Gegenwärtige Nähe, Grenada-Pavillon, Biennale von Venedig 2015

Grenada war 2015 das erste Mal auf der Biennale di Venezia. In Zusammenarbeit mit dem Kulturministerium wurde Grenada eingeladen, einen Nationalen Pavillon zu präsentieren und die Ausstellung mit dem Thema „Present Nearness“ zu präsentieren. Der Veranstaltungsort für Grenadas Ausstellung war Sala Tiziano, Oper Don Orione Artigianelli, Dorsoduro, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati 919, ein wunderschönes historisches Gebäude in der Nähe der Wassertaxi-Haltestelle Zattare.

Susan Mains ist die Kuratorin dieser Ausstellung, zusammen mit ihrem italienischen Amtskollegen Francesco Elisei. Der Titel der Ausstellung „Present Nearness“ zeigt die Gruppe von Künstlern, die ihre eigene Interaktion mit der ungeordneten Welt interpretieren, einer der Filter, von denen Okwui Enwezor spricht. Eine Gruppe von Künstlern wurde ausgewählt, um Grenada zu repräsentieren, und sie haben ihre Gedanken darauf ausgerichtet, die Kunst auf das Thema der Biennale „All the World’s Futures“ auszurichten.

Grenadas Timing war günstig, um Teil der ersten wirklich globalen Biennale zu sein, die eine tektonische Verschiebung von der nationalen Repräsentation zur Mondialité signalisiert, wie sie von Eduard Glissant konzipiert wurde. Enwezor ist „ein Außenseiter des Kunstbetriebs“, der sich mit Künstlern unabhängig vom Kunstmarkt und jenseits institutioneller Mauern beschäftigt, die das Sammeln und Ausstellen von Kunstobjekten in modernistischer Isolation verherrlichen. Bildende Künstler wie Schriftsteller und Intellektuelle sollten den Mut haben, „der Macht die Wahrheit zu sagen“, sich mit Gewalt, Konflikten und den wichtigsten Problemen zu befassen, die ihre Gesellschaft betreffen. Die 56. Biennale von Venedig feiert das 120-jährige Bestehen der internationalen Kunstausstellung und fordert eine Bewertung des „aktuellen Standes der Dinge“. Enwezors kuratorische Agenda ist ein Aufruf an die Waffen, Künstler aufzufordern, ihre Präsenz mit Hilfe ihrer Kunst zu untersuchen.

Die kuratorische Agenda von Enwezor ergänzt die jüngste Erweiterung der nationalen Pavillons in Venedig, in der jüngere postkoloniale Länder mit sich abzeichnenden politischen, sozialen und wirtschaftlichen Bedingungen eingeführt wurden. Kunstproduktion mit einem historischen Bewusstsein kann aktuelle Erzählungen der Vergangenheit herausfordern, indem sie die Gegenwart abbaut, um neue Konzepte für die Zukunft der „postkolonialen Konstellation“ zu entwickeln. In den nationalen historischen Erzählungen, die für die Dekonstruktion reif sind, um Arbeiten von einem zeitgenössischen Ort für die globale Kunstbühne zu produzieren, wurde die offene Saison erklärt, und dieser Ansatz ist in diesem Jahr überall in Venedig offensichtlich.

Um etwas über die karibische Geschichte zu erfahren, muss man sich mit psychogeografischen Bedingungen auseinandersetzen, die brutal unangenehm sind: Inferno im Paradies. Wo „niemand in der Karibik in der Umwelt beheimatet ist“, ist seine Geschichte eine Geschichte von Gewalt, Trauma und Unterdrückung, die durch Sklaverei und Kolonialismus hervorgerufen wird, neben den touristischen Broschüren „Blauer Himmel, Türkiswasser“ des 20. Jahrhunderts, die den tatsächlichen Bedingungen entsprechen der postkolonialen karibischen Kultur. Die Arbeit der vier grenadischen Künstler wurde im Dialog mit Enwezors kuratorischem Ruf zu den Waffen produziert und ist sich ihrer neuen Rolle bei der Repräsentation von Grenada auf der globalen Kunstbühne Venedigs bewusst. Susan Mains und Maria McClafferty haben monumentale Werke geschaffen, die sich mit dem Zustand von Gewalt und Unterdrückung befassen, der der Gesellschaft innewohnt. Asher Mains hat einen völlig neuen Dialog zwischen Malerei, Identität und Kakaoanbau in der grenadischen Kultur hergestellt. Wie ein Chirurg-Maler zerlegt Oliver Benoit den menschlichen Geist, um das viszerale Drücken und Ziehen des kreativen Gehirns in Aktion darzustellen.

Grenada Speak, Art: Die künstlerische Antwort untersucht die Bedingungen der Gegenwart. Die Arbeit dieser vier Künstler repräsentiert „Grenada“, wo im Kontext von Venedig etwas Größeres zwischen Kunst, nationaler Identität und Geschichte spielt.

Die Kuratoren
Cheif Kurator der Biennale di Venezia ist Okwui Enwezor. Susan Mains ist Kuratorin des Grenada Pavilion.

Susan Mains
Die Kunstpraxis von Susan Mains war notwendigerweise autodidaktisch. Aufgewachsen in Grenada gab es keine Ressourcen für die Kunsterziehung. Ihre Universitäts-, Hochschul- und Postgraduiertenabschlüsse konzentrierten sich alle auf den Bildungsbereich. Während sie in den 1980er Jahren in Dominica lebte, wurde ein unermüdliches Streben nach Kunst zu ihrer Mission. In den letzten 30 Jahren war sie hauptsächlich Malerin und hat sich mit Oberfläche, Textur und Intensität befasst. In jüngerer Zeit hat sie sich Video und Installation zugewandt, um ein breiteres Spektrum an visuellen Möglichkeiten zu erreichen.

Die kuratorische Praxis von Mains war ebenfalls autodidaktisch, wiederum notwendigerweise. Ohne starke institutionelle Unterstützung auf einer kleinen Insel muss der Künstler oft die Führung übernehmen. Sie organisiert Gruppenausstellungen in Grenada und hat zeitgenössische Arbeiten in die Karibik gebracht, darunter das Museum of Modern Art in Santo Domingo für mehrere karibische Biennalen. Zu ihren Bemühungen gehörten Ausstellungen im OAS Museum in Washington DC und die Weltausstellung in Shanghai, China im Jahr 2010. Sie schreibt über die Kunst der kleinen Inseln der östlichen Karibik und hat weltweit Vorträge auf akademischen Konferenzen gehalten. Seit 13 Jahren betreibt sie eine eigene kommerzielle Galerie in Grenada, Art and Soul.

Francesco Elisei
Der unabhängige Kurator von Francesco Elisei wurde 1974 gegründet und ist auf zeitgenössische Kunstgeschichte an der Universität La Sapienza in Rom spezialisiert. Er hat Ausstellungen in Italien, New York, Tokio, Osaka und Toronto kuratiert. Er hat zahlreiche Aufsätze verfasst und mehrere nationale und internationale Kataloge veröffentlicht. 2007 startete er kuratorisch auf der Biennale in Venedig und kümmerte sich um den Moldauischen Pavillon. 52. Biennale in Venedig 2009 redigierte er den Pavillon „Natur und Träume“ IILA / Costa Rica in 53 Bi-ennale von Venedig, 2011 redigierte er den Pavillon von der Republik Costa Rica bis zur 54. Biennale von Venedig, 2013 beaufsichtigte die 55. Biennale von Venedig den Pavillon der Volksrepublik Bangladesch, die Republik Costa Rica und Event-Sicherheiten Zurück zur Biennale, die der Welt des Schreibens und der Straßenkunst gewidmet ist . 2015 wurde die 56. Biennale von Venedig ernannt, um den Pavillon von Grenada zu sichern.

Francesco Elisei curatore indipendente nasce nel 1974 e si specializza in der Storia dell’arte contemporanea presso l’Università La Sapienza di Roma, ha curato mostre in Italien, New York, Tokio, Osaka, Toronto. Ha scritto numerosi saggi e pubblicato diversi cataloghi nazionali ed internazionali. Nel 2007 ha in iniziato il percorso curatoriale in Biennale di Venezia curando il Padiglione moldavo alla 52. Biennale di Venezia, nel 2009 ha curato il padiglione «Natura e Sogni» IILA / Costa Rica alla 53 Bi-ennale di Venezia, nel 2011 ha curato il Padiglione della Repubblica di Costa Rica alla 54 Biennale di Venezia, nel 2013 alla 55. Biennale di Venezia ha curato il padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh, della Repubblica di Costa Rica und dell’evento collaterale Zurück Zurück zur Biennale dedicato al mondo Straßenkunst. Nel 2015 alla 56. Biennale di Venezia è stato incaricato di curare il padiglione di Grenada

Die Artisten
Künstler aus Grenada und Italien haben diesen Pavillon zu einem großen Erfolg gemacht. Die Eleganz Italiens und die Wärme Grenadas sorgen für ein einzigartiges Flair.

Oliver Benoit
Benoit lebt und arbeitet in Grenada. Er ist Abstraktionist und hat eine Vorliebe dafür, seine Bilder zu verschleiern. Er ist außerdem Professor für Soziologie an der St. George’s University.

An der Oberfläche ist Anima 1 ein abstraktes Gemälde, das Schicht für Schicht aus Öl und Acryl mit kräftigen vertikalen Collagenelementen aufgebaut ist. Die Struktur der Komposition konzentriert sich auf vier grau und lila gestrichene Leinwandstücke, die wie weiche Arterienrohre gefaltet und abgeflacht sind. Die zentralen „Rohre“ enthalten einen geschlossenen Durchgang vertikaler Aktivität, der dunkler und weniger artikuliert ist als die entstehenden Formen jenseits der „Barrieren“. Die umgebende Oberfläche ist voller Energie in einer Vielzahl von Flecken, die in dickem pastosen Material gebeizt, abgekratzt und getropft sind, während die Schichten zu vollständig geformten orangefarbenen Rechtecken kristallisieren, die wie Kitt mit einem Spatel gekämmt oder abgekratzt werden. Diese Rechtecke scheinen zu schweben und zu fließen, entstehen und lösen sich auf, treten ein und entkommen, werden von den dreidimensionalen „Barrieren“ absorbiert und „blockiert“. Ein komplexes abstraktes Gemälde zu beschreiben bedeutet, einen Zusammenbruch der Dinge zu zerlegen und zu analysieren.

Der analytische Philosoph John Campbell liefert eine nützliche parallele Definition, wenn er Benoits Gemälde betrachtet:

„Philosophie denkt in Zeitlupe. Es zerlegt, beschreibt und bewertet Bewegungen, die wir normalerweise mit großer Geschwindigkeit ausführen – im Zusammenhang mit unseren natürlichen Motivationen und Überzeugungen. Dann wird deutlich, dass Alternativen möglich sind. “

Wenn die Praxis der Philosophie der Praxis der Kunst entspricht, schlägt Benoits Arbeit vor, dass das Ziel eines Gemäldes darin besteht, das Auf und Ab des kreativen Aktes zu verlangsamen und zu analysieren, der sich um die Verwendung des Gehirns für Gedanken, Visionen und Entscheidungen kümmert. Herstellung. Die kühnen zentralen Strukturen in Anima 1 sind die „Barrieren“ – wie eine Reihe zentraler Nervensäulen – durch die sich die symbolischen Schemata bewegen. Benoit untersucht, wie das Gehirn im Malprozess „gute“ und „schlechte“ Ideen filtert und wie wir Einflüsse und Gewohnheiten bewusst und unbewusst aufnehmen und blockieren. Ein Gemälde ist eine Konstruktion, und daher kann die Überprüfung der Bedingungen und des Aktes des Malens Wahrheiten über das Selbst enthüllen. Die Funktion des Gehirns und des Denkens wird durch das Malen erforscht und liefert den Beweis dafür, wie wir die Natur der eigenen Identität kennen und verstehen können, indem wir den kreativen menschlichen Geist bei der Arbeit beobachten.

Benoits Arbeit als Maler und Akademiker untersucht die Rolle der Identität. Das Drücken und Ziehen zwischen unseren Ideen und unseren Handlungen beim Malen ist ein Mikrokosmos für unser Leben und unsere Beziehung zur Gesellschaft. Die Rolle professioneller Künstler in der heutigen karibischen Gesellschaft spielt eine immer größere Rolle. Benoits Interesse an der (Re-) Konstruktion von Identität durch Kunst stellt auch die kulturelle Gleichgültigkeit gegenüber Künstlern und der Praxis der bildenden Kunst in der Gesellschaft Jahrzehnte nach dem Ende des Kolonialismus in Frage.

Maria McClafferty
Maria McClafferty lebt und arbeitet in Grenada. Ihre Glas- und Stahlkonstruktionen wurden weltweit in Auftrag gegeben. Vor kurzem hat ihre Arbeit in Enkaustik zu einem neuen Ausdruck geführt.

McClaffertys monumentales Triptychon Disordered World ist eine kühne, bunte Skulptur aus geschmolzenem Glas, die vor dem zentralen Palladio-Fenster des Pavillons hängt. Das Licht dahinter wirft die Aura eines ätherischen schwebenden Kimonos in Grün, Gelb, trübes Weiß und stark strukturiertes klares Glas mit orangefarbenen und roten Akzenten in einem kapellenartigen Raum aus raumhohen weißen Vorhängen auf beiden Seiten. Die Leichtigkeit der Installation trotzt dem Gewicht dieser Glasscheiben, die in einem Stahlgerüst eingeschlossen sind, das mit Metallverschlüssen und Draht befestigt ist, die an Ketten aufgehängt sind, die durch Reifen gegossen sind, die bedrohlich sechs Handschellen ähneln. Die reine dekorative Schönheit von geschmolzenem farbigem Glas birgt bei näherer Betrachtung ein dunkles Geheimnis.

Die Paneele werden durch Schichten („Stapeln“) von Glasscheiben hergestellt, die bei unterschiedlichen Temperaturen (heiße „Rampen“ und längere „Einweichen“) in McClaffertys Ofen in Grenada gestrichen und verschmolzen werden. Die Alchemie von Wärme, Glas und Farbe hat eine dichte abstrakte Textur von Kügelchenpassagen, Luftblasen und intensiven Farbsprays erzeugt, die in den Hybridtexturen eingeschlossen sind, die durch die Spannung des Glühglases erzeugt werden. Der Titel Disordered World für eine Arbeit in Glas erzeugt eine doppelte Bedeutung: Glas ist ein amorpher Feststoff, d. H. Die Atome und Moleküle sind nicht in einem bestimmten Muster organisiert und daher von Natur aus ungeordnet, um eine Struktur zu bilden.

Details ergeben sich bei näherer Betrachtung. Die Metallkreuze bilden wie Stacheldraht eine bedrohliche Narbe über der Mittelplatte, die den Umriss einer gekreuzigten weiblichen Figur zerlegt. Ihre Brüste waren an der Basis ihrer erhobenen Arme und ausgestreckten Handflächen mit roten, erstarrenden Blutsprays übersät. Eine Haarbürste verbirgt einen schweren Kopf. Die Symbolik einer Figur am Kreuz hat eine universelle Bedeutung, die Brutalität ist, die von den sechs Fesseln widergespiegelt wird, die das Gewicht des Werkes tragen. (Diese Figur spiegelt sich in ihren beiden Werken wider, die im Kreuzgang auf Aluminium hängen und vom Licht brilliert werden, wenn Sie durch den Raum gehen.) Disordered World wurde in Grenada hergestellt und hat den Atlantik von der Karibik bis zum Mittelmeer überquert. Sein dunkles Geheimnis ist, dass es brutale und bedrückende Geschichten enthält: menschliche Sklaverei und Kolonialismus (Stahlfesseln) und die Gewalt gegen Frauen (die gefangene weibliche Form). Die historischen Verbindungen zwischen der alten und der neuen Welt sind heute ein Erbe anhaltender Gewalt, die die „Emanzipation“ nicht anerkennt. Hier spricht McClafferty „der Macht die Wahrheit“: Der in einem Zustand der Gewalt gefangene menschliche Körper wird von denen eingebürgert, die weiterhin Gewalt ausüben.

Asher Mains
Asher Mains lebt und arbeitet in Grenada. Er ist in erster Linie Maler, arbeitet aber auch in Konstruktionen und Installationen. Seine Arbeit befasst sich oft mit sozialen Belangen.

Dieses große Porträt ist das neueste in einer Reihe mit dem Titel: „Gemalte Porträts für Kakaobauern“. Beim Betreten des Sala Tiziano fängt Joannes Anwesenheit Ihren Blick sofort ein. Sie sitzt und lächelt den Betrachter an, entspannt und beeindruckend in ihrer Arbeitskleidung, den großen Gummistiefeln und der Mütze, als würde sie sich mit uns unterhalten, während sie eine Pause eingelegt hat, um sich auszuruhen. Sie sitzt im Freien, neben ihrer linken Hand und ihrem Gesicht ist ein Hauch von Vegetation zu sehen, und wir stellen fest, dass ihre Machete („Entermesser“) an ihrer Seite ist – vorerst auch im Boden. Ihr charismatisches Lächeln und ihre körperliche Stärke von unten machen ihr Aussehen noch attraktiver vor einem dekorativen Hintergrund aus rautenförmigen Sternbildern, die mit Grenadas populärem „Kakaotee“ auf nicht grundierter Leinwand schabloniert wurden.

Die obige Beschreibung eines auffälligen gemalten Porträts widerspricht dem größeren Projekt von Mains. Das Projekt begann 2014 mit Interviews, Filmen und Fotografien von Kakaobauern auf dem Crayfish Bay-Anwesen in St. Mark, um acht Porträts zu malen. Im Januar 2015 veranstaltete Mains ein Ausstellungstreffen, bei dem er jedes Porträt als Geschenk an die Bauern in Dankbarkeit und Anerkennung ihrer Arbeit zur Herstellung von Kakao enthüllte. Die Reaktionen auf dieses filmische Projekt sind erfreulich und verwirrend – das Porträt wird sofort als etwas Besonderes erkannt, ist aber in einem völlig neuen Kontext für die Porträtmalerei angekommen. Mains ‚Projekt stellt die Konventionen seines Mediums in Frage, einschließlich der Geschichte und der Natur der Beziehung zwischen Maler und Mäzen, indem es die Porträtmalerei in eine Form des kulturellen Austauschs verwandelt, der diesen Bauern durch Kunst einen neuen und greifbaren ästhetischen Status verleiht.

Der Kakaoanbau und die Entwicklung einer vollwertigen Schokoladenindustrie ist die aufregendste landwirtschaftliche Entwicklung in Grenada seit dem Hurrikan Ivan. Grenadas vulkanischer Terrior und Kakaobäume sind von außergewöhnlicher Qualität, aber Kakao wurde während des Kolonialismus von Muskatnuss überschattet. Mit der Ankunft der Grenada Chocolate Company von Mott Green im Jahr 1999 erlebte der Kakaohandel eine kleine Revolution. Diese farbenfrohe Marke befähigte unabhängige Kakaobauern, deren Bohnen in Fabriken wie dem Belmont Estate (wo Joanne arbeitet) und dem neue Diamond Company. Die Branche ist nicht immun gegen Bedenken, deren Durchschnittsalter der Landwirte (Ende der 50er Jahre) die Tatsache widerspiegelt, dass die Landwirtschaft trotz der jüngsten Begeisterung für Kakao weiterhin Schwierigkeiten hat, junge Menschen anzuziehen, während die Gefahr unvorhersehbarer Wetterbedingungen zunimmt. Trotzdem ist Grenadas Kakaoindustrie nach Ivan und Mains Projekt zu einer Quelle des Stolzes geworden, die die authentische „treibende Kraft“ und „pure Liebe zur Landwirtschaft“ widerspiegelt, die seine Sitter inspiriert. Derzeit ist Grenada einzigartig, da es das einzige Kakaoanbauland ist, das auch eigene Schokoladenmarken produziert und vermarktet. Die Hoffnung ist, dass die Kakaoindustrie in Grenada als nachhaltiges und ethisches Fair-Trade-Modell für andere Kakaoproduktionsländer führend sein kann.

Francesco Bosso
Francesco Bosso lebt und arbeitet in Italien. Er beschäftigt sich mit traditioneller Fotografie mit Film und einem dunklen Raum und druckt auf Silbergelatinepapier, um ein einzigartiges Licht einzufangen.

Giuseppe Linardi
Giuseppe Linardi ist Maler und Bildhauer und lebt und arbeitet in Italien. Seine „decodificazion“ -Serie verfügt über eine einzigartige Push-Pull-Funktion.

Carmine Ciccarini
Carmine Ciccarini ist ein Maler, der traditionelle, historische Methoden anwendet. Seine Verwendung von Farbe ist für seine Stadtlandschaften von Bedeutung, die oft die Bedeutung der Menschheit beleuchten. Er lebt und arbeitet in Italien

Susan Mains
Susan Mains lebt und arbeitet in Grenada. Ihre internationale Arbeit befindet sich oft in der Installation und untersucht oft die Unmenschlichkeit des Menschen gegenüber dem Menschen.

Als Kurator und Künstler hat Mains eine provokative Installation am Eingang zum Pavillon produziert: None Calls for Justice (2015). In Anlehnung an Enwezors Epilog im Katalog der Biennale von Venedig über das „Klima der Angst“ nach den Schießereien von Charlie Hebdo übersetzt und präsentiert Mains Arbeit die ikonische Gewalt, die in den jüngsten Nachrichtenfotos enthalten ist. Ihre Installation besteht aus Kleidern, die sich wie Körper niederwerfen, sanft aufgebaut sind, um eine Form im Inneren zu implizieren, und sorgfältig mit Blumen und brennenden Kerzen übersät sind. Bei der Ankunft konfrontiert dieses Stück sofort unsere Aufmerksamkeit und fordert unsere Aufmerksamkeit, als wir diese Leichen auf den Fotografien nigerianischer Massaker erkennen. Die Kerzen und Blumen erinnern an die Geisterfiguren, die Besucher anziehen, um Zeuge zu werden und über Leben nachzudenken, die brutal und sinnlos verloren sind.

Die ursprüngliche Absicht von Mains war es, die Installation für die Elemente im Kreuzgang offen zu halten. Die Ecke des Kreuzgangs bietet jedoch einen dunklen Schutz, um die Wirkung der beleuchteten Kerzen zu schützen und zu verstärken. Hier verwandelt sich die Installation None Calls for Justice in ein Memento Mori, das einen Schrei nach der Menschheit und nach jeder verlorenen menschlichen Seele wiedergibt.

Keiner ruft nach Gerechtigkeit
Die Kleidung repräsentiert die Körper der durch Gewalt Getöteten – die Mädchen in Nigeria, die Studenten in Kenia, diejenigen, die im Mittelmeer ertrunken sind und andere auf der ganzen Welt. Alle Leben scheinen nicht gleich zu sein.

Grenada-Pavillon
Das größte Entwicklungsgebiet in der Karibik ist derzeit die Kunstinfrastruktur. Grenadas Künstler haben ihre unternehmerischen Fähigkeiten genutzt, um mit großem Erfolg nach Venedig zu gelangen, aber jetzt muss Grenada auf diesen historischen ersten Schritt reagieren. Die wirtschaftlichen Vorteile des Aufbaus einer Kunstinfrastruktur haben sich immer wieder als Verbesserung der Lebensqualität in Gemeinden erwiesen. In künstlerische (und kulturelle) Infrastruktur zu investieren bedeutet, Institutionen und Initiativen zu entwickeln, die öffentliche Veranstaltungen wie Biennalen durchführen, Künstlerresidenzen und Bildungsworkshops entwickeln. Und bis es in der karibischen Kunst einen lebhafteren internationalen Kunstmarkt gibt, müssen Künstler und Kuratoren weiterhin reisen und international ausstellen, um grenadische Kunst zu vermarkten und Künstler zusammenzubringen, um ihre Heimatinstitutionen zu fördern.

Grenadas Venedig-Effekt sollte jetzt, da eine Brücke zur zeitgenössischen Kunstwelt geschlagen wurde, in beide Richtungen wirken. Die Präsenz der „grenadischen Kunst“ in der internationalen Kunstwelt ist eine Gelegenheit für Grenadas Kunstinstitutionen zu Hause, auf diesem neuen Status und dieser neuen Identität aufzubauen. Ein Pavillon in Venedig schafft eine offizielle nationale Kunstidentität, die zu den bestehenden politischen Dialogen in Grenada in Bezug auf die grenadische Kultur im internationalen Äther hinzugefügt werden kann, ähnlich wie bei der Ausstellung im CARICOM-Cluster auf der Milano Expo oder beim Gewinn von Goldmedaillen bei der Chelsea Flower Show. Grenadas kreative Gemeinschaften sollten anerkannt werden, wenn es bestehende politische, wirtschaftliche und soziale Netzwerke gibt, in denen Kunstunternehmer und Künstler kulturelle und ästhetische Interessen der nationalen Identität Grenadas gemeinsam und in der gesamten karibischen Gemeinschaft vertreten müssen.

Grenadas Debüt in Venedig fällt glücklicherweise mit Enwezors integrativer globaler Kunstkonstellation zusammen. Die Arbeit der vier grenadischen Künstler hat einen neuen Status und eine neue Bedeutung, die sowohl die nationale Kunstidentität als auch das Erbe Grenadas repräsentieren. Venedigs Zukunft ist jetzt Teil der Zukunft Grenadas. Grenada ist ein kleines Land im Vergleich zu den karibischen Ländern, die bereits auf der Biennale ausgestellt haben und eine stärkere nationale Kunstidentität haben. Die Präsenz von Grenada hat jedoch gegenwärtige Verbindungen aufgezeigt, die die internationalen „Gespräche“ begründen werden, die für Grenadas künftiges Erbe von entscheidender Bedeutung sind, das in seinem ersten Jahr auf der Biennale in Venedig aufgebaut wurde.

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.