Модернизм — это философское движение, которое наряду с культурными тенденциями и изменениями возникло в результате широкомасштабных и далеко идущих преобразований в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков. Среди факторов, которые формировали модернизм, были развитие современных индустриальных обществ и быстрый рост городов, после чего последовала реакция ужаса на Первую мировую войну. Модернизм также отверг уверенность в мышлении Просвещения, и многие модернисты отвергли религиозные убеждения.

Модернизм в целом включает в себя действия и творения тех, кто ощущал традиционные формы искусства, архитектуры, литературы, религиозной веры, философии, общественной организации, повседневной жизни и даже науки, и устаревшие в новых экономических, социальных и политических условиях нового полностью индустриализованного мира. Постановление 1934 года поэта Эзры Паунда «Сделать это новым!» был пробным камнем подхода движения к тому, что он видел как ныне устаревшую культуру прошлого. В этом духе его нововведения, такие как роман потокового сознания, атональная (или пантональная) и двенадцатитонная музыка, лидирующая живопись и абстрактное искусство, все имели прекурсоры в XIX веке.

Примечательной характеристикой модернизма является самосознание и ирония в отношении литературных и социальных традиций, которые часто приводили к экспериментам с формой, а также с использованием техник, которые привлекали внимание к процессам и материалам, используемым при создании живописи, поэмы, строительства и т. Д. Модернизм явно отверг идеологию реализма и использует произведения прошлого путем применения репризы, инкорпорации, переписывания, повторения, пересмотра и пародии.

После Второй мировой войны (в основном визуальные и исполнительские искусства)

Введение
В то время как Оксфордская энциклопедия британской литературы утверждает, что модернизм закончился c. 1939 в отношении британской и американской литературы: «Когда (если) модернизм исчез и начался постмодернизм, оспаривается почти так же горячо, как когда произошел переход от викторианства к модернизму». Клемент Гринберг видит модернизм, заканчивающийся в 1930-х годах, за исключением визуального и исполнительского искусства, но в отношении музыки Пол Гриффитс отмечает, что, хотя модернизм «казался отработанной силой» к концу 1920-х годов, после Второй мировой войны, «новое поколение композиторов-Булеса, Барраке, Баббита, Ноно, Штокхаузена, Ксенакиса« возродило модернизм ». На самом деле многие литературные модернисты жили в 1950-х и 1960-х годах, хотя обычно они больше не вели крупные работы. Термин« поздний модернизм » »также иногда применяется к модернистским произведениям, опубликованным после 1930 года. Среди модернистов (или поздних модернистов), изданных после 1945 года, были Уоллес Стивенс, Готфрид Бенн, Т.С. Элиот, Анна Ахматова, Уильям Фолкнер, Дороти Ричардсон, Джон Каупер Повис и Эзра Паунд. Василий Бунтинг, родившийся в 1901 году, опубликовал свою самую важную модернистскую поэму Бриггфлатса в 1965 году. Кроме того, «Смерть Вергилия» Германа Броча была опубликована в 1945 году и Доктором Фаустом Томаса Манна в 1947 году. Сэмюэл Беккет, o умер в 1989 году, был описан как «более поздний модернист». Беккет — писатель с корнями в экспрессионистской традиции модернизма, который создал произведения 1930-х — 1980-х годов, в том числе Моллой (1951), «Ожидание Годо» (1953), «Счастливые дни» (1961) и «Рокаби» (1981). Термины «минималистский» и «постмодернистский» также были применены к его более поздним работам. Поэты Чарльза Олсона (1910-1970) и Дж. Дж. Прюнне (р. 1936) входят в число авторов второй половины XX века, которые были описаны как поздние модернисты.

Совсем недавно термин «поздний модернизм» был переопределен по крайней мере одним критиком и использовался для обозначения произведений, написанных после 1945 года, а не 1930 года. В этом использовании понимается, что идеология модернизма была значительно переделана событиями Вторая мировая война, особенно Холокост и падение атомной бомбы.

Послевоенный период покинул столицу Европы в беспорядках с настоятельной необходимостью экономически и физически перестроить и политически перегруппироваться. В Париже (бывший центр европейской культуры и бывшая столица мирового искусства) климат для искусства был катастрофой. Важные коллекционеры, торговцы и художники-модернисты, писатели и поэты бежали из Европы в Нью-Йорк и Америку. Сюрреалисты и современные художники из каждого культурного центра Европы сбежали с натиска нацистов в поисках убежища в Соединенных Штатах. Многие из тех, кто не убежал, погибли. Несколько художников, в частности Пабло Пикассо, Анри Матисс и Пьер Боннард, остались во Франции и выжили.

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма, модернистского движения, в котором сочетались уроки, извлеченные из Анри Матисса, Пабло Пикассо, сюрреализма, Джоан Миро, кубизма, фовизма и раннего модернизма через великих учителей в Америке, таких как Ханс Хофманн и Джон Д. Грэм. Американские художники выиграли от присутствия Пит Мондриана, Фернанда Леже, Макса Эрнста и группы Андре Бретона, галереи Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайма «Искусство этого века», а также других факторов.

Более того, в 1950-х и 60-х годах Париж снова захватил большую часть своего блеска как центр художественной флористики, и оба ведущих скульптора машинного искусства Жан Тингели и Николас Шёффер переехали туда, чтобы начать свою карьеру — и какая флуоресценция в свете техноцентрического характера современной жизни, может иметь особенно длительное влияние.

Театр абсурда
Термин «Театр абсурда» применяется к пьесам, написанным в первую очередь европейцами, которые выражают веру в то, что человеческое существование не имеет никакого смысла или цели, и поэтому всякая коммуникация ломается. Логическое построение и аргументация уступает место иррациональной и нелогичной речи и ее окончательному завершению, тишине. Хотя есть значительные прекурсоры, в том числе Альфред Ярри (1873-1907), театр абсурда обычно рассматривается как начало в 1950-х годах с пьесами Сэмюэля Беккета.

Критик Мартин Эсслин придумал этот термин в своем эссе 1960 года «Театр абсурда». Он связал эти пьесы на основе широкой темы Абсурда, подобно тому, как Альберт Камю использует этот термин в своем эссе 1942 года «Миф о сизифе». Абсурд в этих пьесах принимает форму реакции человека на мир, по-видимому, без смысла, и / или человека, как марионетка, контролируемая или угрожаемая невидимыми внешними силами. Хотя этот термин применяется к широкому диапазону пьес, некоторые характеристики совпадают во многих пьесах: широкая комедия, часто похожая на водевиль, смешанная с ужасающими или трагическими образами; персонажи, оказавшиеся в безнадежных ситуациях, вынуждены делать повторяющиеся или бессмысленные действия; диалог, полный клише, словесный и бессмысленный; участки, которые являются циклическими или абсурдно экспансивными; либо пародия, либо увольнение реализма и концепция «хорошо сделанной игры».

Среди драматургов, обычно связанных с театром абсурда, входят Сэмюэл Беккет (1906-1989), Эжен Ионеско (1909-94), Жан Генет (1910-86), Гарольд Пинтер (1930-2008), Том Стоппард (род. 1937), Александр Введенский (1904-1941), Даниил Хармс (1905-1942), Фридрих Дюрренматт (1921-90), Алехандро Джодоровский (род. 1929), Фернандо Аррабал (род. 1932), Вацлав Гавел (1936-2011) и Эдвард Олби (1928- 2016).

Поллок и абстрактные влияния
В конце 1940-х годов радикальный подход Джексона Поллока к живописи революционизировал потенциал для всего современного искусства, которое следовало за ним. В какой-то степени Поллок понял, что путешествие к созданию произведения искусства так же важно, как и само произведение искусства. Подобно инновациям Пабло Пикассо в области живописи и скульптуры в начале 20-го века с помощью кубизма и построенной скульптуры, Поллок пересмотрел способ искусства. Его отход от станковой живописи и условности был ярким сигналом для художников его эпохи и для всех, кто пришел после. Художники поняли, что процесс Джексона Поллока — размещение нерастянутого сырого холста на полу, где его можно атаковать со всех четырех сторон с использованием художественных и промышленных материалов; капание и бросание линейных мотков краски; рисование, окрашивание и чистка; используя образы и неизображение — по существу, взорванное искусство, выходящее за рамки любой предшествующей границы. Абстрактный экспрессионизм в целом расширил и разработал определения и возможности, доступные художникам для создания новых произведений искусства.

Другие абстрактные экспрессионисты следовали за прорывом Поллока с новыми прорывами. В каком-то смысле нововведения Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайн, Марка Ротко, Филиппа Густона, Ханса Хофмана, Клайффорда, Барнетта Ньюмена, Ад Рейнхардта, Роберта Мазервелла, Питера Вулкоса и других открыли шлюзы для разнообразия и масштабов все последующее за ними искусство. Переизбрания в абстрактное искусство историков-искусствоведов, таких как Линда Ночлин, Гриссельда Поллок и Кэтрин де Зегер, критически показывают, однако, что новаторские женщины-художники, производящие крупные инновации в современном искусстве, были проигнорированы официальными отчетами об истории.

Международные фигуры британского искусства
Генри Мур (1898-1986) появился после Второй мировой войны как ведущий скульптор Великобритании. Он был наиболее известен своими полу-абстрактными монументальными бронзовыми скульптурами, которые расположены по всему миру как общественные произведения искусства. Его формы — это, как правило, абстракции человеческой фигуры, типично изображающие матери и ребенка или откидывающиеся фигуры, обычно напоминающие женское тело, за исключением фазы в 1950-х годах, когда он ваял семейные группы. Его формы обычно пробиты или содержат пустоты.

В 1950-х годах Мур начал получать все более значимые комиссии, в том числе фигуру для ЮНЕСКО в Париже в 1958 году. Со многими другими общественными произведениями искусства масштабы скульптур Мура значительно возросли. Последние три десятилетия жизни Мура продолжались в том же духе, с несколькими крупными ретроспективами, происходящими во всем мире, в частности видной выставкой летом 1972 года на территории Форте ди Бельведер с видом на Флоренцию. К концу 1970-х годов в его работе было около 40 выставок в год. На университетском городке Чикагского университета в декабре 1967 года, через 25 лет после того, как команда физиков во главе с Энрико Ферми достигла первой контролируемой, самоподдерживающейся ядерной цепной реакции, была объявлена ​​ядерная энергия Мура. Также в Чикаго Мур отмечал науку с большими бронзовыми солнечными часами, местным названием «Человек выходит на Космос» (1980), которому было поручено признать программу освоения космоса.

«Лондонская школа» изобразительных художников, в том числе Фрэнсис Бэкон (1909-1992), Люциан Фрейд (1922-2011), Фрэнк Ауэрбах (род. 1931), Леон Коссофф (1926 года рождения) и Майкл Эндрюс (1928-1995) получили широкое международное признание.

Фрэнсис Бэкон был рожденным в Ирландии британским образным художником, известным своими смелыми, графическими и эмоционально сырыми образами. Его живописные, но абстрагированные фигуры обычно кажутся изолированными в стеклянных или стальных геометрических клетках, установленных на плоских, неописуемых фонах. Бэкон начал рисовать в начале 20-х годов, но работал только спорадически до середины 30-х годов. Его прорыв произошел с триптихом в 1944 году «Три исследования по фигурам на базе распятия», который запечатлел его репутацию уникально мрачного летописца состояния человека. Его выход может быть грубо описан как состоящий из последовательностей или вариаций по одному мотиву; начиная с 1940-х годов мужские головы, изолированные в комнатах, в начале 1950-х годов кричали папы, а в середине и конце 1950-х годов животные и одинокие фигуры были приостановлены в геометрических структурах. За ними последовали его ранние 1960-е годы современные вариации распятия в формате триптиха. С середины 1960-х до начала 1970-х годов Бэкон в основном производил поразительно сострадательные портреты друзей. После самоубийства своего любовника Джорджа Дайера в 1971 году его искусство стало более личным, внутренне выглядящим и озабоченным темами и мотивами смерти. Во время его жизни Бэкон был в равной степени оскорблен и одобрен.

Люциан Фрейд был британским художником, рожденным в Германии, известным главным образом его густо напыщенным портретом и рисунками, который широко считался выдающимся британским художником того времени. Его работы отмечены за их психологическое проникновение и за их часто неудобное рассмотрение отношений между художником и моделью. По словам Уильяма Граймса из New York Times, «Люсьен Фрейд и его современники превратили фигуру в 20-ое столетие. В таких картинах, как« Девушка с белой собакой »(1951-52), Фрейд нарисовал живописный язык традиционной европейской живописи на службе анти-романтичного, конфронтационного стиля портрета, который лишил голый социальный фасад ситтера. Обычные люди, многие из которых его друзья, смотрели широко раскрытыми глазами с холста, уязвимые для безжалостной инспекции художника ».

В 1960-е годы после абстрактного экспрессионизма
В абстрактной живописи в 1950-х и 1960-х годах в художественных студиях и в радикальных авангардистских кругах стали появляться несколько новых направлений, таких как жесткая окраска и другие формы геометрической абстракции, как реакция против субъективизма абстрактного экспрессионизма. Климент Гринберг стал голосом пост-живописной абстракции, когда он куратор влиятельной выставки новой живописи, которая в 1964 году посетила важные художественные музеи по всей территории Соединенных Штатов. Цветная живопись, жесткая краска и лирическая абстракция появились как радикальные новые направления.

Однако к концу 1960-х годов постминимализм, процесс искусства и Арте Повера также стали революционными концепциями и движениями, которые охватывали как живопись, так и скульптуру, через лирическую абстракцию и постминималистское движение, а также в раннем концептуальном искусстве. Процесс искусства, вдохновленный Pollock, позволил художникам поэкспериментировать и использовать разнообразную энциклопедию стиля, контента, материала, места размещения, времени и пластика и реального пространства. Нэнси Грейвс, Рональд Дэвис, Говард Ходжкин, Ларри Поонс, Яннис Кунеллис, Брайс Марден, Колин МакКэхон, Брюс Науман, Ричард Таттл, Алан Сарет, Уолтер Дарби Баннард, Линда Бенглис, Дэн Кристенсен, Ларри Дзокс, Ронни Ландфилд, Ева Гессе, Кейт Сонниер, Ричард Серра, Сэм Гиллиам, Марио Мерц и Питер Регинато были одними из молодых художников, возникших в эпоху позднего модернизма, породившего расцвет искусства конца 1960-х годов.

Поп арт
В 1962 году в галерее Сиднея Яниса появилась новая Реалистка, первая крупная выставка поп-арта в картинной галерее в Нью-Йорке. Янис поднялся на выставку в магазине 57-й улицы возле своей галереи на улице Э. 57-й улицы 15. Шоу послало ударные волны через Нью-Йоркскую школу и отразилось во всем мире. Ранее в Англии в 1958 году термин «Поп-арт» был использован Лоуренсом Дивайлом для описания картин, которые отмечали потребительство эпохи Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и сосредоточилось на герменевтическом и психологическом интерьере в пользу искусства, которое изображало и часто отмечало материальную потребительскую культуру, рекламу и иконографию возраста массового производства. Первоначальные работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона и Эдуардо Паолоцци (которые создали новаторский я — игра «Богатый человек», 1947), являются весомыми примерами в движении. Между тем, в центре города в Нью-Йорке в Ист-Виллидже 10-й стрит галереи, художники формулировали американскую версию поп-арта. У Клаэса Ольденбурга был свой магазин, а Зеленая галерея на 57-й улице начала показывать работы Тома Вессельмана и Джеймса Розенквиста. Позже Лео Кастелли выставил работы других американских художников, в том числе Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна для большей части своей карьеры. Существует связь между радикальными работами Марселя Дюшана и Ман Рэя, мятежных дадаистов с чувством юмора и поп-артистов, таких как Клаус Ольденбург, Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, чьи картины воспроизводят внешний вид точек Бен-Дэй, техника, используемая при коммерческом воспроизведении.

Минимализм
Минимализм описывает движения в различных формах искусства и дизайна, особенно на визуальном искусстве и музыке, в которых художники намерены разоблачить сущность или идентичность субъекта, устранив все несущественные формы, особенности или концепции. Минимализм — это любой дизайн или стиль, в котором для создания максимального эффекта используются самые простые и наименьшие элементы.

Как конкретное движение в искусстве он отождествляется с событиями в западноевропейском искусстве после Второй мировой войны, наиболее сильно с изобразительными искусствами США в 1960-х и начале 1970-х годов. В число видных художников, связанных с этим движением, входят Дональд Джадд, Джон МакКракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Рональд Бладен, Энн Труйт и Фрэнк Стелла. Он проистекает из редуктивных аспектов модернизма и часто интерпретируется как реакция против абстрактного экспрессионизма и моста для постминимальной практики искусства. К началу 1960-х годов минимализм проявлялся как абстрактное движение в искусстве (с корнями в геометрической абстракции Казимира Малевича, Баухауза и Пьет Мондриана), которые отвергали идею реляционной и субъективной живописи, сложности абстрактных экспрессионистских поверхностей и эмоционального духа и полемика, присутствующая на арене живописи действий. Минимализм утверждал, что крайняя простота может охватить все возвышенные представления, необходимые в искусстве. Минимализм по-разному интерпретируется либо как предшественник постмодернизма, либо как само постмодернистское движение. В последней перспективе ранний минимализм дал передовые модернистские работы, но движение частично отказалось от этого направления, когда некоторые художники, такие как Роберт Моррис, изменили направление в пользу антиформного движения.

Хэл Фостер в своем эссе The Crux of Minimalism рассматривает степень, в которой Дональд Джадд и Роберт Моррис признают и превосходят Гринбергский модернизм в своих опубликованных определениях минимализма. Он утверждает, что минимализм — это не «тупик» модернизма, а «переход парадигмы к постмодернистским методам, которые продолжают развиваться сегодня».

Термины расширились, чтобы охватить движение в музыке, которое характеризуется таким повторением и повторением, как те из композиций La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass и John Adams. Минималистские композиции иногда называют системной музыкой. Термин «минималистский» часто разговорно относится к чему-либо, что является запасным или лишенным его основ. Он также использовался для описания пьес и романов Сэмюэля Беккета, фильмов Роберта Брессона, рассказов Раймонда Карвера и автомобильных проектов Колина Чепмена.

постминимализм
В конце 1960-х годов Роберт Пинкус-Виттен придумал термин «постминимализм», чтобы описать искусство, основанное на минималистском искусстве, которое имело содержание и контекстный обертоны, которые отвергали минимализм. Этот термин был применен Пинкусом-Уиттеном для работы Евы Гессе, Кита Сонье, Ричарда Серры и новой работы бывших минималистов Роберта Смитсона, Роберта Морриса, Сол Левитта, Барри Ле Ва и других. Другие минималисты, в том числе Дональд Джадд, Дэн Флавин, Карл Андре, Агнес Мартин, Джон МакКракен и другие, продолжали выпускать поздние модернистские картины и скульптуры для остатков своей карьеры.

С тех пор многие художники приняли минимальные или постминимальные стили, и к ним был прикреплен ярлык «Postmodern».

Коллаж, сборка, установка
В связи с абстрактным экспрессионизмом возникло сочетание объединенных изделий с материалами художника, отход от предыдущих конвенций живописи и скульптуры. Работа Роберта Раушенберга иллюстрирует эту тенденцию. Его «комбайны» 1950-х годов были предшественниками поп-арта и монтажного искусства, а также использовались сборники крупных физических объектов, в том числе чучела животных, птиц и коммерческих фотографий. Раушенберг, Джаспер Джонс, Ларри Риверс, Джон Чемберлен, Клаус Ольденбург, Джордж Сигал, Джим Дайн и Эдвард Кинхольц были одними из важных пионеров как абстракции, так и поп-арта. Создавая новые конвенции об искусстве, они сделали приемлемыми в серьезных кругах современного искусства радикальное включение в свои работы маловероятных материалов. Другим пионером коллажа был Джозеф Корнелл, чьи более тщательно масштабируемые работы были замечены как радикальные из-за его личной иконографии и использования найденных предметов.

Неодада
В начале 20-го века Марсель Дюшан отправил на выставку писсуар как скульптуру. Он заявлял о своем намерении, что люди смотрят на писсуар, как на произведение искусства, потому что он сказал, что это произведение искусства. Он назвал свою работу «готовыми». Фонтан был писсуаром, подписанным с псевдонимом «Р.Мутт», выставка которого потрясла мир искусства в 1917 году. Это и другие произведения Дюшана, как правило, обозначаются как Дада. Дюшам можно рассматривать как предшественник концептуального искусства, другие известные примеры — это «4’33» Джона Кейджа, который составляет четыре минуты и тридцать три секунды молчания, а также «Стирание де Кунинга» Раушенберга. Многие концептуальные работы занимают позицию, согласно которой искусство результат зрителя, который смотрит на объект или действует как искусство, а не на внутренние качества самой работы. Выбирая «обычный образ жизни» и создавая «новую мысль для этого объекта», Дюшам пригласил зрителей посмотреть фонтан как скульптуру ,

Марсель Дюшам классно отказался от «искусства» в пользу шахмат. Авангардный композитор Дэвид Тудор создал пьесу «Реюньон» (1968), написанную совместно с Лоуэлл Кросс, в которой представлена ​​игра в шахматы, в которой каждый ход вызывает эффект освещения или проекцию. Duchamp и Cage играли в игру на премьере работы.

Стивен Бест и Дуглас Келлнер идентифицируют Раушенберга и Джаспера Джонса как часть переходного этапа, под влиянием Дюшана, между модернизмом и постмодернизмом. Оба использовали изображения обычных предметов или самих объектов в своей работе, сохраняя абстрагирование и живописные жесты высокого модернизма.

Производительность и события
В конце 1950-х и 1960-х годов художники с широким кругом интересов начали продвигать границы современного искусства. Ив Клейн во Франции, Кароле Шнейман, Яой Кусама, Шарлотта Мурман и Йоко Оно в Нью-Йорке, и Джозеф Бойс, Вольф Востелл и Нам Джун Пайк в Германии были пионерами произведений искусства, основанных на исполнении. Такие группы, как The Living Theatre с Джулианом Бек и Джудит Малина, сотрудничали со скульпторами и художниками, создающими среду, радикально меняя отношения между аудиторией и исполнителем, особенно в их части Paradise Now. Театр танца Джадсон, расположенный в Мемориальной церкви Джадсона, Нью-Йорк; и танцоры Джадсона, в частности Ивонн Райнер, Триша Браун, Элейн Саммерс, Салли Гросс, Симонн Форти, Дебора Хей, Люсинда Чайлдс, Стив Пакстон и другие; сотрудничал с художниками Робертом Моррисом, Робертом Уитменом, Джоном Кейдж, Робертом Раушенбергом и инженерами, такими как Билли Клювер. Галерея Park Place была центром музыкальных выступлений электронных композиторов Стива Райха, Филиппа Гласса и других выдающихся исполнителей, включая Джоан Джонас.

Эти спектакли были предназначены как произведения новой формы искусства, сочетающие скульптуру, танец, музыку и звук, часто с участием зрителей. Они характеризовались редуктивными философиями минимализма и спонтанной импровизации и выразительности абстрактного экспрессионизма. Изображения спектаклей Шнемана, предназначенные для шока, иногда используются, чтобы проиллюстрировать эти виды искусства, и ее часто можно увидеть сфотографированным во время исполнения ее внутреннего прокрутки. Тем не менее, изображения ее выполнения этой пьесы точно иллюстрируют, что такое искусство исполнения. В области исполнительского искусства сама производительность — это среда. Другие средства массовой информации не могут иллюстрировать искусство. Эффективное искусство выполняется, а не снимается. По своей природе производительность является мгновенной и исчезающей, что является частью точки среды как искусства. Представления исполнительского искусства в других средах, будь то по изображению, видео, повествованию или иным образом, выбирают определенные точки зрения в пространстве или времени или иным образом связаны с присущими ограничениями для каждого носителя и поэтому не могут действительно проиллюстрировать среду исполнения как искусство.

В течение того же периода различные художники-авангардисты создали Happenings, таинственные и часто спонтанные и неписанные собрания художников и их друзей и родственников в разных местах, часто включающих упражнения в абсурд, физичность, костюмы, спонтанную наготу и различные случайные или, казалось бы, отключенные действия. Известными создателями событий были Аллан Капроу, который впервые использовал этот термин в 1958 году, Клаус Ольденбург, Джим Дайн, Красные женихи и Роберт Уитмен.

Интермедиа, мультимедиа
Еще одна тенденция в искусстве, связанная с термином postmodern, — это использование нескольких различных медиа вместе. Intermedia — это термин, придуманный Диком Хиггинсом и предназначенный для передачи новых форм искусства по линии Fluxus, конкретной поэзии, найденных предметов, исполнительского искусства и компьютерного искусства. Хиггинс был издателем Something Else Press, конкретным поэтом, который женился на художнице Элисон Ноулз и поклоннице Марселя Дюшана. Ихаб Хассан включает в себя «Интермедиа, слияние форм, смущение царств» в его списке характеристик постмодернистского искусства. Одной из наиболее распространенных форм «мультимедийного искусства» является использование видеомагнитофонов и мониторов CRT, называемых видеоартом. Хотя теория объединения нескольких искусств в одно искусство довольно старая и периодически обновляется, манифестация постмодерна часто сочетается с искусством исполнения, где драматический подтекст удаляется, а остальными являются конкретные утверждения художника в вопрос или концептуальное изложение их действий.

Флуксус
Fluxus был назван и свободно организован в 1962 году Джорджем Мачиунасом (1931-78), американским художником, рожденным в Литве. Fluxus прослеживает свое начало к урокам экспериментальной композиции от 1957 до 1959 года Джона Кейджа в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке. Многие из его учеников были художниками, работающими в других средствах массовой информации, с небольшим фоном в музыке или вообще без них. Студенты Кейджа включали в себя основателей Fluxus Джексона Мак Лоу, Аль Хансена, Джорджа Брехта и Дика Хиггинса.

Fluxus поощрял самостоятельную эстетическую и ценную простоту по сложности. Как и Dada перед этим, Fluxus включил сильный поток анти-коммерцизма и анти-искусства чувствительности, унижая традиционный рыночный мир искусства в пользу творческой практики, ориентированной на художника. Художники Fluxus предпочитали работать с любыми материалами, которые были под рукой, и либо создали свою собственную работу, либо сотрудничали в процессе создания со своими коллегами.

Андреас Гюйссен критикует попытки заявить Флюксу за постмодернизм как «либо мастер-код постмодернизма, либо, в конечном счете, непредставимое художественное движение, как бы возвышенное постмодернизм». Вместо этого он видит Флюкса в качестве важного феномена нео-дадаистов в традиции авангарда. Это не означало значительного прогресса в развитии художественных стратегий, хотя и выражало восстание против «управляемой культуры 1950-х годов, когда умеренный, одомашненный модернизм служил идеологической опорой холодной войне».

Поздний период
Продолжение абстрактного экспрессионизма, живописи цветного поля, лирической абстракции, геометрической абстракции, минимализма, абстрактного иллюзионизма, процессуального искусства, поп-арта, постминимализма и других поздних 20-го века Модернистские движения как в живописи, так и в скульптуре продолжались в течение первого десятилетия 21-го века и представляют собой радикальные новые направления в этих средах.

На рубеже 21-го века устоявшиеся художники, такие как сэр Энтони Каро, Люциан Фрейд, Сай Тумбли, Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Агнес Мартин, Аль Хелд, Эллсуорт Келли, Хелен Франкенталер, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Жюль Олицкий , Клаус Ольденбург, Джим Дайн, Джеймс Розенквист, Алекс Кац, Филипп Перлтейн и младшие художники, в том числе Брайс Марден, Чак Клоуз, Сэм Гиллиам, Исаак Виткин, Шон Скалли, Махирван Мамтани, Джозеф Нехватал, Элизабет Мюррей, Ларри Поонс, Ричард Серра, Вальтер Дарби Беннард, Ларри Дзокс, Ронни Ландфилд, Рональд Дэвис, Дэн Кристенсен, Джоэл Шапиро, Том Оттернесс, Джоан Снайдер, Росс Блекнер, Арчи Ранд, Сьюзан Криль и другие продолжали создавать жизненно важные и влиятельные картины и скульптуру.

Различия между модернизмом и постмодернизмом
К началу 1980-х годов постмодернистское движение в искусстве и архитектуре начало устанавливать свою позицию через различные концептуальные и промежуточные форматы. Постмодернизм в музыке и литературе начал занимать ранее. В музыке постмодернизм описан в одной справочной работе как «термин, введенный в 1970-х годах», а в британской литературе «Оксфордская энциклопедия британской литературы» рассматривает модернизм «уступая свое господство постмодернизму» еще в 1939 году. Однако даты весьма спорным, особенно, как утверждает Андреас Гюиссен: «постмодернизм одного критика — это еще один модернистский критик». Сюда входят те, кто критикует разделение между ними и рассматривает их как два аспекта одного и того же движения и полагает, что поздний модернизм продолжается.

Модернизм является ярким ярлыком для самых разных культурных движений. Постмодернизм — это, по сути, централизованное движение, которое само по себе основано на социополитической теории, хотя этот термин теперь используется в более широком смысле для обозначения деятельности 20-го века, которая демонстрирует понимание и переосмысление современного.

Постмодернистская теория утверждает, что попытка канонизировать модернизм «после факта» обречена на неразрешимые противоречия.

В более узком смысле то, что было модернистом, не обязательно было также постмодернистским. Те элементы модернизма, которые акцентировали преимущества рациональности и социально-технического прогресса, были только модернистами.

Модернизм в Африке и Азии
«Модернистские концепции, особенно эстетическая автономия, были основополагающими для литературы деколонизации в англоязычной Африке». Раджат Неоги, Кристофер Окигбо и Воле Сойинка были среди писателей, которые «перепрофилировали модернистские версии эстетической автономии, чтобы заявить о своей свободе от колониальной кабалы, от систем расовой дискриминации и даже от нового постколониального государства».

Термины «модернизм» и «модернист» «лишь недавно стали частью стандартного дискурса на английском языке по современной японской литературе, и остаются сомнения в их подлинности в отношении западноевропейского модернизма». Это странно, учитывая «решительно модную прозу» таких «известных японских писателей, как Кавабата Ясунари, Нагаи Кафу и Юничир Танизаки». Однако «ученые в области изобразительного и изобразительного искусства, архитектуры и поэзии легко приняли« моданизуму »как ключевую концепцию описания и анализа японской культуры в 1920-х и 1930-х годах».

В 1924 году различные молодые писатели, в том числе Кавабата Ясунари, Риичи Йокомицу, начали литературный журнал Bungei Jidai («Художественный век»). Этот журнал был «частью движения« искусство ради искусства », под влиянием европейского кубизма, экспрессионизма, дада и других модернистских стилей».

Японский архитектор-модернист Кензэ Танге (1913 — 2005) был одним из самых значительных архитекторов 20-го века, сочетал традиционные японские стили с модернизмом и проектировал главные здания на пяти континентах. Тандж также был влиятельным покровителем Метаболистского движения. : «Это было, я считаю, около 1959 года или в начале шестидесятых годов, что я начал думать о том, что я позже назвал структурализмом». На него с раннего возраста повлиял швейцарский модернист, Ле Корбюзье, Танге, получивший международный признание в 1949 году, когда он выиграл конкурс на создание мемориального парка мира в Хиросиме.

В Китае «Новые сенсации» (新 感觉 派) были группой писателей, базирующихся в Шанхае, которые в 1930-х и 1940-х годах в различной степени влияли на западный и японский модернизм. Они писали фантастику, которая больше заботилась о бессознательном и эстетическом, чем о политике или социальных проблемах. Среди этих авторов были Му Шиин, Лю На’у и Ши Жекон.

Группа прогрессивных художников была группой современных художников, в основном основанной в Мумбаи, Индия, образованной в 1947 году. Хотя в ней не было никакого особого стиля, она синтезировала индийское искусство с влиянием Европы и Северной Америки с первой половины 20-го века, включая Post -импрессионизм, кубизм и экспрессионизм.