Proximité actuelle, Grenada Pavilion, Venise Biennale 2015

La Grenade était la première fois à la Biennale di Venezia en 2015. Grâce à la coopération du ministère de la Culture, la Grenade a été invitée à présenter un pavillon national et à présenter l’exposition sur le thème “Présence actuelle”. L’exposition de la Grenade a eu lieu à Sala Tiziano, Opera don Orione Artigianelli, Dorsoduro, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati 919, un magnifique bâtiment historique à proximité de l’arrêt de bateau-taxi de Zattare.

Susan Mains est la commissaire de cette exposition, avec son homologue italien, Francesco Elisei. Le titre de l’exposition «Present Nearness» dépeint le groupe d’artistes interprétations de leur propre interaction avec le monde désordonné, l’un des filtres dont parle Okwui Enwezor. Un groupe d’artistes a été choisi pour représenter la Grenade et ils ont aligné leurs réflexions en faisant de l’art le thème de la biennale «Tous les avenirs du monde».

Le calendrier de la Grenade a été de bon augure pour faire partie de la première Biennale véritablement mondiale signalant un changement tectonique de la représentation nationale vers la mondialité telle que conçue par Eduard Glissant. Enwezor est «un étranger de l’establishment artistique» engageant avec des artistes indépendamment du marché de l’art et au-delà des murs institutionnels qui glorifient la collecte et l’exposition d’objets d’art dans l’isolement moderniste. Les artistes visuels, comme les écrivains et les intellectuels, devraient avoir le courage de «dire la vérité au pouvoir», de s’attaquer à la violence, aux conflits et aux problèmes les plus vitaux qui affectent leur société. La 56e Biennale de Venise célèbre 120 ans d’exhibition de l’international dans l’art en appelant à une évaluation de «l’état actuel des choses». Le programme de conservation d’Enwezor est un appel aux armes demandant aux artistes d’enquêter sur leur présence à travers les moyens de leur art.

Le programme de conservation d’Enwezor complimente la récente expansion des pavillons nationaux à Venise, introduisant les jeunes pays post-coloniaux à des conditions politiques, sociales et économiques émergentes. La production artistique avec une conscience historique peut remettre en question les récits actuels du passé en extrayant le présent pour développer de nouveaux concepts pour l’avenir de la «constellation postcoloniale». La saison ouverte a été déclarée sur les récits historiques nationaux mûrs pour la déconstruction afin de produire des œuvres à partir d’un lieu contemporain pour la scène artistique mondiale et cette approche est évidente partout à Venise cette année.

Pour en savoir un peu plus sur l’histoire des Caraïbes, il faut affronter des conditions psycho-géographiques qui sont brutalement inconfortables: Inferno in Paradise. Là où «personne dans les Caraïbes n’est originaire de l’environnement», son histoire est celle de la violence, des traumatismes et de l’oppression provoqués par l’esclavage et le colonialisme juxtaposés aux brochures touristiques «bleu-ciel-turquoise-eaux» du 20e siècle qui démentent les conditions réelles de la culture caribéenne post-coloniale. Le travail des quatre artistes grenadiens a été produit en dialogue avec l’appel d’armes d’Enwezor et conscient de leur nouveau rôle dans la représentation de la Grenade sur la scène artistique mondiale de Venise. Susan Mains et Maria McClafferty ont produit des œuvres monumentales sur l’état de violence et d’oppression inhérentes à la société. Asher Mains a établi un tout nouveau dialogue entre la peinture, l’identité et la culture du cacao dans la culture grenadienne. Comme un chirurgien-peintre, Oliver Benoit dissèque l’esprit humain pour représenter la poussée viscérale et la traction du cerveau créatif en action.

Grenada Speak, Art: la réponse artistique sonde les conditions du contemporain. Le travail de ces quatre artistes représente la «Grenade» où, dans le contexte de Venise, quelque chose de plus grand se joue entre l’art, l’identité nationale et l’histoire.

Les conservateurs
Le conservateur des chefs de la Biennale de Venise est Okwui Enwezor. Susan Mains est conservatrice du Grenada Pavilion.

Susan Mains
La pratique artistique de Susan Mains a été par nécessité auto-didactique. Ayant grandi à la Grenade, il n’y avait pas de ressources pour l’éducation artistique. Ses diplômes universitaires, universitaires et postuniversitaires étaient tous axés sur le domaine de l’éducation. Alors qu’elle vivait à la Dominique dans les années 1980, une quête incessante de l’art est devenue sa mission. Au cours des 30 dernières années, elle a été principalement peintre, explorant la surface, la texture, l’intensité, et s’est récemment tournée vers la vidéo et l’installation pour atteindre un plus large éventail de possibilités du visuel.

La pratique de conservation du secteur a également été autodidactique, toujours par nécessité. Sans un solide soutien institutionnel dans une petite île, l’artiste doit souvent assumer le leadership. Organisant des expositions de groupe à la Grenade, elle a emmené des œuvres contemporaines dans la région des Caraïbes, notamment au Musée d’art moderne de Saint-Domingue pour plusieurs biennales des Caraïbes. Ses efforts ont inclus des expositions au Musée de l’OEA à Washington DC et à l’Exposition universelle de Shanghai en Chine en 2010. Elle écrit sur l’art des petites îles des Caraïbes orientales et a présenté des articles dans des conférences universitaires à travers le monde. Elle exploite sa propre galerie commerciale à la Grenade, Art and Soul, depuis 13 ans.

Francesco Elisei
Francesco Elisei, conservateur indépendant a été fondé en 1974 et se spécialise dans l’histoire de l’art contemporain à l’Université La Sapienza de Rome, a organisé des expositions en Italie, à New York, à Tokyo, à Osaka et à Toronto. Il a écrit de nombreux essais et publié plusieurs catalogues nationaux et internationaux. En 2007 il débute à la Biennale de Venise en parcours curatorial, s’occupe du Pavillon moldave 52ème Biennale de Venise en 2009 il édite le pavillon «Nature et Rêves» IILA / Costa Rica au 53 Bi-ennale de Venise, en 2011 il édite le pavillon de la République du Costa Rica à la 54e Biennale de Venise, en 2013 la 55e Biennale de Venise a supervisé le pavillon de la République populaire du Bangladesh, de la République du Costa Rica et du collatéral de l’événement Retour Retour à la Biennale dédiée au monde de l’écriture et du street art . En 2015, la 56 e Biennale de Venise a été désignée pour assurer le pavillon de la Grenade.

Francesco Elisei curatore indipendente nasce nel 1974 e si specializza in storia dell’arte contemporanea presso l’Università La Sapienza di Roma, ha curato mostre in Italia, New York, Tokyo, Osaka, Toronto. Ha scritto numerosi saggi e pubblicato diversi cataloghi nazionali ed internazionali. Nel 2007 ha in iniziato il percorso curatoriale in Biennale di Venezia curando il Padiglione moldavo alla 52th Biennale di Venezia, nel 2009 ha curato il padiglione «Natura e Sogni» IILA / Costa Rica alla 53 Bi-ennale di Venezia, nel 2011 ha curato il padiglione della Repubblica di Costa Rica alla 54 Biennale di Venezia, nel 2013 alla 55th Biennale di Venezia ha curato il padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh, della Repubblica di Costa Rica e dell’evento collaterale Retour Retour à Biennale dedicato al mondo del écrit e della art de rue. Nel 2015 alla 56th Biennale di Venezia è stato incaricato di curare il padiglione di Grenada

Les artistes
Des artistes de Grenade et d’Italie se sont associés pour faire de ce pavillon un grand succès. L’élégance de l’Italie et la chaleur de la Grenade, combinées pour donner un panache singulier.

Oliver Benoit
Benoit vit et travaille à la Grenade. Il est abstractionniste, avec un penchant pour obscurcir ses images. Il est également professeur de sociologie à l’Université St. George’s.

En surface, Anima 1 est une peinture abstraite construite couche après couche à l’huile et à l’acrylique avec des éléments verticaux audacieux de collage. La structure de la composition est centrée sur quatre morceaux de toile peints en gris et mauve pliés et aplatis comme des conduites artérielles souples. Les «tuyaux» centraux contiennent un passage fermé d’activité verticale qui est plus sombre et moins articulé que les formes émergentes au-delà des «barrières». La surface environnante est flottante d’énergie dans une variété de marques tachées, grattées et ruisselantes construites dans un empâtement épais alors que les couches se cristallisent en rectangles orange entièrement formés peignés ou raclés comme du mastic avec une spatule. Ces rectangles semblent planer et couler, émerger et se dissoudre, entrer et s’échapper, étant absorbés et «bloqués» par les «barrières» tridimensionnelles. Décrire une peinture abstraite complexe, c’est disséquer et analyser une décomposition des choses.

Le philosophe analytique John Campbell fournit une définition parallèle utile en regardant la peinture de Benoit:

«La philosophie, c’est penser au ralenti. Il décompose, décrit et évalue les mouvements que nous faisons habituellement à grande vitesse – à voir avec nos motivations et nos croyances naturelles. Il devient alors évident que des alternatives sont possibles. »

Si la pratique de la philosophie est analogue à la pratique de l’art, le travail de Benoit propose que l’objet d’une peinture soit de ralentir et d’analyser le flux et le reflux de l’acte créatif qui assiste à l’utilisation du cerveau pour la pensée, la vision et la décision. fabrication. Les structures centrales audacieuses d’Anima 1 sont les «barrières» – comme une série de colonnes nerveuses centrales – à travers lesquelles les schémas symboliques se déplacent. Benoit examine comment le cerveau filtre les «bonnes» et les «mauvaises» idées dans le processus de peinture, et comment nous absorbons et bloquons les influences et les habitudes conscientes et inconscientes. Une peinture est une construction et donc scruter les conditions et l’acte de peindre peut révéler des vérités sur soi. La fonction du cerveau et de la pensée est explorée à travers l’acte de peindre fournissant la preuve de la façon dont nous pourrions connaître et comprendre la nature de notre identité en observant l’esprit humain créatif au travail.

Le travail de Benoit en tant que peintre et universitaire explore le rôle de l’identité. Le push and pull entre nos idées et nos actions tout en peignant est un microcosme pour la façon dont nous vivons et nous rapportons à la société. Le rôle des artistes professionnels dans la société contemporaine des Caraïbes est en train d’émerger. L’intérêt de Benoit pour la (re) construction de l’identité à travers l’art remet également en question l’indifférence culturelle envers les artistes et la pratique des arts visuels dans la société des décennies après la fin du colonialisme.

Maria McClafferty
Maria McClafferty vit et travaille à la Grenade. Ses constructions en verre et en acier ont été commandées partout dans le monde. Récemment, son travail dans l’encaustique a conduit à une nouvelle expression.

Le triptyque monumental de McClafferty, Disordered World, est une sculpture en verre fondu aux couleurs vives et audacieuses suspendue devant la fenêtre palladienne centrale du pavillon. La lumière derrière projette l’aura d’un kimono flottant éthéré en vert, jaune, blanc nuageux et verre transparent fortement texturé avec des accents orange et rouge dans un espace de type chapelle de rideaux blancs du sol au plafond de chaque côté. La légèreté de l’installation défie le poids de ces panneaux de verre enfermés dans un échafaudage en acier attaché ensemble avec des fermoirs métalliques et du fil suspendu par des chaînes coulées à travers des cerceaux qui ressemblent sinistrement à six menottes. La beauté décorative pure du verre coloré fondu en y regardant de plus près détient un sombre secret.

Les panneaux sont fabriqués en superposant («empilant») des feuilles de verre, peintes et fusionnées à des températures variables («rampes» d’éclatement à chaud et «trempages» plus longs) dans le four McClafferty à Grenade. L’alchimie de la chaleur, du verre et de la couleur a produit une texture abstraite dense de passages de globules, de bulles d’air et de jets de couleurs intenses enfermés dans les textures hybrides produites par le stress du recuit du verre. Le titre Disordered World pour un travail sur le verre produit un double sens: le verre est un solide amorphe, c’est-à-dire que les atomes et les molécules ne sont pas organisés selon un motif défini et sont donc par nature désordonnés pour former une structure.

Des détails émergent lors d’une inspection plus approfondie. Les croix métalliques, comme du fil de fer barbelé, créent une cicatrice inquiétante sur le panneau central disséquant le contour d’une figure féminine crucifiée. Ses seins se dessinaient à la base de ses bras levés et ses paumes tendues parsemées de sprays de sang congelé rouge. Une brosse à cheveux cache une tête lourde. Le symbolisme d’une figure sur une croix a une signification universelle qui est la brutalité reprise par les six menottes portant le poids de l’œuvre. (Cette figure fait écho dans ses deux œuvres suspendues dans le cloître sur de l’aluminium strié brillamment par la lumière pendant que vous marchez dans l’espace.) Fabriqué à la Grenade, Disordered World a traversé l’Atlantique des Caraïbes à la Méditerranée. Son sombre secret est qu’il contient des histoires brutales et oppressives: l’esclavage humain et le colonialisme (menottes en acier) et la violence contre les femmes (la forme féminine piégée). Les liens historiques entre l’ancien et le nouveau monde sont aujourd’hui un héritage de violences durables qui ne reconnaissent pas «l’émancipation». Ici, McClafferty «dit la vérité au pouvoir»: le corps humain piégé dans un état de violence est naturalisé par ceux qui continuent de lui infliger de la violence.

Asher Mains
Asher Mains vit et travaille à la Grenade. Il est principalement peintre, mais travaille également dans les constructions et installations. Son travail répond souvent à des préoccupations sociales.

Ce grand portrait est le dernier d’une série intitulée: «Portraits peints pour les producteurs de cacao». En entrant dans la Sala Tiziano, la présence de Joanne capte immédiatement votre regard. Elle est assise en souriant au spectateur, détendue et redoutable dans ses vêtements de travail, ses grosses bottes en caoutchouc et sa casquette, comme si elle était en conversation avec nous pendant qu’elle faisait une pause pour se reposer. Elle est assise à l’extérieur, un soupçon de végétation est visible à côté de sa main et de son visage gauche et nous notons que sa machette («coutelas») est à ses côtés – également au repos dans le sol pour le moment. Son sourire charismatique et sa force physique vus d’en bas rendent son apparence encore plus attrayante sur un fond décoratif de constellations en forme de diamant au pochoir sur une toile non apprêtée à l’aide du célèbre «thé au cacao» de la Grenade.

La description ci-dessus d’un portrait peint saisissant contredit le projet plus vaste de Mains. Le projet a débuté en 2014 avec des interviews, des films et des photographies de producteurs de cacao basés dans le domaine de Crayfish Bay à St Mark en préparation pour huit portraits. En janvier 2015, Mains a organisé une exposition-rassemblement au cours de laquelle il a dévoilé chaque portrait en cadeau aux agriculteurs en reconnaissance et en reconnaissance de leur travail pour produire du cacao. Les réactions à ce projet filmé sont ravissantes et déconcertantes – le portrait est immédiatement reconnu comme quelque chose de spécial mais est arrivé dans un contexte complètement nouveau pour la peinture de portrait. Le projet de Mains défie les conventions inhérentes à son médium, y compris l’histoire et la nature de la relation peintre-mécène, en transformant le portrait en une forme d’échange culturel qui donne à ces agriculteurs un statut esthétique nouveau et tangible à travers l’art.

La culture du cacao et le développement d’une industrie du chocolat à part entière est le développement agricole le plus excitant de la Grenade depuis l’ouragan Ivan. Le territoire volcanique et les cacaoyers de la Grenade sont d’une qualité exceptionnelle, mais le cacao a été éclipsé par la muscade pendant le colonialisme. Le commerce du cacao a connu une mini-révolution avec l’arrivée de la Grenade Chocolate Company «d’arbre en barre» de Mott Green en 1999. Cette marque colorée a permis aux producteurs de cacao indépendants dont les fèves sont transformées dans des usines comme le domaine Belmont (où travaille Joanne) et le nouvelle Diamond Company. L’industrie n’est pas à l’abri de préoccupations dont l’âge moyen des agriculteurs (fin des années 50) reflète le fait que malgré le récent enthousiasme pour le cacao, l’agriculture continue d’avoir des difficultés à attirer les jeunes alors que la menace de conditions météorologiques imprévisibles augmente. Néanmoins, l’industrie cacaoyère de la Grenade est devenue une source de fierté après le projet d’Ivan et Mains, qui reflète l’authentique «force motrice» et «le pur amour de l’agriculture» qui inspire ses gardiens. À l’heure actuelle, la Grenade est unique car c’est le seul pays producteur de cacao qui produit et commercialise également ses propres marques de chocolat. L’espoir est que l’industrie du cacao à la Grenade puisse devenir un modèle de commerce équitable durable et éthique pour d’autres pays producteurs de cacao.

Francesco Bosso
Francesco Bosso vit et travaille en Italie. Il privilégie la photographie traditionnelle avec un film et une pièce sombre et imprime sur du papier gélatino-argentique pour capturer une lumière unique.

Giuseppe Linardi
Giuseppe Linardi est un peintre et sculpteur qui vit et travaille en Italie. Sa série “décodificazion” a une caractéristique unique, push-pull.

Carmine Ciccarini
Carmine Ciccarini est une peintre utilisant des méthodes traditionnelles et historiques. Son utilisation de la couleur est importante pour ses paysages urbains, qui mettent souvent en lumière l’importance de l’humanité. Il vit et travaille en Italie

Susan Mains
Susan Mains vit et travaille à la Grenade. Son travail international est souvent en installation et explore souvent l’inhumanité de l’homme envers l’homme.

En tant que commissaire et artiste, Mains a produit une installation provocante à l’entrée du pavillon: None Calls for Justice (2015). Faisant écho à l’épilogue d’Enwezor dans le catalogue de la Biennale de Venise sur le «climat de peur» au lendemain des tirs de Charlie Hebdo, le travail de Mains traduit et présente pour un examen plus approfondi la violence emblématique contenue dans les récentes photographies d’actualité. Son installation est faite de vêtements prostrés comme des corps, doucement construits pour impliquer une forme à l’intérieur et soigneusement parsemés de fleurs et de bougies illuminées. À son arrivée, cette pièce confronte immédiatement et exige notre attention alors que nous reconnaissons ces corps à partir des photographies des massacres nigérians. Les bougies et les fleurs commémorent les personnages fantômes attirant les visiteurs pour devenir un témoin et réfléchir sur des vies brutalement et insensément perdues.

L’intention initiale de Mains était d’ouvrir l’installation aux éléments du cloître, cependant, le coin du cloître fournit un abri sombre pour protéger et intensifier l’effet des bougies allumées. Ici, l’installation None Calls for Justice se transforme en un memento mori réverbérant un cri à l’humanité et à chaque âme humaine perdue.

Aucun appelle à la justice
Les vêtements représentent les corps de ceux qui ont été tués par la violence – les filles au Nigeria, les étudiants au Kenya, celles qui se sont noyées en Méditerranée et dans le monde entier. Toutes les vies ne semblent pas égales.

Pavillon de la Grenade
Le plus grand domaine de développement dont les Caraïbes ont besoin actuellement est celui des infrastructures artistiques. Les artistes de la Grenade ont utilisé leurs capacités entrepreneuriales pour arriver à Venise avec grand succès, mais la Grenade doit maintenant répondre à cette première étape historique. Les avantages économiques de la construction d’une infrastructure artistique se sont révélés maintes et maintes fois améliorer la qualité de vie dans les collectivités. Investir dans les infrastructures artistiques (et culturelles) signifie développer des institutions et des initiatives qui organisent des événements publics comme les biennales, développent des résidences d’artistes et des ateliers éducatifs. Et jusqu’à ce qu’il y ait un marché international de l’art plus dynamique dans l’art des Caraïbes, les artistes et les conservateurs doivent continuer à voyager et à exposer à l’international pour commercialiser l’art grenadien et rassembler les artistes à tour de rôle pour promouvoir leurs institutions d’origine.

L’effet Venise de la Grenade devrait fonctionner dans les deux sens maintenant qu’un pont a été formé avec le monde de l’art contemporain. La présence de «l’art grenadien» dans le monde international de l’art est une opportunité pour les institutions artistiques de la Grenade à domicile de s’appuyer sur ce nouveau statut et cette nouvelle identité. Un pavillon de Venise établit une identité artistique nationale officielle qui peut être ajoutée aux dialogues politiques existants à la Grenade en référence à la culture grenadienne dans l’éther international, similaire à une exposition dans le «cluster» CARICOM à la Milano Expo ou à des médailles d’or gagnantes au Chelsea Flower Spectacle. Les communautés créatives de la Grenade devraient être reconnues là où il existe des réseaux politiques, économiques et sociaux qui ont besoin d’entrepreneurs et d’artistes pour diriger les intérêts culturels et esthétiques de l’identité nationale de la Grenade ensemble et dans la Communauté des Caraïbes.

Les débuts de la Grenade à Venise ont la chance de coïncider avec la constellation artistique mondiale inclusive d’Enwezor. Le travail des quatre artistes grenadiens a un nouveau statut et une nouvelle signification qui représentent à la fois l’identité et le patrimoine artistiques nationaux de la Grenade. L’avenir de Venise fait désormais partie de l’avenir de la Grenade. La Grenade est un petit pays par rapport aux pays des Caraïbes qui ont déjà exposé à la Biennale et ont des identités artistiques nationales plus fortes. Cependant, la présence de la Grenade a révélé des liens actuels qui établiront les «conversations» internationales cruciales pour les héritages futurs de la Grenade établis au cours de sa première année à la Biennale de Venise.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les façons dont, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.