Crítica do LA Art Show 2015, Califórnia, Estados Unidos

The Los Angeles Art Show é uma exposição enciclopédica internacional de arte, a mostra internacional de arte contemporânea mais abrangente da América. A 20ª Mostra Anual de Arte de LA, realizada de 14 a 18 de janeiro de 2015 no Centro de Convenções de Los Angeles, é a maior e mais antiga plataforma de belas-artes modernas, contemporâneas, históricas e tradicionais, trazendo mais de 120 galerias representando 22 países, exibindo pintura, escultura, trabalhos em papel, instalação, fotografia, design, vídeo e performance.

O LA Art Show se tornou a plataforma de arte com maior diversidade internacional no mundo ocidental, trazendo os maiores agrupamentos de galerias coreanas, chinesas e japonesas fora da Ásia. O LA Art Show desenvolveu ativamente suas ofertas de galerias internacionais para fornecer aos colecionadores uma oportunidade única de identificar tendências internacionais e zeitgeist através da arte, um meio que tem a capacidade de transcender a linguagem. A mostra apresenta duas seções distintas: A Seção Moderna e Contemporânea e a Seção Contemporânea Histórica e Tradicional.

Comemorando seu vigésimo aniversário, a mostra floresceu de um pequeno evento regional para uma das maiores e mais antigas plataformas de belas-artes. A mostra deste ano apresentou uma gama diversificada de gêneros artísticos, de belas artes a arte de rua e graffiti. Exposições especiais focadas em trabalhos internacionais, com destaque para a arte contemporânea chinesa, japonesa e coreana.

Liderando as tendências globais da arte, o LA Art Show tem sido consistentemente um ponto de encontro para artistas consagrados, é também uma plataforma de lançamento para talentos emergentes para mostrar o que está agora e o que está por vir na arte. Três tendências principais ao longo da mostra foram o uso de cores monocromáticas, a experimentação com uma variedade de mídias e materiais para gerar textura e trabalhos que incorporam a ilusão de movimento.

Além de ver os melhores trabalhos exibidos, a entrada na mostra também inclui a oportunidade de desfrutar dos estimulantes Dialogs LA, exposições especiais, instalações e performances, apresentando artistas, curadores, críticos e profissionais de arte de renome internacional.

Mais de 180.000 pés quadrados de espaço de exposição estão comprometidos com as galerias proeminentes de hoje. Essas galerias nacionais e internacionais, além de seus estandes, organizam exposições especiais que estão na vanguarda do crescente movimento de arte contemporânea. A feira oferece um extraordinário conjunto de trabalhos e experiências em setores especializados.

LA Art Show 2015
Los Angeles emergiu como um epicentro global de arte e cultura, com uma influência multicultural distinta e interligada, única na cidade. A diversidade é a nossa força e a arte tem mais impacto quando inclui ou transcende todas as fronteiras. Enquanto LA surge como um destino de classe mundial para a arte, o LA Art Show continua a liderar o caminho com uma programação inovadora e experiências únicas para um público colecionador em expansão.

LA Art show é uma experiência internacional incomparável de arte. Em 2015, a mostra refinou seu foco criando uma feira com curadoria recente, oferecendo aos visitantes e colecionadores uma nova experiência artística dedicada à arte moderna e contemporânea. A mostra continua a evoluir em uma direção nova e empolgante, refletindo como LA está deixando sua marca como um destino de classe mundial em ascensão para a arte.

Nos últimos anos, o LA Art Show se tornou a plataforma de arte com maior diversidade internacional no mundo ocidental, trazendo os maiores grupos de galerias coreanas, chinesas e japonesas fora da Ásia. Há de tudo para todos, desde pinturas contemporâneas a mídias mistas e até obras tradicionais e representacionais. Esta feira de arte diversificada e emocionante foi projetada com o verdadeiro colecionador em mente, apresentando muitos gêneros e estilos artísticos para capturar a essência do mercado de arte em constante evolução.

O foco da feira é a América Latina e a Orla do Pacífico. O evento apresenta uma variedade de arte contemporânea e moderna, clássica e outras cenas de arte especializadas que muitas vezes comandam seus próprios shows dedicados. Apresentações radiantes são trazidas à vida por uma variedade de galerias que moldam a esfera artística de Los Angeles como um espaço totalmente acessível para expressão. A tradição e o prestígio da LA Art Show já estão totalmente consolidados na cidade e seus arredores, a tornam uma das principais feiras de arte contemporânea americana.

A LA Art Show assume seu papel de feira de arte proeminente da região e surge como a celebração cívica anual das artes visuais. O entusiasmo recorde em torno superou todas as expectativas e incentiva nossa equipe a aprofundar nossa lista de galerias e buscar uma nova programação de arte empolgante. À medida que Los Angeles assume seu lugar como uma vanguarda do cenário artístico global, nossa capacidade de nos adaptar e evoluir para atender às tendências atuais do mercado de arte é vital. A evolução do papel da feira de arte como fulcro para o comércio de arte, conectando galerias, artistas, curadores e colecionadores.

Destaques

Moderno + Contemporâneo
A maior seção da programação no LA Art Show, Modern + Contemporary exibe o vasto espectro da pintura contemporânea, ilustração, escultura e muito mais de galerias em Los Angeles, Pacific Rim e países ao redor do mundo.

Athier Mousawi – Athier Mousawi é um artista visual britânico iraquiano cujo trabalho nos últimos anos se concentrou em formar uma narrativa visual entre os dois conceitos contraditórios. Cosmic Fluid I exibe um conjunto de seções que estão sendo separadas e remontadas simultaneamente. A peça representa uma espécie de movimento cinético, fundindo estruturas geométricas e fluidas e formando uma entidade confusa, mas harmoniosa.

Peter Alexander – Peter Alexander, membro do movimento artístico Luz e Espaço no sul da Califórnia, é mais conhecido por seu trabalho com resina fundida e esculturas de resina de poliuretano. Com 3 barras pretas azuis, Peter explora questões de transparência, repetição e óptica de cor monocromática. Do ponto de vista do observador, as 3 barras estreitas também dão a ilusão de estar fora de foco contra a parede totalmente branca.

Ruth Weisberg – as litografias dramáticas e oníricas de Ruth Weisberg e os desenhos e pinturas de mídia mista ressoam com a sensação da passagem do tempo. Suas estratégias distintas de usar diferentes mídias adicionam tato a cada peça. Como visto em Threshold, o desenho continua a ser a base de seu trabalho, sendo usado em uma escala íntima e monumental.

Andrew Myers – Andrew Myers cria peças distintamente únicas e realistas com o uso de milhares de parafusos. Esta série de retratos enfatiza a interação e o contraste entre luz e sombra, criando uma ilusão tridimensional dinâmica. Cada parafuso é colocado manualmente (em comprimentos variados) e pintado, tratando cada peça como uma escultura tradicional.

Littletopia
O LA Art Show fez parceria com galerias e organizações sem fins lucrativos para apresentar novas e ousadas apresentações de arte e continuou a expandir as seções de Littletopia e Street Art na feira e em eventos externos para facilitar a rede de revendedores e colecionadores e criar um senso de imediatismo.

O LA Art Show é um labirinto maníaco de estímulos visuais, seções dispersas de representação internacional e distrações atraentes. É uma sobrecarga sensorial. No coração do LA Art Show está um coletivo central de galerias contemporâneas que formam uma comunidade de arte surrealista pop e lowbrow em uma seção de esquina conhecida como Littletopia. E no coração de Littletopia está a Red Truck Gallery.

Os destaques da mostra incluem obras de artistas conhecidos como Baldessari, Ruscha e Picasso, mas a maior parte do trabalho em exibição é de desconhecidos. Com foco na arte histórica, moderna e contemporânea, a mostra quase não tem foco nenhum. LA Art Show é a feira de arte mais eclética, a feira de arte mais eclética do mundo que estabelece uma alta qualidade. Este programa é realmente sobre ter um amplo espectro, não é sobre quantidade, é sobre qualidade.

Littletopia é um diálogo entre tradição e expressão contemporânea como com os artistas da Red Truck Gallery, Antena Estudio e Fifty24MX. Vemos a corrupção de ícones populares como acontece com os artistas da Gauntlet Gallery e Thinkspace. A polida desordem das belas-artes, assim como com os artistas de Spoke Art, Hashimoto Contemporary e Roq La Rue. Artistas chamam-nos das ruas, como as da Ace Gallery e da Artists Republic 4 Tomorrow. Vemos o absurdo do doce e do azedo em artistas como os encontrados em La Luz, Sloan Fine Art e Corey Helford.

Todas essas galerias em algum momento têm ou mostram todas essas variedades de artistas. Os conceitos, técnicas, mensagens e estilos em Littletopia são tão diversos e estão sempre mudando quanto qualquer outra comunidade na sociedade. A própria essência da arte lowbrow é cavar ainda mais fundo abaixo do subterrâneo, a fim de recalibrar constantemente a frequência social de se tornar estática. É essa originalidade e diversidade que une a comunidade Littletopia.

Red Truck Gallery – Um dos primeiros objetos que pode ter chamado sua atenção na Red Truck Gallery foi o tentáculo do lustre criado pelo artista / fotógrafo da Filadélfia, Adam Wallacavage. Adam treinou-se na arte do gesso ornamental tradicional, mas não seguiu o caminho tradicional. As criaturas hipnóticas das águas profundas entraram em sua imaginação e o inspiraram a criar os lustres de polvo pelos quais ele se tornou tão famoso. As criaturas de porcelana de Adam iluminaram os espaços das galerias ao redor do mundo, de San Paolo a Nova York, e enfeitaram as páginas de revistas como a TIME.

Adam Wallacavage – Além dessa fixação aquática, você encontra outra obsessão sombria – o oculto. Contra uma parede está a obra de arte de Bryan Cunningham, inspirada na prática do hoodoo sulista. Qualquer pessoa que consertou uma vela, fez um pote de mel ou carregou uma sacola de mojo reconheceria a inspiração das pinturas de Bryan. A espiritualidade sul-africana é um amálgama de várias tradições africanas – o hoodoo é uma das tradições espirituais comumente praticadas nos Estados Unidos. No trabalho de Bryan, essa cultura sulista, única na América, é retratada em pinturas rústicas, mas vibrantes, que se parecem com a arte original usada nas garrafas vendidas em boticários de hoodoo.

Bryan Cunningham – Movendo-se ao longo da parede estão as pinturas de Evan B. Harris, que às vezes durante a mostra trabalhou em sua arte. Evan é pintor, designer de móveis e artesão versátil. Em uma discussão, ele me explicou, enquanto estava antiquando uma de suas próprias pinturas, que depois de algum tempo ele pegou uma de suas obras mais antigas e fez alterações. Para ele, uma obra de arte nunca está acabada, ou melhor, sempre tem potencial para se transformar. À medida que avança para novas experiências, ocasionalmente vê algo novo em uma obra mais antiga e o apresenta em sua própria evolução.

Evan B. Harris – Ao lado do trabalho de Evan estava a fotografia de Ransom & Mitchell. Um tema circo muito escuro, a fotografia que lembra circos itinerantes, apresentações secundárias e vaudeville. O entretenimento no final dos anos 1800 e no início dos anos 1900 não era polido ou filtrado. O uso de anormalidades humanas, às vezes não realmente anormais, mas culturalmente diferentes, era o horror antes que a tela prateada assombrasse cada pequena cidade e vila. A escuridão da verdade é mais estranha do que a ficção prevalente nas obras de Ransom & Mitchell em sua série Rough and Ready Sideshow.

Novos projetos Eye-ACCD – Uma das grandes coisas que Littletopia ofereceu à comunidade artística foi a oportunidade para Alumni recentes do Art Center College of Design em Pasadena para os projetos New Eye-ACCD apresentarem seus trabalhos. A oportunidade não era apenas dar uma plataforma para os jovens artistas mostrarem seu trabalho, mas para eles envolverem o público, ganhar experiência discutindo seu trabalho, responder a perguntas e se sentir confortável ao ver massas de pessoas reconhecendo ou criticando seu trabalho. Mas eles não foram apenas jogados para os lobos. Eles tiveram seu professor encorajando-os e transmitindo sua sabedoria para envolver as ondas de emoções e pensamentos que um artista experimenta quando confrontado pelo … público.

Fifty24mx – Esta é uma galeria da Cidade do México com Ericailcane, Saner, Miss Van, Mariana Magdaleno, Victor Castillo, Carl Cashman, Yoh Nagao, Ciler, Fidia Falaschetti e Meredith Dittmar. O LA Art Show trouxe uma comunidade internacional e Littletopia também forneceu uma plataforma para artistas contemporâneos internacionais representarem suas culturas. Fifty24MX promove artistas de vários países, mas eles promovem principalmente os artistas contemporâneos do México que estão canalizando a essência da tradição mexicana em uma encarnação moderna para uma nova geração.

Ciler – a distorção de imagens encontradas por Ciler parece ser uma mistura de arte de rua e manipulações de fotos de Andy Warhol. Eles são corrompidos e, ainda assim, atraentes. As cores são brilhantes, não escuras, como se para evocar excitação na deterioração, não miséria. Há uma liberação glamorosa de energia encontrada na dissipação. A maioria de nós pode se identificar com isso desde a juventude. Quantos de nós se entregaram enquanto nossos vinte anos se dissolviam em torno de nossa depravação. Há algo de sexy na experiência da ingenuidade, e é por isso que os jovens são alvos de indústrias corporativas.

Essas esculturas foram originalmente antes da Galeria Copro, mas como atraíam uma multidão consistentemente grande, querendo tirar fotos, as peças foram movidas para fora do bloco Littletopia para evitar que o corredor central ficasse congestionado. Não é nenhuma surpresa que as esculturas dos dois artistas mais reconhecidos de todos os tempos sejam tão populares entre outros artistas e fãs de seus trabalhos. Até hoje, seu trabalho ainda é admirado. Pense em como é bom esse visual em sua própria galeria de arte ou acima de sua fachada? Poder ver esculturas como essa pode garantir que seus nomes continuem vivos por muitos anos.

Spoke Art – Esta galeria irmã da Hashimoto Contemporary apresentou o trabalho de Casey Weldon, Caia Koopman, e uma obra de estreia do deus pôster do rock, Chuck Sperry, Maia. Seus pôsteres psicodélicos art nouveau têm uma qualidade única de congelar o movimento de seus temas para começar a fazer seu mundo girar. Isso me lembra a cena da colher em Matrix. Não é o pôster de Chuck Sperry que está doendo, é a sua mente que está doendo.

Chuck Sperry – Caia Koopman, natural da Califórnia, tem um estilo de pintura exclusivo que envolve a orla das ruas da Costa Oeste. Todo Frankenstein precisa de sua noiva e as obras de Caia mostram o lado negro e o lado da rua da mística feminina. Fortemente inspirada nas subculturas de tatuagem, surf e skate da Califórnia, sua arte pinta um retrato de nossa geração encontrando um lugar parado no caos. As gerações futuras olham para os nossos tempos e fazem referência a obras coloridas como as de Caia para compreender a nossa consciência espiritual urbana contemporânea.

Thinkspace – Thinkspace ofereceu um tratamento especial perfeito para o filme recentemente lançado Big Eyes, apresentando uma pintura de Margaret Keane. O ataque tosco de David à cultura popular é engraçado e absurdo. O infame casal da prima donna é transformado em um ego suculento na pintura que retrata a polêmica sessão de fotos recente de Kim posando nua. Em outra pintura, David interpreta a mitologia bastante moderna de Alice no País das Maravilhas, expondo a história infantil por toda a corrupção da inocência que está grávida em seu significado. Alice no país das maravilhas é bastante apropriada, pois em muitas de suas pinturas David ilustra uma aventura no caos. O comentário apocalíptico social é abundante em ícones de celebridades, referências de filmes, drogas e muitos outros opiáceos para as massas.

Hashimoto Contemporary – Hashimoto Contemporary que apresentou obras de John Wentz, Jessica Hess e Erik Jones. A pintura de John Wentz, Totem, é meio difícil de perder. Não é apenas a maior pintura em exibição, é a mais escura em cor e aparentemente em conteúdo. Com os olhos fechados, a boca apagada pela tinta marrom-avermelhada que também mancha sua forma gentil, parece que a pintura inteira foi machucada. Ainda assim, nas bordas há uma luz de cor pálida, mostrando que esse vermelho não é o estado original da atmosfera, mas está sujeito à condição da mulher.

Erik Jones – Uma nova pintura de Erik Jones também foi exibida na mostra de arte. Na pintura, uma aura de traços geométricos largos cria um movimento impetuoso em torno de uma caveira que grita, como se a emoção desse esqueleto sem vida saísse de sua mandíbula em vibrações invisíveis aos olhos, manifestadas apenas pelo pincel de Erik. E como muitas das pinturas de Erik, o tema central, seja uma mulher ou uma caveira, está inacabado no que diz respeito ao corpo. Os traços coloridos quase servem como um corpo etéreo se transformando em ou fora da forma física. As representações realistas da forma humana obstruída por choques de cores é o retrato de Erik de identidades polarizadas – o equilíbrio, ou melhor ainda, o compromisso do espírito e do eu, mente e corpo, forma e imaginação.

Galeria Copro – A Copro nos trouxe as esculturas de Andy Warhol e Dali de Kazuhiro. Eles também exibiram Chet Zar, Odd Nerdrum, Chris Mars, Tokyo Jesus e Jim Mckenzie, todos os quais, exceto Odd Nerdrum, apresentam peças na próxima exposição Conjoined V da Copro. A escuridão é herdada da arte. Dê uma olhada na história dos movimentos artísticos e você descobrirá como o lado negro prevaleceu no crepúsculo da transformação. É durante esse período de transição que tememos os ‘monstros’ da mudança, mas uma vez que nos acostumamos a mudar, são esses mesmos monstros que redefinimos como o padrão de beleza.

A Galeria Copro exibe os monstros nas representações grotescas de artistas como Chet Zar e Tokyo Jesus, e ainda assim, essas peças são bem executadas. Eles são belas artes. Eles não são monstros por causa dos monstros. Existe uma filosofia por trás de cada peça. Há intenção de que o artista investiu na obra. Temos que nos perguntar se o artista pretendia nos chocar, ou se o artista transformou sua própria escuridão em uma obra de arte para nos revelar a alquimia da emancipação psicológica por meio da expressão criativa.

Sloan Fine Art – de propriedade e curadoria de Alix Sloan, a galeria exibiu as obras de Jessicka Addams, Brad Woodfin, Elizabeth McGrath, Jonathan Viner, Eric Finzi, Susan Siegel e Casey Weldon. Entre a ex-cantora de Jack Off Jill e Scarling, Jessicka Addams, e o infame Bloodbath McGrath, a fachada de inocência escondida atrás de tons pastéis, animais fofos e garotas não é mais do que tirar a fantasia de ovelha do lobo. Até Susan Siegel joga com o absurdo das aparências pintando a classe burguesa como porcos vestidos com sedas vitorianas. O trabalho de Jessicka não é tanto a revelação da ilusão, mas a liberação da absolvição.

Jessicka Addams – a exposição de Sloan se expandiu para fora do perímetro principal de Littletopia para acomodar as esculturas / pinturas de Mike Stilkey. Mike usa lombadas de livros empilhados como tela em vários trabalhos exibidos na mostra de arte. Não só foi criativo porque se pode desmontar a pintura livro por livro, mas também como ele organizou a pilha como um escultor. Eu honestamente posso dizer que esculpir com livros usados, Mike Stilkey é o mestre.

Antena Estudio – Antena Estudio, como Fifty24MX, trabalha para representar as obras progressivas de artistas mexicanos contemporâneos com técnicas e formas de arte tradicionais que distinguem a beleza da cultura mexicana. A galeria apresentou trabalhos muito marcantes de Gregorio Barrio, que criou uma série de crânios com contas, apoiando a intenção da galeria de apresentar trabalhos que englobam a arte popular tradicional Huichol e a arte contemporânea. Outra peça apresentada pela galeria foi “Cuernavaca”, de Andrés Basurto.

Andres tem uma série de esculturas de caveira em mosaico criadas a partir de garrafas de vinho e cerveja e massa de resina. A relação de uma garrafa de cerveja ou vinho ser um recipiente de uma bebida alcoólica é bastante apropriada para seu uso para o copo como um recipiente para o espírito humano. E o que vemos é uma peça delicada dependente da posição da escultura que determina como a luz foi refletida do crânio. Porque nossos corpos são tão delicados e tão dependentes de como nos situamos para determinar como refletimos a luz ou formamos uma sombra.

Roq La Rue GallerY – A galeria de Seattle Roq La Rue exibiu as obras de Travis Louie, Chris Berens, Peter Furguson, Chie Yoshi, Jeff Jacobson, Femke Hiemstra e Sail. As pinturas de Chris Berens têm esse efeito de se mover em sua direção, ou é talvez uma sensação de entrar na pintura? Antes mesmo de apreender os diversos temas integrados à obra, o conceito é sentido emocionalmente através da desordem do éter turvo destacado por pontos de luz. A atmosfera turva é um mistério que se desdobra.

La Luz de Jesus – a própria La Luz de Jesus de Hollywood trouxe sua famosa experiência de corredor ao apresentar o trabalho de Charles Binger, Harold Fox, Scott Hove, Hudson Marquez, Annie Murphy-Robinson e José Rodolfo Loaiza Ontiveros. Christine Wu, Shaun Berke, Dave Lebow e Patrick V. McGrath Muñiz. A arcada do bolo Scott Hove foi a cereja do bolo Littletopia, que enfatizou o tema congruente do contraste do doce e do azedo ao incorporar janelas do céu e do inferno na arcada.

Depois de entrar no portal oficial do bolo Littletopia e olhar para a direita, você encontrará outra criação demoníaca de Scott Hove na frente do estande de La Luz – Ride the Demon Slayer. Um passeio de alegria animal mecânico totalmente funcional clássico para crianças, Ride the Demon Slayer é totalmente equipado com uma sela de espigão, o que o torna não tão fácil de usar. E, ainda assim, sua pintura roxa brilhante e caixa de moedas cravejada de pedras preciosas arrancaram risos nervosos de um público que se sentia confortável com a brincadeira sombria de Scott Hove, percebendo que seu trabalho provocava a contemplação de seu próprio lado sombrio conforme eles percebiam.

Outro artista que merece destaque no La Luz foi Damien Echols, que teve duas peças expostas, Talismã do Sucesso e Talismã do Arcanjo Gabriel. Damien foi condenado à morte em 1994 pela acusação de um crime que não cometeu e passou cerca de dezoito anos na prisão. Ele conta sua história em suas memórias no best-seller do New York Times, Life After Death. O que ele conta em sua obra de arte é outra janela para sua alma. Esses talismãs são usados ​​em rituais de magia cerimonial. São símbolos infundidos com a força da intenção investida pelo criador, o que me diz que, apesar das dificuldades, Damien Echols passou seu tempo na prisão desenvolvendo uma profunda vida interior e compreensão de sua vontade.A história é sobre uma pessoa condenada injustamente e que passou quase dezoito anos de sua vida na prisão para desenvolver sabedoria espiritual e se libertar em sua mente.

Ace Gallery – Na esquina da La Luz havia um estande da Ace Gallery. Este estande foi um dos três estandes que a Ace Gallery teve no LA Art Show, cada um variando em tamanho. Seu estande em Littletopia exibiu trabalhos de The Date Farmers, que é uma colaboração entre Armando Lerma e Carlos Ramirez. Comparável à representação da cultura sul americana na Red Truck Gallery, o Date Farmers mostra a cultura de rua mexicana-americana rústica do sudoeste. O sonho americano tem sido uma experiência diferente para muitas classes de cidadãos americanos e os Date Farmers projetam essa realidade lançando-a sobre recordações americanas.

Gauntlet Gallery – Ao levar figuras icônicas de Frida Kahlo a Frankestein, Fab Ciraolo as converte em uma versão punk moderna. No entanto, questiona-se se este é um comentário que mostra como os artistas das gerações anteriores são reciclados ao longo das décadas, ou talvez retrate como os artistas das gerações anteriores zombariam do que fizemos com a arte e a moda. Os artistas renovados no trabalho de Ciraolo refletem a essência do glam. Glam não é bonito, é rebelião. Colorir dentro das linhas e interpretar os padrões dos outros está na moda, não é glamoroso. Os verdadeiros decadentes ao longo da história estabeleceram padrões, eles não os seguiram. Ao usar artistas como Dali, Ciraolo une referências contemporâneas com decadentes históricos para redefinir a era da decadência, não é preto e branco. Isto’s matizes de cores que desbotam umas sobre as outras para realçar umas às outras.

Artists Republic 4 Tomorrow – Esta galeria do sul da Califórnia apresentou Zio Ziegler, Dennis McNett, Casey O’Connell, Rich Jacobs, Super Future Kid e Trace Mendoza. A obra de Zio Ziegler é o caos contido fisicamente, a ordem desfeita mentalmente. Não há começo nem fim para seu trabalho. Zio trabalha tanto em telas menores quanto em exteriores urbanos maiores. Suas pinturas são neo-tribais expressionistas – tribais sendo a psique ou talvez o espírito. Somos todos nativos de nossa própria mente e as obras de Zio Ziegler evocam aquele espírito arcano transitório para nossas efêmeras modernas.

Corey Helford – Esta galeria de Santa Monica apresentando Ciou, D * Face, Eine, Hikari Shimoda, Natalia Fabia, Hush, Nouar, Buff Monster, Soey Milk e So Youn Lee. Sherri, diretora da galeria, me apresentou a várias joias, incluindo D * Face e Buff Monster. A arte do Buff Monster é exatamente o que você pensaria que seria – monstrinhos fofos. Você vê um tema de açúcar e especiarias na arte contemporânea? Os anos 80 acabaram há muito tempo e os demônios macabros escuros foram substituídos por monstros cobertos de açúcar.

D * Face, uma espécie de neo-Lichtenstein, captura fantasmagorias clássicas de culto noiresco por meio de pinturas e arte de rua. O que traz um ponto. Muitas galerias do LA Art Show podem não reconhecer ou aprovar a ascensão dos artistas de rua às galerias de belas artes – embora Andy Warhol e Basquiat estejam em museus. Mas o LA Art Show mostrou de fato uma mudança de consciência ao trazer mais artistas de rua, mesmo fora da utopia de Littletopia. Cidades em todo o país agora estão contratando grafiteiros e artistas de rua para pintar murais em edifícios. Essa voz underground veio à tona, e Corey Helford está na linha de frente da revolução da arte transmitindo essa mensagem.

Trabalhos em papel
O Works on Paper é um espaço de exposição dedicado à exibição de fotografias e outros trabalhos que não sejam em telas tradicionais.

Espaço do Projeto
Vindos de todo o mundo, os expositores no Project Space apresentam uma ampla gama de ideias e talentos na forma de exposições individuais, apresentadas pelas galerias participantes.

Exposições Especiais
Expandindo-se além dos limites dos espaços de estandes, a Programação em destaque cria experiências imersivas para envolver o público por meio de obras de arte, performances e outras exposições instigantes, oferecidas pelas galerias participantes, destacando trabalhos que foram comentados nos anos seguintes.

Tansaekhwa, Coreia | Seung Won Suh
Tansaekhwa refere-se a uma pintura monocromática coreana e é um dos movimentos artísticos mais famosos e importantes vindos da Ásia do século XX. Composta por dezesseis pinturas, a exibição especial do LA Art Show, “Tansaekhwa I”, foi a primeira visão geral deste importante gênero. Simultaneidade de Seung Won Suh apresenta quadrados sobrepostos em cores pastel arejadas suavemente caindo sobre uma tela monocromática. As geometrias parecem surgir e desaparecer no espaço, conferindo à peça uma qualidade rítmica.

Relaxe a ansiedade móvel | Pascual Sisto
Relax Mobile Anxiety apresenta duas projeções de vídeo que se enfrentam em uma sala escura. Um fluxo interminável de automóveis em forma de túnel passa de uma tela para a outra, aproximando-se em branco e recuando em vermelho. Essas imagens caleidoscópicas opostas criam um estado suspenso para o observador, sem ir nem vir, no espaço intermediário. A instalação permite ao visitante experimentar a tranquilidade que poderia ocorrer com uma experiência de condução automatizada.

Local
O LA Art Show está estrategicamente situado no epicentro dinâmico da cidade. O LA Convention Center é o local ecológico mais avançado do sul da Califórnia, com tetos altos e amplo espaço. Com acesso conveniente ao mundialmente famoso LA LIVE !, ao Grammy Awards, ao Grammy Museum e a um impressionante complexo de entretenimento que inclui o Nokia Theatre, a Staples Center Arena, os melhores restaurantes e o The Ritz Carlton Hotel and Residences. Os patrocinadores das artes dirigem com prazer para Downtown LA para o melhor em Música Clássica (Disney Hall), Teatro (Mark Taper e Ahmanson) e Arte Contemporânea (MOCA, Art District).