Grenada è stata la prima volta alla Biennale di Venezia nel 2015. Attraverso la cooperazione del Ministero della Cultura, Grenada è stata invitata a presentare un padiglione nazionale e portare la mostra a tema “Prossimità vicina”. La sede della mostra di Grenada era a Sala Tiziano, Opera don Orione Artigianelli, Dorsoduro, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati 919, un bellissimo edificio storico vicino alla fermata del taxi d’acqua Zattare.

Susan Mains è la curatrice di questa mostra, insieme al suo omologo italiano, Francesco Elisei. Il titolo della mostra “Present Nearness” ritrae il gruppo di artisti interpretazioni della propria interazione con il mondo disordinato, uno dei filtri di cui parla Okwui Enwezor. Un gruppo di artisti è stato scelto per rappresentare Grenada e hanno allineato i loro pensieri nel rendere l’arte al tema della biennale, “Tutti i futuri del mondo”.

Il tempismo di Grenada è stato propizio a far parte della prima vera Biennale mondiale che segnala un passaggio tettonico dalla rappresentazione nazionale a Mondialité come concepito da Eduard Glissant. Enwezor è “un estraneo di un istituto d’arte” che interagisce con gli artisti indipendentemente dal mercato dell’arte e oltre le mura istituzionali che glorificano la raccolta e la visualizzazione di oggetti d’arte in isolamento modernista. Gli artisti visivi, come scrittori e intellettuali, dovrebbero avere il coraggio di “dire la verità al potere”, per affrontare la violenza, i conflitti e le questioni più vitali che colpiscono la loro società. La 56a Biennale di Venezia celebra 120 anni di esibizione internazionale nell’arte chiedendo una valutazione dello “stato attuale delle cose”. L’agenda curatoriale di Enwezor è una chiamata alle armi che chiede agli artisti di indagare sulla loro presenza attraverso i mezzi della loro arte.

L’agenda curatoriale di Enwezor si complimenta con la recente espansione dei padiglioni nazionali a Venezia che introduce i giovani paesi postcoloniali con condizioni politiche, sociali ed economiche emergenti. La produzione artistica con una coscienza storica può sfidare le attuali narrazioni del passato estraendo il presente per sviluppare nuovi concetti per il futuro della “costellazione postcoloniale”. La stagione aperta è stata dichiarata sui racconti storici nazionali maturi per la decostruzione per produrre lavoro da un locale contemporaneo per la scena artistica globale e questo approccio è evidente ovunque a Venezia quest’anno.

Per conoscere un po ‘la storia dei Caraibi è necessario confrontarsi con condizioni psico-geografiche brutalmente scomode: Inferno in Paradise. Laddove “nessuno nei Caraibi è originario dell’ambiente”, la sua storia è fatta di violenza, traumi e oppressione provocati dalla schiavitù e dal colonialismo giustapposti alle brochure turistiche del “XX cielo blu-acque turchesi” che credono nelle condizioni reali della cultura caraibica postcoloniale. Il lavoro dei quattro artisti grenadiani è stato prodotto in dialogo con l’appello curatoriale di Enwezor alle armi e consapevole del loro nuovo ruolo nel rappresentare Grenada sulla scena artistica globale di Venezia. Susan Mains e Maria McClafferty hanno prodotto opere monumentali che affrontano lo stato di violenza e oppressione insite nella società. Asher Mains ha instaurato un dialogo completamente nuovo tra pittura, identità e coltivazione del cacao nella cultura granadiana. Come un pittore chirurgo, Oliver Benoit analizza la mente umana per rappresentare la spinta viscerale e l’attrazione del cervello creativo in azione.

Grenada Speak, Art: la risposta artistica indaga le condizioni del contemporaneo. L’opera di questi quattro artisti rappresenta la “Grenada” dove nel contesto veneziano si gioca qualcosa di più grande tra arte, identità nazionale e storia.

I curatori
Il curatore di Cheif della Biennale di Venezia è Okwui Enwezor. Susan Mains è curatrice del padiglione Grenada.

Susan Mains
La pratica artistica di Susan Mains è stata necessariamente auto-didattica. Crescendo a Grenada non c’erano risorse per l’educazione artistica, la sua università, lauree e lauree erano tutti concentrati nell’area dell’educazione. Mentre viveva in Dominica negli anni ’80, una ricerca incessante dell’arte divenne la sua missione. Negli ultimi 30 anni è stata principalmente una pittrice, esplorando la superficie, la trama, l’intensità e più recentemente si è rivolta al video e all’installazione per ottenere una gamma più ampia di possibilità visive.

Anche la pratica curatoriale della rete è stata auto-didattica, sempre per necessità. Senza un forte supporto istituzionale in una piccola isola, l’artista spesso deve assumere la leadership. Organizzando mostre di gruppo da Grenada, ha portato lavori contemporanei nella regione dei Caraibi, tra cui il Museo di arte moderna di Santo Domingo per diverse biennali caraibiche. I suoi sforzi hanno incluso mostre al Museo dell’OAS di Washington DC e all’Expo mondiale di Shanghai in Cina nel 2010. Scrive sull’arte delle piccole isole dei Caraibi orientali e ha presentato articoli in conferenze accademiche in tutto il mondo. Ha gestito la sua galleria commerciale a Grenada, Art and Soul, negli ultimi 13 anni.

Francesco Elisei
Il curatore indipendente Francesco Elisei è stato fondato nel 1974 ed è specializzato in storia dell’arte contemporanea all’Università La Sapienza di Roma, ha curato mostre in Italia, New York, Tokyo, Osaka, Toronto. Ha scritto numerosi saggi e pubblicato numerosi cataloghi nazionali e internazionali. Nel 2007 ha iniziato alla Biennale di Venezia in percorso curatoriale, curando il Padiglione Moldavo 52a Biennale di Venezia nel 2009, ha curato il padiglione “Natura e sogni” IILA / Costa Rica alla 53 Bi-ennale di Venezia, nel 2011 ha curato il padiglione della Repubblica di Costa Rica alla 54a Biennale di Venezia, nel 2013 la 55a Biennale di Venezia ha supervisionato il padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh, la Repubblica di Costa Rica e le garanzie collaterali Torna alla Biennale dedicata al mondo della scrittura e dell’arte di strada . Nel 2015 la 56a Biennale di Venezia è stata nominata per garantire il padiglione di Grenada.

Francesco Elisei curatore indipendente nasce nel 1974 e si specializza in storia dell’arte contemporanea presso l’Università La Sapienza di Roma, ha curato mostre in Italia, New York, Tokyo, Osaka, Toronto. Ha scritto numerosi saggi e pubblicato diversi cataloghi nazionali ed internazionali. Nel 2007 ha iniziato il percorso curatoriale alla Biennale di Venezia curando il Padiglione moldavo alla 52a Biennale di Venezia, nel 2009 ha curato il padiglione «Natura e Sogni» IILA / Costa Rica alla 53 Bi-ennale di Venezia, nel 2011 ha curato il padiglione della Repubblica di Costa Rica alla 54 Biennale di Venezia, nel 2013 alla 55a Biennale di Venezia ha curato il padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh, della Repubblica di Costa Rica e dell’evento collaterale Torna a Biennale dedicato al mondo della scrittura e della arte di strada. Nel 2015 alla 56a Biennale di Venezia è stato incaricato di curare il padiglione di Grenada

Gli artisti
Artisti provenienti da Grenada e dall’Italia si sono uniti per rendere questo padiglione un grande successo. L’eleganza dell’Italia e il calore di Grenada, combinati per dare singolare brio.

Oliver Benoit
Benoit vive e lavora a Grenada. È astrattista, con una propensione a oscurare le sue immagini. È anche professore di sociologia alla St. George’s University.

In superficie, Anima 1 è un dipinto astratto costruito strato su strato in olio e acrilico con audaci elementi verticali di collage. La struttura della composizione è centrata su quattro pezzi di tela grigia e dipinta di malva piegati e appiattiti come morbidi tubi arteriosi. I “tubi” centrali contengono un passaggio chiuso di attività verticale che è più scuro e meno articolato rispetto alle forme emergenti oltre le “barriere”. La superficie circostante è piena di energia in una varietà di segni macchiati, raschiati e gocciolati incorporati in un impasto denso mentre gli strati si cristallizzano in rettangoli arancioni completamente formati pettinati o raschiati come stucco con una spatola. Questi rettangoli sembrano librarsi e fluire, emergere e dissolversi, entrare e scappare, essere assorbiti e “bloccati” dalle “barriere” tridimensionali. Descrivere una complessa pittura astratta è sezionare e analizzare una scomposizione delle cose.

Il filosofo analitico John Campbell fornisce un’utile definizione parallela quando si guarda alla pittura di Benoit:

“La filosofia sta pensando al rallentatore. Si rompe, descrive e valuta le mosse che normalmente facciamo a grande velocità – a che fare con le nostre motivazioni e credenze naturali. Diventa quindi evidente che sono possibili alternative. ”

Se la pratica della filosofia è analoga alla pratica dell’arte, il lavoro di Benoit propone che l’oggetto di un dipinto sia quello di rallentare e analizzare il flusso e riflusso dell’atto creativo che si occupa dell’uso del cervello per il pensiero, la visione e la decisione- fabbricazione. Le audaci strutture centrali di Anima 1 sono le “barriere” – come una serie di colonne nervose centrali – attraverso le quali si muovono gli schemi simbolici. Benoit sta esaminando come il cervello filtra le idee “buone” e “cattive”, nel processo di pittura, e come assorbiamo e blocciamo le influenze e le abitudini consce e inconsce. Un dipinto è una costruzione e quindi esaminare attentamente le condizioni e l’atto della pittura può rivelare verità sull’io. La funzione del cervello e del pensiero viene esplorata attraverso l’atto di dipingere fornendo le prove di come potremmo conoscere e comprendere la natura della propria identità attraverso l’osservazione della mente umana creativa al lavoro.

Il lavoro di Benoit come pittore e accademico esplora il ruolo dell’identità. Il push and pull tra le nostre idee e le nostre azioni mentre dipingiamo è un microcosmo per il modo in cui viviamo e ci relazioniamo con la società. Il ruolo degli artisti professionisti nella società caraibica contemporanea è emergente. L’interesse di Benoit per la (ri) costruzione dell’identità attraverso l’arte sfida anche l’indifferenza culturale verso gli artisti e la pratica delle arti visive nella società decenni dopo la fine del colonialismo.

Maria McClafferty
Maria McClafferty vive e lavora a Grenada. Le sue costruzioni in vetro e acciaio sono state commissionate in tutto il mondo. Di recente, il suo lavoro in encausto ha portato a una nuova espressione.

Il monumentale trittico di McClafferty, Disordered World, è una scultura di vetro fuso colorato audace e brillante sospesa davanti alla finestra palladiana centrale del padiglione. La luce dietro proietta l’aura di un etereo kimono fluttuante in verdi, gialli, bianchi nuvolati e vetro trasparente fortemente strutturato con accenti arancioni e rossi in uno spazio simile a una cappella di tende bianche dal pavimento al soffitto su entrambi i lati. La leggerezza dell’installazione sfida il peso di questi pannelli di vetro racchiusi in un’impalcatura d’acciaio fissata insieme con fermagli metallici e filo sospeso da catene gettate attraverso cerchi che assomigliano minacciosamente a sei manette. La pura bellezza decorativa del vetro colorato fuso a un esame più attento contiene un segreto oscuro.

I pannelli sono realizzati stratificando (“impilando”) lastre di vetro, verniciate e fuse a temperature variabili (“rampe” a scoppio calde e “ammollo” più lunghe) nel forno McClafferty a Grenada. L’alchimia di calore, vetro e colore ha prodotto una densa trama astratta di passaggi globulari, bolle d’aria e intensi spruzzi di colore racchiusi nelle trame ibride prodotte dallo stress del vetro di ricottura. Il titolo Disordered World per un’opera in vetro produce un doppio significato: il vetro è un solido amorfo, cioè gli atomi e le molecole non sono organizzati in un modello definito e quindi per natura sono disordinati per formare una struttura.

I dettagli emergono a un esame più attento. Le croci di metallo, come il filo spinato, creano una spaventosa cicatrice sul pannello centrale sezionando il contorno di una figura femminile crocifissa. I suoi seni profilati alla base delle braccia sollevate e dei palmi distesi punteggiati da spruzzi di sangue rosso che si congela. Una spazzola per capelli nasconde una testa pesante. Il simbolismo di una figura su una croce ha un significato universale che è la brutalità echeggiata dai sei manette che portano il peso dell’opera. (Questa figura fa eco nelle sue due opere sospese nel chiostro su alluminio striato brillantemente dalla luce mentre cammini nello spazio.) Realizzato a Grenada, Disordered World ha attraversato l’Atlantico dai Caraibi al Mediterraneo. Il suo oscuro segreto è che contiene storie brutali e oppressive: la schiavitù umana e il colonialismo (manette d’acciaio) e la violenza contro le donne (la forma femminile intrappolata). Le connessioni storiche tra il vecchio e il nuovo mondo sono oggi un retaggio di violenza duratura che non riconosce l ‘”emancipazione”. Qui, McClafferty “dice la verità al potere”: il corpo umano intrappolato in uno stato di violenza viene naturalizzato da coloro che continuano a infliggere violenza.

Asher Mains
Asher Mains vive e lavora a Grenada. È principalmente un pittore, ma lavora anche in costruzioni e installazioni. Il suo lavoro affronta spesso preoccupazioni sociali.

Questo grande ritratto è l’ultimo di una serie intitolata: “Ritratti dipinti per coltivatori di cacao”. Entrando nella Sala Tiziano, la presenza di Joanne cattura immediatamente il tuo sguardo. È seduta sorridendo allo spettatore, rilassata e formidabile nei suoi abiti da lavoro, grandi stivali di gomma e berretto, come se stesse conversando con noi mentre si è presa una pausa per riposare. È seduta all’aperto, un accenno di vegetazione è visibile accanto alla mano sinistra e al viso e notiamo che il suo machete (“sciabola”) è al suo fianco – anche a riposo nel terreno per il momento. Il suo sorriso carismatico e la forza fisica visti dal basso rendono il suo aspetto ancora più accattivante su uno sfondo decorativo di costellazioni a forma di diamante stampate su tela senza montatura usando il famoso “tè al cacao” di Grenada.

La descrizione sopra di un sorprendente ritratto dipinto smentisce il più grande progetto di Main a portata di mano. Il progetto è iniziato nel 2014 con interviste, film e fotografie di coltivatori di cacao con sede presso la tenuta di Crayfish Bay a St Mark in preparazione alla pittura di otto ritratti. Nel gennaio 2015, Mains ha organizzato una mostra-mostra durante la quale ha svelato ogni ritratto in dono ai famigli in segno di gratitudine e riconoscimento del loro lavoro per la produzione di cacao. Le reazioni a questo progetto catturato dal film sono di delizia e stupore: il ritratto viene immediatamente riconosciuto come qualcosa di speciale ma è arrivato in un contesto completamente nuovo per la pittura di ritratti. Il progetto di Mains sfida le convenzioni inerenti al suo mezzo, compresa la storia e la natura della relazione pittore-mecenate, trasformando la ritrattistica in una forma di scambio culturale che conferisce a questi agricoltori uno stato estetico nuovo e tangibile attraverso l’arte.

La coltivazione del cacao e lo sviluppo di un’industria del cioccolato a pieno titolo è lo sviluppo agricolo più entusiasmante di Grenada dall’uragano Ivan. Il terrior vulcanico di Grenada e gli alberi di cacao sono di qualità eccezionale ma il cacao è stato oscurato dalla noce moscata durante il colonialismo. Il commercio del cacao ha subito una mini-rivoluzione con l’arrivo della Grenada Chocolate Company di Mott Green “dall’albero al bar” nel 1999. Questo colorato marchio ha dato potere ai coltivatori indipendenti di cacao i cui fagioli sono trasformati in fabbriche come la tenuta di Belmont (dove lavora Joanne) e il nuova Diamond Company. L’industria non è immune alle preoccupazioni di cui l’età media degli agricoltori (fine degli anni ’50) riflette il fatto che, nonostante il recente entusiasmo per il cacao, l’agricoltura continua ad avere difficoltà ad attrarre i giovani mentre cresce la minaccia di imprevedibili modelli meteorologici. Tuttavia, l’industria del cacao di Grenada è diventata una fonte di orgoglio dopo il progetto Ivan e Mains riflette l’autentica “forza trainante” e “puro amore per l’agricoltura” che ispira i suoi seditori. Al momento, Grenada è unica in quanto è l’unico paese in crescita del cacao che produce e commercializza anche i propri marchi di cioccolato. La speranza è che l’industria del cacao a Grenada possa condurre come modello di commercio equo sostenibile ed etico per altri paesi produttori di cacao.

Francesco Bosso
Francesco Bosso vive e lavora in Italia. Abbraccia la fotografia tradizionale con film e una stanza buia e stampa su carta d’argento gelatina per catturare una luce unica.

Giuseppe Linardi
Giuseppe Linardi è un pittore e scultore che vive e lavora in Italia. La sua serie “decodificazion” ha una caratteristica unica di push-pull.

Carmine Ciccarini
Carmine Ciccarini è un pittore che utilizza metodi tradizionali e storici. Il suo uso del colore è significativo per i suoi paesaggi urbani, che spesso sottolineano l’importanza dell’umanità. Vive e lavora in Italia

Susan Mains
Susan Mains vive e lavora a Grenada. Il suo lavoro internazionale è spesso in fase di installazione e spesso esplora la disumanità dell’uomo per l’uomo.

Come curatore e artista, Mains ha prodotto un’installazione provocatoria all’ingresso del padiglione: None Calls for Justice (2015). Facendo eco all’epilogo di Enwezor nel catalogo della Biennale di Venezia sul “clima di paura” a seguito delle sparatorie di Charlie Hebdo, il lavoro di Main traduce e presenta per un esame più attento l’iconica violenza contenuta nelle recenti foto di notizie. La sua installazione è fatta di abiti prostrati come corpi, delicatamente costruiti per implicare una forma all’interno e sparsi con cura con fiori e candele accese. All’arrivo, questo pezzo si confronta immediatamente e richiede la nostra attenzione mentre riconosciamo questi corpi dalle fotografie dei massacri nigeriani. Le candele e i fiori commemorano le figure fantasma che attirano i visitatori per diventare testimoni e riflettere sulle vite brutalmente e insensatamente perse.

L’intenzione originale della rete era di aprire l’installazione agli elementi del chiostro, tuttavia, l’angolo del chiostro offre un riparo buio per proteggere e intensificare l’effetto delle candele illuminate. Qui l’installazione None Calls for Justice si trasforma in un ricordo mori che riverbera un grido verso l’umanità e per ogni anima umana persa.

Nessuno chiede giustizia
L’abbigliamento rappresenta i corpi di coloro che sono stati uccisi dalla violenza: le ragazze in Nigeria, gli studenti in Kenya, quelli che sono annegati nel Mediterraneo e altri in tutto il mondo. Tutte le vite non sembrano uguali.

Padiglione Grenada
La più grande area di sviluppo necessaria nei Caraibi ora è nelle infrastrutture artistiche. Gli artisti di Grenada hanno usato le loro capacità imprenditoriali artistiche per arrivare a Venezia con grande successo, ma ora Grenada deve rispondere a questo storico primo passo. I vantaggi economici della costruzione di un’infrastruttura artistica hanno dimostrato più volte di migliorare la qualità della vita nelle comunità. Investire in infrastrutture artistiche (e culturali) significa sviluppare istituzioni e iniziative che gestiscono eventi pubblici come Biennali, sviluppare residenze per artisti e seminari didattici. E fino a quando non vi è un mercato dell’arte internazionale più vivace nell’arte caraibica, artisti e curatori devono continuare a viaggiare ed esibirsi a livello internazionale per commercializzare l’arte grenadiana e riunire artisti a loro volta per promuovere le loro istituzioni di origine.

L’effetto Venezia di Grenada dovrebbe funzionare in entrambi i modi ora che un ponte è stato formato con il mondo dell’arte contemporanea. La presenza dell ‘”arte Grenadiana” nel mondo dell’arte internazionale è un’opportunità per le istituzioni artistiche di Grenada a casa per costruire su questo nuovo status e identità. Un padiglione di Venezia stabilisce un’identità artistica nazionale ufficiale che può essere aggiunta ai dialoghi politici esistenti a Grenada con riferimento alla cultura grenadiana nell’etere internazionale simile all’esibizione nel “cluster” CARICOM all’Expo di Milano o vincendo medaglie d’oro al Chelsea Flower Mostrare. Le comunità creative di Grenada dovrebbero essere riconosciute laddove esistono reti politiche, economiche e sociali che hanno bisogno di imprenditori e artisti dell’arte per guidare gli interessi culturali ed estetici dell’identità nazionale di Grenada insieme e in tutta la Comunità caraibica.

Il debutto di Grenada a Venezia è fortunato a coincidere con la costellazione artistica globale inclusiva di Enwezor. Il lavoro dei quattro artisti grenadiani ha un nuovo status e significato che rappresentano sia l’identità artistica nazionale che il patrimonio di Grenada. I futuri di Venezia fanno ora parte del futuro di Grenada. Grenada è un piccolo paese rispetto ai paesi caraibici che hanno già esposto alla Biennale e hanno identità artistiche nazionali più forti. Tuttavia, la presenza di Grenada ha rivelato connessioni attuali che stabiliranno le “conversazioni” internazionali cruciali per i futuri lasciti di Grenada stabiliti nel suo primo anno alla Biennale di Venezia.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour speciali e soggiorni nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.