido en toda su obra, el artista formaliza su obra Threshold en tres elementos / momentos separados. Los materiales que utiliza, marcados por una aparente frialdad con un énfasis extremo en los aspectos técnicos, son totalmente dependientes de la energía eléctrica, proponiendo una metáfora subyacente de los fluidos corporales y su acción para generar vida y “animar” objetos.

Death Row está compuesto por trece puertas de aluminio con una luz de neón en el interior. Esto crea una pausa óptica en el espacio, produciendo un efecto de pasillos que atraviesan una pared. Resistance es una instalación (escultura conectada a un video): es una bicicleta atada a una silla hecha de tubos fluorescentes que se activan al girar los pedales. En el video, la misma bicicleta recorre Times Square en Nueva York, mostrando el fuerte contraste entre el mobiliario urbano luminoso y las luces generadas por la fuerza muscular del ciclista. La cama es una escultura circular colocada en el suelo. Da la impresión de un agujero profundo en el que la palabra “CAMA” se ilumina hasta el “infinito”. La obra plantea interrogantes sobre la posibilidad de un mundo más allá del muro, pero elimina la posibilidad de entrar en ese reino.Este elemento de ilusión y el paralelismo entre lo humano y la electricidad, en su expresión industrial y fluorescente, son constantes en el recorrido artístico de Navarro.

Pabellón de China
“Open Wall” de Shan Shan Sheng es una instalación de vidrio a gran escala, el proyecto reinterpreta una sección de la Gran Muralla capturando un intervalo de la herencia de China, traduciendo esta estructura histórica como una zona temporal de arquitectura de vidrio. Esta instalación representa la recién descubierta apertura de la China contemporánea y aborda el momento contemporáneo como un momento crucial del intercambio global. Open Wall es un ejemplo de la fascinación de Shan Shan Sheng por la arquitectura, el material, la memoria nacional y la percepción del tiempo. Reconocida por sus pinturas a gran escala y esculturas de suspensión en Shanghai, Hong Kong y Beijing, las instalaciones de arte conceptual de Sheng activan y transforman la lectura de motivos y lugares de memoria tradicionales chinos.

Open Wall reconstruye un momento de la Gran Muralla de China como un ensamblaje de ladrillos de vidrio. Los ladrillos de vidrio se convierten en una especie de moneda cultural, para ser distribuidos y redistribuidos en el proceso de instalación. Open Wall sugiere la posibilidad del momento contemporáneo de China, abriendo la cultura a la economía global y un intercambio de ideas sin precedentes. El muro abierto de Sheng es una escultura iridiscente única, que indica un umbral tanto de transparencia como de opacidad, como símbolo crítico de la intersección de China con la cultura occidental. Fácilmente desmontado y reensamblado, el Open Wall de Sheng evoca un momento de cambio y consumo mutuo. Open Wall consta de 2.200 ladrillos de vidrio, correspondientes a los 2.200 años de construcción de la Gran Muralla.Sheng reinventa la Gran Muralla como un pabellón temporal de vidrio apilado; su instalación evoca el flujo exquisito pero transitorio del tiempo globalizado.

Pabellón de las Islas Comoras
Paolo W. Tamburella ha reparado y restaurado uno de los veintiocho barcos abandonados en el puerto, con la ayuda de trabajadores de Moroni. El barco Djahazi ha sido durante siglos el único medio de transporte para los comoranos, una forma de comunicarse con los países vecinos y de crear nuevas relaciones comerciales. En 2006, tras la modernización del puerto, se prohibió el uso del Djahazi, interrumpiendo así una larga tradición de estibadores comorenses en las islas y colocando a las Comoras en un nuevo capítulo de la economía global. Este buque, que estaba cargado con un contenedor de transporte regular utilizado en la mayor parte del comercio actual, se erige como una metáfora de una globalidad ambivalente, que une la emergencia y la emergencia de esperanza y desesperación.en una especie de cuento con moraleja sobre las nuevas formas de lo prescindible en un mundo de incertidumbre y transición.

Pabellón de Dinamarca
“The Collectors” de Elmgreen & Dragset, transforman los pabellones danés y nórdico en ambientes domésticos donde el público es invitado como invitado. Comedores, dormitorios, muebles, chimeneas, un tragaluz de vidrieras y las obras de arte ubicadas dentro de los hogares, revelan las extrañas historias de habitantes ficticios, con sus personajes obsesivos y diversos estilos de vida. El proyecto tiene como objetivo crear una sensación de intimidad con su exposición organizada, en estrecha colaboración con los artistas y diseñadores participantes, para eludir los aspectos competitivos habituales del evento artístico más grande. Las obras de arte seleccionadas, junto con el interiorismo, menaje de cocina, indumentaria e incluso una colección de moscas, componen las complejas narrativas de esta doble exposición. A través de la casa d & eaute;El cor y la colección de obras de arte, las prendas en los armarios, la porcelana en la cocina y los libros en la biblioteca, las identidades de los habitantes de la ficción, sus pasiones y melancolías, emergen pieza a pieza.

El público fue guiado en un recorrido por un agente de bienes raíces a través de un pabellón danés “en venta”, y se le contó la historia de los dramas familiares que solían frecuentar esta casa. El vecino pabellón nórdico se ha convertido en un extravagante piso de soltero. Aquí, el público experimenta no solo la colección de obras de arte contemporáneas y el diseño del misterioso Sr. B., sino también su colección de trajes de baño usados ​​para ex amantes. Como indica el título ‘Los coleccionistas’, la exposición aborda el tema del coleccionismo y la psicología detrás de la práctica de expresarse a través de objetos físicos. Abordando el tema del coleccionismo y la psicología detrás de la práctica de expresarse a través de objetos físicos.El proyecto hizo la pregunta como ¿Por qué recolectamos artículos y nos rodeamos de ellos en nuestra vida cotidiana? ¿Qué mecanismos del deseo desencadenan nuestra selección?

Pabellón de Francia
Este año Claude Lévêque es el artista que representa a Francia en la 53ª Exposición Internacional de Arte – La Biennale di Venezia. En el Pabellón de Francia, presentó una instalación titulada “Le Grand Soir”, que estaba en el carácter de la fuerza de su obra. Un concepto exclusivamente francés de la víspera de la Revolución, “Le Grand Soir” evoca el momento en que el mundo cambió.

El pabellón francés parece un catafalco. Detrás del peristilo hay una pared negra, ciega, muda, poco acogedora. La fachada cóncava también está pintada de negro. El movimiento se limitó, los sentimientos se refrenaron. La luz es intensa, las paredes nacaradas la enfrían y difractan. es la penumbra, la oscuridad donde brillan los reflejos. Al final, unas banderas negras temblorosas en la distancia levantan la imagen de una esperanza radical, o desesperación de destrucción.

Pabellón de Alemania
“Kitchen” de Liam Gillick, transformó el pabellón alemán en una cocina estricta y desnuda, una posible referencia a la icónica Frankfurter Kitchen. El pabellón no se ha cambiado ni enmascarado. el interior y el exterior del edificio se deja en forma básica para que pueda ser visto y examinado. Recientemente pintado de blanco como mantenimiento general del edificio, Gillick ha dejado las paredes de esta manera para crear un telón de fondo claro para su instalación. Todas las habitaciones del edificio quedan abiertas. ninguna parte del pabellón ha sido cerrada o utilizada para almacenamiento. Una estructura similar a una cocina que se ha construido con madera de pino simple. Carece de electrodomésticos, pero la ‘cocina’ existe como un esquema de aspiración, función y un eco del modernismo aplicado que resuena en oposición a la corrupta grandeza del pabellón.

Gillick compara la cocina con algo entre Ikea y algo mucho más moderno, una especie de modernidad alternativa. No se trata de un gran simbolismo, no se trata de una ideología trascendente. Es ese otro modernismo, el que en cierto modo lleva a la cocina contemporánea. Como toque final, gillick y su equipo de estudio en Berlín, crearon un gato animatrónico como ocupante de la cocina que se sienta encima de uno de los gabinetes. El gato lucha contra el eco del edificio y nos cuenta una historia circular que nunca termina. El gato está en la cocina, los niños están en la cocina: ‘No me gusta’, dice el niño. “No me gusta”, dice la chica. ‘No me gustas’, piensa el gato.El proyecto obligó al visitante a plantearse la cuestión de quién habla con quién y con qué autoridad.

Pabellón de Japón
“Windswept Women: The Old Girls ‘Troupe” de Miwa Yanagi, transformada en el Pabellón de Japón como una estructura independiente o temporal, cubriendo su exterior con un negro. El proyecto se parece a la fluidez y movilidad de la casa de juegos temporal de la carpa. En el interior, Yanagi instala soportes de fotografías gigantes de 4 m de altura que contienen retratos de mujeres de diversas edades. También se mostrará un nuevo trabajo en video y una serie de pequeñas fotografías. Al entrar, los espectadores se sienten desorientados, perdiendo su sentido de escala y perspectiva mientras caminan entre obras de gran tamaño. El motivo de esta instalación es una troupe compuesta exclusivamente por mujeres que viajan con su casa móvil, en lo alto de su caravana.

El escaparate de fotografías de mujeres gigantes que Yanagi ha creado para Venecia simboliza la resolución. Permanecen impasible a pesar de estar rodeados por un viento turbulento. Pase lo que pase, mantienen los pies firmemente plantados en el suelo. Presentadas en marcos decorativos de diseño ornamentado, estas mujeres parecen surrealistas pero también encarnan un elemento de nostalgia. Aunque las imágenes en sí mismas tienen una cualidad macabra, nos animan a abrazar la vitalidad.

Pabellón de Corea
“Condensation” de Haegue Yang, explora espacios privados u ocultos que podrían ser considerados nebensächlich (marginales o insignificantes), pero que para el artista constituyen un telón de fondo profundo para la comprensión: los sitios vulnerables donde puede ocurrir el desarrollo informal. Estas decoraciones funcionales para el hogar desafían conceptos rígidos de diseño o periodización para enfatizar lo no estético del ámbito privado, donde el yo es cuidado y contemplado y puede ser compartido de otra manera.

Usando la metáfora de la condensación, el yang busca la comunicación directa con personas desconocidas a través de un camino de intercambio aparentemente intangible, uno que imparte información no funcional pero ontológicamente significativa. Consiste en un sistema laberíntico de persianas venecianas apiladas inundadas de luz natural, una serie de arreglos vulnerables — voz y viento, evoca sombras de lugares y experiencias que no están físicamente presentes. aquí yang utiliza persianas venecianas fabricadas comercialmente en colores y patrones indescriptibles y no categorizables que existen en el borde del gusto. Mientras sus espectadores permanecen sin nombre y sin rostro entre sí y para el artista, la “comunicación de condensación” de Yang, que tiene lugar incesantemente en momentos y lugares impredecibles, ofrece la posibilidad de un reconocimiento compartido.Al activar la subjetividad y resistir las definiciones formales de eficiencia, Yang alimenta una comprensión fantasmal pero real que inspira una aceptación ciega y completa de los demás.

Pabellón de América Latina
“Fare Mondi / Making Worlds”, una exposición única que entrelaza diferentes temas en una unidad orgánica, donde las obras de arte interactúan y dialogan entre sí y el espacio mismo. En Olimpo Fernando Falconí (Ecuador) explora la imagen del volcán Chimborazo, un hito geográfico e histórico latinoamericano. Un video muestra el derretimiento de la capa de nieve del volcán. Los Dioses del Nuevo Mundo están representados por Darío Escobar (Guatemala) en su Instalación de Kukulcán. Dominada por la cola de un Quetzalcoatl rojo, la mítica serpiente emplumada confeccionada en neumáticos de bicicleta, que sigue el largo proyecto de investigación del artista relacionado con la recontextualización del objeto como obra de arte. Luis Roldán (Colombia) que evoca una dimensión lírica y existencial de la vida urbana en su obra que está hecha de pequeños fragmentos.Carlos Garaicoa (Cuba), que juega con las representaciones arquitectónicas como si fuera el biógrafo de un lugar hecho de cera, luz, ladrillos y papel.

Un extraño mundo poblado por raros ejemplares y diversas etnias mutantes es cómo Raquel Paiewonsky (República Dominicana) fusiona elementos de la vida urbana, estereotipos de todo tipo, naturaleza, espiritualidad e instinto. Federico Herrero (Costa Rica) quien, en una mezcla de gesto y color, pinta lugares donde, según su sentimiento, el color es fundamental. El color y los patrones que evocan el sincretismo cultural latinoamericano también son claves en la instalación textil Inca y Aymara ensamblada por Gastón Ugalde (Bolivia), creando un espectacular escenario de diseño y textura. Una nueva visión del espacio nos llama la atención en el efecto tromp l´oeil creado por el fotógrafo Nils Nova (El Salvador), disolviendo los límites entre la realidad y la ficción.

Pabellón de Lituania
Žilvinas Kempinas exhibe su trabajo, empleando cintas de video como material escultórico en lugar de portador de datos visuales. En sus instalaciones, las fuerzas invisibles de la gravedad y la circulación del aire animan el espacio arquitectónico transformándolo en un entorno totalmente nuevo. Su último trabajo, una instalación a gran escala TUBE, se creó en Atelier Calder (Saché, Francia) y se montó para el pabellón lituano en Venecia para resonar con el entorno de la ciudad. TUBE aborda la experiencia física y óptica del espectador, el paso del tiempo, la percepción del cuerpo y la arquitectura. Kempinas ha estado utilizando cinta magnética para construir espacios de experiencia monumentales pero frágiles. Los gestos divertidos y la claridad geométrica son igualmente importantes. Su práctica artística se basa en reciclar los principios de lo mínimo, lo abstracto,arte óptico y arte cinético en la condición post-medio.

Pabellón de México
“¿De qué otra cosa podríamos hablar?” De Teresa Margolle, presentados en el Pabellón de México, son una sutil crónica de los efectos de una diabólica economía internacional: el círculo vicioso de la prohibición, la adicción, la acumulación , pobreza, odio y represión que transfigura los placeres transgresores y obsesiones puritanas del Norte en el Sur como Infierno. Debido al reciente recrudecimiento de la violencia en México, la obra de Teresa Margolles, que durante casi dos décadas se ha concentrado en la exploración de las posibilidades artísticas de los restos humanos, ha puesto un énfasis creciente en la meditación sobre la muerte violenta y sus víctimas.

¿De qué otra cosa podríamos hablar? fue una narrativa basada en tácticas de contaminación y acciones materiales, que buscan involucrar emocional e intelectualmente a los visitantes en los temas que rodean la forma en que la violencia y la economía global actual involucran la declaración efectiva de generaciones enteras de individuos como una clase social virtualmente desechable, atrapada entre la lógica perversa de la criminalidad, el capitalismo y la prohibición. Teresa Margolles se trata de una intervención única y continua, con diferentes actuaciones y obras a lo largo del pabellón. Su exploración de la muerte como tema se ha relacionado con una investigación cada vez más profunda sobre cuestiones de desigualdad económica y política, explotación social,el proceso de duelo histórico y la forma en que la violencia extendida define el panorama cultural y filosófico de hoy.

Pabellón de Nueva Zelanda
“The Collision” de Judy Millar, una instalación de lienzos pintados a gran escala que atraviesan pisos y techos, llegan al espacio más allá de los límites adecuados del edificio, se pliegan hacia adentro y hacia afuera y desechan deliberadamente los modos convencionales de exhibición y diseño de exhibición. El proyecto desafía la relación tradicional entre el objeto de arte y el espacio expositivo. La artista Judy Millar es considerada una de las pintoras más destacadas de Nueva Zelanda. Los temas centrales en las pinturas a gran escala del artista incluyen las relaciones entre lienzo y pintura, estática y movimiento y el lugar de la pintura en la historia del arte.

Pabellón de Polonia
“Invitados” de Krzysztof Wodiczko, se centran en los inmigrantes, personas que, al no estar ‘en casa’, siguen siendo ‘huéspedes eternos’. ‘Extraños’, ‘otros’ son nociones clave en la práctica artística de Wodiczko, ya sea en las proyecciones, los vehículos o los instrumentos tecnológicamente avanzados que permiten a quienes, privados de derechos, permanecen mudos, invisibles y sin nombre comunicarse, ganar una voz. , hacer presencia en el espacio público. El proyecto, que aborda la problemática multicultural de la alteridad, se refiere a uno de los temas más candentes del mundo contemporáneo, tanto a nivel mundial como en la UE, donde un discurso de aceptación y legalización va acompañado de políticas de inmigración a menudo restrictivas.

El Pabellón Polaco se transforma en un lugar donde los espectadores ven escenas que aparentemente tienen lugar en el exterior, detrás de una ilusión de ventanas, su proyección en las paredes sin ventanas del pabellón. Las proyecciones individuales, las imágenes de ventanas proyectadas sobre la arquitectura del pabellón, abren su interior a escenas virtuales, pero a la vez reales, que muestran a inmigrantes lavando ventanas, descansando, hablando, esperando el trabajo, intercambiando comentarios sobre su dura situación existencial. , desempleo, problemas para legalizar su estancia. Una experiencia de incapacidad para superar la brecha que los separa. Recuérdeles a los visitantes que aquí también son “invitados”, a los que les recuerdan las imágenes de inmigrantes que intentan, de vez en cuando, echar un vistazo al interior.

Pabellón de Rusia
“Victory Over the Future” presenta nuevos trabajos de artistas que exploran la tensión entre las tradiciones de vanguardia rusa y sus narrativas personales. Rain Theorem, una serie de murales, representa a fanáticos del fútbol (soccer) bulliciosos en un partido. En una escena, gritan de alegría por la victoria y, en la siguiente, reaccionan con furia en la derrota. El trabajo de Irina Korina explora la incertidumbre y los estados liminales del ser. La escultura está construida con viejos manteles de plástico que yuxtaponen formas rígidas y sinuosas. Sostenida como una planta a través de la presión hidrostática, Fountain desafía la percepción de fluidez. La instalación multimedia de Andrei Molodkin, Le Rouge et le Noir, presenta dos reproducciones en vidrio huecas de la Nike de Samotracia. Uno está lleno de aceite pulsante, el otro de “sangre” pulsante.

Gosha Ostretsov presenta una instalación compuesta por una serie de habitaciones abandonadas. Mediante la producción de una obra que sobrevive a su creador, la actividad artística por su propia naturaleza representa una victoria sobre el futuro. Pavel Pepperstein conocido por sus escenas absurdas del futuro. Paisajes del futuro es una serie de pinturas en las que motivos suprematistas atraviesan las fronteras nebulosas de las megalópolis futuras. La instalación CARTOUCHE de Sergei Shekhovtsov aborda el significado y el simbolismo de la ornamentación arquitectónica. Usó goma espuma, un material esencialmente moderno, para crear cajeros automáticos, cámaras de seguridad y aires acondicionados. Black Holes de Anatoly Shuravlev es una instalación que explora las complejidades de la memoria histórica. Con escala, estructura y textura,Zhuravlyov crea una instalación sorprendente que cuestiona cómo se revela el futuro a través del pasado.

Pabellón de Singapur
“Life of Imitation” de Ming Wong, pone en escena la coexistencia de múltiples mundos donde el lenguaje, el género, la apariencia y las tradiciones se negocian constantemente entre sí. En actos lúdicos e imperfectos de mimesis y melodrama, esta exposición intenta levantar el espejo de la condición de Singapur relacionada con las raíces, la hibridación y el cambio. Wong explora los revestimientos performativos del lenguaje y la identidad a través de sus propias reinterpretaciones del “cine mundial”: ha creado una serie de instalaciones de video multicanal inspiradas en momentos cinematográficos clásicos de Hollywood, Europa, China y el sudeste asiático.

El pabellón también nos presenta la localización de la cultura occidental en el entorno de Singapur. El ambiente se ve reforzado por las vallas publicitarias pintadas por Wong y el último pintor de vallas publicitarias superviviente de Singapur, Neo Chon Teck, y recuerdos de películas como fotografías de antiguos cines de Singapur, pinturas, dibujos y transcripciones, que representan el proceso de creación de las instalaciones de video de Wong y toda la exposición. sí mismo. El proyecto sitúa las complejidades de la memoria y la nostalgia como sujetos desplazados y argumenta cómo las movilidades dan forma a la reconstrucción de significados a través de las posibilidades del espacio y la identidad en las expresiones del arte asiático contemporáneo. Contextualiza los discursos de identidad y explora las conexiones entre la re-imaginación de un pasado,la reconstrucción de la memoria y la deconstrucción de los discursos nacionales.

Pabellón de Span
Bajo el título “Miquel Barceló”, el pabellón de España presenta pinturas recientes de gran formato junto con otras más antiguas para hacer un recorrido por la obra de miquel barceló desde 2000. La exposición gira en torno a temas perennes del artista, como los primates, los paisajes africanos y la espuma de las olas del mar. Barceló es generalmente reconocido como uno de los pintores vivos más influyentes de España. La exposición también presenta una serie de obras del artista y escritor francés François Augiéras, cuya obra presenta representaciones de pequeño formato de escenas de género africano.

Pabellón de Turquía
“Lapsos”, demuestran cómo la percepción de los “acontecimientos que ocurren” puede variar y dar lugar a narraciones diferentes de la historia debido a lapsos en la memoria colectiva. El proyecto se ha realizado a través de obras de dos artistas: “CATALOG” de Banu Cennetoglu y “Exploded City” de Ahmet Ögüt. Ambos proyectos revelan la posibilidad de diversas formaciones de memoria o diversas narrativas, concebibles a través de lapsos. Un lapso en el flujo lineal y continuo del tiempo implica una sensación de desorientación o una desconexión con nuestro entorno personal. Solo reconociendo (après coup) tal lapso nos damos cuenta de nuestra capacidad para reestructurar la memoria en el continuo del espacio y el tiempo a través de un flujo ininterrumpido, con imágenes residuales que se repiten por las narraciones y nuestros sentidos. Este es un acto subjetivo.Sin embargo, en sociedades que dependen de la credibilidad de los medios cotidianos, enormes archivos visuales operan como memoria colectiva.

Ahmet Ögüt traza edificios que recientemente han sido el sitio de un evento crucial y se han convertido en ruinas, lo que desencadenó asociaciones en nuestro subconsciente. “Exploded City” presenta una ciudad modelo haciendo referencia a las características arquitectónicas originales de cada edificio. La obra cuestiona los significados y valores atribuidos a estos edificios antes y después de la explosión, al tiempo que detecta lapsos que se producen en nuestra memoria a través de imágenes mediáticas. También manifiesta lapsos ocultos al arrancar los edificios de su memoria. “CATÁLOGO 2009” sostiene que la fotografía, extraída de la realidad en la que fue filmada, no sólo se espera que exista en un nuevo contexto subjetivo y crítico, sino que también se convierta en portadora de expresión para este nuevo contexto. Banu Cennetoglu ‘Las fotografías pertenecen a diferentes geografías y, al mismo tiempo, están abiertas a narrativas de ficción. El trabajo se presenta en forma de un “catálogo de pedidos por correo” performativo donde cientos de fotografías se clasifican en categorías subjetivas.

Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos
“No eres tú, soy yo”, la primera exposición de los Emiratos Árabes Unidos en la Bienal de Venecia. El proyecto llama la atención sobre su naturaleza y funciona como escaparate mediante una combinación de elementos escenográficos y arquitectónicos. El Pabellón destaca un tema de “Feria Mundial” que incorpora varios componentes, que incluyen el trabajo del artista destacado, Lamya Gargash; una sala de exposición del trabajo de varios artistas de los Emiratos Árabes Unidos: Ebtisam Abdul-Aziz, Tarek Al-Ghoussein, Huda Saeed Saif y Hassan Sharif; Kiosco de Hannah Hurtzig con conversaciones con figuras clave del panorama cultural del país; una documentación de una actuación en Dubai del Jackson Pollock Bar; escenografía que recuerda la tradición de la Feria Mundial, incluidos paneles de texto y modelos arquitectónicos de la infraestructura artística de los EAU.

Pabellón de Reino Unido
El pabellón británico presenta una nueva película titulada ‘Giardini’ (jardines) de steve mcqueen, su película de 30 minutos nos muestra los jardines en invierno. un mundo desolado de árboles desnudos, gotas de lluvia, campanas de iglesia. Giardini es una película en pantalla dividida que documenta los jardines venecianos fuera de temporada, ya que esta área solo está abierta al público durante la mitad del año cuando se realiza la exhibición de la Bienal. Al usar el medio de la película, McQueen permite al espectador experimentar los jardines vacíos donde los perros callejeros deambulan buscando comida, los extraños se esconden en las sombras y los amantes se encuentran. Con su sencillez poética, Giardini se deleita con la belleza de lo invisible y lo inaudito, al tiempo que expone el espectáculo de la Bienal y su naturaleza fugaz.

Pabellón de Estados Unidos de América
Nauman exhibe sus nuevas instalaciones importantes en el Pabellón de Estados Unidos. Tanto en Days como en Giorni, las voces que componen las obras se pueden experimentar de forma colectiva o aislada, creando una orquestación sonora que es conmovedora, contundente e implacable. Como los textos de Nauman repiten y reorganizan hábilmente los días de la semana, también alteran y socavan la secuencia que normalmente mide el paso del tiempo. “La presentación de Days and Giorni en el contexto de la serie ‘Notations’ del Museo, dedicada exclusivamente al arte contemporáneo, permite a nuestros visitantes establecer paralelismos entre estas obras y las de la colección del Museo, incluidas otras obras de Nauman.

Los gestos de Nauman tienen una lógica bastante clara, su obra entra y sale en espiral: el monólogo interno laberíntico y repetitivo; el sentido de la mente y el cuerpo ya no se mantienen juntos; la atormentadora sensación del espacio. El movimiento clásico de Nauman, al parecer, es apoderarse de un síntoma de enfermedad mental y construir un trabajo en torno a él. “Topological Gardens”, que pone entre paréntesis los elementos más exagerados y los aspectos que son más abiertamente hostiles hacia su audiencia (por ejemplo, no Clown Torture), destilando de la cacofonía de la obra de Nauman un espectáculo agridulce, de despedida. Instalado en las dos cámaras que flanquean la entrada donde te encuentras con The True Artist, los móviles de Nauman son extraños y desconcertantes, pero también elegantes e incluso encantadores en una especie de cansancio del mundo.

Pabellón de Uruguay
Tres artistas representan el Pabellón de Uruguay, la muestra busca reflejar las dimensiones significativas de las artes visuales contemporáneas en Uruguay. Las obras de arte ofrecen una visión prismática de su variedad inherente, trazando líneas que involucran tanto la elaboración manual como el empleo de recursos tecnológicos, narrativas que se sitúan en los límites entre cuestiones de identidad y localidad, además de incluir aspectos globales. “La tierra prometida” de Raquel Bessio se sugiere como un terreno astillado, gris y oscuro metálico. Los espacios cerrados corroen las certezas y las resoluciones, un proceso que experimentan las piezas mismas de sus obras a medida que se oxidan. En el proceso, logran autonomía y se vuelven ingobernables. Juan Burgos expande visiones apocalípticas urbanas que proliferan en la vida cotidiana.Su punto de partida es un libro de cuentos para niños, a partir del cual construye un collage delirante. Pablo Uribe ha producido un documental falso. Al hacerlo, reflexiona sobre el juego entre la realidad y la ficción, sobre las representaciones dentro de las representaciones.

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