Pixel di Ubuntu / Unhu è stato aperto nel padiglione dello Zimbabwe a Venezia e il tema di quest’anno è l’esplorazione delle identità sociali e culturali del 21 ° secolo continua la natura dello Zimbabwe, come elementi del passato sono collegati al presente e come l’artista si sta evolvendo soprattutto in periodi in cui Ubuntu / unhu viene costantemente messo in discussione.

Lo Zimbabwe tenta di generare scambi internazionali tra l’Africa e il mondo rilanciando il panafricanismo. Il paese quasi intraprende una missione straniera per l’Africa in generale. Commissionata da Doreen Sibanda e curata da Raphael Chikukwa, la mostra si intitola “Pixel di Ubuntu / Unhu; esplorando le identità sociali e culturali del 21 ° secolo”. Non esiste una traduzione inglese ufficiale per “Ubuntu”, un concetto che definisce il sé unito a un altro ontologico. “I pixel sono lì per migliorare o distorcere un’immagine e le società africane hanno permesso il pixeling di Ubuntu / Unhu mentre abbracciano culture straniere”, spiega Chikuwka.

Tra le calamità e i problemi di dentizione che hanno afflitto altre presentazioni nazionali africane, lo Zimbabwe è emerso come un sostenitore della presenza africana a Venezia. Lo Zimbabwe ha presentato presentazioni che gli sono valse il rispetto, tanto per la coerenza quanto per la qualità del lavoro. Ritornato nella stessa sede per la terza volta, il padiglione dello Zimbabwe ha creato una ventata di tregua e, in piccola parte, un senso di casa per la comunità di artisti africani a Venezia.

Come negli anni precedenti, il padiglione era situato all’interno di un edificio per uffici dietro a Santa Maria della Pieta sul Canal Grande. Come nelle precedenti edizioni, la presentazione di gruppo nello spazio formale contemporaneo rende la presentazione più simile a una mostra in galleria che a un padiglione nel senso dello spettacolo di successo dei Giardini o dei padiglioni a base di palazzo. Tuttavia, riesce a reggere il confronto.

La mostra ha posto l’accento sull’importanza di Ubuntu / unhu in relazione ai tempi contemporanei in cui viviamo. Un breve discorso su come gli elementi del passato sono collegati al presente e come l’artista si sta evolvendo soprattutto in tempi in cui Ubuntu / unhu è continuamente messo in discussione. Le persone sono state attratte dalla mostra con una naturale curiosità per l’Africa e lo Zimbabwe in particolare.

La mostra è composta da tre artisti Masimba Hwati, Chikonzero Chazunguza e Gareth Nyandoro. La visione d’insieme dei visitatori del padiglione era quanto bene si fondessero tutti i tre artisti. Sebbene di natura individuale e di esecuzione, i lavori hanno trovato un terreno comune su questioni relative all’interrogazione del consumismo in relazione alla condizione e all’esistenza umana.

La maggior parte dei visitatori è stata incuriosita dalla serie “Urban Totems” di Masimba Hwati che trattava il concetto di social media e di come alterano le percezioni delle persone in relazione alla loro identità. “Totem urbani” rivede la tecnologia da una prospettiva africana e internazionale.

Gareth Nyandoro ha avuto commenti e risposte sorprendenti da parte dei visitatori che sono rimasti affascinati dal suo approccio al consumatore, coinvolgendo l’elemento del venditore ambulante e gli aspetti della cultura e delle dinamiche della città. I suoi pezzi come l’installazione intitolata “mushikashika wevanhu”, “5 rand pakadoma” e “primo artista di strada”. I pezzi sono di dimensioni enormi e molto delicati se visti. L’intricato dettaglio che usa e coniato per essere “tecnica di kucheka cheka”. La sua enfasi è sulla situazione umana e sull’impatto del commercio sulla natura umana a livello esistenzialista individualista.

Chikonzero chazunguza ha un potente corpus di lavori che sono sia stampe che installazione video. Chazunguza ha una serie intitolata “Presenza del passato” che coinvolge l’elemento storico del movimento africano in relazione all’incontro coloniale e in che modo il passato è un aspetto critico per il presente e il presente. Accosta immagini di coloro che hanno avviato la ricerca dello Zimbabwe all’indipendenza come Mbuya Nehanda e Sekuru Kaguvi e le collega al contesto dello Zimbabwe nello Zimbabwe contemporaneo. “Gutsameso” è un’installazione video che consiste in una varietà di prodotti da supermercato che vengono confezionati negli scaffali e ripetutamente trasmessi in modo pubblicitario. I visitatori del padiglione dello Zimbabwe si sono riferiti a questa installazione con particolare riferimento a come le merci sono parte integrante della nostra esistenza e come l’industria impone prodotti alle persone. L’elemento dell’abbondanza e l’illusione di una buona vita.

Mentre la stampa globale è troppo spesso accecata dallo stereotipo e dai cliché del passato politico dello Zimbabwe, nel mondo dell’arte, lo Zimbabwe traccia con calma, calma e sicurezza un percorso di stabilità e autodeterminazione, che è un paradigma per il suo futuro e un contributo premuroso a “All The World” s Futures “.

Pixel di Ubuntu / Unhu
Pixel di Ubuntu / Unhu. L’identità è profondamente radicata in “Ubuntu / Unhu” poiché le filosofie alla base di Ubuntu / Unhu sono linee guida sociali standard che guidano naturalmente l’obiettività umana. La cultura è una componente importante per connettere le persone sia a livello locale che internazionale. È una componente naturale per avvicinare le persone alla discussione di idee e allo scambio per il bene della loro comunità. Questa diventa una parte molto importante dell’identità africana. L’impatto esistenzialista e sociale che l’artista ha sull’identità culturale è molto cruciale per il discorso globale. Un senso di Ubuntu / Unhu e questa grande possibilità di guardare il continente africano emergere come parte di un dialogo più ampio. Lo siamo perché lo sei, quindi la filosofia Ubuntu / Unhu è importante per tutti noi. di Tafadzwa Gwetai

I tre artisti concepiranno un nuovo complesso di opere, che incorpora video, stampe, disegni, oggetti e suoni per le sei gallerie del padiglione dello Zimbabwe.

Raphael Chikukwa Capo curatore
Raphael Chikukwa è nato in Zimbabwe e ha lavorato principalmente come curatore indipendente per molti anni prima di entrare a far parte della National Gallery of Zimbabwe a metà 2010 come curatore principale. È il curatore fondatore del Padiglione dello Zimbabwe nel 2010-2011 e ha curato il 1 ° e il 2 ° Padiglione dello Zimbabwe nel 2011 e 2013 rispettivamente alla 54a e 55a Biennale di Venezia. Chikukwa ha recentemente curato Basket Case II, una mostra itinerante, con Christine Eyene. Ha partecipato a numerosi forum tra cui ICI Curatorial Intensive ad Addis Abeba 2014, Future Generation Art Prize Committee 2014 e Johannesburg Art Fair 2013 (SA). Chikukwa è anche il coordinatore fondatore del 1 ° seminario e forum curatoriale dello Zimbabwe e ha anche contribuito a un numero di riviste e cataloghi che includono African Identities Journal, Savvy e Art South Africa ecc. È uno studioso che fa il 2006-2007 e tiene un MA Curating Contemporary Design presso la Kingston University di Londra.

Tafadzwa Gwetai (assistente curatore) è un artista visivo, pittore, scultore e curatore emergente dello Zimbabwe che utilizza mezzi come pittura ad olio, tecnica mista e oggetti trovati. Gwetai è attivamente coinvolto nelle arti dal 2001. Ha partecipato a varie mostre locali e internazionali tra cui, Between the Sheets Artists Books (Gallery East, Australia) e la mostra, Color Africa (Monaco). Ha anche tenuto quattro mostre personali fino ad oggi, con l’ultima tra le quali “Truffatore – Lo scopo dell’illusione” (2014) “Codici estetici: quando la scienza incontra l’arte” (2012). Reintroduce e ridefinisce la matematica con la scienza e la logica per creare un nuovo linguaggio. Un linguaggio che sfida il nucleo stesso dell’industria e la sua rilevanza per l’umanità. Vede che la nostra esistenza è stata trasformata in un lavoro di ufficio e documentazione basato sulla realtà virtuale.

Tafadzwa Gwetai esplora la condizione umana e il modo in cui l’umanità ha ridefinito se stessa e la sua esistenza di base. Filosofia esistenzialista come quella di René Descartes e Platone che sfidarono l’esistenza dell’uomo e fondarono il concetto di “Penso quindi di essere”. Ciò influenzò la sua linea di pensiero a quella di sfidare lo scopo e il significato dell’esistenza dell’umanità.

Masimba Hwati
La serie di dieci pezzi di Msimba Hwati fa apprezzare a tutti i nostri visitatori chi siamo in questa vita. Il modo in cui i simboli sono immediatamente identificabili da bambini dai 2 ai 3 anni. Questi sono diventati veramente i nostri totem urbani. Un totem è un simbolo che identifica la propria esistenza in relazione a ciò che ci circonda o a quello di qualità mitica. La serie “Serie di totem urbani” di Masimba Hwati ha ciò che è stato descritto da alcuni dei visitatori come “pop e allo stesso tempo essere rilevante per la nostra era digitale “L’elemento dell’utilizzo del denim come materiale da stampare ha affascinato molti visitatori e artisti. L’idea del denim è stata sollevata da un visitatore che ha parlato di come “questo trascende nel regno dell’industrialismo e di come il denim sia stato costantemente parte di tutto questo, ma da dietro le quinte perché lo indossiamo”. Il denim fa parte di noi da molti anni ed è un tessuto utilizzato nell’industria e nella moda.

Dare forma alla nostra identità. I totem nei ritratti danno al visitatore l’impressione di trovarsi in una forma di ipnosi. Controllato dal totem e guidato a vedere. Guida per vedere il mondo in un modo app Whats, Twitter, Google e KFC. La maggior parte dei visitatori si relaziona con il concetto di Ubuntu / Unhu mentre osservano come le persone non si parlano più verbalmente / direttamente. Una serie piacevole da percorrere mentre i ritratti ti guardano indietro e ti ricordano che anche tu sei su whatsapp e Face Book e bevi anche coca cola. Il nostro sé urbano.

Masimba Hwati è interessata alla memoria e all’energia degli oggetti tradizionali e allo spazio che occupano nel mondo urbano. Il suo lavoro esplora la trasformazione e l’evoluzione dei sistemi di conoscenza indigeni.

Il dialogo contenuto nel suo lavoro mette in discussione il “pensiero” dietro il pensiero moderno di oggi ed esplora le possibilità altruistiche che esistono nelle culture non materiali

Masimba Hwati. Uno sguardo al lavoro in mostra alla 56a Biennale di Venezia 2015 Padiglione Zimbabwe. Pixel di Ubuntu / Unhu. Esplorando le identità sociali e culturali del 21 ° secolo, Masimba Hwati ha una serie che si chiama “Totem urbani”. La sua serie è il primo colpo d’occhio quando entri nel Padiglione. La sua serie ha dimostrato di essere davvero connessa con la tecnologia e l’industria di tutti i giorni e il modo in cui questi stanno influenzando la nostra percezione del mondo. “Totem urbani” si è collegato con successo a una più ampia gamma di visitatori in termini di età. Dai bambini in grado di decifrare istantaneamente simboli come Twitter, Yahoo e Bart Simpson agli adulti in grado di interpretare l’impatto aggressivo dei superpoteri aziendali. Un vero test sull’impatto reale che questi simboli hanno su tutto il mondo.

Hwati ha un elemento interessante nel suo lavoro e cioè i pulsanti che sono posti alla base di quasi ciascuna delle sue serie “Urban Totems”. Questi hanno suscitato grande curiosità nei visitatori. Alcuni di una generazione precedente possono riguardare i giochi con cui giocavano con i pulsanti. L’obiettivo era quello di lanciare un pulsante e mirare al cerchio contrassegnato. Se uno mira bene, vincono tutti i pulsanti lanciati. L’idea è quella di contrastare l’innocenza dei bambini con l’approccio aggressivo dei social e dei media di consumo. Una serie di dieci pezzi molto forte che si riferisce immediatamente a uno stato di esistenza attuale. In nome di ciò che chiamiamo “progresso”, e “sviluppo” il nostro Ubuntu / Unhu viene messo alla prova.

Masimba dice: “Sto guardando come questi sistemi coesistono con gli attuali paradigmi. L’idea di” incongruenza armonica “e giustapposizione di elementi culturali esoterici con il simbolismo tradizionale moderno è un fattore alla base di questo processo di pensiero.

La sua serie di totem urbani si domanda se il pixilating della tecnologia del nostro Ubuntu / Unhu abbia migliorato o distorto la nostra umanità.

Gareth Nyandoro
Quando le opere o l’arte vengono create assumono nuovi significati che mantengono il concetto in crescita. Gareth Nyandoro ha portato le persone nelle strade di Harare. L’idea di sperimentare un suono che non è imponente perché conosci la fonte. L’installazione ha una registrazione continua che si ripete e saranno i suoni di un venditore ambulante che chiama “dollaro per due”. Il suono è mescolato con i suoni delle città urbane che si trovano nelle aree di mercato.

Gareth Nyandoro lo ha sempre portato in strada con i suoi argomenti. Mi ricorda il suo lavoro “stelle lecca-lecca”. Uno sguardo ravvicinato alla cultura di strada e alla sopravvivenza dell’uomo urbano. L’opera rivendica il proprio spazio nello stesso modo in cui sono impostati i punti vendita temporanei.

Un individuo può rivendicare un’area o uno spazio nella “giungla di cemento” nonostante non sia mai permanente. Un’esistenza costante in cui la polizia o il consiglio ti inseguono costantemente dagli spazi pubblici urbani della città. Un’esistenza transitoria in cui si è costantemente in movimento.

“First Street performer” è un’opera d’arte che ha fatto sì che i visitatori prestassero attenzione all’artigianato e al soggetto. Il dettaglio che attira per primo il visitatore nell’opera è l’abilità incredibile e altamente tecnica. La carta viene tagliata a strisce sottili e le riordina. Costruisce, decostruisce e poi ricostruisce. Il primo artista di strada ha visitatori che si collegano con le loro prime strade da dove vengono e se funzionerebbe avere un artista nella loro prima strada. L’idea di base è come le persone sono coinvolte in un ciclo urbano che cerca di sopravvivere e di farsi notare e apprezzare. L’installazione è isolata nella sua stanza. Come per rivendicare il suo spazio a Venezia e dire “questo è dove sto allestendo il mio negozio /” Mushikashika wavanhu “.

Gareth Nyandoro combina immagini di venditori con materiali trovati che elabora impiegando variazioni idiosincratiche sulle tecniche artigianali tradizionali. Tenta di simulare l’ambiente di mercato combinando collage bidimensionali con oggetti tridimensionali. La fragile, effimera qualità del suo lavoro fa riferimento alla natura temporanea del mercato. Le installazioni di Gareth riuniscono le componenti bidimensionali e tridimensionali attraverso disegni, oggetti di scena e oggetti per creare opere che riflettono la sua ricerca in relazione allo spazio, alla narrazione o alla narrazione e ai materiali man mano che vengono modificati e trasferiti.

Gareth Nyandoro. Uno sguardo al lavoro in mostra alla 56a Biennale di Venezia 2015 Padiglione Zimbabwe. Pixel di Ubuntu / Unhu. Esplorazione delle identità sociali e culturali del 21 ° secolo Il dettaglio e la tecnica meticolosa messi nell’opera di Nyandoro hanno catturato l’attenzione di molti visitatori. Da lontano lo spettatore vede un enorme dipinto che ha contorni e si possono vedere forme di persone.

Tutti e quattro i suoi pezzi “Ihohoho namadzibaba Ishmairi”, “Primo artista di strada”, “5 rand pa Kadoma pamushika shika” e Zvikwedengu nezvinamira. L’elemento della cultura di strada è dedotto dal visitatore indipendentemente dal titolo Shona. Il suo lavoro è stato descritto come potente ma allo stesso tempo possiede una natura delicata. L’idea della natura transitoria della vita nelle strade come “artista di strada” coinvolge lo spettatore a relazionarsi con una vita di esistenza urbana. L’installazione del mercato di Niandoro, “Pamushika shika wavanhu”, è un’ulteriore esplorazione della sua strada la cultura che ritrae: una cultura di strada che coinvolge la nostra esistenza in relazione alle circostanze definite dal commercio, come il prodotto in vendita definisce l’esistenza dei venditori e come il prodotto definisce quello dell’acquirente.

Si intreccia con la carta. Nyandoro produce stampe non utilizzando una lastra di rame incisa, ma tagliando direttamente sulla carta, spugnando l’inchiostro su di essa e infine rimuovendo lo strato superiore di carta con del nastro in modo che l’inchiostro rimanga solo nei tagli. Una tecnica che chiama “KUCHEKACHEKA”.

Chikonzero Chazunguza
L’idea di ciò che sembra essere o ciò che sembra essere si intreccia creativamente nel significato della serie “Past and Presence” di Chikonzero Chazunguza. I visitatori provenienti da ogni angolo del mondo condividono una preoccupazione simile con Chikonzero Chazunguza. L’elemento della diaspora è coinvolto in quanto hanno una storia così estranea a quella dell’Africa. Ci sono quelli che hanno discendenze familiari esistenti da molte generazioni nella diaspora e in sostanza i loro antenati sono sepolti lì. Alcuni visitatori provenienti dall’America hanno posto una domanda che mi ha fatto pensare e vedere la serie di Chazunguza con una nuova prospettiva.

L’idea di un passato incerto che sentono gli afroamericani o quelli brasiliani e le persone di molte altre origini etniche indigene. Si sentono come se un passato non concreto e un passato creato per loro attraverso la conquista coloniale li rendesse incerti sul futuro. L’elemento del “passato e presente”. Nella maggior parte dei casi il passato non è nel presente in quanto alcuni scelgono di ignorare un passato e di concentrarsi su un futuro che deriverebbe dal “presente”. Chazunguza è fermo e chiaro sulla sua posizione riguardo a elementi di storia e tradizione coinvolgenti. Un approccio che è stato coerente per tutta la sua vita creativa. In un mondo con costanti cambiamenti sociali e ricerca spirituale.

Chikonzero (Chiko) Chazunguza è un artista visivo e provocatore, le cui opere multidisciplinari sollevano interrogativi sulla condizione postcoloniale e sul ruolo instabile e la natura dell’arte nel suo contesto postcoloniale. Tra le sue opere più avvincenti ci sono quelle che ripristinano per lo spettatore, un senso di ordine rituale e dei misteri più profondi della vita, oltre a offrire analisi sociali e politiche incisive, ma sottili. Chiko si propone deliberatamente di riconnettersi con le modalità locali di fabbricazione e visuality, esplorando le loro aree di estetica si sovrappongono alle tradizioni occidentali per produrre nuove forme visive e nuovi tipi di esperienze visive.

Quando le opere o l’arte vengono create, assumono nuovi significati che mantengono il concetto in crescita.Chikonzero Chazunguza è rimasto profondamente nel cuore della maggior parte dei visitatori che hanno vissuto un passato che era socialmente e colonialmente impegnativo. Le serie del passato e della presenza fanno appello a persone che hanno paesi in cui le lingue indigene stanno morendo. Un giovane irlandese potrebbe riferirsi all’elemento di un passato che non è necessariamente “presente”. L’Irlanda e molti altri paesi come i visitatori provenienti dal Brasile e dall’Australia parlano appassionatamente dell’argomento. La perdita della lingua è il primo passo per perdere la propria identità e quindi assumere una nuova identità che ha solo un riferimento al presente.

“Chimanjemanje” è un pezzo di Chazunguza che ha raggiunto il livello di ciò che conosciamo come stampa essendo inchiostro su carta. “Chimanjemanje” ha attirato l’attenzione del curioso visitatore che si avvicina allo zoom per valutare il lavoro che sta effettivamente tessendo nella stampa. La stampa è composta da carta intrecciata con lattine di bevande per la carne e le loro etichette e codici a barre vengono rivelati ma strategicamente come il paniere. L’idea di “Chimanjemanje” che si traduce nel significato di “moderno”. La maggior parte delle opere d’arte di 122 cm 181 cm è tessuta in quadrati in miniatura. Sopra ogni quadrato c’è l’impressione di una testa, quindi ogni quadrato rappresenta il ritratto del busto di una persona. A poco a poco vedi una rete di persone in questa creazione che inizialmente sembrava tessere marchi di bibite. “Pixel? No ?” Mi chiede un visitatore mentre indica la creazione di Chazunguza. Come i pixel, che è il piccolo componente individuale di un’immagine. “Chimanjemanje” parla della nuova identità in cui stiamo cambiando ed è guidata da marchi commerciali. “Chimanjemanje”, la gente moderna. Essere deviati da una qualità della vita alla moda e ignorare le proprie radici / origini.

Nei suoi dipinti, stampe e nelle sue installazioni è noto per aver sperimentato una varietà di materiali, tra cui oggetti della vita africana di tutti i giorni, problemi sfidanti delle sottili condizioni coloniali in Africa sulla distribuzione della terra, insicurezza alimentare, degrado della spiritualità indigena, tradizionale ordine e rituali.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato Presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour speciali e soggiorni nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.