Il modernismo è un movimento filosofico che, insieme alle tendenze e ai cambiamenti culturali, è il risultato di trasformazioni su larga scala e di ampia portata nella società occidentale durante la fine del XIX secolo e l’inizio del XX. Tra i fattori che hanno modellato il modernismo c’erano lo sviluppo delle moderne società industriali e la rapida crescita delle città, seguite poi dalle reazioni di orrore alla prima guerra mondiale. Il modernismo respingeva anche la certezza del pensiero illuminista e molti modernisti respingevano la credenza religiosa.
Il modernismo, in generale, include le attività e le creazioni di coloro che sentivano le forme tradizionali di arte, architettura, letteratura, fede religiosa, filosofia, organizzazione sociale, attività della vita quotidiana e persino le scienze, si stavano adattando male ai loro compiti e superato nel nuovo ambiente economico, sociale e politico di un mondo emergente pienamente industrializzato. L’ingiunzione del poeta Ezra Pound del 1934 a “Make it new!” era la pietra di paragone dell’approccio del movimento verso ciò che vedeva come la cultura ormai obsoleta del passato. In questo spirito, le sue innovazioni, come il romanzo stream-of-consciousness, la musica atonale (o pantonale) e dodecafonica, la pittura divisionista e l’arte astratta, avevano tutti i precursori nell’Ottocento.
Una caratteristica notevole del modernismo è l’autocoscienza e l’ironia relative alle tradizioni letterarie e sociali, che spesso hanno portato a sperimentazioni con la forma, insieme all’uso di tecniche che hanno attirato l’attenzione sui processi e sui materiali utilizzati nella creazione di un dipinto, poesia, edificio, ecc. Il modernismo respinge esplicitamente l’ideologia del realismo e si avvale delle opere del passato con l’impiego della ripresa, dell’incorporazione, della riscrittura, della ricapitolazione, della revisione e della parodia.
Dopo la seconda guerra mondiale (principalmente le arti visive e dello spettacolo)
introduzione
Mentre l’Oxford Encyclopedia of British Literature afferma che il modernismo finì per c. 1939 per quanto riguarda la letteratura britannica e americana, “Quando (se) il modernismo si è esaurito e il postmodernismo è iniziato è stato contestato quasi con la stessa intensità di quando è avvenuta la transizione dal vittorianesimo al modernismo”. Clement Greenberg vede il modernismo terminare negli anni ’30, con l’eccezione delle arti visive e dello spettacolo, ma per quanto riguarda la musica, Paul Griffiths nota che, mentre il Modernismo “sembrava essere una forza esaurita” verso la fine degli anni ’20, dopo la seconda guerra mondiale, “una nuova generazione di compositori – Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis” ha fatto rivivere il modernismo “, infatti molti modernisti della letteratura hanno vissuto negli anni ’50 e ’60, anche se in genere non producevano grandi opere. “A volte viene applicato anche alle opere moderniste pubblicate dopo il 1930. Tra i modernisti (o i tardo modernisti) che pubblicano ancora dopo il 1945 c’erano Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Achmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys ed Ezra Pound. Basil Bunting, nato nel 1901, pubblicò il suo più importante poema modernista Briggflatts nel 1965. Inoltre, nel 1945 uscì The Death of Virgil di Hermann Broch e nel 1947 il Doctor Faustus di Thomas Mann. Samuel Beckett, che è morto nel 1989, è stato descritto come un “tardo modernista”. Beckett è uno scrittore con radici nella tradizione espressionista del Modernismo, che ha prodotto opere dagli anni ’30 fino al 1980, tra cui Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) e Rockaby (1981). I termini “minimalista” e “postmodernista” sono stati applicati anche ai suoi lavori successivi. I poeti Charles Olson (1910-1970) e J. H. Prynne (nato nel 1936) sono tra gli scrittori della seconda metà del XX secolo che sono stati descritti come ultimi modernisti.
Più recentemente il termine “tardo modernismo” è stato ridefinito da almeno un critico e usato per riferirsi a opere scritte dopo il 1945, piuttosto che al 1930. Con questo uso va l’idea che l’ideologia del modernismo sia stata significativamente ridisegnata dagli eventi di Seconda guerra mondiale, in particolare l’Olocausto e il lancio della bomba atomica.
Il periodo postbellico lasciò le capitali dell’Europa in uno sconvolgimento con l’urgenza di ricostruire economicamente e fisicamente e di riorganizzarsi politicamente. A Parigi (ex centro della cultura europea e ex capitale del mondo dell’arte) il clima per l’arte è stato un disastro. Importanti collezionisti, mercanti e artisti, scrittori e poeti modernisti erano fuggiti dall’Europa per New York e per l’America. I surrealisti e gli artisti moderni di ogni centro culturale europeo erano fuggiti dall’assalto dei nazisti per un rifugio sicuro negli Stati Uniti. Molti di quelli che non sono fuggiti sono morti. Alcuni artisti, in particolare Pablo Picasso, Henri Matisse e Pierre Bonnard, rimasero in Francia e sopravvissero.
Gli anni ’40 a New York annunciarono il trionfo dell’espressionismo astratto americano, un movimento modernista che univa le lezioni apprese da Henri Matisse, Pablo Picasso, il surrealismo, Joan Miró, il cubismo, il fauvismo e il primo modernismo attraverso grandi maestri americani come Hans Hofmann e John D. Graham. Gli artisti americani hanno beneficiato della presenza di Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e del gruppo André Breton, della galleria di Pierre Matisse, della galleria di Peggy Guggenheim The Art of This Century e di altri fattori.
Parigi, inoltre, ha riconquistato gran parte della sua lucentezza negli anni ’50 e ’60 come centro di una fioritura artistica della macchina, con entrambi i principali scultori d’arte della macchina Jean Tinguely e Nicolas Schöffer che si sono trasferiti lì per iniziare la loro carriera – e che florescenza, in luce del carattere tecnocentrico della vita moderna, può avere un’influenza particolarmente duratura.
Teatro dell’assurdo
Il termine “Theatre of the Absurd” viene applicato ai drammi, scritti principalmente da europei, che esprimono la convinzione che l’esistenza umana non ha significato o scopo e quindi tutte le comunicazioni si rompono. La costruzione logica e l’argomento lasciano il posto a un discorso irrazionale e illogico e alla sua conclusione definitiva, il silenzio. Sebbene esistano precursori significativi, tra cui Alfred Jarry (1873-1907), il Theatre of the Absurd è generalmente visto all’inizio degli anni ’50 con le commedie di Samuel Beckett.
Il critico Martin Esslin ha coniato il termine nel suo saggio del 1960 “Theatre of the Absurd”. Ha messo in relazione questi drammi basandosi su un ampio tema dell’Assurdo, simile al modo in cui Albert Camus usa il termine nel suo saggio del 1942, Il mito di Sisifo. L’Assurdo in questi spettacoli assume la forma della reazione dell’uomo verso un mondo apparentemente privo di significato, e / o l’uomo come un fantoccio controllato o minacciato da forze esterne invisibili. Sebbene il termine sia applicato a una vasta gamma di opere teatrali, alcune caratteristiche coincidono in molte delle commedie: una commedia ampia, spesso simile al vaudeville, mescolata a immagini orribili o tragiche; personaggi catturati in situazioni senza speranza costretti a fare azioni ripetitive o prive di significato; dialogo pieno di cliché, giochi di parole e sciocchezze; complotti ciclici o assurdamente espansivi; o una parodia o un licenziamento del realismo e il concetto di “gioco ben fatto”.
I drammaturghi comunemente associati al Theatre of the Absurd includono Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-94), Jean Genet (1910-86), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nato nel 1937), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-90), Alejandro Jodorowsky (nato nel 1929), Fernando Arrabal (nato nel 1932), Václav Havel (1936-2011) e Edward Albee (1928- 2016).
Pollock e influenze astratte
Verso la fine degli anni ’40, l’approccio radicale alla pittura di Jackson Pollock rivoluzionò il potenziale di tutta l’arte contemporanea che lo seguì. In qualche misura Pollock si rese conto che il viaggio verso la realizzazione di un’opera d’arte era importante quanto l’opera d’arte stessa. Come le innovazioni innovative di Pablo Picasso della pittura e della scultura del primo Novecento attraverso il cubismo e la scultura costruita, Pollock ha ridefinito il modo in cui l’arte è realizzata. Il suo allontanarsi dalla pittura da cavalletto e dalla convenzionalità è stato un segnale di liberazione per gli artisti della sua era e per tutti coloro che sono venuti dopo. Gli artisti si resero conto che il processo di Jackson Pollock – posizionando una tela grezza non tesa sul pavimento dove poteva essere attaccata da tutti e quattro i lati usando materiali artistici e industriali; gocciolare e lanciare matassine di colori lineari; disegnare, macchiare e spazzolare; usando immagini e oggetti non immaginari, essenzialmente artistici spazzati oltre ogni limite precedente. L’espressionismo astratto generalmente ampliava e sviluppava le definizioni e le possibilità a disposizione degli artisti per la creazione di nuove opere d’arte.
Gli altri espressionisti astratti seguirono la svolta di Pollock con nuove scoperte. In un certo senso le innovazioni di Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos e altri hanno aperto le porte alla diversità e alla portata di tutta l’arte che li ha seguiti. Le riletture nell’arte astratta di storici dell’arte come Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher mostrano tuttavia che le pioniere delle donne artiste che hanno prodotto importanti innovazioni nell’arte moderna erano state ignorate dai resoconti ufficiali della sua storia.
Personaggi internazionali dall’arte britannica
Henry Moore (1898-1986) emerse dopo la seconda guerra mondiale come scultore principale della Gran Bretagna. Era famoso per le sue sculture monumentali in bronzo semi astratte che si trovano in tutto il mondo come opere d’arte pubbliche. Le sue forme sono di solito astrazioni della figura umana, tipicamente raffiguranti figure materne e infantili, solitamente suggestive del corpo femminile, a parte una fase degli anni ’50 quando scolpiva gruppi familiari. Le sue forme sono generalmente perforate o contengono spazi vuoti.
Negli anni ’50, Moore iniziò a ricevere commissioni sempre più significative, inclusa una figura distesa per l’edificio dell’UNESCO a Parigi nel 1958. Con molte altre opere d’arte pubbliche, la scala delle sculture di Moore aumentò notevolmente. Gli ultimi tre decenni della vita di Moore sono proseguiti in modo simile, con numerose importanti retrospettive che hanno avuto luogo in tutto il mondo, in particolare una mostra importante nell’estate del 1972, nel parco del Forte di Belvedere che domina Firenze. Alla fine degli anni ’70 c’erano circa 40 mostre all’anno dedicate al suo lavoro. Nel campus dell’Università di Chicago, nel dicembre del 1967, 25 anni dopo l’ultimo, dopo che la squadra di fisici guidata da Enrico Fermi ottenne la prima reazione nucleare controllata e autosufficiente, l’energia nucleare di Moore fu svelata. Sempre a Chicago, Moore ha commemorato la scienza con una grande meridiana di bronzo, localmente chiamata Man Enters the Cosmos (1980), che è stata incaricata di riconoscere il programma di esplorazione spaziale.
La “London School” di pittori figurativi, tra cui Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nato nel 1931), Leon Kossoff (nato nel 1926) e Michael Andrews (1928-1995), hanno ha ricevuto un ampio riconoscimento internazionale.
Francis Bacon era un pittore figurativo britannico di origine irlandese noto per le sue immagini audaci, grafiche ed emotivamente crude. Le sue figure pittoriche ma astratte appaiono tipicamente isolate in gabbie geometriche di vetro o acciaio poste su sfondi piatti e non ben definiti. Bacon ha iniziato a dipingere durante i suoi primi anni ’20 ma ha lavorato solo sporadicamente fino alla sua metà degli anni ’30. La sua svolta arrivò con il trittico del 1944 Three Studies for Figures alla base di una crocifissione che sigillò la sua reputazione di cronista squattrinato della condizione umana. La sua produzione può essere descritta rozzamente come consistente in sequenze o variazioni su un singolo motivo; a partire dalle teste maschili degli anni ’40 isolate nelle stanze, i primi anni Cinquanta che urlavano i papi, e dalla metà alla fine degli anni ’50 animali e figure solitarie sospese in strutture geometriche. Questi sono stati seguiti dai suoi primi anni 1960 variazioni moderne della crocifissione nel formato trittico. Dalla metà degli anni ’60 ai primi anni ’70, Bacon produce principalmente ritratti di amici straordinariamente compassionevoli. Dopo il suicidio del suo amante George Dyer nel 1971, la sua arte divenne più personale, introversa e preoccupata di temi e motivi di morte. Durante la sua vita, Bacon fu ugualmente insultato e acclamato.
Lucian Freud era un pittore britannico di origini tedesche, noto soprattutto per il suo ritratto e le sue pitture a figure fittissime, che era ampiamente considerato il preminente artista britannico del suo tempo. Le sue opere sono note per la loro penetrazione psicologica e per il loro esame spesso disagio della relazione tra artista e modella. Secondo William Grimes del New York Times, “Lucien Freud e i suoi contemporanei hanno trasformato la pittura figurativa nel 20 ° secolo. In dipinti come Ragazza con un cane bianco (1951-52), Freud ha messo il linguaggio pittorico della pittura europea tradizionale al servizio di uno stile di ritrattistica anti-romantico e conflittuale che metteva a nudo la facciata sociale del sitter.Gli uomini comuni, molti dei quali suoi amici, guardavano con occhi spalancati dalla tela, vulnerabili alla spietata ispezione dell’artista. ”
Negli anni ’60 dopo l’espressionismo astratto
Negli anni ’50 e ’60, nella pittura astratta, diverse nuove direzioni come la pittura hard-edge e altre forme di astrazione geometrica cominciarono ad apparire negli studi di artisti e nei circoli avanguardisti radicali come reazione al soggettivismo dell’espressionismo astratto. Clement Greenberg divenne la voce dell’astrazione post-pittore quando curò un’influente mostra di nuova pittura che nel 1964 visitò importanti musei d’arte in tutti gli Stati Uniti. La pittura a colori, la pittura hard-edge e l’astrazione lirica emersero come nuove direzioni radicali.
Tuttavia, alla fine degli anni ’60, postminimalismo, process art e Arte Povera emersero anche concetti rivoluzionari e movimenti che comprendevano sia la pittura che la scultura, attraverso l’astrazione lirica e il movimento postminimalista, e nella prima arte concettuale. La Process Art ispirata da Pollock ha permesso agli artisti di sperimentare e utilizzare una diversa enciclopedia di stile, contenuto, materiale, posizionamento, senso del tempo, spazio plastico e reale. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz e Peter Reginato furono alcuni degli artisti più giovani che emersero durante l’era del tardo modernismo che generò il culmine dell’arte della fine degli anni ’60.
Pop Art
Nel 1962 la Sidney Janis Gallery montò The New Realists, la prima grande mostra di gruppo pop art in una galleria d’arte a New York. Janis ha allestito la mostra in un negozio sulla 57esima strada vicino alla sua galleria, al numero 15 di E 57th Street. Lo spettacolo ha trasmesso onde d’urto attraverso la Scuola di New York e si è riverberato in tutto il mondo. Precedentemente in Inghilterra nel 1958 il termine “Pop Art” fu usato da Lawrence Alloway per descrivere i dipinti che celebravano il consumismo dell’era post Seconda Guerra Mondiale. Questo movimento respinse l’espressionismo astratto e il suo focus sull’interiorità ermeneutica e psicologica a favore dell’arte che rappresentava e spesso celebrava la cultura del consumo materiale, la pubblicità e l’iconografia dell’età della produzione di massa. I primi lavori di David Hockney e le opere di Richard Hamilton e Eduardo Paolozzi (che ha creato il rivoluzionario I was a Rich Man’s Plaything, 1947) sono considerati esempi seminali nel movimento. Nel frattempo, nella scena del centro cittadino nelle gallerie della 10th Street dell’East Village di New York, gli artisti stavano formulando una versione americana della pop art. Claes Oldenburg aveva il suo negozio e la Green Gallery sulla 57th Street cominciò a mostrare le opere di Tom Wesselmann e James Rosenquist. Più tardi Leo Castelli espose le opere di altri artisti americani, compresi quelli di Andy Warhol e Roy Lichtenstein per la maggior parte delle loro carriere. C’è una connessione tra le opere radicali di Marcel Duchamp e Man Ray, i ribelli dadaisti con senso dell’umorismo e artisti pop come Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein, i cui dipinti riproducono l’aspetto dei punti Ben-Day, un tecnica utilizzata nella riproduzione commerciale.
minimalismo
Il minimalismo descrive i movimenti in varie forme di arte e design, in particolare l’arte visiva e la musica, in cui gli artisti intendono esporre l’essenza o l’identità di un soggetto eliminando tutte le forme, caratteristiche o concetti non essenziali. Il minimalismo è qualsiasi design o stile in cui vengono utilizzati gli elementi più semplici e minimi per creare l’effetto massimo.
Come movimento specifico nelle arti si identifica con gli sviluppi nell’arte occidentale del secondo dopoguerra, in particolare con le arti visive americane negli anni ’60 e nei primi anni ’70. Tra gli artisti di spicco associati a questo movimento ci sono Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt e Frank Stella. Deriva dagli aspetti riduttivi del modernismo ed è spesso interpretato come una reazione contro l’espressionismo astratto e un ponte verso le pratiche artistiche postminime. Agli inizi degli anni ’60 il minimalismo emergeva come un movimento astratto nell’arte (con le radici nell’astrazione geometrica di Kazimir Malevich, Bauhaus e Piet Mondrian) che respingeva l’idea della pittura relazionale e soggettiva, la complessità delle superfici espressioniste astratte e lo zeitgeist emotivo e polemiche presenti nell’arena della action painting. Il minimalismo sosteneva che l’estrema semplicità poteva catturare tutta la sublime rappresentazione necessaria nell’arte. Il minimalismo è variamente interpretato sia come precursore del postmodernismo, sia come movimento postmoderno stesso. In quest’ultima prospettiva, il primo minimalismo ha prodotto opere moderniste avanzate, ma il movimento ha parzialmente abbandonato questa direzione quando alcuni artisti come Robert Morris hanno cambiato direzione in favore del movimento antiforme.
Hal Foster, nel suo saggio The Crux of Minimalism, esamina in quale misura Donald Judd e Robert Morris riconoscono e superano il Modernismo Greenbergiano nelle loro definizioni pubblicate di minimalismo. Sostiene che il minimalismo non è un “vicolo cieco” del Modernismo, ma un “cambio di paradigma verso pratiche postmoderne che continuano ad essere elaborate oggi”.
I termini si sono espansi per includere un movimento nella musica che presenta tale ripetizione e iterazione come quelle delle composizioni di La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass e John Adams. Le composizioni minimaliste sono talvolta conosciute come musica di sistema. Il termine “minimalista” spesso si riferisce colloquialmente a tutto ciò che è di riserva o spogliato al suo essenziale. È stato anche usato per descrivere le opere teatrali ei romanzi di Samuel Beckett, i film di Robert Bresson, le storie di Raymond Carver e il design automobilistico di Colin Chapman.
Postminimalism
Verso la fine degli anni ’60 Robert Pincus-Witten coniò il termine “postminimalismo” per descrivere l’arte derivata dal minimalismo che aveva contenuti e sfumature contestuali che il minimalismo rifiutava. Il termine è stato applicato da Pincus-Whitten al lavoro di Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e nuovo lavoro degli ex minimalisti Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va e altri. Altri minimalisti tra cui Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken e altri hanno continuato a produrre tele e sculture tardo moderniste per il resto della loro carriera.
Da allora, molti artisti hanno abbracciato stili minimi o postminimali e l’etichetta “Postmodern” è stata allegata a loro.
Collage, assemblaggio, installazioni
In relazione all’espressionismo astratto c’era l’emergere di combinare manufatti con materiali d’artista, allontanandosi dalle precedenti convenzioni di pittura e scultura. Il lavoro di Robert Rauschenberg esemplifica questa tendenza. Le sue “mietitrebbia” degli anni ’50 furono precursori della pop art e delle installazioni artistiche e usarono assemblaggi di grandi oggetti fisici, inclusi animali imbalsamati, uccelli e fotografie commerciali. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine ed Edward Kienholz sono stati tra i pionieri importanti dell’astrazione e della pop art. Creando nuove convenzioni del fare arte, hanno reso accettabile nei circoli di arte contemporanea seria l’inclusione radicale nelle loro opere di materiali improbabili. Un altro pioniere del collage fu Joseph Cornell, le cui opere più intimamente ridimensionate furono considerate radicali sia per la sua iconografia personale che per l’uso di oggetti trovati.
Neo-Dada
All’inizio del XX secolo Marcel Duchamp presentò per esposizione un orinale come scultura. Ha professato il suo intento che la gente guarda l’orinatoio come se fosse un’opera d’arte perché ha detto che era un’opera d’arte. Ha fatto riferimento al suo lavoro come “readymades”. Fountain era un orinatoio firmato con lo pseudonimo “R. Mutt”, la cui esibizione sconvolse il mondo dell’arte nel 1917. Questo e gli altri lavori di Duchamp sono generalmente etichettati come Dada. Duchamp può essere visto come un precursore dell’arte concettuale, altri famosi esempi sono i 4’33 “di John Cage, che sono quattro minuti e trentatré secondi di silenzio, e il disegno Erased de Kooning di Rauschenberg. Molte opere concettuali prendono la posizione che l’arte è il risultato dello spettatore che osserva un oggetto o che agisce come arte, non delle qualità intrinseche dell’opera stessa. Scegliendo “un articolo di vita ordinario” e creando “un nuovo pensiero per quell’oggetto”, Duchamp invitò gli spettatori a vedere Fountain come una scultura .
Marcel Duchamp rinunciò notoriamente all’arte “a favore degli scacchi”. Il compositore d’avanguardia David Tudor ha creato un pezzo, Reunion (1968), scritto insieme a Lowell Cross, che presenta un gioco di scacchi in cui ogni mossa attiva un effetto di illuminazione o proiezione. Duchamp e Cage hanno giocato il gioco alla premiere del lavoro.
Steven Best e Douglas Kellner identificano Rauschenberg e Jasper Johns come parte della fase di transizione, influenzata da Duchamp, tra Modernismo e Postmodernismo. Entrambe le immagini utilizzate di oggetti ordinari, o gli oggetti stessi, nel loro lavoro, pur mantenendo l’astrazione e gesti pittorici dell’alto modernismo.
Prestazioni e avvenimenti
Durante la fine degli anni ’50 e ’60, artisti con una vasta gamma di interessi iniziarono a spingere i confini dell’arte contemporanea. Yves Klein in Francia, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono a New York, e Joseph Beuys, Wolf Vostell e Nam June Paik in Germania sono stati pionieri delle opere d’arte basate sulla performance. Gruppi come The Living Theatre con Julian Beck e Judith Malina hanno collaborato con scultori e pittori creando ambienti, cambiando radicalmente il rapporto tra pubblico e performer, specialmente nel loro pezzo Paradise Now. The Judson Dance Theatre, situato presso la Judson Memorial Church, a New York; e i ballerini Judson, in particolare Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e altri; ha collaborato con gli artisti Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingegneri come Billy Klüver. La Park Place Gallery era un centro per spettacoli musicali dei compositori elettronici Steve Reich, Philip Glass e altri artisti di spicco come Joan Jonas.
Queste esibizioni erano intese come opere di una nuova forma d’arte che combina scultura, danza, musica o suono, spesso con partecipazione del pubblico. Erano caratterizzati dalle filosofie riduttive del minimalismo e dall’improvvisazione spontanea ed espressività dell’espressionismo astratto. Le immagini delle rappresentazioni di Schneeman di pezzi destinati allo shock sono occasionalmente utilizzate per illustrare questo tipo di arte, e viene spesso fotografata mentre esegue il suo pezzo Interior Scroll. Tuttavia, le immagini di lei che eseguono questo pezzo stanno illustrando esattamente ciò che la performance art non è. Nella performance art, la performance stessa è il mezzo. Altri media non possono illustrare la performance art. La performance art viene eseguita, non catturata. Per sua natura, la performance è momentanea ed evanescente, che è parte del punto del medium come arte. Le rappresentazioni della performance art in altri media, sia per immagine, video, narrativa o altro, selezionano determinati punti di vista nello spazio o nel tempo o altrimenti coinvolgono le limitazioni intrinseche di ciascun mezzo e che quindi non possono veramente illustrare il mezzo della performance come arte.
Nello stesso periodo, vari artisti d’avanguardia hanno creato Happenings, incontri misteriosi e spesso spontanei e non battuti di artisti e loro amici e parenti in varie località, spesso incorporando esercizi in assurdità, fisicità, costumi, nudità spontanea e vari casuali o apparentemente atti disconnessi. Notevoli creatori di eventi inclusi Allan Kaprow, che per primo usarono il termine nel 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.
Intermedia, multimediale
Un’altra tendenza dell’arte che è stata associata al termine postmoderno è l’uso di un numero di media diversi insieme. Intermedia è un termine coniato da Dick Higgins e destinato a trasmettere nuove forme d’arte sulla falsariga di Fluxus, poesia concreta, oggetti trovati, performance art e computer art. Higgins è stato editore di Something Else Press, un poeta concreto sposato con l’artista Alison Knowles e ammiratore di Marcel Duchamp. Ihab Hassan include “Intermedia, la fusione di forme, la confusione dei regni”, nella sua lista delle caratteristiche dell’arte postmoderna. Una delle forme più comuni di “arte multimediale” è l’uso di videoregistratori e monitor CRT, definiti video arte. Mentre la teoria di combinare più arti in un’unica arte è piuttosto vecchia, ed è stata ripresa periodicamente, la manifestazione postmoderna è spesso in combinazione con l’arte della performance, in cui il sottotesto drammatico viene rimosso, e ciò che rimane sono le specifiche dichiarazioni dell’artista in domanda o la dichiarazione concettuale della loro azione.
Fluxus
Fluxus è stato nominato e liberamente organizzato nel 1962 da George Maciunas (1931-78), un artista americano di origine lituana. Fluxus fa risalire le sue origini ai corsi di Composizione Sperimentale di John Cage del 1957 al 1959 presso la New School for Social Research di New York City. Molti dei suoi studenti erano artisti che lavorano in altri media con poca o nessuna esperienza musicale. Tra gli studenti di Cage c’erano i membri fondatori di Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.
Fluxus ha incoraggiato un’estetica fai-da-te e una preziosa semplicità rispetto alla complessità. Come Dada prima di esso, Fluxus includeva una forte corrente di anti-mercantilismo e una sensibilità anti-arte, denigrando il convenzionale mondo dell’arte guidato dal mercato in favore di una pratica creativa centrata sull’artista. Gli artisti di Fluxus preferivano lavorare con qualunque materiale fosse a portata di mano, e hanno creato il loro lavoro o collaborato nel processo di creazione con i loro colleghi.
Andreas Huyssen critica i tentativi di rivendicare Fluxus per il postmodernismo come “il codice principale del postmodernismo o il movimento artistico in definitiva non rappresentabile – per così dire, il sublime del postmodernismo”. Invece vede Fluxus come un grande fenomeno neodadaista all’interno della tradizione delle avanguardie. Non rappresentava un grande progresso nello sviluppo delle strategie artistiche, sebbene esprimesse una ribellione contro “la cultura amministrata degli anni ’50, in cui un modernismo moderato e addomesticato serviva come supporto ideologico alla Guerra Fredda”.
Periodo tardivo
La continuazione dell’espressionismo astratto, della pittura sul campo cromatico, dell’astrazione lirica, dell’astrazione geometrica, del minimalismo, dell’illusionismo astratto, dell’arte del processo, della pop art, del postminimalismo e di altri movimenti modernisti della fine del XX secolo sia nella pittura che nella scultura continuò durante il primo decennio del XXI secolo e costituiscono nuove direzioni radicali in quei mezzi.
All’inizio del XXI secolo, artisti affermati come Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski , Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein e artisti più giovani tra cui Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile e altri hanno continuato a produrre dipinti e sculture importanti e influenti.
Differenze tra modernismo e postmodernismo
Nei primi anni ’80 il movimento postmoderno in arte e architettura iniziò a stabilire la sua posizione attraverso vari formati concettuali e intermediari. Il postmodernismo nella musica e nella letteratura cominciò a prendere piede prima. Nella musica, il postmodernismo è descritto in un’opera di riferimento, come un “termine introdotto negli anni ’70”, mentre nella letteratura britannica, The Oxford Encyclopedia of British Literature vede il modernismo “cedere il suo predominio al postmodernismo” già nel 1939. Tuttavia, le date sono molto discutibile, specialmente secondo Andreas Huyssen: “il postmodernismo di un critico è un altro modernismo critico”. Ciò include coloro che sono critici della divisione tra i due e li vedono come due aspetti dello stesso movimento, e credono che il tardo Modernismo continui.
Il modernismo è un marchio onnicomprensivo per un’ampia varietà di movimenti culturali. Il postmodernismo è essenzialmente un movimento centralizzato che si autodefinisce, basato sulla teoria sociopolitica, sebbene il termine sia ora usato in un senso più ampio per riferirsi ad attività dal 20 ° secolo in poi che mostrano la consapevolezza e la reinterpretazione del moderno.
La teoria postmoderna afferma che il tentativo di canonizzare il modernismo “dopo il fatto” è destinato a contraddizioni insanabili.
In un senso più stretto, ciò che era modernista non era necessariamente anche postmoderno. Quegli elementi del modernismo che accentuavano i benefici della razionalità e del progresso socio-tecnologico erano solo modernisti.
Modernismo in Africa e in Asia
“I concetti modernisti, in particolare l’autonomia estetica, erano fondamentali per la letteratura della decolonizzazione in Africa anglofona”. Rajat Neogy, Christopher Okigbo e Wole Soyinka, furono tra gli scrittori che “riproponevano le versioni moderniste dell’autonomia estetica per dichiarare la loro libertà dalla schiavitù coloniale, dai sistemi di discriminazione razziale e persino dal nuovo stato postcoloniale”.
I termini “modernismo” e “modernista” “sono diventati solo recentemente parte del discorso standard in inglese sulla letteratura giapponese moderna e permangono dubbi sulla loro autenticità rispetto al modernismo dell’Europa occidentale”. Questo è strano dato “la prosa decisamente modan” di “noti scrittori giapponesi come Kawabata Yasunari, Nagai Kafu e Jun’ichirō Tanizaki”. Tuttavia, “gli studiosi di arti visive e belle arti, architettura e poesia hanno prontamente abbracciato il” modanizumu “come concetto chiave per descrivere e analizzare la cultura giapponese negli anni ’20 e ’30”.
Nel 1924, diversi giovani scrittori, tra cui Kawabata Yasunari, Riichi Yokomitsu fondarono una rivista letteraria Bungei Jidai (“The Artistic Age”). This journal was “part of an ‘art for art’s sake’ movement, influenced by European Cubism, Expressionism, Dada, and other modernist styles”.
Japanese modernist architect Kenzō Tange (1913 – 2005} was one of the most significant architects of the 20th century, combining traditional Japanese styles with modernism, and designed major buildings on five continents. Tange was also an influential patron of the Metabolist movement. He said: “It was, I believe, around 1959 or at the beginning of the sixties that I began to think about what I was later to call structuralism”, He was influenced from an early age by the Swiss modernist, Le Corbusier, Tange gained international recognition in 1949 when he won the competition for the design of Hiroshima Peace Memorial Park.
In China the “New Sensationists” (新感觉派) were a group of writers based in Shanghai who in the 1930s and 1940s were influenced, to varying degrees, by Western and Japanese modernism. They wrote fiction that was more concerned with the unconscious and with aesthetics than with politics or social problems. Among these writers were Mu Shiying, Liu Na’ou, and Shi Zhecun.
The Progressive Artists’ Group was a group of modern artists, mainly based in Mumbai, India formed in 1947. Though it lacked any particular style, it synthesised Indian art with European and North America influences from the first half of the 20th Century, including Post-Impressionism, Cubism and Expressionism.