Avis sur LA Art Show 2015, Californie, États-Unis

Le Los Angeles Art Show est une exposition d’art encyclopédique internationale, l’exposition internationale d’art contemporain la plus complète en Amérique. La 20e édition du LA Art Show, du 14 au 18 janvier 2015 au Los Angeles Convention Center, en tant que plate-forme la plus grande et la plus ancienne pour les beaux-arts modernes, contemporains, historiques et traditionnels, réunissant plus de 120 galeries représentant 22 pays, exposant peinture, sculpture, œuvres sur papier, installations, photographie, design, vidéo & performance.

Le LA Art Show est devenu la plate-forme artistique la plus diversifiée du monde occidental, rassemblant les plus grands groupes de galeries coréennes, chinoises et japonaises en dehors de l’Asie. Le LA Art Show a activement développé son offre de galeries internationales pour offrir aux collectionneurs une occasion unique de repérer les tendances internationales et l’air du temps à travers l’art, un médium qui a la capacité de transcender le langage. Le spectacle comprend deux sections distinctes: la section moderne et contemporaine et la section contemporaine historique et traditionnelle.

Célébrant son vingtième anniversaire, le salon est passé d’un petit événement régional à l’une des plates-formes d’art les plus importantes et les plus anciennes. Le spectacle de cette année présentait un large éventail de genres artistiques, des beaux-arts aux arts de la rue et aux graffitis. Expositions spéciales axées sur le travail international, mettant en valeur l’art contemporain chinois, japonais et coréen.

Leader des tendances artistiques mondiales, le LA Art Show a toujours été un terrain de prédilection pour les artistes établis. Trois tendances majeures tout au long de l’exposition étaient l’utilisation de couleurs monochromatiques, l’expérimentation d’une variété de médias et de matériaux pour générer de la texture, et des œuvres qui incorporent l’illusion du mouvement.

En plus de voir les plus belles œuvres exposées, l’admission à l’exposition comprend également la possibilité de profiter des stimulants Dialogs LA, des expositions spéciales, des installations et des performances, mettant en vedette des artistes, des conservateurs, des critiques et des professionnels de l’art de renommée internationale.

Plus de 180 000 pieds carrés d’espace d’exposition sont consacrés aux galeries éminentes d’aujourd’hui. Ces galeries nationales et internationales, au-delà de leurs stands, organisent des expositions spéciales qui sont à l’avant-garde du mouvement d’art contemporain en plein essor. Le salon propose un éventail extraordinaire d’œuvres et d’expériences dans des sections spécialisées.

LA Art Show 2015
Los Angeles est devenue un épicentre mondial de l’art et de la culture, avec une influence multiculturelle distincte et imbriquée unique à la ville. La diversité est notre force et l’art a le plus d’impact lorsqu’il inclut ou transcende toutes les frontières. Alors que LA devient la destination de classe mondiale pour l’art, le LA Art Show continue de montrer la voie avec une programmation innovante et des expériences uniques pour un public de collectionneurs en pleine expansion.

LA Art show est l’expérience artistique internationale sans précédent. Dans le salon 2015, l’exposition a affiné son objectif en créant une foire fraîchement organisée offrant aux visiteurs et aux collectionneurs une nouvelle expérience artistique hébergée consacrée à l’art moderne et contemporain. L’exposition continue d’évoluer dans une direction nouvelle et passionnante reflétant la façon dont LA fait sa marque en tant que destination de classe mondiale croissante pour l’art.

Ces dernières années, le LA Art Show est devenu la plate-forme artistique la plus diversifiée du monde occidental, rassemblant les plus grands regroupements de galeries coréennes, chinoises et japonaises en dehors de l’Asie. Il y en a pour tous les goûts, de la peinture contemporaine aux techniques mixtes en passant par les œuvres traditionnelles et figuratives. Cette foire d’art diversifiée et passionnante est conçue pour le vrai collectionneur, présentant de nombreux genres et styles artistiques pour capturer l’essence du marché de l’art en constante évolution.

Le salon se concentre sur l’Amérique latine et le Pacifique. L’événement présente un éventail d’œuvres d’art allant du contemporain et du moderne au classique et à d’autres scènes d’art spécialisées qui commandent souvent leurs propres spectacles dédiés. Des présentations rayonnantes sont animées par une variété de galeries qui font de la sphère artistique de Los Angeles un espace d’expression totalement accessible. La tradition et le prestige de LA Art Show sont déjà pleinement consolidés dans la ville et ses environs, ce qui en fait l’une des principales foires d’art contemporain américaines.

Le LA Art Show assume son rôle de foire d’art prééminente de la région et apparaît comme la célébration civique annuelle des arts visuels. L’enthousiasme sans précédent qui a entouré a dépassé toutes les attentes et encourage notre équipe à approfondir notre liste de galeries et à poursuivre une nouvelle programmation artistique passionnante. Alors que Los Angeles s’impose comme l’avant-garde de la scène artistique mondiale, notre capacité à nous adapter et à évoluer pour répondre aux tendances actuelles du marché de l’art est vitale. L’évolution du rôle de la foire d’art en tant que pivot du commerce de l’art, reliant les galeries, les artistes, les conservateurs et les collectionneurs.

Points forts

Moderne + Contemporain
La plus grande section de programmation du LA Art Show, Modern + Contemporary, présente le vaste éventail de peintures, d’illustrations, de sculptures et plus encore de galeries de Los Angeles, du Pacific Rim et de pays du monde entier.

Athier Mousawi – Athier Mousawi est un artiste visuel britannique irakien dont le travail de ces dernières années s’est concentré sur la formation d’un récit visuel entre les deux concepts contradictoires. Cosmic Fluid I affiche un assemblage de sections qui sont séparées et réassemblées simultanément. La pièce représente une sorte de mouvement cinétique, fusionnant à la fois des structures géométriques et fluides et formant une entité désordonnée mais harmonieuse.

Peter Alexander – Peter Alexander, membre du mouvement artistique Light and Space du sud de la Californie, est surtout connu pour son travail avec des sculptures en résine coulée et en résine polyuréthane. Avec 3 Black Blue Bars, Peter explore les questions de transparence, de répétition et d’optique de couleur monochromatique. Du point de vue des téléspectateurs, les 3 barres élancées ont également l’illusion d’être floues contre le mur blanc immaculé.

Ruth Weisberg – Les lithographies dramatiques et oniriques de Ruth Weisberg ainsi que ses dessins et peintures en techniques mixtes résonnent avec le sens du temps qui passe. Ses stratégies distinctives d’utilisation de différents médias ajoutent une touche de tactilité à chaque pièce. Comme on le voit dans Threshold, le dessin reste le fondement de son travail, utilisé à une échelle intime et monumentale.

Andrew Myers – Andrew Myers crée des pièces uniques et réalistes à l’aide de milliers de vis. Cette série de portraits met l’accent sur l’interaction et le contraste entre la lumière et l’ombre, créant une illusion dynamique en trois dimensions. Chaque vis est placée manuellement (à différentes longueurs) et peinte, traitant ainsi chaque pièce comme une sculpture traditionnelle.

Littletopie
Le LA Art Show s’est associé à des galeries et à des organisations à but non lucratif pour présenter de nouvelles performances artistiques audacieuses et a continué à étendre les sections Littletopia et Street Art à la fois à la foire et lors d’événements hors site pour faciliter le réseautage des marchands et des collectionneurs et créer un sentiment d’immédiateté.

Le LA Art Show est un labyrinthe maniaque de stimuli visuels, de sections dispersées de représentations internationales et de distractions séduisantes. C’est une surcharge sensorielle. Au cœur du LA Art Show se trouve un noyau collectif de galeries contemporaines qui forment une communauté d’art surréaliste lowbrow et pop dans une section d’angle connue sous le nom de Littletopia. Et au cœur de Littletopia se trouve la Red Truck Gallery.

Les points forts de l’exposition comprennent des œuvres d’artistes bien connus comme Baldessari, Ruscha et Picasso, mais la plupart des œuvres exposées sont d’inconnus. En mettant l’accent sur l’art historique, moderne et contemporain, le spectacle n’a presque aucun objectif. LA Art Show est la foire d’art la plus éclectique, la foire d’art la plus éclectique au monde qui établit une haute qualité. Ce spectacle est vraiment une question d’avoir un large spectre, ce n’est pas une question de quantité, c’est une question de qualité.

Littletopia est un dialogue entre tradition et expression contemporaine comme avec les artistes de Red Truck Gallery, Antena Estudio et Fifty24MX. On voit la corruption des icônes populaires comme chez les artistes de la Gauntlet Gallery et de Thinkspace. Le désordre poli des beaux-arts comme chez les artistes de Spoke Art, Hashimoto Contemporary et Roq La Rue. Des artistes nous interpellent depuis les rues comme celles d’Ace Gallery et Artists Republic 4 Tomorrow. Nous voyons l’absurdité du sucré-salé d’artistes tels que ceux trouvés à La Luz, Sloan Fine Art et Corey Helford.

Toutes ces galeries à un moment donné ont ou montrent toutes ces variétés d’artistes. Les concepts, les techniques, les messages et les styles au sein de Littletopia sont aussi divers et en constante évolution que toute autre communauté au sein de la société. L’essence même de l’art lowbrow est de creuser encore plus profondément dans le sous-sol afin de constamment recalibrer la fréquence sociale pour qu’elle ne devienne pas statique. C’est cette originalité et cette diversité qui rassemblent la communauté Littletopia.

Red Truck Gallery – L’un des premiers objets qui ont pu attirer votre attention à la Red Truck Gallery était le lustre tentacule créé par l’artiste/photographe basé à Philadelphie, Adam Wallacavage. Adam s’est formé à l’art du plâtrage ornemental traditionnel mais n’a pas emprunté une voie traditionnelle. Les créatures envoûtantes des eaux profondes ont nagé dans son imagination et l’ont inspiré pour créer les lustres en pieuvre pour lesquels il est devenu si célèbre. Les créatures en porcelaine d’Adam ont illuminé les espaces de galeries du monde entier de San Paolo à New York et ont honoré les pages de magazines tels que TIME.

Adam Wallacavage – Au-delà de cette fixation aquatique, vous trouvez une autre obsession sombre – l’occulte. Contre un mur se trouve l’œuvre de Bryan Cunningham, inspirée de la pratique du hoodoo du Sud. Quiconque a réparé une bougie, fabriqué un pot de miel ou porté un sac mojo reconnaîtrait l’inspiration des peintures de Bryan. La spiritualité sud-africaine est un amalgame de diverses traditions africaines, le hoodoo étant l’une des traditions spirituelles couramment encore pratiquées aux États-Unis. Dans le travail de Bryan, cette culture du Sud, unique en Amérique, est représentée sur les peintures rustiques et pourtant vibrantes qui ressemblent aux œuvres d’art originales utilisées sur les bouteilles vendues chez les apothicaires hoodoo.

Bryan Cunningham – Le long du mur se déplacent les peintures d’Evan B. Harris, qui a parfois travaillé sur son art tout au long de l’exposition. Evan est peintre, designer de meubles et artisan polyvalent. Au cours d’une discussion, il m’a expliqué, alors qu’il vieillissait l’une de ses propres peintures, qu’après un certain temps, il récupère une de ses œuvres plus anciennes et y apporte des modifications. Pour lui, une œuvre d’art n’est jamais terminée, ou plutôt, qu’elle a toujours le potentiel de transformer. Au fur et à mesure qu’il passe à de nouvelles expériences, il voit parfois quelque chose de nouveau dans une œuvre plus ancienne et l’avance dans sa propre évolution.

Evan B. Harris – A côté du travail d’Evan se trouvait la photographie de Ransom & Mitchell. Un thème de cirque très sombre, la photographie rappelle les cirques ambulants, les spectacles et le vaudeville. Les divertissements de la fin des années 1800 et du début des années 1900 n’étaient ni raffinés ni filtrés. L’utilisation d’anomalies humaines, parfois pas réellement anormales mais culturellement différentes, était l’horreur avant que le grand écran ne hante chaque petite ville et village. L’obscurité des faits est plus étrange que la fiction est répandue dans les œuvres de Ransom & Mitchell dans leur série Rough and Ready Sideshow.

Nouveaux projets Eye-ACCD – L’une des grandes choses que Littletopia a offert à la communauté artistique a été l’opportunité pour les récents anciens élèves de l’Art Center College of Design de Pasadena pour les nouveaux projets Eye-ACCD de présenter leur travail. L’opportunité n’était pas seulement de donner une plate-forme aux jeunes artistes pour présenter leur travail, mais pour eux d’engager le public, d’acquérir de l’expérience en discutant de leur travail, de répondre aux questions et de se sentir à l’aise de voir des masses de personnes reconnaître ou critiquer leur travail. Mais ils n’ont pas été simplement jetés aux loups. Leur professeur les a encouragés et leur a transmis sa sagesse pour engager les vagues d’émotions et de pensées qu’un artiste éprouve lorsqu’il est confronté… au public.

Fifty24mx – Il s’agit d’une galerie basée à Mexico avec Ericailcane, Saner, Miss Van, Mariana Magdaleno, Victor Castillo, Carl Cashman, Yoh Nagao, Ciler, Fidia Falaschetti et Meredith Dittmar. Le LA Art Show a attiré une communauté internationale et Littletopia a également fourni une plate-forme aux artistes contemporains internationaux pour représenter leurs cultures. Fifty24MX promeut des artistes de divers pays, mais ils promeut principalement les artistes contemporains du Mexique qui canalisent l’essence de la tradition mexicaine dans une incarnation moderne pour une nouvelle génération.

Ciler – La distorsion des images trouvées par Ciler semble être un mélange d’art de rue et de manipulations de photos d’Andy Warhol. Ils sont corrompus, et pourtant attrayants. Les couleurs sont vives, pas sombres, comme pour évoquer l’excitation de la détérioration, pas la misère. Il y a une libération glamour d’énergie trouvée dans la dissipation. La plupart d’entre nous peuvent s’identifier à cela depuis notre jeunesse. Combien d’entre nous se sont adonnés pendant que nos vingt ans se dissolvaient autour de notre dépravation. Il y a quelque chose de sexy dans l’expérience de la naïveté, c’est pourquoi les jeunes sont ciblés par les entreprises.

Ces sculptures étaient à l’origine devant la galerie Copro, mais comme elles attiraient une foule si nombreuse et désireuse de prendre des photos, les pièces ont été déplacées juste à l’extérieur du bloc Littletopia pour éviter que l’allée centrale ne soit encombrée. Il n’est pas surprenant que les sculptures des deux artistes les plus reconnus de tous les temps soient si populaires, auprès d’autres artistes et fans de leur travail. À ce jour, leur travail est toujours admiré. Pensez à quel point ce look est beau dans votre propre galerie d’art ou au-dessus de votre cheminée ? Pouvoir voir des sculptures comme celle-ci peut s’assurer que leurs noms continuent de vivre pendant des années à venir.

Spoke Art – Cette galerie sœur de Hashimoto Contemporary présentait le travail de Casey Weldon, Caia Koopman et une première pièce du dieu de l’affiche rock, Chuck Sperry, Maia. Ses affiches psychédéliques art nouveau ont la qualité unique de figer le mouvement de ses sujets afin de commencer à faire tourner votre monde. Cela me rappelle la scène de la cuillère dans Matrix. Ce n’est pas l’affiche de Chuck Sperry qui se penche, c’est votre esprit qui se penche.

Chuck Sperry – Caia Koopman, originaire de Californie, a un style de peinture caractéristique qui embrasse un bord de rue de la côte ouest. Chaque Frankenstein a besoin de son épouse et les œuvres de Caia montrent à la fois un côté sombre et streetwise de la mystique féminine. Fortement inspiré par les sous-cultures californiennes du tatouage, du surf et du skateboard, son art brosse un tableau de notre génération trouvant une place immobile dans le chaos. Les générations futures regardent en arrière et font référence à des œuvres colorées comme celle de Caia pour comprendre notre conscience spirituelle urbaine contemporaine.

Thinkspace – Thinkspace a offert un cadeau spécial parfait pour le film récemment sorti Big Eyes en présentant une peinture de Margaret Keane. L’assaut discret de David contre la culture populaire est à la fois humoristique et absurde. Le tristement célèbre couple prima donna est déformé en un seul ego juteux dans la peinture qui dépeint la récente séance photo controversée de Kim posant nue. Dans un autre tableau, David interprète la mythologie assez moderne d’Alice au pays des merveilles, exposant l’histoire des enfants à toute la corruption de l’innocence qui est lourde de sens. Alice au pays des merveilles est tout à fait appropriée car dans plusieurs de ses peintures, David illustre une aventure dans le chaos. Le commentaire social apocalyptique regorge d’icônes de célébrités, de références cinématographiques, de drogues et de nombreux autres opiacés pour les masses.

Hashimoto Contemporary – Hashimoto Contemporary qui a présenté des œuvres de John Wentz, Jessica Hess et Erik Jones. Le tableau de John Wentz, Totem, est assez difficile à manquer. Non seulement c’est le plus grand tableau exposé, mais c’est aussi le plus sombre en couleur et apparemment en contenu. Avec ses yeux fermés, sa bouche effacée par la peinture rouge brunâtre qui est également maculée sur sa forme douce, il semble que toute la peinture ait été meurtrie. Pourtant sur les bords se trouve une lumière de couleur pâle, montrant que ce rouge n’est pas l’état originel de l’atmosphère mais est soumis à la condition de la femme.

Erik Jones – Une nouvelle peinture d’Erik Jones a également été présentée pour l’exposition d’art. Dans le tableau, une aura de larges traits géométriques crée un mouvement précipité autour d’un crâne hurlant, comme si l’émotion de ce squelette sans vie sortait de sa mâchoire en vibrations invisibles à l’œil, ne se manifestant que par le pinceau d’Erik. Et comme beaucoup de tableaux d’Erik, le sujet central, qu’il s’agisse d’une femme ou d’un crâne, est inachevé en ce qui concerne leur corps. Les traits colorés servent presque de corps éthéré se transformant dans ou hors de la forme physique. Les représentations réalistes de la forme humaine obstruée par des conflits de couleurs sont la représentation d’Erik des identités polarisées – l’équilibre, ou mieux encore, le compromis de l’esprit et du moi, de l’esprit et du corps, de la forme et de l’imagination.

Galerie Copro – Copro nous a apporté les sculptures d’Andy Warhol et Dali de Kazuhiro. Ils ont également présenté Chet Zar, Odd Nerdrum, Chris Mars, Tokyo Jesus et Jim Mckenzie, qui, à l’exception d’Odd Nerdrum, présentent des pièces dans la prochaine exposition Conjoined V de Copro. L’obscurité est héritée dans l’art. Regardez de plus près l’histoire des mouvements artistiques et vous découvrirez comment le côté obscur a prévalu au crépuscule de la transformation. C’est pendant cette période de transition que nous craignons les « monstres » du changement, mais une fois que nous nous sommes habitués au changement, ce sont ces mêmes monstres que nous redéfinissons comme le standard de la beauté.

Copro Gallery affiche les monstres dans les rendus grotesques d’artistes tels que Chet Zar et Tokyo Jesus, et pourtant, ces pièces sont bien exécutées. Ce sont des beaux-arts. Ce ne sont pas des monstres pour l’amour des monstres. Il y a une philosophie derrière chaque pièce. Il y a une intention que l’artiste investit dans l’œuvre. Il faut se demander si l’artiste a eu l’intention de nous choquer, ou si l’artiste a transformé sa propre noirceur en une œuvre d’art pour nous révéler l’alchimie de l’émancipation psychologique à travers l’expression créative.

Sloan Fine Art – Détenue et organisée par Alix Sloan, la galerie a présenté les œuvres de Jessicka Addams, Brad Woodfin, Elizabeth McGrath, Jonathan Viner, Eric Finzi, Susan Siegel et Casey Weldon. Entre l’ancienne chanteuse de Jack Off Jill et Scarling, Jessicka Addams, et le tristement célèbre Bloodbath McGrath, la façade de l’innocence qui se cache derrière des pastels, des animaux mignons et des jeunes filles n’est rien de plus que de retirer le costume de mouton du loup. Même Susan Siegel joue sur l’absurdité des apparences en peignant la classe bourgeoise comme des cochons vêtus de soie victorienne. L’œuvre de Jessicka n’est pas tant la révélation de l’illusion que la libération de l’absolution.

Jessicka Addams – L’exposition de Sloan s’est agrandie en dehors du périmètre principal de Littletopia pour accueillir les sculptures/peintures de Mike Stilkey. Mike utilise les dos de livres empilés comme toile dans plusieurs œuvres présentées à l’exposition d’art. Non seulement était-il créatif dans la mesure où l’on pouvait démonter la peinture livre par livre, mais aussi comment il disposait la pile comme un sculpteur. Honnêtement, je peux dire que de la sculpture avec des livres d’occasion, Mike Stilkey est le maître.

Antena Estudio – Antena Estudio, comme Fifty24MX, s’efforce de représenter les œuvres progressistes d’artistes mexicains contemporains avec des techniques et des formes artistiques traditionnelles qui distinguent la beauté de la culture mexicaine. La galerie présentait des œuvres très frappantes de Gregorio Barrio qui a créé une série de crânes perlés, soutenant l’intention de la galerie de présenter des œuvres englobant l’art populaire traditionnel Huichol et l’art contemporain. Une autre pièce présentée par la galerie était « Cuernavaca », d’Andres Basurto.

Andres a une série de sculptures de crânes en mosaïque créées à partir de bouteilles de vin et de bière en verre brisé et de mastic de résine. La relation d’une bouteille de bière ou de vin avec le contenant d’un alcool est tout à fait appropriée à son utilisation pour le verre comme contenant pour l’esprit humain. Et ce que nous voyons est une pièce délicate dépendant de la position de la sculpture qui détermine comment la lumière a été réfléchie par le crâne. Car nos corps sont tout aussi délicats et tout aussi dépendants de la façon dont nous nous situons pour déterminer comment nous réfléchissons la lumière ou projetons une ombre.

Roq La Rue GallerY – La galerie basée à Seattle, Roq La Rue, a présenté les œuvres de Travis Louie, Chris Berens, Peter Furguson, Chie Yoshi, Jeff Jacobson, Femke Hiemstra et Sail. Les tableaux de Chris Berens ont cet effet de déplacement vers vous, ou est-ce peut-être une sensation d’entrer dans le tableau ? Avant même d’appréhender les multiples sujets intégrés à l’œuvre, le concept est ressenti émotionnellement à travers le désarroi d’un éther trouble souligné par des taches de lumière. L’atmosphère trouble est un mystère qui se dévoile.

La Luz de Jesus – La Luz de Jesus d’Hollywood a apporté sa célèbre expérience de couloir en présentant le travail de Charles Binger, Harold Fox, Scott Hove, Hudson Marquez, Annie Murphy-Robinson et José Rodolfo Loaiza Ontiveros. Christine Wu, Shaun Berke, Dave Lebow et Patrick V. McGrath Muñiz. L’arche du gâteau Scott Hove était la cerise sur le gâteau Littletopia, qui soulignait le thème congruent du contraste aigre-doux en incorporant des fenêtres du paradis et de l’enfer dans l’arche.

Après être entré dans la passerelle officielle du gâteau Littletopia et en regardant vers la droite, vous trouverez une autre création démoniaque de Scott Hove à l’avant du stand de La Luz – Ride the Demon Slayer. Ride the Demon Slayer, un manège mécanique pour enfants entièrement classique et fonctionnel, est entièrement équipé d’une selle à pointes qui la rend moins conviviale. Et pourtant, sa couche de peinture violette brillante et sa boîte à monnaie cloutée de pierres précieuses ont suscité des rires nerveux d’un public à l’aise avec l’enjouement sombre de Scott Hove, réalisant que son travail provoquait la contemplation de leur propre côté sombre alors qu’ils le réalisaient.

Un autre artiste remarquable présenté par La Luz était Damien Echols, qui avait deux pièces exposées, Talisman of Success et Talisman of the Archange Gabriel. Damien a été condamné à mort en 1994 pour l’accusation d’un crime qu’il n’a pas commis et a passé environ dix-huit ans en prison. Il raconte son histoire dans ses mémoires dans le best-seller du New York Times, Life After Death. Ce qu’il raconte dans son œuvre est une autre fenêtre sur son âme. De tels talismans sont utilisés dans les rituels de magie cérémonielle. Ce sont des symboles imprégnés du pouvoir d’intention investi par le créateur, qui me dit que malgré les épreuves Damien Echols a passé son temps en prison à développer une vie intérieure profonde et une compréhension de sa volonté.L’histoire est celle d’une personne condamnée à tort et qui passe près de dix-huit ans de sa vie en prison pour développer sa sagesse spirituelle et se libérer dans son esprit.

Ace Gallery – Au coin de La Luz se trouvait un stand de Ace Gallery. Ce stand était l’un des trois stands qu’Ace Gallery avait au LA Art Show, chacun variant en taille. Leur stand à Littletopia présentait des œuvres de The Date Farmers, une collaboration entre Armando Lerma et Carlos Ramirez. Comparable à la représentation de la culture du sud de l’Amérique par Red Truck Gallery, les Date Farmers montrent la culture de rue mexicaine-américaine rustique du sud-ouest. Le rêve américain a été une expérience différente pour de nombreuses classes de citoyens américains et les Date Farmers projettent cette réalité en la jetant sur des souvenirs américains.

Gauntlet Gallery – En prenant des figures emblématiques de Frida Kahlo à Frankestein, Fab Ciraolo les convertit en une version punk moderne. Cependant, on se demande s’il s’agit d’un commentaire montrant comment les artistes des générations précédentes sont recyclés au fil des décennies, ou peut-être s’il décrit comment les artistes des générations précédentes se moqueraient de ce que nous avons fait à l’art et à la mode. Les artistes revisités dans le travail de Ciraolo reflètent l’essence du glam. Le glam n’est pas joli, c’est la rébellion. Colorer à l’intérieur des lignes et interpréter les normes d’un autre est à la mode, pas glamour. Les vrais décadents à travers l’histoire ont établi des normes, ils ne les ont pas suivis. En utilisant des artistes comme Dali, Ciraolo unit des références contemporaines à des décadents historiques pour redéfinir l’ère de la décadence, ce n’est pas du noir et blanc. Ce’s teintes de couleurs qui s’estompent les unes sur les autres pour se mettre en valeur les unes les autres.

Artists Republic 4 Tomorrow – Cette galerie du sud de la Californie présentait Zio Ziegler, Dennis McNett, Casey O’Connell, Rich Jacobs, Super Future Kid et Trace Mendoza. L’œuvre de Zio Ziegler est un chaos contenu physiquement, un ordre défait mentalement. Il n’y a ni commencement ni fin à son œuvre. Zio travaille à la fois sur des toiles plus petites et sur des extérieurs urbains plus grands. Ses peintures sont des œuvres expressionnistes néo-tribales, les tribus étant la psyché ou peut-être l’esprit. Nous sommes tous originaires de notre propre esprit et les œuvres de Zio Ziegler évoquent cet esprit arcanique transitoire dans nos éphémères modernes.

Corey Helford – Cette galerie de Santa Monica présente Ciou, D * Face, Eine, Hikari Shimoda, Natalia Fabia, Hush, Nouar, Buff Monster, Soey Milk et So Youn Lee. Sherri, directrice de la galerie, m’a fait découvrir plusieurs pépites dont D*Face et Buff Monster. L’art de Buff Monster est exactement ce que vous pourriez penser que ce serait de mignons petits monstres. Voyez-vous un thème du sucre et des épices dans l’art contemporain ? Les années 80 sont révolues depuis longtemps et les démons macabres sombres ont été remplacés par des monstres enrobés de sucre.

D*Face, sorte de néo-Lichtenstein, capture des fantasmagories classiques cultes noiresque à travers des peintures et du street art. Ce qui soulève un point. De nombreuses galeries du LA Art Show pourraient ne pas reconnaître ou approuver la montée des artistes de rue dans les galeries d’art, même si Andy Warhol et Basquiat sont dans des musées. Mais le LA Art Show a en fait montré un changement de conscience en amenant plus d’artistes de rue, même en dehors de l’utopie Littletopia. Les villes du pays embauchent maintenant des graffeurs et des artistes de rue pour peindre des peintures murales sur les bâtiments. Cette voix underground a fait surface, et Corey Helford est en première ligne de la révolution artistique pour transmettre ce message.

Travaux sur papier
Works on Paper est un espace d’exposition dédié à la présentation de photographies et d’autres œuvres qui ne sont pas sur toile traditionnelle.

Espace de projet
Venus du monde entier, les exposants de Project Space présentent un large éventail d’idées et de talents sous la forme d’expositions individuelles, présentées par les galeries participantes.

Expositions spéciales
S’étendant au-delà des limites des stands, la programmation en vedette crée des expériences immersives pour engager le public à travers des œuvres d’art, des performances et d’autres expositions stimulantes proposées par les galeries participantes, mettant en évidence des œuvres dont on a parlé pendant des années.

Tansaekhwa, Corée | Seung Won Suh
Tansaekhwa fait référence à une peinture monochrome coréenne et est l’un des mouvements artistiques les plus célèbres et les plus importants originaires de l’Asie du XXe siècle. Composée de seize peintures, l’exposition spéciale du LA Art Show, « Tansaekhwa I » était le premier aperçu de ce genre important. La simultanéité de Seung Won Suh présente des carrés superposés dans des couleurs pastel aérées tombant doucement sur une toile monochrome. Les géométries semblent apparaître et disparaître dans l’espace, donnant à la pièce une qualité rythmique.

Relax Mobile Anxiété | Pascual Sisto
Relax Mobile Anxiety propose deux projections vidéo qui se font face dans une pièce sombre. Un flux d’automobiles sans fin, semblable à un tunnel, passe d’un écran à l’autre, s’approchant en blanc et s’éloignant en rouge. Ces images opposées et kaléidoscopiques créent un état suspendu pour le spectateur, sans aller ni retour, dans l’espace intermédiaire. L’installation permet au visiteur de faire l’expérience de la tranquillité qui pourrait résulter d’une expérience de conduite automatisée.

Lieu
Le LA Art Show est stratégiquement situé à l’épicentre dynamique de la ville, le LA Convention Center est le lieu vert le plus avancé technologiquement du sud de la Californie, avec des plafonds hauts et un grand espace. Avec un accès pratique au célèbre LA LIVE !, aux Grammy Awards, au Grammy Museum et à un impressionnant complexe de divertissement qui comprend le Nokia Theatre, le Staples Center Arena, les meilleurs restaurants et le Ritz Carlton Hotel and Residences. Les mécènes des arts se rendent volontiers au centre-ville de LA pour le meilleur de la musique classique (Disney Hall), du théâtre (Mark Taper et Ahmanson) et de l’art contemporain (MOCA, Art District).