Rezension zur LA Art Show 2015, Kalifornien, USA

Die Los Angeles Art Show ist eine internationale enzyklopädische Kunstausstellung, die umfassendste internationale Ausstellung für zeitgenössische Kunst in Amerika. Die 20. jährliche LA Art Show, die vom 14. bis 18. Januar 2015 im Los Angeles Convention Center stattfindet, als größte und am längsten laufende Plattform für moderne, zeitgenössische, historische und traditionelle bildende Kunst mit mehr als 120 Galerien aus 22 Ländern, Ausstellung von Malerei, Skulptur, Arbeiten auf Papier, Installation, Fotografie, Design, Video & Performance.

Die LA Art Show hat sich zur international vielfältigsten Kunstplattform der westlichen Welt entwickelt und bringt die größten Gruppierungen koreanischer, chinesischer und japanischer Galerien außerhalb Asiens zusammen. Die LA Art Show hat ihr internationales Galerieangebot aktiv weiterentwickelt, um Sammlern eine einzigartige Gelegenheit zu bieten, internationale Trends und Zeitgeist durch Kunst zu erkennen, ein Medium, das die Fähigkeit hat, Sprache zu transzendieren. Die Show besteht aus zwei getrennten Abschnitten: Die Modern & Contemporary Section und die Historic & Traditional Contemporary Section.

Die Ausstellung feiert ihr zwanzigjähriges Jubiläum und hat sich von einer kleinen regionalen Veranstaltung zu einer der größten und am längsten laufenden Plattformen für bildende Kunst gemausert. Die diesjährige Show zeigte eine Vielzahl von künstlerischen Genres, von bildender Kunst über Street Art bis hin zu Graffiti. Sonderausstellungen konzentrierten sich auf internationale Arbeiten und beleuchteten chinesische, japanische und koreanische zeitgenössische Kunst.

Als führende globale Kunsttrends war die LA Art Show stets ein Revier für etablierte Künstler und eine Startrampe für aufstrebende Talente, um zu präsentieren, was in der Kunst jetzt und als nächstes passiert. Drei Haupttrends während der gesamten Ausstellung waren die Verwendung monochromatischer Farben, das Experimentieren mit einer Vielzahl von Medien und Materialien, um Texturen zu erzeugen, und Arbeiten, die die Illusion von Bewegung beinhalten.

Neben der Besichtigung der besten ausgestellten Werke beinhaltet der Eintritt zur Ausstellung auch die Möglichkeit, die anregenden Dialogs LA der Ausstellung, Sonderausstellungen, Installationen und Performances mit international renommierten Künstlern, Kuratoren, Kritikern und Kunstfachleuten zu genießen.

Mehr als 180.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche sind den prominenten Galerien von heute gewidmet. Diese nationalen und internationalen Galerien kuratieren über ihre Stände hinaus Sonderausstellungen, die an der Spitze der aufkeimenden zeitgenössischen Kunstbewegung stehen. Die Messe bietet ein außergewöhnliches Spektrum an Arbeiten und Erlebnissen in spezialisierten Bereichen.

LA Kunstausstellung 2015
Los Angeles hat sich zu einem globalen Epizentrum für Kunst und Kultur entwickelt, mit einem ausgeprägten, verwobenen multikulturellen Einfluss, der einzigartig für die Stadt ist. Vielfalt ist unsere Stärke und Kunst ist am wirkungsvollsten, wenn sie alle Grenzen umfasst oder überschreitet. Während LA zur Weltklasse-Destination für Kunst aufsteigt, ist die LA Art Show weiterhin führend mit innovativen Programmen und einzigartigen Erlebnissen für ein wachsendes Sammlerpublikum.

LA Art Show ist das unvergleichliche internationale Kunsterlebnis. Im Jahr 2015 hat die Ausstellung ihren Fokus verfeinert und eine frisch kuratierte Messe geschaffen, die Besuchern und Sammlern ein neues gehostetes Kunsterlebnis bietet, das sich der modernen und zeitgenössischen Kunst widmet. Die Show entwickelt sich weiter in eine neue und aufregende Richtung, die widerspiegelt, wie LA sich als aufstrebende Weltklasse-Destination für Kunst profiliert.

In den letzten Jahren hat sich die LA Art Show zur international vielfältigsten Kunstplattform der westlichen Welt entwickelt und bringt die größten Gruppierungen koreanischer, chinesischer und japanischer Galerien außerhalb Asiens zusammen. Von zeitgenössischer Malerei über Mixed Media bis hin zu traditionellen und gegenständlichen Werken ist für jeden etwas dabei. Diese vielfältige, aufregende Kunstmesse wurde mit Blick auf den wahren Sammler konzipiert und zeigt viele künstlerische Genres und Stile, um die Essenz des sich ständig weiterentwickelnden Kunstmarktes einzufangen.

Der Messefokus liegt auf Lateinamerika und dem pazifischen Raum. Die Veranstaltung bietet eine Reihe von Kunstszenen von zeitgenössischer und moderner bis hin zu klassischer und anderen spezialisierten Kunstszenen, die oft ihre eigenen Shows haben. Strahlende Präsentationen werden von einer Vielzahl von Galerien zum Leben erweckt, die die künstlerische Sphäre von Los Angeles als vollständig zugänglichen Raum des Ausdrucks formen. Die Tradition und das Prestige der LA Art Show sind in der Stadt und ihrer Umgebung bereits voll konsolidiert und machen sie zu einer der wichtigsten amerikanischen Messen für zeitgenössische Kunst.

Die LA Art Show nimmt ihre Rolle als herausragende Kunstmesse der Region wahr und wird zum jährlichen Bürgerfest der bildenden Kunst. Der rekordbrechende Enthusiasmus übertraf alle Erwartungen und ermutigt unser Team, unsere Galerien zu erweitern und neue aufregende Kunstprogramme zu verfolgen. Da Los Angeles seinen Platz als Vorreiter der globalen Kunstszene einnimmt, ist unsere Fähigkeit zur Anpassung und Weiterentwicklung an die aktuellen Trends des Kunstmarktes von entscheidender Bedeutung. Die sich entwickelnde Rolle der Kunstmesse als Dreh- und Angelpunkt für den Kunsthandel, der Galerien, Künstler, Kuratoren und Sammler verbindet.

Höhepunkte

Modern + Zeitgenössisch
Der größte Programmbereich der LA Art Show, Modern + Contemporary, zeigt das breite Spektrum zeitgenössischer Malerei, Illustration, Skulptur und mehr aus Galerien in Los Angeles, dem pazifischen Raum und Ländern auf der ganzen Welt.

Athier Mousawi – Athier Mousawi ist ein britischer irakischer bildender Künstler, dessen Arbeit sich in den letzten Jahren darauf konzentriert hat, eine visuelle Erzählung zwischen den beiden widersprüchlichen Konzepten zu bilden. Cosmic Fluid I zeigt eine Zusammenstellung von Abschnitten, die gleichzeitig auseinandergezogen und wieder zusammengesetzt werden. Das Stück stellt eine Art kinetische Bewegung dar, die geometrische und fließende Strukturen zu einer unordentlichen, aber harmonischen Einheit verschmilzt.

Peter Alexander – Peter Alexander, ein Mitglied der Licht- und Raumkunstbewegung in Südkalifornien, ist vor allem für seine Arbeit mit Gießharz- und Polyurethanharzskulpturen bekannt. Mit 3 Black Blue Bars untersucht Peter Fragen der Transparenz, Wiederholung und monochromatischen Farboptik. Aus der Sicht des Betrachters haben die 3 schlanken Balken auch die Illusion, unscharf gegen die knallweiße Wand zu sein.

Ruth Weisberg – Ruth Weisbergs dramatische, traumhafte Lithographien und Mixed-Media-Zeichnungen und -Malereien schwingen mit einem Gefühl für den Lauf der Zeit mit. Ihre unverwechselbaren Strategien, unterschiedliche Medien zu verwenden, verleihen jedem Stück eine Haptik. Wie in Threshold zu sehen ist, bleibt die Zeichnung die Grundlage ihrer Arbeit, die in einem intimen und monumentalen Maßstab verwendet wird.

Andrew Myers – Andrew Myers schafft mit Tausenden von Schrauben unverwechselbar einzigartige und realistische Stücke. Diese Porträtserie betont das Wechselspiel und den Kontrast zwischen Licht und Schatten und erzeugt eine dynamische dreidimensionale Illusion. Jede Schraube wird manuell (in unterschiedlichen Längen) platziert und bemalt, wodurch jedes Stück wie eine traditionelle Skulptur behandelt wird.

Littletopia
Die LA Art Show hat sich mit Galerien und gemeinnützigen Organisationen zusammengetan, um mutige neue Kunstaufführungen zu präsentieren und die Bereiche Littletopia und Street Art sowohl auf der Messe als auch bei Veranstaltungen außerhalb des Geländes weiter auszubauen, um Händler und Sammler zu vernetzen und ein Gefühl der Unmittelbarkeit zu schaffen.

Die LA Art Show ist ein manisches Labyrinth aus visuellen Reizen, verstreuten Teilen internationaler Repräsentation und verführerischen Ablenkungen. Es ist eine Reizüberflutung. Das Herzstück der LA Art Show ist ein Kernkollektiv zeitgenössischer Galerien, die eine Gemeinschaft von Lowbrow- und Pop-surrealistischer Kunst in einem Eckbereich namens Littletopia bilden. Und das Herzstück von Littletopia ist die Red Truck Gallery.

Zu den Highlights der Ausstellung zählen Werke bekannter Künstler wie Baldessari, Ruscha und Picasso, aber die meisten der ausgestellten Werke stammen von Unbekannten. Mit einem Fokus auf historische, moderne und zeitgenössische Kunst hat die Schau fast keinen Schwerpunkt. LA Art Show ist die vielseitigste Kunstmesse, die vielseitigste Kunstmesse der Welt, die eine hohe Qualität etabliert. Bei dieser Show geht es wirklich um ein breites Spektrum, es geht nicht um Quantität, sondern um Qualität.

Littletopia ist ein Dialog zwischen Tradition und zeitgenössischem Ausdruck wie bei den Künstlern der Red Truck Gallery, Antena Estudio und Fifty24MX. Wir sehen die Korruption populärer Ikonen wie bei den Künstlern der Gauntlet Gallery und Thinkspace. Die polierte Unordnung der bildenden Kunst wie bei den Künstlern der Spoke Art, Hashimoto Contemporary und Roq La Rue. Künstler rufen uns von den Straßen wie der Ace Gallery und Artists Republic 4 Tomorrow an. Wir sehen die Absurdität von süß und sauer von Künstlern wie denen von La Luz, Sloan Fine Art und Corey Helford.

Alle diese Galerien haben oder zeigen irgendwann alle diese Arten von Künstlern. Die Konzepte, Techniken, Botschaften und Stile in Littletopia sind so vielfältig und ändern sich ständig wie jede andere Gemeinschaft innerhalb der Gesellschaft. Die Essenz der Lowbrow-Kunst besteht darin, noch tiefer unter den Untergrund zu graben, um die soziale Frequenz ständig neu zu kalibrieren, damit sie nicht statisch wird. Es ist diese Originalität und Vielfalt, die die Littletopia-Community zusammenbringt.

Red Truck Gallery – Eines der ersten Objekte, das Ihre Aufmerksamkeit in der Red Truck Gallery auf sich gezogen haben könnte, war der Tentakel-Kronleuchter, der vom in Philadelphia lebenden Künstler/Fotografen Adam Wallacavage geschaffen wurde. Adam bildete sich in der Kunst des traditionellen Zierputzens aus, ging jedoch keinen traditionellen Weg. Die faszinierenden Kreaturen des tiefen Wassers schwammen in seine Fantasie und inspirierten ihn zu den Oktopus-Kronleuchtern, für die er so berühmt geworden ist. Adams Porzellankreaturen haben die Räume von Galerien auf der ganzen Welt von San Paolo bis New York erleuchtet und die Seiten von Zeitschriften wie TIME geschmückt.

Adam Wallacavage – Jenseits dieser aquatischen Fixierung finden Sie eine weitere dunkle Besessenheit – das Okkulte. An einer Wand steht das Kunstwerk von Bryan Cunningham, inspiriert von der südlichen Hoodoo-Praxis. Jeder, der eine Kerze befestigt, ein Honigglas gemacht oder eine Mojo-Tasche getragen hat, würde die Inspiration von Bryans Gemälden erkennen. Die südafrikanische amerikanische Spiritualität ist eine Verschmelzung verschiedener afrikanischer Traditionen – Hoodoo ist eine der allgemein spirituellen Traditionen, die immer noch in den Vereinigten Staaten praktiziert werden. In Bryans Werk wird diese in Amerika einzigartige südliche Kultur auf den rustikalen und doch lebendigen Gemälden dargestellt, die an die Originalkunstwerke erinnern, die auf den in Hoodoo-Apotheken verkauften Flaschen verwendet werden.

Bryan Cunningham – An der Wand entlang bewegen sich die Gemälde von Evan B. Harris, der zeitweise während der gesamten Ausstellung an seiner Kunst arbeitete. Evan ist Maler, Möbeldesigner und Allround-Handwerker. In einem Gespräch erklärte er mir, als er eines seiner eigenen Gemälde antiquierte, dass er nach einiger Zeit eines seiner älteren Werke aufgriff und Änderungen vornahm. Für ihn ist ein Kunstwerk nie fertig, oder besser gesagt, dass es immer das Potenzial hat, sich zu verwandeln. Während er zu neuen Erfahrungen übergeht, sieht er gelegentlich etwas Neues in einem älteren Werk und bringt es in seiner eigenen Entwicklung voran.

Evan B. Harris – Neben Evans Arbeit entstand die Fotografie von Ransom & Mitchell. Ein sehr dunkles Cirque-Thema, die Fotografie erinnert an Wanderzirkusse, Sideshows und Varieté. Unterhaltung in den späten 1800er und frühen 1900er Jahren wurde nicht poliert oder gefiltert. Die Verwendung menschlicher Abnormalitäten, manchmal nicht wirklich abnormal, aber kulturell unterschiedlich, war der Horror, bevor die Leinwand jede kleine Stadt und jedes Dorf heimsuchte. Die Dunkelheit der Tatsachen ist in den Werken von Ransom & Mitchell in ihrer Rough and Ready Sideshow-Serie seltsamer als die Fiktion.

New Eye-ACCD-Projekte – Eines der großartigen Dinge, die Littletopia der Kunstgemeinschaft bot, war die Gelegenheit für die jüngsten Alumni des Art Center College of Design in Pasadena für die New Eye-ACCD-Projekte, ihre Arbeiten zu präsentieren. Die Gelegenheit bestand darin, den jungen Künstlern nicht nur eine Plattform zu bieten, um ihre Arbeiten zu präsentieren, sondern auch, die Öffentlichkeit einzubeziehen, Erfahrungen zu sammeln, ihre Arbeit zu diskutieren, Fragen zu beantworten und sich wohl zu fühlen, wenn Massen von Menschen ihre Arbeit anerkennen oder kritisieren. Aber sie wurden nicht nur den Wölfen zugeworfen. Sie hatten ihren Professor, der sie ermutigte und seine Weisheit weitergab, um die Wellen von Emotionen und Gedanken einzufangen, die ein Künstler erlebt, wenn er mit … dem Publikum konfrontiert wird.

Fifty24mx – Dies ist eine in Mexiko-Stadt ansässige Galerie mit Ericailcane, Saner, Miss Van, Mariana Magdaleno, Victor Castillo, Carl Cashman, Yoh Nagao, Ciler, Fidia Falaschetti und Meredith Dittmar. Die LA Art Show brachte eine internationale Gemeinschaft und Littletopia bot auch eine Plattform für internationale zeitgenössische Künstler, um ihre Kulturen zu repräsentieren. Fifty24MX fördert Künstler aus verschiedenen Ländern, aber in erster Linie fördern sie die zeitgenössischen Künstler Mexikos, die die Essenz der mexikanischen Tradition in eine moderne Inkarnation für eine neue Generation kanalisieren.

Ciler – Cilers Verzerrung gefundener Bilder scheint eine Mischung aus Streetart und Andy Warhol-Fotomanipulationen zu sein. Sie sind korrumpiert und doch attraktiv. Die Farben sind hell, nicht dunkel, als ob sie Aufregung im Verfall hervorrufen wollten, nicht Elend. Es gibt eine glamouröse Freisetzung von Energie in der Dissipation. Die meisten von uns können das aus unserer Jugend nachempfinden. Wie viele von uns gaben nach, während unsere Zwanziger sich in unserer Verderbtheit auflösten. Die Erfahrung von Naivität hat etwas Sexyes, weshalb die Jugend ins Visier der Konzerne gerät.

Diese Skulpturen waren ursprünglich vor der Copro Gallery, aber da sie eine so große Menge anzogen, die Fotos machen wollte, wurden die Stücke direkt außerhalb des Littletopia-Blocks verschoben, um zu verhindern, dass der Mittelgang überfüllt wird. Kein Wunder, dass die Skulpturen der beiden bekanntesten Künstler aller Zeiten bei anderen Künstlern und Fans ihrer Werke so beliebt sind. Bis heute wird ihre Arbeit bewundert. Denken Sie nur daran, wie gut dieser Look in Ihrer eigenen Kunstgalerie oder über Ihrem Kaminsims aussieht? Die Möglichkeit, Skulpturen wie diese zu sehen, kann dafür sorgen, dass ihr Name für die kommenden Jahre weiterlebt.

Spoke Art – Diese Brudergalerie von Hashimoto Contemporary zeigte die Arbeiten von Casey Weldon, Caia Koopman und ein Debütstück des Rockplakatgottes Chuck Sperry, Maia. Seine psychedelischen Jugendstil-Poster haben die einzigartige Eigenschaft, die Bewegung seiner Motive einzufrieren, um Ihre Welt in Bewegung zu setzen. Es erinnert mich an die Löffelszene in The Matrix. Es ist nicht das Chuck Sperry-Poster, das sich verbiegt, es ist Ihr Verstand, der sich verbiegt.

Chuck Sperry – Caia Koopman aus Kalifornien hat einen charakteristischen Malstil, der einen Straßenrand an der Westküste umfasst. Jeder Frankenstein braucht seine Braut und die Werke von Caia zeigen sowohl eine dunkle als auch eine straßenweise Seite der weiblichen Mystik. Stark inspiriert von Kaliforniens Tattoo-, Surf- und Skateboarding-Subkulturen zeichnet ihre Kunst ein Bild davon, wie unsere Generation einen stillen Platz im Chaos findet. Zukünftige Generationen blicken auf unsere Zeit zurück und verweisen auf farbenfrohe Werke wie Caias, um unser zeitgenössisches urbanes spirituelles Bewusstsein zu verstehen.

Thinkspace – Thinkspace bot einen besonderen Leckerbissen, der sich perfekt für den kürzlich veröffentlichten Film Big Eyes eignete, indem er ein Gemälde von Margaret Keane zeigte. Davids nüchterner Angriff auf die Populärkultur ist sowohl humorvoll als auch absurd. Das berüchtigte Primadonna-Paar ist in dem Gemälde, das das kürzlich umstrittene Fotoshooting von Kim zeigt, der nackt posiert, zu einem saftigen Ego verzerrt. In einem anderen Gemälde interpretiert David die ziemlich moderne Mythologie von Alice im Wunderland und entlarvt die Geschichte der Kinder für all die Korruption der Unschuld, die in ihrer Bedeutung schwanger ist. Alice im Wunderland ist durchaus passend, da David in vielen seiner Gemälde ein Abenteuer ins Chaos illustriert. Der sozialapokalyptische Kommentar ist reich an Promi-Ikonen, Filmreferenzen, Drogen und vielen anderen Opiaten für die Massen.

Hashimoto Contemporary – Hashimoto Contemporary, das Werke von John Wentz, Jessica Hess und Erik Jones präsentierte. Das Gemälde von John Wentz, Totem, ist kaum zu übersehen. Es ist nicht nur das größte ausgestellte Gemälde, sondern auch das dunkelste in Farbe und scheinbar Inhalt. Mit geschlossenen Augen, ihrem Mund von der bräunlich-roten Farbe ausgelöscht, die auch über ihre sanfte Form verschmiert ist, scheint das gesamte Gemälde blaue Flecken zu haben. Doch an den Rändern ist ein blasses Farblicht, das zeigt, dass dieses Rot nicht der ursprüngliche Zustand der Atmosphäre ist, sondern dem Zustand der Frau unterliegt.

Erik Jones – Ein neues Gemälde von Erik Jones wurde auch für die Kunstausstellung präsentiert. In dem Gemälde erzeugt eine Aura aus geometrisch breiten Strichen eine rauschende Bewegung um einen schreienden Schädel, als ob die Emotion dieses leblosen Skeletts in für das Auge unsichtbaren Schwingungen aus seinem Kiefer strömte, die sich nur durch Eriks Pinsel manifestieren. Und wie viele von Eriks Gemälden ist das zentrale Thema, sei es eine Frau oder ein Totenkopf, körperlich unvollendet. Die farbigen Striche dienen fast wie ein ätherischer Körper, der sich in die physische Form hinein oder aus ihr heraus verwandelt. Die realistischen Darstellungen menschlicher Formen, die durch Farbkollisionen behindert werden, sind Eriks Darstellung polarisierter Identitäten – das Gleichgewicht oder besser noch, den Kompromiss von Geist und Selbst, Geist und Körper, Form und Vorstellungskraft.

Copro Gallery – Copro brachte uns die Skulpturen von Andy Warhol und Dali von Kazuhiro. Sie präsentierten auch Chet Zar, Odd Nerdrum, Chris Mars, Tokyo Jesus und Jim Mckenzie, die alle außer Odd Nerdrum Stücke in der kommenden Conjoined V-Ausstellung von Copro zeigen. Dunkelheit ist in der Kunst vererbt. Werfen Sie einen genaueren Blick in die Geschichte der Kunstbewegungen und erfahren Sie, wie sich die dunkle Seite im Zwielicht der Transformation durchsetzte. In dieser Übergangszeit fürchten wir die „Monster“ des Wandels, aber wenn wir uns erst einmal daran gewöhnt haben, sind es genau diese Monster, die wir als Maßstab für Schönheit neu definieren.

Die Copro Gallery zeigt die Monster in den grotesken Darstellungen von Künstlern wie Chet Zar und Tokyo Jesus, und doch sind diese Stücke gut ausgeführt. Sie sind hohe Kunst. Sie sind keine Monster um der Monster willen. Hinter jedem Stück steckt eine Philosophie. Es besteht die Absicht, dass der Künstler in die Arbeit investiert hat. Wir müssen uns fragen, ob der Künstler uns schockieren wollte oder ob der Künstler seine eigene Dunkelheit in ein Kunstwerk verwandelt hat, um uns die Alchemie der psychologischen Emanzipation durch kreativen Ausdruck zu offenbaren.

Sloan Fine Art – Die Galerie im Besitz und kuratiert von Alix Sloan präsentierte die Werke von Jessicka Addams, Brad Woodfin, Elizabeth McGrath, Jonathan Viner, Eric Finzi, Susan Siegel und Casey Weldon. Zwischen der ehemaligen Sängerin von Jack Off Jill und Scarling, Jessicka Addams und dem berüchtigten Bloodbath McGrath, ist die Fassade der Unschuld, die sich hinter Pastelltönen, niedlichen Tieren und jungen Mädchen verbirgt, nichts anderes, als dem Wolf das Schafskostüm abzuziehen. Auch Susan Siegel spielt mit der Absurdität des Scheins, indem sie die bürgerliche Klasse als Schweine in viktorianischer Seide malt. Jessickas Werk ist nicht so sehr die Offenbarung der Illusion, sondern die Freigabe der Absolution.

Jessicka Addams – Sloans Ausstellung wurde außerhalb des Hauptareals von Littletopia erweitert, um die Skulpturen/Gemälde von Mike Stilkey aufzunehmen. Mike verwendet die Rücken gestapelter Bücher als seine Leinwand in mehreren Werken, die auf der Kunstausstellung präsentiert werden. Kreativ war es nicht nur, dass man das Malbuch Buch für Buch zerlegen konnte, sondern auch wie er den Stapel wie ein Bildhauer arrangierte. Ich kann ehrlich sagen, dass Mike Stilkey der Meister der Bildhauerei mit gebrauchten Büchern ist.

Antena Estudio – Antena Estudio arbeitet wie Fifty24MX daran, die progressiven Werke zeitgenössischer mexikanischer Künstler mit traditionellen Kunsttechniken und -formen zu repräsentieren, die die Schönheit der mexikanischen Kultur auszeichnen. Die Galerie zeigte sehr beeindruckende Werke von Gregorio Barrio, der eine Reihe von Perlenschädeln schuf, die die Absicht der Galerie unterstützten, Werke zu präsentieren, die traditionelle Huichol-Volkskunst und zeitgenössische Kunst umfassen. Ein weiteres Werk, das die Galerie präsentierte, war „Cuernavaca“ von Andres Basurto.

Andres hat eine Reihe von Mosaik-Schädelskulpturen aus zerbrochenem Wein- und Bierflaschen und Harzkitt. Die Beziehung einer Bier- oder Weinflasche zu einem Behälter für einen Alkohol ist für seine Verwendung für das Glas als Behälter für den menschlichen Geist durchaus angemessen. Und was wir sehen, ist ein zartes Stück, das von der Position der Skulptur abhängt, die bestimmt, wie das Licht vom Schädel reflektiert wurde. Genauso empfindlich sind unsere Körper und ebenso abhängig davon, wie wir uns positionieren, um zu bestimmen, wie wir Licht reflektieren oder einen Schatten werfen.

Roq La Rue GallerY – Die in Seattle ansässige Galerie Roq La Rue präsentierte die Werke von Travis Louie, Chris Berens, Peter Furguson, Chie Yoshi, Jeff Jacobson, Femke Hiemstra und Sail. Die Bilder von Chris Berens haben diesen Effekt, sich auf Sie zuzubewegen, oder ist es vielleicht ein Gefühl, in das Bild einzutreten? Schon vor dem Erfassen der vielfältigen Themen, die in das Werk integriert sind, wird das Konzept durch die Unordnung des trüben Äthers, die von Lichtflecken hervorgehoben wird, emotional erlebbar. Die trübe Atmosphäre ist ein sich entfaltendes Mysterium.

La Luz de Jesus – Hollywoods eigenes La Luz de Jesus brachte ihr berühmtes Flurerlebnis mit, indem sie die Arbeiten von Charles Binger, Harold Fox, Scott Hove, Hudson Marquez, Annie Murphy-Robinson und José Rodolfo Loaiza Ontiveros präsentierten. Christine Wu, Shaun Berke, Dave Lebow und Patrick V. McGrath Muñiz. Torbogen von Scott Hove-Kuchen war das Sahnehäubchen auf dem Littletopia-Kuchen, der das kongruente Thema des Kontrasts von süß und sauer betonte, indem er Himmels- und Höllenfenster in den Torbogen einfügte.

Nachdem Sie das offizielle Tortenportal von Littletopia betreten und nach rechts geschaut haben, finden Sie eine weitere dämonische Scott Hove-Kreation vor dem Stand von La Luz – Ride the Demon Slayer. Ride the Demon Slayer ist ein voll funktionsfähiger klassischer mechanischer Tierspaß für Kinder. Er ist komplett mit einem Spike-Sattel ausgestattet, was ihn nicht so benutzerfreundlich macht. Und doch lösten der glänzende lila Farbmantel und die edelsteinbesetzte Münzbox nervöse Lacher bei einem Publikum aus, das sich mit der dunklen Verspieltheit von Scott Hove vertraut machte, als ihm klar wurde, dass seine Arbeit eine Kontemplation über ihre eigene dunkle Seite provozierte, als sie es erkannten.

Ein weiterer bemerkenswerter Künstler von La Luz war Damien Echols, der zwei Stücke ausstellte, Talisman of Success und Talisman of the Erzengel Gabriel. Damien wurde 1994 wegen eines Verbrechens, das er nicht begangen hatte, zum Tode verurteilt und verbrachte etwa 18 Jahre im Gefängnis. Er erzählt seine Geschichte in seinen Memoiren im New York Times-Bestseller Life After Death. Was er in seinen Kunstwerken erzählt, ist ein weiteres Fenster in seine Seele. Solche Talismane werden in Ritualen für zeremonielle Magie verwendet. Sie sind Symbole, die von der Willenskraft des Schöpfers durchdrungen sind, was mir sagt, dass Damien Echols trotz aller Härten seine Zeit im Gefängnis verbracht hat, um ein tiefes Innenleben und Verständnis für seinen Willen zu entwickeln.Die Geschichte handelt von einer Person, die zu Unrecht verurteilt wurde und fast achtzehn Jahre ihres Lebens im Gefängnis verbrachte, um spirituelle Weisheit zu entwickeln und sich in ihrem Geist zu befreien.

Ace Gallery – Um die Ecke von La Luz war ein Stand von Ace Gallery. Dieser Stand war einer von drei Ständen, die die Ace Gallery auf der LA Art Show hatte, die jeweils unterschiedlich groß waren. Ihr Stand auf Littletopia zeigte Arbeiten von The Date Farmers, einer Zusammenarbeit von Armando Lerma und Carlos Ramirez. Vergleichbar mit der Darstellung der amerikanischen Südstaatenkultur in der Red Truck Gallery zeigen die Date Farmers die rustikale mexikanisch-amerikanische Straßenkultur des Südwestens. Der amerikanische Traum war für viele Klassen amerikanischer Bürger eine andere Erfahrung, und die Dattelbauern projizieren diese Realität, indem sie ihn über amerikanische Erinnerungsstücke werfen.

Gauntlet Gallery – Indem Fab Ciraolo ikonische Figuren von Frida Kahlo zu Frankestein bringt, verwandelt sie sie in eine moderne Punk-Version. Es stellt sich jedoch die Frage, ob dies ein Kommentar ist, der zeigt, wie die Künstler früherer Generationen im Laufe der Jahrzehnte recycelt wurden, oder ob er vielleicht zeigt, wie die Künstler früherer Generationen das verspotten würden, was wir mit Kunst und Mode gemacht haben. Die in Ciraolos Werk überarbeiteten Künstler spiegeln die Essenz des Glamours wider. Glam ist nicht schön, es ist Rebellion. Innerhalb der Linien zu färben und die Standards anderer zu interpretieren, ist modisch, nicht glamourös. Die wahren Dekadenten setzten im Laufe der Geschichte Maßstäbe, sie folgten ihnen nicht. Durch die Verwendung von Künstlern wie Dali vereint Ciraolo zeitgenössische Referenzen mit historischen Dekadenten, um die Ära der Dekadenz neu zu definieren, es ist nicht schwarz und weiß. Es’s Farbtöne, die übereinander verblassen, um sich gegenseitig hervorzuheben.

Artists Republic 4 Tomorrow – Diese südkalifornische Galerie präsentierte Zio Ziegler, Dennis McNett, Casey O’Connell, Rich Jacobs, Super Future Kid und Trace Mendoza. Das Werk von Zio Ziegler ist physisch eingedämmtes Chaos, mental entwirrte Ordnung. Sein Werk hat weder Anfang noch Ende. Zio arbeitet sowohl auf kleineren Leinwänden als auch auf größeren urbanen Außenbereichen. Seine Gemälde sind neo-stammes-expressionistische Werke – Stammes-Sinn sind die Psyche oder vielleicht der Geist. Wir alle sind in unserem eigenen Geist beheimatet und Zio Zieglers Werke rufen diesen arkanen Geist hervor, der für unsere moderne Ephemera vergänglich ist.

Corey Helford – Diese Galerie in Santa Monica präsentiert Ciou, D*Face, Eine, Hikari Shimoda, Natalia Fabia, Hush, Nouar, Buff Monster, Soey Milk und So Youn Lee. Sherri, Direktorin der Galerie, stellte mir mehrere Juwelen vor, darunter D*Face und Buff Monster. Die Kunst von Buff Monster ist genau das, was Sie denken würden – süße kleine Monster. Sehen Sie ein Zucker- und Gewürzthema in der zeitgenössischen Kunst? Die 80er sind längst vorbei und die dunklen, gruseligen Unholde wurden durch zuckerüberzogene Monster ersetzt.

D*Face, eine Art Neo-Lichtenstein, fängt noireske Kultklassiker Phantasmagorien durch Malerei und Street Art ein. Das bringt einen Punkt. Viele Galerien der LA Art Show werden den Aufstieg von Straßenkünstlern zu Kunstgalerien möglicherweise nicht anerkennen oder billigen – obwohl Andy Warhol und Basquiat in Museen sind. Aber die LA Art Show hat tatsächlich einen Bewusstseinswandel gezeigt, indem sie mehr Streetart-Künstler mitgebracht hat, auch außerhalb der Littletopia-Utopie. Städte im ganzen Land stellen jetzt Graffiti- und Straßenkünstler ein, um Wandgemälde an Gebäuden zu malen. Diese Underground-Stimme ist aufgetaucht und Corey Helford steht an vorderster Front der Kunstrevolution, die diese Botschaft vermittelt.

Arbeiten auf Papier
Works on Paper ist ein spezieller Ausstellungsraum für die Präsentation von Fotografien und anderen Werken, die nicht auf traditioneller Leinwand stehen.

Projektraum
Die aus der ganzen Welt stammenden Aussteller im Project Space präsentieren ein breites Spektrum an Ideen und Talenten in Form von Einzelausstellungen, die von den teilnehmenden Galerien präsentiert werden.

Sonderausstellungen
Das Featured Programming, das über die Grenzen der Standflächen hinausgeht, schafft immersive Erlebnisse, um das Publikum durch zum Nachdenken anregende Kunstwerke, Performances und andere Ausstellungen der teilnehmenden Galerien zu begeistern und Werke hervorzuheben, über die in den kommenden Jahren gesprochen wurde.

Tansaekhwa, Korea | Seung Won Suh
Tansaekhwa bezieht sich auf eine koreanische monochrome Malerei und ist eine der bekanntesten und wichtigsten künstlerischen Bewegungen aus dem Asien des 20. Jahrhunderts. Die aus sechzehn Gemälden bestehende Sonderausstellung „Tansaekhwa I“ der LA Art Show war der erste Überblick über dieses wichtige Genre. Seung Won Suhs Simultaneity zeigt überlappende Quadrate in luftigen Pastellfarben, die sanft über eine monochrome Leinwand rollen. Die Geometrien scheinen im Raum zu erscheinen und zu verschwinden, was dem Stück eine rhythmische Qualität verleiht.

Mobile Angst entspannen | Pascual Sisto
Relax Mobile Anxiety bietet zwei Videoprojektionen, die sich in einem abgedunkelten Raum gegenüberstehen. Ein endloser, tunnelartiger Strom von Autos zieht von einem Bildschirm zum anderen, nähert sich in Weiß und zieht sich in Rot zurück. Diese gegensätzlichen, kaleidoskopischen Bilder erzeugen für den Betrachter einen Schwebezustand, weder Kommen noch Gehen, im Zwischenraum. Die Installation ermöglicht es dem Besucher, die Ruhe zu erleben, die bei einem automatisierten Fahrerlebnis auftreten könnte.

Veranstaltungsort
Die LA Art Show liegt strategisch günstig im dynamischen Epizentrum der Stadt. Das LA Convention Center ist Südkaliforniens technologisch fortschrittlichster grüner Veranstaltungsort mit hohen Decken und viel Platz. Mit bequemem Zugang zum weltbekannten LA LIVE!, den Grammy Awards, dem Grammy Museum und einem beeindruckenden Unterhaltungskomplex, der das Nokia Theatre, die Staples Center Arena, Top-Restaurants und das Ritz Carlton Hotel and Residences umfasst. Kunstmäzene fahren gerne nach Downtown LA, um das Beste in klassischer Musik (Disney Hall), Theater (Mark Taper und Ahmanson) und zeitgenössischer Kunst (MOCA, Art District) zu genießen.