Granada foi a primeira vez na Biennale di Venezia em 2015. Através da cooperação do Ministério da Cultura, Granada foi convidada a apresentar um Pavilhão Nacional e trazer a exposição com o tema “Present Nearness”. O local da exposição de Granada foi na Sala Tiziano, na Ópera Orione Artigianelli, Dorsoduro, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati 919, um belo edifício histórico próximo à parada de táxi aquático de Zattare.

Susan Mains é a curadora desta exposição, juntamente com seu colega italiano, Francesco Elisei. O título da exposição “Present Nearness” retrata o grupo de artistas interpretações de sua própria interação com o mundo desordenado, um dos filtros mencionados por Okwui Enwezor. Um grupo de artistas foi escolhido para representar Granada e eles alinharam seus pensamentos ao fazer a arte com o tema da bienal, “Todos os futuros do mundo”.

O tempo de Granada tem sido auspicioso para fazer parte da primeira Bienal verdadeiramente global, sinalizando uma mudança tectônica da representação nacional para a mondialité, como concebido por Eduard Glissant. Enwezor é “uma pessoa de fora do estabelecimento artístico” que se envolve com artistas, independentemente do mercado artístico e além dos muros institucionais que glorificam a coleta e a exibição de objetos de arte em isolamento modernista. Artistas visuais, como escritores e intelectuais, devem ter a coragem de “falar a verdade ao poder”, enfrentar a violência, o conflito e as questões mais vitais que afetam sua sociedade. A 56ª Bienal de Veneza comemora 120 anos de exibição do internacional em arte, pedindo uma avaliação do “estado atual das coisas”. A agenda curatorial de Enwezor é um chamado às armas pedindo aos artistas que investiguem sua presença através dos meios de sua arte.

A agenda curatorial de Enwezor elogia a recente expansão dos pavilhões nacionais em Veneza, introduzindo os países pós-coloniais mais jovens com emergentes condições políticas, sociais e econômicas. A produção artística com um consciente histórico pode desafiar as narrativas atuais do passado, extraindo o presente para desenvolver novos conceitos para o futuro da “constelação pós-colonial”. A temporada aberta foi declarada nas narrativas históricas nacionais prontas para a desconstrução para produzir obras de um local contemporâneo para o cenário artístico global e essa abordagem é evidente em Veneza este ano.

Para conhecer um pouco da história do Caribe, é preciso enfrentar as condições psicográficas geográficas que são brutalmente desconfortáveis: o inferno no paraíso. Onde “ninguém no Caribe é nativo do meio ambiente”, sua história é de violência, trauma e opressão provocada pela escravidão e pelo colonialismo, justapostos às brochuras turísticas do século XX de ‘céu azul-turquesa-águas’ que desmentem as condições reais da cultura pós-colonial do Caribe. O trabalho dos quatro artistas granadinos foi produzido em diálogo com o chamado curatorial de armas de Enwezor e consciente de seu novo papel na representação de Granada no cenário artístico global de Veneza. Susan Mains e Maria McClafferty produziram obras monumentais abordando o estado de violência e opressão inerentes à sociedade. Asher Mains estabeleceu um diálogo completamente novo entre pintura, identidade e cultivo de cacau na cultura granadina. Como um cirurgião-pintor, Oliver Benoit disseca a mente humana para representar o impulso visceral e a atração do cérebro criativo em ação.

Granada fala, arte: a resposta artística investiga as condições do contemporâneo. O trabalho desses quatro artistas representa “Granada”, onde no contexto de Veneza algo maior está em jogo entre arte, identidade nacional e história.

Os curadores
O curador da Bienal de Veneza, Cheif, é Okwui Enwezor. Susan Mains é curadora do Pavilhão de Granada.

Susan Mains
A prática artística de Susan Mains tem sido necessariamente auto-didática. Crescendo em Granada, não havia recursos para o ensino de arte. Sua graduação, pós-graduação e pós-graduação estavam todas focadas na área de educação. Enquanto vivia na Dominica nos anos 80, uma busca incansável pela arte se tornou sua missão. Nos últimos 30 anos, ela tem sido principalmente pintora, explorando superfície, textura, intensidade e, mais recentemente, voltou-se para o vídeo e a instalação para obter uma gama maior de possibilidades do visual.

A prática curatorial de Mains também foi auto-didática, novamente por necessidade. Sem um forte apoio institucional em uma pequena ilha, o artista geralmente precisa assumir a liderança. Organizando shows em grupo em Granada, ela levou trabalhos contemporâneos para a região do Caribe, incluindo o Museu de Arte Moderna de Santo Domingo em várias bienais do Caribe. Seus esforços incluíram exposições no Museu da OEA em Washington DC e na World Expo em Xangai, China em 2010. Ela escreve sobre a arte das pequenas ilhas do Caribe Oriental e apresentou trabalhos em conferências acadêmicas em todo o mundo. Ela opera sua própria galeria comercial em Granada, Art and Soul, nos últimos 13 anos.

Francesco Elisei
O curador independente Francesco Elisei foi fundado em 1974 e é especialista em história da arte contemporânea na Universidade La Sapienza de Roma, com curadoria de exposições na Itália, Nova York, Tóquio, Osaka, Toronto. Ele escreveu numerosos ensaios e publicou vários catálogos nacionais e internacionais. Em 2007, começou na Bienal de Veneza em trajetória curatorial, cuidando da 52ª Bienal de Veneza no Pavilhão da Moldávia. Em 2009, editou o pavilhão “Nature and Dreams” IILA / Costa Rica para 53 Bienal de Veneza; em 2011, editou o pavilhão da República da Costa Rica à 54ª Bienal de Veneza, em 2013, a 55ª Bienal de Veneza supervisionou o pavilhão da República Popular do Bangladesh, da República da Costa Rica e colateral de eventos Voltar Voltar à Bienal dedicada ao mundo da escrita e da arte de rua . Em 2015, a 56ª Bienal de Veneza foi nomeada para garantir o pavilhão de Granada.

Francesco Elisei curou a universidade em 1974 e especializou-se na história da arte contemporânea contemporânea da Universidade La Sapienza di Roma, na mesquita curadora da Itália, Nova York, Tóquio, Osaka, Toronto. Há escritos numerosos e publicados diversos catálogos nacionais e internacionais. Em 2007, ele iniciou o curador da Bienal de Veneza, curando o Padiglione Molda pela 52ª Bienal de Veneza, em 2009, cursou o Padiglione «Natura e Sogni» IILA / Costa Rica no 53 Bienal de Veneza, no ano de 2011 repertório da República da Costa Rica em 54 Bienal de Veneza, em 2013 em 55ª Bienal de Veneza com a edição da República Popular do Bangladesh, da República da Costa Rica e do evento de volta Voltar à Bienal dedicada ao mundo da escrita e da música arte de rua. Em 2015, na 56ª Bienal de Veneza, o Estado está cursando a Escola de Granada

Os artistas
Artistas de Granada e Itália se uniram para tornar este pavilhão um grande sucesso. A elegância da Itália e o calor de Granada, combinados para dar um toque singular.

Oliver Benoit
Benoit vive e trabalha em Granada. Ele é abstracionista, com uma propensão a obscurecer suas imagens. Ele também é professor de sociologia na Universidade St. George.

Na superfície, o Anima 1 é uma pintura abstrata construída camada após camada em óleo e acrílico, com elementos verticais de colagem em negrito. A estrutura da composição é centrada em quatro pedaços de tela pintados de cinza e malva, dobrados e achatados como tubos arteriais macios. Os “canos” centrais contêm uma passagem fechada da atividade vertical, mais escura e menos articulada do que as formas emergentes além das “barreiras”. A superfície circundante é flutuante com energia em uma variedade de marcas manchadas, raspadas e pingadas, formando um espesso impasto, à medida que as camadas se cristalizam em retângulos alaranjados totalmente formados, penteados ou raspados como massa com uma espátula. Esses retângulos parecem pairar e fluir, emergir e dissolver, entrar e escapar, sendo absorvidos e “bloqueados” pelas “barreiras” tridimensionais. Descrever uma pintura abstrata complexa é dissecar e analisar a decomposição das coisas.

O filósofo analítico John Campbell fornece uma definição paralela útil ao olhar para a pintura de Benoit:

“Filosofia é pensar em câmera lenta. Ele divide, descreve e avalia os movimentos que normalmente fazemos em grande velocidade – relacionados às nossas motivações e crenças naturais. Torna-se evidente que alternativas são possíveis. ”

Se a prática da filosofia é análoga à prática da arte, a obra de Benoit propõe que o objetivo de uma pintura seja desacelerar e analisar o fluxo e refluxo do ato criativo que acompanha o uso do cérebro para pensamento, visão e decisão. fazer. As estruturas centrais ousadas do Anima 1 são as “barreiras” – como uma série de colunas nervosas centrais – através das quais os esquemas simbólicos se movem. Benoit está examinando como o cérebro filtra idéias “boas” e “ruins”, no processo de pintura, e como absorvemos e bloqueamos influências e hábitos conscientes e inconscientes. Uma pintura é uma construção e, portanto, examinar as condições e o ato da pintura pode revelar verdades sobre o eu. A função do cérebro e do pensamento são explorados através do ato de pintar, fornecendo evidências de como podemos conhecer e entender a natureza da identidade de alguém, observando a mente humana criativa no trabalho.

O trabalho de Benoit, como pintor e acadêmico, explora o papel da identidade. A pressão entre nossas idéias e nossas ações durante a pintura é um microcosmo de como vivemos e nos relacionamos com a sociedade. O papel dos artistas profissionais na sociedade contemporânea do Caribe é emergente. O interesse de Benoit na (re) construção da identidade através da arte também desafia a indiferença cultural aos artistas e às práticas de artes visuais na sociedade décadas após o fim do colonialismo.

Maria McClafferty
Maria McClafferty vive e trabalha em Granada. Suas construções de vidro e aço foram encomendadas em todo o mundo. Recentemente, seu trabalho em encáustica levou a uma nova expressão.

O monumental tríptico de McClafferty, Disordered World, é uma escultura em vidro fundido colorida e arrojada, suspensa em frente à janela palladiana central do pavilhão. A luz por trás lança a aura de um quimono etéreo flutuante em verdes, amarelos, brancos nublados e vidro transparente com textura acentuada, com detalhes em laranja e vermelho em um espaço semelhante a uma capela, com cortinas brancas do chão ao teto em ambos os lados. A leveza da instalação desafia o peso desses painéis de vidro envoltos em um andaime de aço preso com grampos de metal e fios suspensos por correntes lançadas através de aros que se assemelham a seis algemas. A pura beleza decorativa do vidro colorido fundido em uma inspeção mais detalhada guarda um segredo sombrio.

Os painéis são feitos com camadas de vidro (“empilhamento”), pintadas e fundidas a temperaturas variadas (“rampas” de explosão quente e “banhos” mais longos)) no forno de McClafferty em Granada. A alquimia do calor, vidro e cor produziu uma textura abstrata densa de passagens de glóbulos, bolhas de ar e borrifos de cores intensos envolvidos nas texturas híbridas produzidas pelo estresse do vidro de recozimento. O título Disordered World para um trabalho em vidro produz um duplo sentido: o vidro é um sólido amorfo, isto é, os átomos e as moléculas não são organizados em um padrão definido e, portanto, por natureza são desordenados para formar uma estrutura.

Os detalhes emergem em uma inspeção mais detalhada. As cruzes de metal, como arame farpado, criam uma cicatriz sinistra no painel central, dissecando o contorno de uma figura feminina crucificada. Os seios delineados na base dos braços erguidos e as palmas das mãos estendidas pontilhadas com borrifos de sangue vermelho congelante. Uma escova de cabelo esconde uma cabeça pesada. O simbolismo de uma figura em uma cruz tem um significado universal que é brutalidade ecoado pelas seis algemas que carregam o peso da obra. (Essa figura é ecoada em seus dois trabalhos pendurados no claustro em alumínio com listras brilhantes pela luz enquanto você caminha pelo espaço.) Feito em Granada, o Disordered World cruzou o Atlântico do Caribe ao Mediterrâneo. Seu segredo sombrio é que ele contém histórias brutais e opressivas: escravidão humana e colonialismo (algemas de aço) e a violência contra as mulheres (a forma feminina aprisionada). As conexões históricas entre o velho e o novo mundo são hoje um legado de violência duradoura que não reconhece a ‘emancipação’. Aqui, McClafferty “fala a verdade ao poder”: o corpo humano preso em um estado de violência é naturalizado por aqueles que continuam a infligir violência.

Asher Mains
Asher Mains vive e trabalha em Granada. Ele é principalmente um pintor, mas também trabalha em construções e instalações. Seu trabalho costuma abordar preocupações sociais.

Este retrato grande é o mais recente de uma série intitulada: “Retratos Pintados para Produtores de Cacau”. Ao entrar na Sala Tiziano, a presença de Joanne captura seu olhar imediatamente. Ela está sentada, sorrindo para o espectador, relaxada e formidável em suas roupas de trabalho, grandes botas de borracha e boné, como se estivesse conversando conosco enquanto descansava. Ela está sentada ao ar livre, uma dica de vegetação é visível ao lado de sua mão esquerda e seu rosto e notamos que seu facão (‘cutelo’) está ao seu lado – também descansando no chão por enquanto. Seu sorriso carismático e força física, vistos de baixo, tornam sua aparência ainda mais atraente em um fundo decorativo de constelações em forma de diamante gravadas em telas não pintadas usando o popular “chá de cacau” de Granada.

A descrição acima de um retrato pintado impressionante desmente o projeto maior de Mains em questão. O projeto começou em 2014 com entrevistas, filmes e fotografias de produtores de cacau baseados na propriedade Crayfish Bay em St Mark, em preparação para a pintura de oito retratos. Em janeiro de 2015, Mains realizou uma reunião de exibição, na qual ele revelou cada retrato como um presente para os familiares, em gratidão e reconhecimento ao seu trabalho para produzir cacau. As reações a este projeto capturadas em filme são de deleite e perplexidade – o retrato é imediatamente reconhecido como algo especial, mas chegou a um contexto completamente novo para a pintura de retratos. O projeto de Mains desafia as convenções inerentes ao seu meio, incluindo a história e a natureza da relação pintor-consumidor, transformando o retrato em uma forma de intercâmbio cultural que dá a esses agricultores um status estético novo e tangível através da arte.

A agricultura de cacau e o desenvolvimento de uma indústria de chocolate de pleno direito é o desenvolvimento agrícola mais emocionante em Granada desde o furacão Ivan. O terrior vulcânico e os cacaueiros de Granada têm uma qualidade excepcional, mas o cacau foi ofuscado pela noz-moscada durante o colonialismo. O comércio de cacau experimentou uma mini-revolução com a chegada da Grenada Chocolate Company da Mott Green em 1999. Essa marca colorida deu poder aos produtores independentes de cacau cujos grãos são processados ​​em fábricas como a propriedade de Belmont (onde Joanne trabalha) e o nova empresa Diamond. A indústria não está imune a preocupações sobre as quais a idade média dos agricultores (final dos anos 50) reflete o fato de que, apesar do entusiasmo recente pelo cacau, a agricultura continua tendo dificuldades para atrair jovens, enquanto cresce a ameaça de padrões climáticos imprevisíveis. No entanto, a indústria de cacau de Granada tornou-se uma fonte de orgulho após o projeto de Ivan e Mains refletir a autêntica “força motriz” e “puro amor à agricultura” que inspira seus assistentes. No momento, Granada é única, pois é o único país produtor de cacau que também produz e comercializa suas próprias marcas de chocolate. A esperança é que a indústria do cacau em Granada possa liderar como um modelo de comércio justo sustentável e ético para outros países produtores de cacau.

Francesco Bosso
Francesco Bosso vive e trabalha na Itália. Ele empodera a fotografia tradicional com filme e uma sala escura e imprime em papel de gelatina prata para capturar uma luz única.

Giuseppe Linardi
Giuseppe Linardi é um pintor e escultor que vive e trabalha na Itália. Sua série de “decodificação” possui um recurso exclusivo push-pull.

Carmine Ciccarini
Carmine Ciccarini é um pintor que usa métodos tradicionais e históricos. Seu uso da cor é significativo para as paisagens da cidade, que muitas vezes destacam a importância da humanidade. Ele vive e trabalha na Itália

Susan Mains
Susan Mains vive e trabalha em Granada. Seu trabalho internacional geralmente está em instalação e frequentemente explora a desumanidade do homem para com o homem.

Como curadora e artista, Mains produziu uma instalação provocativa na entrada do pavilhão: None Calls for Justice (2015). Ecoando o epílogo de Enwezor no catálogo da Bienal de Veneza sobre o “clima de medo” após os tiroteios de Charlie Hebdo, o trabalho de Mains traduz e apresenta para uma inspeção mais detalhada a violência icônica contida nas fotografias de notícias recentes. Sua instalação é feita de roupas prostradas como corpos, suavemente construídas para implicar uma forma interna e cuidadosamente coberta de flores e velas acesas. Na chegada, essa peça imediatamente confronta e exige nossa atenção, pois reconhecemos esses corpos nas fotografias dos massacres nigerianos. As velas e as flores comemoram as figuras fantasmas que atraem os visitantes para se tornar uma testemunha e refletir sobre vidas perdidas brutalmente e sem sentido.

A intenção original de Mains era ter a instalação aberta para os elementos no claustro; no entanto, o canto do claustro fornece um abrigo escuro para proteger e aumentar o efeito das velas iluminadas. Aqui, a instalação None Calls for Justice é transformada em uma lembrança mori que reverbera um apelo à humanidade e a toda alma humana perdida.

Nenhum pede justiça
As roupas representam os corpos dos mortos pela violência – as meninas na Nigéria, as estudantes no Quênia, as que se afogaram no Mediterrâneo e outras ao redor do mundo. Todas as vidas parecem iguais.

Pavilhão de Granada
A maior área de desenvolvimento necessária no Caribe agora é em infraestrutura artística. Os artistas de Granada usaram suas habilidades empreendedoras em arte para chegar a Veneza com grande sucesso, mas agora Granada deve responder a esse primeiro passo histórico. Os benefícios econômicos da construção de uma infraestrutura artística provaram repetidamente melhorar a qualidade de vida das comunidades. Investir em infraestrutura artística (e cultural) significa desenvolver instituições e iniciativas que realizam eventos públicos como Bienais, desenvolver residências artísticas e oficinas educacionais. E até que exista um mercado internacional de arte mais dinâmico na Caribbean Art, artistas e curadores devem continuar a viajar e expor internacionalmente para comercializar arte granadina e reunir artistas por sua vez para promover suas instituições de origem.

O efeito Veneza de Granada deve funcionar nos dois sentidos agora que uma ponte foi formada com o mundo da arte contemporânea. A presença de “arte granadina” no mundo internacional da arte é uma oportunidade para as instituições de arte de Granada em casa aproveitarem esse novo status e identidade. Um pavilhão de Veneza estabelece uma identidade artística nacional oficial que pode ser adicionada aos diálogos políticos existentes em Granada, com referência à cultura granadina no éter internacional, semelhante à exibição no “cluster” da CARICOM na Milano Expo ou à conquista de medalhas de ouro no Chelsea Flower Exposição. As comunidades criativas de Granada devem ser reconhecidas onde existem redes políticas, econômicas e sociais que precisam de empreendedores e artistas de arte para liderar interesses culturais e estéticos da identidade nacional de Granada juntos e em toda a Comunidade do Caribe.

A estréia em Veneza em Granada tem a sorte de coincidir com a constelação de arte global inclusiva de Enwezor. O trabalho dos quatro artistas de Granada tem um novo status e significado que representam a identidade e o patrimônio das artes nacionais de Granada. Os futuros de Veneza agora fazem parte do futuro de Granada. Granada é um país pequeno comparado aos países do Caribe que já exibiram na Bienal e têm identidades artísticas nacionais mais fortes. No entanto, a presença de Granada revelou conexões atuais que estabelecerão as “conversas” internacionais cruciais para os futuros legados de Granada estabelecidos em seu primeiro ano na Bienal de Veneza.

Bienal de Veneza 2015
A Bienal de Arte de 2015 encerra uma espécie de trilogia que começou com a exposição com curadoria de Bice Curiger em 2011, Illuminations, e continuou com o Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Com o All The Futures do mundo, a La Biennale continua sua pesquisa sobre referências úteis para fazer julgamentos estéticos sobre a arte contemporânea, uma questão “crítica” após o final da arte de vanguarda e “não-arte”.

Por meio da exposição com curadoria de Okwui Enwezor, a Bienal volta a observar a relação entre arte e o desenvolvimento da realidade humana, social e política, na prensagem de forças e fenômenos externos: as maneiras pelas quais, ou seja, as tensões do exterior o mundo solicita as sensibilidades, as energias vitais e expressivas dos artistas, seus desejos, os movimentos da alma (sua canção interior).

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008 e antes de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Artes Contemporâneas (ASAC), que recentemente foi completamente reformado.

O relacionamento com a comunidade local foi fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e além. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que fazem passeios e estadias especiais nas exposições. Nos três anos de 2012 a 2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Sessões da Bienal.

Em todos os setores, houve mais oportunidades de pesquisa e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, diretamente em contato com professores de renome; isso se tornou mais sistemático e contínuo através do projeto internacional Biennale College, agora em execução nas seções de dança, teatro, música e cinema.