Le modernisme est un mouvement philosophique qui, avec les tendances et les changements culturels, est né de transformations à grande échelle et de grande envergure dans la société occidentale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Le développement des sociétés industrielles modernes et la croissance rapide des villes furent suivis de réactions d’horreur à la Première Guerre mondiale. Le modernisme rejeta également la certitude de la pensée des Lumières, et de nombreux modernistes rejetèrent la croyance religieuse.

Le modernisme, en général, inclut les activités et les créations de ceux qui sentaient que les formes traditionnelles d’art, d’architecture, de littérature, de foi religieuse, de philosophie, d’organisation sociale, d’activités de la vie quotidienne et même de sciences étaient mal adaptées à leurs tâches. et dépassé dans le nouvel environnement économique, social et politique d’un monde émergent entièrement industrialisé. L’injonction de 1934 du poète Ezra Pound à « Make it new! » était la pierre de touche de l’approche du mouvement vers ce qu’il considérait comme la culture désormais obsolète du passé. Dans cet esprit, ses innovations, comme le roman du courant de conscience, la musique atonale (ou pantonale) et la musique à douze tons, la peinture divisionniste et l’art abstrait, avaient toutes des précurseurs au XIXe siècle.

Une caractéristique notable du modernisme est la conscience de soi et l’ironie concernant les traditions littéraires et sociales, qui conduisaient souvent à des expériences avec la forme, ainsi que l’utilisation de techniques qui attiraient l’attention sur les processus et matériaux utilisés pour créer une peinture, un poème, etc. Le modernisme rejette explicitement l’idéologie du réalisme et utilise les œuvres du passé par l’emploi de la reprise, de l’incorporation, de la réécriture, de la récapitulation, de la révision et de la parodie.

Après la Seconde Guerre mondiale (principalement les arts visuels et de la scène)

introduction
Alors que l’Oxford Encyclopedia of British Literature affirme que le modernisme a fini par c. 1939 en ce qui concerne la littérature britannique et américaine, « Quand (si) le modernisme s’est éteint et le postmodernisme a commencé a été contesté presque aussi chaudement que lorsque la transition du victorianisme au modernisme s’est produite. » Clement Greenberg voit le modernisme se terminer dans les années 1930, à l’exception des arts visuels et du spectacle, mais en ce qui concerne la musique, Paul Griffiths note que le modernisme «semblait être une force dépensée» à la fin des années 1920, après la Seconde Guerre mondiale. «Une nouvelle génération de compositeurs – Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis – a fait revivre le modernisme.» En fait, de nombreux modernistes littéraires ont vécu dans les années 1950 et 1960, bien qu’ils ne produisaient généralement plus d’œuvres majeures. »est également parfois appliqué aux travaux modernistes publiés après 1930. Parmi les modernistes (ou modernistes tardifs) publiant encore après 1945 étaient Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys, et Ezra Pound. Basil Bunting, né en 1901, a publié son plus important poème moderniste Briggflatts en 1965. De plus, The Death of Virgil d’Hermann Broch a été publié en 1945 et le Docteur Faustus de Thomas Mann en 1947. Samuel Beckett, wh o est mort en 1989, a été décrit comme un « moderniste plus tard ». Beckett est un écrivain enraciné dans la tradition expressionniste du modernisme, qui a produit des œuvres des années 1930 jusqu’aux années 1980, notamment Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) et Rockaby (1981). Les termes «minimaliste» et «post-moderniste» ont également été appliqués à ses œuvres ultérieures. Les poètes Charles Olson (1910-1970) et JH Prynne (né en 1936) sont parmi les écrivains de la seconde moitié du XXe siècle qui ont été décrits comme des modernistes tardifs.

Plus récemment, le terme «modernisme tardif» a été redéfini par au moins un critique et utilisé pour se référer à des œuvres écrites après 1945, plutôt que 1930. Avec cet usage va l’idée que l’idéologie du modernisme a été considérablement remodelée par les événements de La Seconde Guerre mondiale, en particulier l’Holocauste et l’abandon de la bombe atomique.

L’après-guerre a bouleversé les capitales de l’Europe avec une urgence à reconstruire économiquement et physiquement et à se regrouper politiquement. A Paris (ancien centre de la culture européenne et ancienne capitale du monde de l’art), le climat de l’art était un désastre. D’importants collectionneurs, marchands et artistes, écrivains et poètes modernistes avaient fui l’Europe pour New York et l’Amérique. Les surréalistes et les artistes modernes de tous les centres culturels d’Europe avaient fui les assauts des nazis pour se réfugier aux États-Unis. Beaucoup de ceux qui n’ont pas fui ont péri. Quelques artistes, notamment Pablo Picasso, Henri Matisse et Pierre Bonnard, sont restés en France et ont survécu.

Les années 1940 à New York annoncent le triomphe de l’expressionnisme abstrait américain, un mouvement moderniste qui combine les leçons apprises de Henri Matisse, Pablo Picasso, surréalisme, Joan Miró, le cubisme, le fauvisme et le début du modernisme via Hans Hofmann et John D. Graham. Les artistes américains ont bénéficié de la présence de Piet Mondrian, de Fernand Léger, de Max Ernst et du groupe André Breton, de la galerie de Pierre Matisse et de la galerie de Peggy Guggenheim L’Art de ce siècle, ainsi que d’autres facteurs.

De plus, Paris a retrouvé une grande partie de son lustre dans les années 1950 et 1960 en tant que centre de la florescence de l’art de la machine, avec Jean Tinguely et Nicolas Schöffer, deux grands sculpteurs d’art mécanique qui s’y sont installés. du caractère technocentrique de la vie moderne, peut avoir une influence particulièrement durable.

Théâtre de l’absurde
Le terme « Théâtre de l’Absurde » est appliqué aux pièces de théâtre, écrites principalement par des Européens, qui expriment la croyance que l’existence humaine n’a aucun sens ou but et donc toute communication se décompose. La construction logique et l’argument cèdent la place à un discours irrationnel et illogique et à sa conclusion ultime, le silence. Bien qu’il y ait des précurseurs significatifs, y compris Alfred Jarry (1873-1907), le Théâtre de l’Absurde est généralement vu comme commençant dans les années 1950 avec les pièces de Samuel Beckett.

Le critique Martin Esslin a inventé le terme dans son essai 1960 « Theatre of the Absurd ». Il a relaté ces pièces sur un large thème de l’absurde, semblable à la façon dont Albert Camus utilise le terme dans son essai de 1942, le mythe de Sisyphe. L’Absurde dans ces pièces prend la forme de la réaction de l’homme à un monde apparemment sans signification, et / ou l’homme comme une marionnette contrôlée ou menacée par des forces extérieures invisibles. Bien que le terme soit appliqué à un large éventail de pièces, certaines caractéristiques coïncident dans de nombreuses pièces: une grande comédie, souvent semblable au vaudeville, mêlée à des images horribles ou tragiques; des personnages pris dans des situations désespérées forcées de faire des actions répétitives ou insignifiantes; un dialogue plein de clichés, de jeux de mots et de bêtises; les parcelles qui sont cycliques ou absurdement expansives; soit une parodie ou un rejet du réalisme et le concept du «jeu bien fait».

Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (né en 1937), Alexander sont des dramaturges souvent associés au Théâtre de l’absurde. Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-90), Alejandro Jodorowsky (né en 1929), Fernando Arrabal (né en 1932), Václav Havel (1936-2011) et Edward Albee (1928- 2016).

Pollock et influences abstraites
À la fin des années 1940, l’approche radicale de Jackson Pollock à l’égard de la peinture a révolutionné le potentiel de tout l’art contemporain qui l’a suivi. Dans une certaine mesure, Pollock s’est rendu compte que le voyage vers une œuvre d’art était aussi important que l’œuvre d’art elle-même. Comme les réinventions innovantes de Pablo Picasso de la peinture et de la sculpture au début du 20ème siècle à travers le cubisme et la sculpture construite, Pollock a redéfini la façon dont l’art est fait. Son abandon de la peinture de chevalet et de la conventionalité était un signal libérateur pour les artistes de son époque et pour tous ceux qui sont venus après. Les artistes se sont rendu compte que le processus de Jackson Pollock – plaçant la toile brute non étirée sur le sol où il pourrait être attaqué des quatre côtés en utilisant des matériaux artistiques et industriels; égoutter et lancer des écheveaux de peinture linéaires; dessin, coloration et brossage; en utilisant l’imagerie et l’art de la non-imagination – essentiellement fustigé au-delà de toute limite antérieure. L’expressionnisme abstrait a généralement élargi et développé les définitions et les possibilités offertes aux artistes pour la création de nouvelles œuvres d’art.

Les autres expressionnistes abstraits ont suivi la percée de Pollock avec de nouvelles percées. Dans un certain sens, les innovations de Jackson Pollock, de Willem Kooning, de Franz Roth, de Philip Hofmann, de Hans Hofmann, de Clyfford Still, de Barnett Newman, de Ad Reinhardt, de Robert Motherwell, de Peter Voulkos et d’autres ont ouvert la porte à tout l’art qui les a suivis. Les relectures dans l’art abstrait par des historiens de l’art comme Linda Nochlin, Griselda Pollock et Catherine de Zegher montrent de manière critique que les femmes artistes pionnières qui ont produit des innovations majeures dans l’art moderne ont été ignorées par les comptes rendus officiels de son histoire.

Figures internationales de l’art britannique
Henry Moore (1898-1986) a émergé après la Seconde Guerre mondiale en tant que premier sculpteur de la Grande-Bretagne. Il était surtout connu pour ses sculptures monumentales en bronze semi-abstraites qui sont situées partout dans le monde en tant qu’œuvres d’art public. Ses formes sont généralement des abstractions de la figure humaine, représentant typiquement des figures maternelles et inclinables, généralement suggestives du corps féminin, à l’exception d’une phase dans les années 1950 où il a sculpté des groupes familiaux. Ses formes sont généralement percées ou contiennent des espaces creux.

Dans les années 1950, Moore a commencé à recevoir des commandes de plus en plus importantes, y compris un chiffre allongé pour le bâtiment de l’UNESCO à Paris en 1958. Avec beaucoup plus d’œuvres d’art publiques, l’ampleur des sculptures de Moore a considérablement augmenté. Les trois dernières décennies de la vie de Moore ont continué dans la même veine, avec plusieurs grandes rétrospectives se déroulant dans le monde entier, notamment une exposition de premier plan à l’été 1972 dans le parc du Forte di Belvedere surplombant Florence. À la fin des années 1970, il y avait environ 40 expositions par année mettant en vedette son travail. Sur le campus de l’Université de Chicago en décembre 1967, 25 ans à la minute après que l’équipe de physiciens dirigée par Enrico Fermi ait réalisé la première réaction nucléaire auto-entretenue contrôlée, l’énergie nucléaire de Moore a été dévoilée. Également à Chicago, Moore a commémoré la science avec un grand cadran solaire en bronze, nommé Man Enters the Cosmos (1980), qui a été commandé pour reconnaître le programme d’exploration spatiale.

La « London School » des peintres figuratifs, dont Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (né en 1931), Leon Kossoff (né en 1926) et Michael Andrews (1928-1995), ont reçu une reconnaissance internationale généralisée.

Francis Bacon était un peintre figuratif britannique d’origine irlandaise connu pour ses images audacieuses, graphiques et émotionnellement brutes. Ses figures picturales mais abstraites apparaissent généralement isolées dans des cages géométriques en verre ou en acier posées sur des arrière-plans plats et non-écrits. Bacon a commencé à peindre au début de la vingtaine, mais n’a travaillé que sporadiquement jusqu’à la mi-trentaine. Sa percée est venue avec le triptyque de 1944, Three Studies for Figures, à la base d’une crucifixion qui a scellé sa réputation de chroniqueur particulièrement sombre de la condition humaine. Sa sortie peut être grossièrement décrite comme étant constituée de séquences ou de variations sur un seul motif; à commencer par les têtes des hommes des années 1940 isolées dans les chambres, les papes hurlants du début des années 1950, et les animaux et les figures solitaires des années 1950 à la fin des années 50, suspendus dans des structures géométriques. Ceux-ci ont été suivis par ses variations modernes de la crucifixion au début des années 1960 dans le format triptyque. Du milieu des années 1960 au début des années 1970, Bacon produit principalement des portraits d’amis remarquablement compatissants. Après le suicide de son amant George Dyer en 1971, son art est devenu plus personnel, replié sur lui-même et préoccupé par les thèmes et les motifs de la mort. Au cours de sa vie, Bacon a été également vilipendé et acclamé.

Lucian Freud était un peintre britannique d’origine allemande, connu principalement pour ses portraits et ses peintures figuratives à l’empâtement épais, qui était largement considéré comme l’artiste britannique prééminent de son temps. Ses œuvres sont réputées pour leur pénétration psychologique et pour leur examen souvent désagréable de la relation entre l’artiste et le modèle. Selon William Grimes du New York Times, «Lucien Freud et ses contemporains ont transformé la peinture figurative au XXe siècle: dans des tableaux comme Girl with a white dog (1951-52), Freud a mis au service du langage pictural la peinture européenne traditionnelle d’un style de portrait anti-romantique et conflictuel qui dépouillait la façade sociale du modèle, les gens ordinaires, dont beaucoup étaient ses amis, regardaient fixement les yeux écarquillés de la toile, vulnérables à l’inspection impitoyable de l’artiste.

Dans les années 1960 après l’expressionnisme abstrait
Dans la peinture abstraite des années 1950 et 1960, plusieurs nouvelles directions comme la peinture hard-edge et d’autres formes d’abstraction géométrique ont commencé à apparaître dans les ateliers d’artistes et dans les cercles avant-gardistes radicaux en réaction au subjectivisme de l’expressionnisme abstrait. Clément Greenberg devint la voix de l’abstraction post-peintre lorsqu’il organisa en 1964 une exposition influente de nouvelles peintures qui visitèrent d’importants musées d’art aux États-Unis. La peinture sur le terrain, la peinture dure et l’abstraction lyrique devinrent de nouvelles directions radicales.

Vers la fin des années 1960, le postminimalisme, l’art du processus et l’Arte Povera émergèrent également comme concepts et mouvements révolutionnaires englobant à la fois la peinture et la sculpture, l’abstraction lyrique et le mouvement postminimaliste, et l’art conceptuel précoce. L’art du processus, inspiré par les artistes de Pollock, a permis d’expérimenter et de faire usage d’une encyclopédie diversifiée de style, de contenu, de matériel, de placement, de sens du temps et d’espace plastique et réel. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz et Peter Reginato sont quelques-uns des plus jeunes artistes qui ont émergé à l’époque du modernisme tardif qui a engendré l’apogée de l’art de la fin des années 1960.

Pop Art
En 1962, la galerie Sidney Janis a monté The New Realists, la première grande exposition de groupe de pop art dans une galerie d’art du quartier chic de New York. Janis a monté l’exposition dans une vitrine de la 57e rue près de sa galerie au 15 E. 57th Street. Le spectacle a envoyé des ondes de choc à travers la New York School et s’est répercuté dans le monde entier. Plus tôt en Angleterre en 1958, le terme «Pop Art» a été utilisé par Lawrence Alloway pour décrire les peintures qui célébraient le consumérisme de l’après-guerre. Ce mouvement a rejeté l’expressionnisme abstrait et son accent sur l’intérieur herméneutique et psychologique en faveur de l’art qui dépeint et célèbre souvent la culture de consommation matérielle, la publicité et l’iconographie de l’âge de la production de masse. Les premiers travaux de David Hockney et les travaux de Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi (qui a créé le pionnier J’ai été un Rich Man’s Plaything, 1947) sont considérés comme des exemples séminal dans le mouvement. Pendant ce temps, dans la scène du centre-ville dans les galeries East Village 10th Street de New York, des artistes ont formulé une version américaine du pop art. Claes Oldenburg a eu sa devanture, et la galerie verte sur la 57ème rue a commencé à montrer les travaux de Tom Wesselmann et de James Rosenquist. Plus tard, Leo Castelli a exposé les œuvres d’autres artistes américains, y compris ceux d’Andy Warhol et Roy Lichtenstein pour la plupart de leurs carrières. Il y a un lien entre les œuvres radicales de Marcel Duchamp et Man Ray, les dadaïstes rebelles avec un sens de l’humour, et les artistes pop comme Claes Oldenburg, Andy Warhol, et Roy Lichtenstein, dont les peintures reproduisent le look de Ben-Day technique utilisée dans la reproduction commerciale.

Minimalisme
Le minimalisme décrit les mouvements dans diverses formes d’art et de design, en particulier l’art visuel et la musique, où les artistes ont l’intention d’exposer l’essence ou l’identité d’un sujet en éliminant toutes formes, caractéristiques ou concepts non essentiels. Le minimalisme est une conception ou un style dans lequel les éléments les plus simples et les moins nombreux sont utilisés pour créer l’effet maximum.

Comme un mouvement spécifique dans les arts, il est identifié avec les développements de l’art occidental de l’après-Seconde Guerre mondiale, plus fortement avec les arts visuels américains dans les années 1960 et au début des années 1970. Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt et Frank Stella figurent parmi les artistes de premier plan associés à ce mouvement. Il dérive des aspects réducteurs du modernisme et est souvent interprété comme une réaction contre l’expressionnisme abstrait et comme un pont vers les pratiques artistiques postminimales. Au début des années 1960, le minimalisme émergea comme un mouvement abstrait dans l’art (avec des racines dans l’abstraction géométrique de Kazimir Malevich, le Bauhaus et Piet Mondrian) qui rejetait l’idée de peinture relationnelle et subjective, la complexité des surfaces expressionnistes abstraites et le zeitgeist émotionnel. et la polémique présente dans l’arène de la peinture d’action. Le minimalisme a fait valoir que la simplicité extrême pourrait capturer toute la représentation sublime nécessaire dans l’art. Le minimalisme est interprété différemment soit comme un précurseur du postmodernisme, soit comme un mouvement postmoderne lui-même. Dans cette dernière perspective, le minimalisme précoce a produit des œuvres modernistes avancées, mais le mouvement a partiellement abandonné cette direction lorsque certains artistes comme Robert Morris ont changé de direction en faveur du mouvement anti-forme.

Hal Foster, dans son essai The Crux of Minimalism, examine dans quelle mesure Donald Judd et Robert Morris reconnaissent et dépassent le Modernisme Greenbergien dans leurs définitions publiées du minimalisme. Il soutient que le minimalisme n’est pas une « impasse » du modernisme, mais un « changement de paradigme vers des pratiques postmodernes qui continuent d’être élaborées aujourd’hui ».

Les termes ont été élargis pour englober un mouvement de musique qui comporte autant de répétitions et d’itérations que celles des compositions de La Monte Young, de Terry Riley, de Steve Reich, de Philip Glass et de John Adams. Les compositions minimalistes sont parfois connues sous le nom de musique de système. Le terme «minimaliste» se réfère souvent à tout ce qui est épargné ou dépouillé à l’essentiel. Il a également été utilisé pour décrire les pièces et les romans de Samuel Beckett, les films de Robert Bresson, les histoires de Raymond Carver, et les créations automobiles de Colin Chapman.

Postminimalisme
À la fin des années 1960, Robert Pincus-Witten a inventé le terme «postminimalisme» pour décrire l’art minimaliste qui avait un contenu et des connotations contextuelles que le minimalisme rejetait. Le terme a été appliqué par Pincus-Whitten à l’œuvre d’Eva Hesse, de Keith Sonnier, de Richard Serra et à de nouveaux travaux d’anciens minimalistes Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va et d’autres. D’autres minimalistes, dont Donald Judd, Dan Flavin, Carl André, Agnes Martin, John McCracken et d’autres, continuèrent à produire des peintures et des sculptures modernistes pour les derniers moments de leur carrière.

Depuis lors, de nombreux artistes ont adopté des styles minimal ou postminimal, et l’étiquette « Postmodern » leur a été attachée.

Collage, assemblage, installations
Lié à l’expressionnisme abstrait était l’émergence de combiner des articles manufacturés avec des matériaux d’artiste, s’éloignant des conventions précédentes de la peinture et de la sculpture. Le travail de Robert Rauschenberg illustre cette tendance. Ses «moissonneuses-batteuses» des années 1950 étaient des précurseurs du pop art et de l’art de l’installation, et utilisaient des assemblages de grands objets physiques, y compris des animaux en peluche, des oiseaux et des photographies commerciales. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine et Edward Kienholz étaient parmi les pionniers importants de l’abstraction et du pop art. En créant de nouvelles conventions d’art-making, ils ont rendu acceptable dans les cercles d’art contemporain sérieux l’inclusion radicale dans leurs travaux de matériaux improbables. Un autre pionnier du collage était Joseph Cornell, dont les œuvres plus intimement proportionnées étaient perçues comme radicales à cause de son iconographie personnelle et de son utilisation d’objets trouvés.

Néo-Dada
Au début du XXe siècle, Marcel Duchamp soumet à l’exposition un urinoir en tant que sculpture. Il a professé son intention que les gens regardent l’urinoir comme s’il s’agissait d’une œuvre d’art parce qu’il a dit que c’était une œuvre d’art. Il a qualifié son travail de « ready-made ». Fountain était un urinoir signé du pseudonyme « R. Mutt », dont l’exposition a choqué le monde de l’art en 1917. Les autres œuvres de Duchamp sont généralement étiquetées Dada. Duchamp peut être considéré comme un précurseur de l’art conceptuel, d’autres exemples célèbres étant 4’33 « de John Cage, soit quatre minutes et trente trois secondes de silence, et Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg. En choisissant un objet de vie ordinaire et en créant une nouvelle pensée pour cet objet, Duchamp invite les spectateurs à voir Fountain comme une sculpture. .

Marcel Duchamp a renoncé à «l’art» en faveur des échecs. Le compositeur d’avant-garde David Tudor a créé une pièce, Reunion (1968), écrite conjointement avec Lowell Cross, qui présente un jeu d’échecs dans lequel chaque mouvement déclenche un effet d’éclairage ou une projection. Duchamp et Cage ont joué le jeu lors de la première du travail.

Steven Best et Douglas Kellner identifient Rauschenberg et Jasper Johns dans le cadre de la phase de transition, influencée par Duchamp, entre modernisme et postmodernisme. Tous deux utilisaient des images d’objets ordinaires, ou des objets eux-mêmes, dans leur travail, tout en conservant l’abstraction et les gestes picturaux du haut modernisme.

Performance et happenings
À la fin des années 1950 et 1960, des artistes ayant un large éventail d’intérêts ont commencé à repousser les limites de l’art contemporain. Yves Klein en France, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman et Yoko Ono à New York, et Joseph Beuys, Wolf Vostell et Nam June Paik en Allemagne ont été les pionniers des œuvres d’art basées sur la performance. Des groupes comme The Living Theatre avec Julian Beck et Judith Malina ont collaboré avec des sculpteurs et des peintres créant des environnements, changeant radicalement la relation entre public et interprète, en particulier dans leur pièce Paradise Now. The Judson Dance Theatre, situé à la Judson Memorial Church, New York; et les danseurs de Judson, notamment Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton et d’autres; collaboré avec les artistes Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg et des ingénieurs comme Billy Klüver. Park Place Gallery était un centre pour les performances musicales par les compositeurs électroniques Steve Reich, Philip Glass, et d’autres artistes de performance notables, y compris Joan Jonas.

Ces performances ont été conçues comme des œuvres d’une nouvelle forme d’art combinant la sculpture, la danse et la musique ou le son, souvent avec la participation du public. Ils ont été caractérisés par les philosophies réductrices du minimalisme et l’improvisation spontanée et l’expressivité de l’expressionnisme abstrait. Des images des pièces de choc de Schneeman sont occasionnellement utilisées pour illustrer ce genre d’art, et on la voit souvent photographiée pendant qu’elle interprète Interior Scroll. Cependant, les images de son exécution illustrent précisément ce que l’art de la performance n’est pas. Dans l’art de la performance, la performance elle-même est le médium. Les autres médias ne peuvent pas illustrer l’art de la performance. L’art de la performance est exécuté, pas capturé. De par sa nature, la performance est momentanée et évanescente, ce qui fait partie du point du médium comme art. Les représentations de la performance dans d’autres médias, que ce soit par image, vidéo, narratif ou autre, choisissent certains points de vue dans l’espace ou le temps ou impliquent les limites inhérentes à chaque médium et ne peuvent donc vraiment illustrer le spectacle comme art.

Pendant la même période, divers artistes d’avant-garde créent Happenings, rassemblements mystérieux et souvent spontanés et improvisés d’artistes et de leurs amis et parents dans divers endroits spécifiés, incorporant souvent des exercices dans l’absurdité, la physicalité, le costuming, la nudité spontanée et divers actes déconnectés. Allan Kaprow, qui a utilisé le terme pour la première fois en 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms et Robert Whitman, figure parmi les créateurs d’événements notables.

Intermedia, multimédia
Une autre tendance dans l’art qui a été associée au terme postmoderne est l’utilisation d’un certain nombre de médias différents ensemble. Intermedia est un terme inventé par Dick Higgins et destiné à véhiculer de nouvelles formes d’art à l’instar de Fluxus, de la poésie concrète, des objets trouvés, de l’art de la performance et de l’art informatique. Higgins était l’éditeur du Something Else Press, un poète concret marié à l’artiste Alison Knowles et un admirateur de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclut «Intermedia, la fusion des formes, la confusion des royaumes» dans sa liste des caractéristiques de l’art postmoderne. L’une des formes les plus courantes de «l’art multimédia» est l’utilisation de magnétoscopes et de moniteurs à tube cathodique, appelés art vidéo. Alors que la théorie de combiner plusieurs arts en un art est assez ancienne et a été relancée périodiquement, la manifestation postmoderne est souvent associée à l’art de la performance, où le sous-texte dramatique est supprimé, et ce qui reste est les déclarations spécifiques de l’artiste. question ou l’énoncé conceptuel de leur action.

Fluxus
Fluxus a été nommé et librement organisé en 1962 par George Maciunas (1931-78), un artiste américain né en Lituanie. Fluxus retrace ses débuts aux cours de composition expérimentale de John Cage de 1957 à 1959 à la New School for Social Research de New York. Beaucoup de ses étudiants étaient des artistes travaillant dans d’autres médias avec peu ou pas d’expérience en musique. Les étudiants de Cage comprenaient les membres fondateurs de Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht et Dick Higgins.

Fluxus a encouragé l’esthétique du bricolage et a privilégié la simplicité plutôt que la complexité. Comme Dada avant elle, Fluxus incluait un fort courant d’anti-commercialisme et une sensibilité anti-artistique, dénigrant le monde de l’art conventionnel axé sur le marché en faveur d’une pratique créative centrée sur l’artiste. Les artistes de Fluxus ont préféré travailler avec tous les matériaux disponibles et ont créé leur propre travail ou collaboré au processus de création avec leurs collègues.

Andreas Huyssen critique les tentatives de réclamer Fluxus pour le postmodernisme comme «soit le maître-code du postmodernisme, soit le mouvement artistique finalement irreprésentable – pour ainsi dire, le sublime du postmodernisme». Au lieu de cela, il voit Fluxus comme un phénomène néo-dadaïste majeur dans la tradition d’avant-garde. Il n’a pas représenté une avancée majeure dans le développement des stratégies artistiques, bien qu’il ait exprimé une rébellion contre «la culture administrée des années 1950, dans laquelle un modernisme modéré et domestiqué servait de soutien idéologique à la guerre froide».

Période tardive
La continuation de l’expressionnisme abstrait, de la peinture de couleur, de l’abstraction lyrique, du minimalisme, de l’illusionnisme abstrait, de l’art processuel, du pop art, du postminimalisme et d’autres mouvements modernistes de la fin du XXe siècle siècle et constituent de nouvelles directions radicales dans ces milieux.

Au tournant du 21ème siècle, des artistes bien établis tels que Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski , Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein et des artistes plus jeunes, y compris Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile et d’autres ont continué à produire des peintures et des sculptures vitales et influentes.

Différences entre modernisme et postmodernisme
Au début des années 1980, le mouvement postmoderne dans l’art et l’architecture a commencé à établir sa position à travers divers formats conceptuels et intermédia. Le postmodernisme dans la musique et la littérature a commencé à prendre racine plus tôt. En musique, le postmodernisme est décrit dans un ouvrage de référence, comme un «terme introduit dans les années 1970», tandis que dans la littérature britannique, l’Oxford Encyclopedia of British Literature voit le modernisme «céder sa prédominance au postmodernisme» dès 1939. très discutable, surtout selon Andreas Huyssen: « le postmodernisme d’un critique est le modernisme d’un autre critique ». Cela inclut ceux qui critiquent la division entre les deux et les voient comme deux aspects du même mouvement, et croient que le modernisme tardif continue.

Le modernisme est un label englobant pour une grande variété de mouvements culturels. Le postmodernisme est essentiellement un mouvement centralisé qui s’appelle lui-même, basé sur la théorie sociopolitique, bien que le terme soit maintenant utilisé dans un sens plus large pour désigner des activités du 20ème siècle qui montrent la conscience et réinterprètent le moderne.

La théorie postmoderne affirme que la tentative de canoniser le modernisme «après le fait» est vouée à des contradictions indiscutables.

Dans un sens plus étroit, ce qui était moderniste n’était pas nécessairement aussi postmoderne. Les éléments du modernisme qui accentuaient les avantages de la rationalité et du progrès socio-technologique n’étaient que modernistes.

Le modernisme en Afrique et en Asie
« Les concepts modernistes, en particulier l’autonomie esthétique, étaient fondamentaux pour la littérature sur la décolonisation en Afrique anglophone ». Rajat Neogy, Christopher Okigbo et Wole Soyinka étaient parmi les écrivains qui «ont réorienté les versions modernistes de l’autonomie esthétique pour se libérer de l’esclavage colonial, des systèmes de discrimination raciale et même du nouvel État postcolonial».

Les termes «modernisme» et «modernisme» ne sont devenus que récemment une partie du discours standard en anglais sur la littérature japonaise moderne et des doutes subsistent quant à leur authenticité vis-à-vis du modernisme européen occidental ». C’est étrange étant donné «la prose décidément modale» de ces «écrivains japonais bien connus comme Kawabata Yasunari, Nagai Kafu et Jun’ichirō Tanizaki». Cependant, « les spécialistes des arts visuels et des beaux-arts, de l’architecture et de la poésie ont rapidement adopté le » modanizumu « comme concept clé pour décrire et analyser la culture japonaise dans les années 1920 et 1930 ».

En 1924, divers jeunes écrivains, y compris Kawabata Yasunari, Riichi Yokomitsu a commencé une revue littéraire Bungei Jidai (« L’âge artistique »). Ce journal faisait « partie d’un mouvement » art pour l’art « , influencé par le cubisme européen, l’expressionnisme, Dada et d’autres styles modernistes ».

L’architecte moderniste japonais Kenzō Tange (1913-2005) a été l’un des architectes les plus importants du XXe siècle, combinant les styles traditionnels japonais et le modernisme, et a conçu des bâtiments majeurs sur les cinq continents.Tange était également un mécène influent du mouvement métaboliste. : « C’était, je crois, vers 1959 ou au début des années soixante que j’ai commencé à penser à ce que j’appellerais plus tard le structuralisme ». Il a été influencé dès son plus jeune âge par le moderniste suisse Le Corbusier. reconnaissance en 1949 quand il a remporté le concours pour la conception de Hiroshima Peace Memorial Park.

En Chine, les «Nouveaux Sensationnistes» (Sens 感觉 派) étaient un groupe d’écrivains basé à Shanghai qui, dans les années 1930 et 1940, fut influencé, à des degrés divers, par le modernisme occidental et japonais. Ils ont écrit une fiction plus soucieuse de l’inconscient et de l’esthétique que de la politique ou des problèmes sociaux. Parmi ces écrivains se trouvaient Mu Shiying, Liu Na’ou et Shi Zhecun.

Le Progressive Artists ‘Group était un groupe d’artistes modernes, principalement basé à Mumbai, en Inde, créé en 1947. Bien qu’il n’ait pas de style particulier, il a synthétisé l’art indien avec les influences européennes et nord-américaines de la première moitié du 20ème siècle. -Impressionnisme, cubisme et expressionnisme.