Recensione di LA Art Show 2015, California, Stati Uniti

Il Los Angeles Art Show è una mostra d’arte enciclopedica internazionale, la mostra d’arte contemporanea internazionale più completa in America. Il 20° Annual LA Art Show, dal 14 al 18 gennaio 2015 al Los Angeles Convention Center, come la più grande e più longeva piattaforma per l’arte moderna, contemporanea, storica e tradizionale, con oltre 120 gallerie in rappresentanza di 22 paesi, esponendo pittura, scultura, opere su carta, installazione, fotografia, design, video e performance.

Il LA Art Show è diventato la piattaforma artistica più diversificata a livello internazionale nel mondo occidentale, portando i più grandi gruppi di gallerie coreane, cinesi e giapponesi al di fuori dell’Asia. The LA Art Show ha sviluppato attivamente la sua offerta di gallerie internazionali per fornire ai collezionisti un’opportunità unica, per individuare le tendenze e lo zeitgeist internazionali attraverso l’arte, un mezzo che ha la capacità di trascendere il linguaggio. La mostra presenta due sezioni distinte: la Sezione Moderna e Contemporanea e la Sezione Contemporanea Storica e Tradizionale.

Celebrando il suo ventesimo anniversario, lo spettacolo è sbocciato da un piccolo evento regionale in una delle piattaforme artistiche più grandi e più longeve. Lo spettacolo di quest’anno ha presentato una vasta gamma di generi artistici, dalle belle arti alla street art e ai graffiti. Mostre speciali incentrate sul lavoro internazionale, mettendo in evidenza l’arte contemporanea cinese, giapponese e coreana.

Leader delle tendenze artistiche globali, il Los Angeles Art Show è stato costantemente un punto di riferimento per artisti affermati, è anche un trampolino di lancio per talenti emergenti per mostrare ciò che è adesso e il prossimo nell’arte. Tre tendenze principali durante la mostra sono state l’uso di colori monocromatici, la sperimentazione con una varietà di media e materiali per generare texture e opere che incorporano l’illusione del movimento.

Oltre a vedere le migliori opere esposte, l’ingresso alla mostra include anche l’opportunità di godere della stimolante mostra Dialogs LA, mostre speciali, installazioni e performance, con artisti, curatori, critici e professionisti dell’arte di fama internazionale.

Più di 180.000 piedi quadrati di spazio espositivo sono dedicati alle gallerie importanti di oggi. Queste gallerie nazionali e internazionali, oltre ai loro stand, curano mostre speciali che sono in prima linea nel fiorente movimento artistico contemporaneo. La fiera offre una straordinaria gamma di opere ed esperienze in sezioni specializzate.

LA Mostra d’Arte 2015
Los Angeles è emersa come un epicentro globale di arte e cultura, con un’influenza multiculturale distinta e intrecciata unica per la città. La diversità è la nostra forza e l’arte è più impattante quando include o trascende tutti i confini. Mentre Los Angeles si afferma come destinazione di livello mondiale per l’arte, il LA Art Show continua ad aprire la strada con una programmazione innovativa ed esperienze uniche per un pubblico di collezionisti in espansione.

LA Art show è l’esperienza artistica internazionale senza pari. Nella mostra 2015 ha affinato la sua attenzione creando una fiera appena curata che offre a visitatori e collezionisti una nuova esperienza artistica ospitata dedicata all’arte moderna e contemporanea. Lo spettacolo continua ad evolversi in una nuova ed entusiasmante direzione che riflette come Los Angeles stia lasciando il segno come una destinazione emergente di livello mondiale per l’arte.

Negli ultimi anni, il LA Art Show è diventato la piattaforma artistica più diversificata a livello internazionale nel mondo occidentale, portando i più grandi gruppi di gallerie coreane, cinesi e giapponesi al di fuori dell’Asia. C’è di tutto per tutti, dalla pittura contemporanea alla tecnica mista, fino alle opere tradizionali e figurative. Questa fiera d’arte diversificata ed emozionante è progettata pensando al vero collezionista, mostrando molti generi e stili artistici per catturare l’essenza del mercato dell’arte in continua evoluzione.

La fiera si concentra sull’America Latina e sul Pacifico. L’evento presenta una vasta gamma di arte contemporanea e moderna, a quella classica e altre scene d’arte specializzate che spesso comandano i propri spettacoli dedicati. Presentazioni radiose prendono vita da una varietà di gallerie che plasmano la sfera artistica di Los Angeles come uno spazio di espressione completamente accessibile. La tradizione e il prestigio di LA Art Show, già pienamente consolidati nella città e nei dintorni, ne fanno una delle principali fiere d’arte contemporanea americane.

Il LA Art Show abbraccia il suo ruolo di fiera d’arte preminente della regione ed emerge come la celebrazione civica annuale delle arti visive. L’entusiasmo da record che circonda ha superato tutte le aspettative e incoraggia il nostro team ad approfondire il nostro elenco di gallerie e perseguire una nuova entusiasmante programmazione artistica. Poiché Los Angeles si colloca come avanguardia della scena artistica globale, la nostra capacità di adattarci ed evolverci per soddisfare le tendenze attuali del mercato dell’arte è vitale. Il ruolo in evoluzione della fiera d’arte come fulcro per il commercio d’arte, che collega gallerie, artisti, curatori e collezionisti.

Mette in risalto

Moderno + Contemporaneo
La più grande sezione di programmazione al LA Art Show, Modern + Contemporary espone il vasto spettro di pittura contemporanea, illustrazione, scultura e altro dalle gallerie di Los Angeles, del Pacifico e dei paesi di tutto il mondo.

Athier Mousawi – Athier Mousawi è un artista visivo iracheno britannico il cui lavoro negli ultimi anni si è concentrato sulla formazione di una narrazione visiva tra i due concetti contraddittori. Cosmic Fluid I mostra un insieme di sezioni che vengono smontate e riassemblate simultaneamente. Il pezzo rappresenta una sorta di movimento cinetico, fondendo strutture sia geometriche che fluide e formando un’entità disordinata ma armoniosa.

Peter Alexander – Peter Alexander, membro del movimento artistico Light and Space nel sud della California, è meglio conosciuto per il suo lavoro con sculture in resina colata e resina poliuretanica. Con 3 Black Blue Bars, Peter esplora i temi della trasparenza, della ripetizione e dell’ottica del colore monocromatico. Dal punto di vista degli spettatori, le 3 barre sottili hanno anche l’illusione di essere sfocate contro il muro bianco e rigido.

Ruth Weisberg – Le litografie drammatiche e oniriche di Ruth Weisberg, i disegni e i dipinti a tecnica mista risuonano con il senso del passare del tempo. Le sue strategie distintive di utilizzare diversi media aggiungono una tattilità a ogni pezzo. Come visto in Threshold, il disegno rimane la base del suo lavoro, essendo usato su scala intima e monumentale.

Andrew Myers – Andrew Myers crea pezzi unici e realistici con l’uso di migliaia di viti. Questa serie di ritratti enfatizza l’interazione e il contrasto tra luce e ombra, creando un’illusione tridimensionale dinamica. Ogni vite viene posizionata manualmente (a lunghezze variabili) e verniciata, trattando così ogni pezzo come una scultura tradizionale.

Littletopia
Il LA Art Show ha collaborato con gallerie e organizzazioni non profit per presentare nuove e audaci performance artistiche e ha continuato ad espandere le sezioni Littletopia e Street Art sia in fiera che in eventi fuori sede per facilitare il networking di rivenditori e collezionisti e creare un senso di immediatezza.

Il LA Art Show è un labirinto maniacale di stimoli visivi, sezioni sparse di rappresentazione internazionale e distrazioni seducenti. È sovraccarico sensoriale. Al centro del LA Art Show c’è un collettivo di gallerie contemporanee che forma una comunità di arte surrealista pop e lowbrow in una sezione d’angolo conosciuta come Littletopia. E nel cuore di Littletopia c’è la Red Truck Gallery.

I punti salienti della mostra includono opere di artisti famosi come Baldessari, Ruscha e Picasso, ma la maggior parte del lavoro in mostra è di sconosciuti. Con un focus sull’arte storica, moderna e contemporanea, lo spettacolo non ha quasi alcun focus. LA Art Show è la fiera d’arte più eclettica, la fiera d’arte più eclettica al mondo che stabilisce un’alta qualità. Questo spettacolo è davvero sull’avere un ampio spettro, non si tratta di quantità, ma di qualità.

Littletopia è un dialogo tra tradizione ed espressione contemporanea come con gli artisti di Red Truck Gallery, Antena Estudio e Fifty24MX. Vediamo la corruzione delle icone popolari come con gli artisti di Gauntlet Gallery e Thinkspace. Il raffinato disordine dell’arte come con gli artisti di Spoke Art, Hashimoto Contemporary e Roq La Rue. Gli artisti ci chiamano dalle strade come quelle di Ace Gallery e Artists Republic 4 Tomorrow. Vediamo l’assurdità dell’agrodolce di artisti come quelli che si trovano a La Luz, Sloan Fine Art e Corey Helford.

Tutte queste gallerie ad un certo punto hanno o mostrano tutte queste varietà di artisti. I concetti, le tecniche, i messaggi e gli stili all’interno di Littletopia sono diversi e in continua evoluzione come qualsiasi altra comunità all’interno della società. L’essenza stessa dell’arte lowbrow è scavare ancora più a fondo nel sottosuolo per ricalibrare costantemente la frequenza sociale dall’essere statica. È questa originalità e diversità che unisce la comunità di Littletopia.

Red Truck Gallery – Uno dei primi oggetti che potrebbe aver attirato la tua attenzione alla Red Truck Gallery è stato il lampadario tentacolare creato dall’artista/fotografo di Philadelphia, Adam Wallacavage. Adam si è formato nell’arte dell’intonaco ornamentale tradizionale, ma non ha seguito un percorso tradizionale. Le ipnotizzanti creature delle acque profonde hanno nuotato nella sua immaginazione e lo hanno ispirato a creare i lampadari a forma di polpo per cui è diventato così famoso. Le creature di porcellana di Adam hanno illuminato gli spazi delle gallerie di tutto il mondo da San Paolo a New York e hanno abbellito le pagine di riviste come TIME.

Adam Wallacavage – Oltre a questa fissazione acquatica, trovi un’altra oscura ossessione: l’occulto. Contro una parete c’è l’opera d’arte di Bryan Cunningham, ispirata alla pratica degli hoodoo del sud. Chiunque abbia aggiustato una candela, realizzato un vasetto di miele o portato una borsa mojo riconoscerebbe l’ispirazione dei dipinti di Bryan. La spiritualità afroamericana del sud è una fusione di varie tradizioni africane: l’hoodoo è una delle tradizioni spirituali comunemente ancora praticate negli Stati Uniti. Nel lavoro di Bryan questa cultura del sud, unica in America, è raffigurata sui dipinti rustici ma vibranti che hanno una parvenza con l’opera d’arte originale utilizzata sulle bottiglie vendute nelle farmacie hoodoo.

Bryan Cunningham – Lungo il muro ci sono i dipinti di Evan B. Harris, che a volte durante la mostra ha lavorato sulla sua arte. Evan è un pittore, designer di mobili e artigiano a tutto tondo. In una discussione mi ha spiegato come stava antiquando uno dei suoi quadri che dopo qualche tempo riprende una delle sue opere più vecchie e apporta modifiche. Per lui un’opera d’arte non è mai finita, o meglio, ha sempre il potenziale per trasformarsi. Mentre passa a nuove esperienze, occasionalmente vede qualcosa di nuovo in un’opera più vecchia e la porta avanti nella sua stessa evoluzione.

Evan B. Harris – Accanto al lavoro di Evan c’era la fotografia di Ransom & Mitchell. Un tema da circo molto oscuro, la fotografia che ricorda i circhi itineranti, i baracconi e il vaudeville. L’intrattenimento alla fine del 1800 e all’inizio del 1900 non era lucidato o filtrato. L’uso di anomalie umane, a volte non proprio anormali ma culturalmente diverse, era l’orrore prima che il grande schermo perseguitasse ogni piccola città e villaggio. L’oscurità dei fatti è più strana della finzione prevalente nelle opere di Ransom & Mitchell nella loro serie Rough and Ready Sideshow.

Nuovi progetti Eye-ACCD – Una delle grandi cose che Littletopia ha offerto alla comunità artistica è stata l’opportunità per i recenti Alumni dell’Art Center College of Design di Pasadena per i nuovi progetti Eye-ACCD di mostrare il loro lavoro. L’opportunità non era solo quella di offrire ai giovani artisti una piattaforma per mostrare il loro lavoro, ma anche di coinvolgere il pubblico, acquisire esperienza discutendo il loro lavoro, rispondere alle domande e sentirsi a proprio agio nel vedere masse di persone riconoscere o criticare il loro lavoro. Ma non sono stati solo gettati in pasto ai lupi. Avevano il loro professore che li incoraggiava e trasmetteva la sua saggezza per coinvolgere le onde di emozioni e pensieri che un artista sperimenta quando si confronta con… il pubblico.

Fifty24mx – Questa è una galleria con sede a Città del Messico con Ericailcane, Saner, Miss Van, Mariana Magdaleno, Victor Castillo, Carl Cashman, Yoh Nagao, Ciler, Fidia Falaschetti e Meredith Dittmar. Il LA Art Show ha portato una comunità internazionale e Littletopia ha anche fornito una piattaforma per gli artisti contemporanei internazionali per rappresentare le loro culture. Fifty24MX promuove artisti di vari paesi, ma principalmente promuovono gli artisti contemporanei del Messico che stanno incanalando l’essenza della tradizione messicana in un’incarnazione moderna per una nuova generazione.

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Ciler – La distorsione delle immagini trovate da Ciler sembra essere un mix di street art e manipolazioni fotografiche di Andy Warhol. Sono corrotti, eppure attraenti. I colori sono luminosi, non scuri, come per evocare l’eccitazione nel deterioramento, non la miseria. C’è un rilascio affascinante di energia che si trova nella dissipazione. La maggior parte di noi può relazionarsi con questo dalla nostra giovinezza. Quanti di noi si sono lasciati andare mentre i nostri vent’anni si dissolvevano intorno alla nostra depravazione. C’è qualcosa di sexy nell’esperienza dell’ingenuità, motivo per cui i giovani sono presi di mira dalle industrie aziendali.

Queste sculture erano originariamente prima della Galleria Copro, ma poiché attiravano una folla così numerosa, desiderosa di scattare foto, i pezzi sono stati spostati appena fuori dal blocco di Littletopia per evitare che la navata centrale fosse congestionata. Non sorprende che le sculture dei due artisti più riconosciuti di tutti i tempi siano così popolari, con altri artisti e fan del loro lavoro. Ad oggi, il loro lavoro è ancora ammirato. Pensa quanto è bello questo look nella tua galleria d’arte o sopra il tuo caminetto? Essere in grado di vedere sculture come questa può garantire che i loro nomi continuino a vivere negli anni a venire.

Spoke Art – Questa galleria gemella di Hashimoto Contemporary presentava il lavoro di Casey Weldon, Caia Koopman e un pezzo di debutto del dio dei poster rock, Chuck Sperry, Maia. I suoi poster art nouveau psichedelici hanno la qualità unica di congelare il movimento dei suoi soggetti per iniziare a far girare il mondo. Mi ricorda la scena del cucchiaio in Matrix. Non è il poster di Chuck Sperry che si piega, è la tua mente che si piega.

Chuck Sperry – Caia Koopman, nativa della California, ha uno stile pittorico inconfondibile che abbraccia i margini delle strade della West Coast. Ogni Frankenstein ha bisogno della sua sposa e le opere di Caia mostrano un lato oscuro e streetwise della mistica femminile. Fortemente ispirata alle sottoculture californiane del tatuaggio, del surf e dello skateboard, la sua arte dipinge un’immagine della nostra generazione che trova un posto immobile nel caos. Le generazioni future guardano indietro ai nostri tempi e fanno riferimento a opere colorate come quelle di Caia per comprendere la nostra coscienza spirituale urbana contemporanea.

Thinkspace – Thinkspace ha offerto un trattamento speciale perfetto per il film Big Eyes, uscito di recente, mostrando un dipinto di Margaret Keane. L’assalto infame di David alla cultura popolare è sia umoristico che assurdo. La famigerata coppia di primedonne è deformata in un succoso ego nel dipinto che ritrae il recente controverso servizio fotografico di Kim in posa nuda. In un altro dipinto David interpreta la mitologia abbastanza moderna di Alice nel Paese delle Meraviglie, esponendo la storia dei bambini a tutta la corruzione dell’innocenza che è gravida nel suo significato. Alice nel Paese delle Meraviglie è abbastanza appropriato poiché in molti dei suoi dipinti David illustra un’avventura nel caos. Il commento apocalittico sociale è ricco di icone di celebrità, riferimenti a film, droghe e molti altri oppiacei per le masse.

Hashimoto Contemporary – Hashimoto Contemporary che ha presentato opere di John Wentz, Jessica Hess ed Erik Jones. Il dipinto di John Wentz, Totem, è un po’ difficile da perdere. Non solo è il dipinto più grande in mostra, è anche il più scuro nel colore e apparentemente nel contenuto. Con gli occhi chiusi, la bocca cancellata dalla vernice rosso brunastra che è anche imbrattata sulla sua forma gentile, sembra che l’intero dipinto sia stato contuso. Eppure ai bordi c’è una luce di colore pallido, che mostra che questo rosso non è lo stato originale dell’atmosfera ma è soggetto alla condizione della donna.

Erik Jones – Anche un nuovo dipinto di Erik Jones è stato presentato per la mostra d’arte. Nel dipinto un’aura di ampi tratti geometrici crea un movimento impetuoso attorno a un teschio urlante, come se l’emozione di questo scheletro senza vita uscisse dalla sua mascella in vibrazioni invisibili all’occhio, manifestate solo dal pennello di Erik. E come molti dei dipinti di Erik, il soggetto centrale, che sia una donna o un teschio, è incompiuto per quanto riguarda il loro corpo. I tratti colorati servono quasi come un corpo etereo che si trasforma dentro o fuori la forma fisica. La rappresentazione realistica della forma umana ostruita da scontri di colore è la rappresentazione di Erik di identità polarizzate: l’equilibrio, o meglio ancora, il compromesso tra spirito e sé, mente e corpo, forma e immaginazione.

Copro Gallery – Copro ci ha portato le sculture di Andy Warhol e Dali di Kazuhiro. Hanno anche presentato Chet Zar, Odd Nerdrum, Chris Mars, Tokyo Jesus e Jim Mckenzie, i quali, tranne Odd Nerdrum, presentano pezzi nella prossima mostra Conjoined V di Copro. L’oscurità è ereditata nell’arte. Dai un’occhiata più da vicino alla storia dei movimenti artistici e scopri come il lato oscuro ha prevalso nel crepuscolo della trasformazione. È durante questo periodo di transizione che temiamo i “mostri” del cambiamento, ma una volta che ci siamo abituati a cambiare sono proprio quei mostri che ridefiniamo come standard di bellezza.

La Copro Gallery mostra i mostri nelle rappresentazioni grottesche di artisti come Chet Zar e Tokyo Jesus, eppure questi pezzi sono ben eseguiti. Sono belle arti. Non sono mostri per l’amor dei mostri. C’è una filosofia dietro ogni pezzo. C’è l’intenzione che l’artista ha investito nell’opera. Dobbiamo chiederci se l’artista intendesse scioccarci, o se l’artista abbia trasformato la propria oscurità in un’opera d’arte per rivelarci l’alchimia dell’emancipazione psicologica attraverso l’espressione creativa.

Sloan Fine Art – Di proprietà e curata da Alix Sloan, la galleria esponeva le opere di Jessicka Addams, Brad Woodfin, Elizabeth McGrath, Jonathan Viner, Eric Finzi, Susan Siegel e Casey Weldon. Tra l’ex cantante di Jack Off Jill e Scarling, Jessicka Addams, e il famigerato Bloodbath McGrath, la facciata dell’innocenza che si nasconde dietro pastelli, simpatici animali e ragazze non è altro che togliere il costume da pecora al lupo. Anche Susan Siegel gioca sull’assurdità delle apparenze dipingendo la classe borghese come maiali infilati in sete vittoriane. L’opera di Jessicka non è tanto la rivelazione dell’illusione quanto la liberazione dell’assoluzione.

Jessicka Addams – La mostra di Sloan si è espansa al di fuori del perimetro principale di Littletopia per ospitare le sculture/dipinti di Mike Stilkey. Mike usa i dorsi dei libri impilati come sua tela in diverse opere in mostra alla mostra d’arte. Non solo era creativo in quanto si poteva smontare il dipinto libro per libro, ma anche come disponeva la pila come uno scultore. Onestamente posso dire che nello scolpire con i libri usati, Mike Stilkey è il maestro.

Antena Estudio – Antena Estudio, come Fifty24MX, lavora per rappresentare le opere progressive di artisti messicani contemporanei con tecniche e forme artistiche tradizionali che contraddistinguono la bellezza della cultura messicana. La galleria presentava opere molto sorprendenti di Gregorio Barrio che ha creato una serie di teschi di perline, sostenendo l’intenzione della galleria di presentare opere che abbracciano l’arte popolare tradizionale Huichol e l’arte contemporanea. Un altro pezzo presentato dalla galleria è stato “Cuernavaca”, di Andres Basurto.

Andres ha una serie di sculture di teschi a mosaico create da bottiglie di vino e birra in vetro rotto e stucco di resina. La relazione di una bottiglia di birra o di vino con un contenitore di uno spirito alcolico è abbastanza appropriata per il suo uso per il vetro come contenitore per lo spirito umano. E quello che vediamo è un pezzo delicato che dipende dalla posizione della scultura che determina come la luce è stata riflessa dal teschio. Poiché i nostri corpi sono altrettanto delicati e altrettanto dipendenti da come ci collochiamo per determinare come riflettiamo la luce o proiettiamo un’ombra.

Galleria Roq La Rue – La galleria con sede a Seattle Roq La Rue ha esposto le opere di Travis Louie, Chris Berens, Peter Furguson, Chie Yoshi, Jeff Jacobson, Femke Hiemstra e Sail. I quadri di Chris Berens hanno questo effetto di muoversi verso di te, o è forse la sensazione di entrare nel quadro? Ancor prima di cogliere i molteplici soggetti integrati nell’opera il concetto viene emotivamente sentito attraverso il disordine dell’etere nebuloso evidenziato da macchie di luce. L’atmosfera torbida è un mistero che si svela.

La Luz de Jesus – La Luz de Jesus di Hollywood ha portato la sua famosa esperienza di corridoio mettendo in mostra il lavoro di Charles Binger, Harold Fox, Scott Hove, Hudson Marquez, Annie Murphy-Robinson e José Rodolfo Loaiza Ontiveros. Christine Wu, Shaun Berke, Dave Lebow e Patrick V. McGrath Muñiz. L’arco della torta Scott Hove è stata la ciliegina sulla torta Littletopia, che ha enfatizzato il tema congruente del contrasto tra agrodolce incorporando finestre del paradiso e dell’inferno nell’arco.

Dopo essere entrati nel gateway ufficiale della torta di Littletopia e aver guardato a destra, troverai un’altra creazione demoniaca di Scott Hove nella parte anteriore dello stand di La Luz: Ride the Demon Slayer. Ride the Demon Slayer è un gioioso animale meccanico per bambini completamente funzionale e completamente equipaggiato con una sella a punta che lo rende non così facile da usare. Eppure la vernice viola lucida e il portamonete tempestato di gemme hanno suscitato risate nervose da un pubblico che si è abituato alla giocosità oscura di Scott Hove, rendendosi conto che il suo lavoro ha provocato la contemplazione del proprio lato oscuro mentre si rendevano conto.

Un altro artista degno di nota presentato da La Luz è stato Damien Echols, che ha esposto due pezzi, Talisman of Success e Talisman of the Archangel Gabriel. Damien è stato condannato a morte nel 1994 per l’accusa di un crimine che non ha commesso e ha trascorso circa diciotto anni in prigione. Racconta la sua storia nel suo libro di memorie nel bestseller del New York Times, Life After Death. Quello che racconta nelle sue opere è un’altra finestra nella sua anima. Tali talismani sono usati nei rituali per la magia cerimoniale. Sono simboli infusi con il potere dell’intenzione investito dal creatore, il che mi dice che nonostante le difficoltà Damien Echols ha trascorso il suo tempo in prigione sviluppando una profonda vita interiore e la comprensione della sua volontà.La storia parla di una persona ingiustamente condannata e che trascorre quasi diciotto anni della propria vita in prigione per sviluppare la saggezza spirituale e liberarsi nella mente.

Ace Gallery – Dietro l’angolo di La Luz c’era uno stand di Ace Gallery. Questo stand era uno dei tre che la Ace Gallery aveva al LA Art Show, ognuno di dimensioni variabili. Il loro stand a Littletopia ha esposto le opere di The Date Farmers, una collaborazione tra Armando Lerma e Carlos Ramirez. Paragonabili alla rappresentazione della cultura del sud americano della Red Truck Gallery, i Date Farmers mostrano la rustica cultura di strada messicano-americana del sud-ovest. Il sogno americano è stato un’esperienza diversa per molte classi di cittadini americani e i Date Farmers proiettano questa realtà gettandola sui cimeli americani.

Gauntlet Gallery – Portando figure iconiche da Frida Kahlo a Frankestein, Fab Ciraolo le converte in una moderna versione punk. Tuttavia, ci si chiede se questo è un commento che mostra come gli artisti delle generazioni precedenti vengono riciclati nel corso dei decenni, o forse descrive come gli artisti delle generazioni precedenti avrebbero deriso ciò che abbiamo fatto all’arte e alla moda. Gli artisti rinnovati nell’opera di Ciraolo riflettono l’essenza del glam. Il glam non è bello, è ribellione. Colorare all’interno delle righe e interpretare i canoni dell’altro è modaiolo, non glamour. I veri decadenti nel corso della storia hanno fissato degli standard, non li hanno seguiti. Utilizzando artisti come Dalì, Ciraolo unisce riferimenti contemporanei a decadenti storici per ridefinire l’era della decadenza, non è in bianco e nero. Esso’s sfumature di colori che sfumano l’uno sull’altro per evidenziarsi a vicenda.

Artists Republic 4 Tomorrow – Questa galleria della California meridionale ha presentato Zio Ziegler, Dennis McNett, Casey O’Connell, Rich Jacobs, Super Future Kid e Trace Mendoza. Il lavoro di zio Ziegler è caos contenuto fisicamente, ordine disfatto mentalmente. Non c’è inizio né fine per il suo lavoro. Zio lavora sia su tele più piccole che su grandi esterni urbani. I suoi dipinti sono opere espressioniste neo-tribali: tribale è la psiche o forse lo spirito. Siamo tutti nati nella nostra mente e le opere di Zio Ziegler evocano quello spirito arcano transitorio nella nostra moderna effimera.

Corey Helford – Questa galleria di Santa Monica mostra Ciou, D*Face, Eine, Hikari Shimoda, Natalia Fabia, Hush, Nouar, Buff Monster, Soey Milk e So Youn Lee. Sherri, direttrice della galleria, mi ha presentato diverse gemme tra cui D*Face e Buff Monster. L’arte di Buff Monster è proprio quello che penseresti che sarebbe: piccoli mostri carini. Vedi un tema di zucchero e spezie nell’arte contemporanea? Gli anni ’80 sono finiti da tempo e gli oscuri demoni demoniaci sono stati sostituiti da mostri ricoperti di zucchero.

D*Face, una sorta di neo-Lichtenstein, cattura le fantasmagorie dei classici cult noiresque attraverso dipinti e street art. Il che solleva un punto. Molte gallerie al LA Art Show potrebbero non riconoscere o approvare l’ascesa degli artisti di strada nelle gallerie d’arte, anche se Andy Warhol e Basquiat sono nei musei. Ma il LA Art Show ha in effetti mostrato un cambiamento di coscienza portando più artisti di strada, anche al di fuori dell’utopia di Littletopia. Le città di tutto il paese stanno assumendo graffiti e artisti di strada per dipingere murales sugli edifici. Quella voce sotterranea è emersa e Corey Helford è in prima linea nella rivoluzione dell’arte a trasmettere quel messaggio.

Funziona su carta
Works on Paper è uno spazio espositivo dedicato alla presentazione di fotografie e altre opere non su tela tradizionale.

Spazio del progetto
Provenienti da tutto il mondo, gli espositori di Project Space mettono in mostra un’ampia gamma di idee e talenti sotto forma di mostre personali, presentate dalle gallerie partecipanti.

Mostre Speciali
Espandendosi oltre i confini degli spazi dello stand, la programmazione in primo piano crea esperienze coinvolgenti per coinvolgere il pubblico attraverso opere d’arte stimolanti, spettacoli e altre mostre offerte dalle gallerie partecipanti, mettendo in evidenza opere di cui si è parlato negli anni a venire.

Tansaekhwa, Corea | Seung Won Suh
Tansaekhwa si riferisce a una pittura monocroma coreana ed è uno dei movimenti artistici più famosi e importanti provenienti dall’Asia del XX secolo. Composta da sedici dipinti, la mostra speciale del Los Angeles Art Show, “Tansaekhwa I” è stata la prima panoramica di questo importante genere. Simultaneity di Seung Won Suh presenta quadrati sovrapposti in ariosi colori pastello che cadono dolcemente su una tela monocromatica. Le geometrie sembrano apparire e scomparire nello spazio, conferendo al pezzo una qualità ritmica.

Rilassa l’ansia mobile | Pasquale Sisto
Relax Mobile Anxiety presenta due proiezioni video che si fronteggiano in una stanza buia. Un flusso infinito di automobili simile a un tunnel passa da uno schermo all’altro, avvicinandosi in bianco e allontanandosi in rosso. Queste immagini opposte e caleidoscopiche creano uno stato sospeso per lo spettatore, né andare né venire, nello spazio intermedio. L’installazione consente al visitatore di sperimentare la tranquillità che potrebbe verificarsi con un’esperienza di guida automatizzata.

Luogo
Il LA Art Show è strategicamente situato nel dinamico epicentro della città, il LA Convention Center è il luogo verde tecnologicamente più avanzato della California meridionale, con soffitti alti e ampi spazi. Con un comodo accesso al famoso LA LIVE!, ai Grammy Awards, al Grammy Museum e a un imponente complesso di intrattenimento che include il Nokia Theatre, la Staples Center Arena, i migliori ristoranti e il Ritz Carlton Hotel and Residences. I mecenati delle arti vanno volentieri a Downtown LA per il meglio della musica classica (Disney Hall), del teatro (Mark Taper e Ahmanson) e dell’arte contemporanea (MOCA, Art District).

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