الحداثة هي حركة فلسفية ، إلى جانب الاتجاهات والتغيرات الثقافية ، نشأت من تحولات واسعة النطاق وبعيدة المدى في المجتمع الغربي خلال أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين. من بين العوامل التي شكلت الحداثة تطوير المجتمعات الصناعية الحديثة والنمو السريع للمدن ، ثم ردود الفعل الرعوية على الحرب العالمية الأولى. كما رفضت الحداثة على يقين التفكير التنويرى ، ورفض العديد من الحداثيين المعتقد الديني.

تشمل الحداثة ، بشكل عام ، أنشطة وإبداعات أولئك الذين شعروا بأن الأشكال التقليدية للفن ، والهندسة المعمارية ، والأدب ، والإيمان الديني ، والفلسفة ، والتنظيم الاجتماعي ، وأنشطة الحياة اليومية ، وحتى العلوم ، أصبحت غير ملائمة لمهامهم. عفا عليها الزمن في البيئة الاقتصادية والاجتماعية والسياسية الجديدة لعالم ناشىء صناعياً جديداً. الشاعر عزرا باوند 1934 أمر “جعله جديدًا!” كان المحك لمقاربة الحركة تجاه ما اعتبره ثقافة قديمة من الماضي. من هذا المنطلق ، كانت ابتكاراته ، مثل رواية تيار الوعي ، والكونية (أو البونتونات) والموسيقى ذات اثني عشر نغمة ، والرسم التقسيمي والفن التجريدي ، كلها سلائف في القرن التاسع عشر.

ومن السمات البارزة للحداثة ، الوعي الذاتي والمفارقة فيما يتعلق بالتقاليد الأدبية والاجتماعية ، التي أدت في الغالب إلى تجارب في الشكل ، إلى جانب استخدام التقنيات التي لفتت الانتباه إلى العمليات والمواد المستخدمة في إنشاء لوحة أو قصيدة أو بناء أو ما إلى ذلك. الحداثة رفضت صراحة ايديولوجية الواقعية والاستفادة من أعمال الماضي من خلال توظيف التجديد ، التأسيس ، إعادة الكتابة ، التلخيص ، المراجعة والمحاكاة الساخرة.

بعد الحرب العالمية الثانية (بشكل رئيسي الفنون البصرية والمسرحية)

المقدمة
في حين أن موسوعة أكسفورد للأدب البريطاني تنص على أن الحداثة انتهت ب. 1939 فيما يتعلق بالأدب البريطاني والأمريكي ، “عندما تلاشت الحداثة وبدأت ما بعد الحداثة تم التنافس عليها تقريبا كما هو الحال عندما حدث الانتقال من الفيكتوري إلى الحداثة”. يرى كليمنت جرينبيرج أن الحداثة تنتهي في ثلاثينيات القرن العشرين ، باستثناء الفنون البصرية والمسرحية ، ولكن فيما يتعلق بالموسيقى ، يشير بول غريفيث إلى أنه في حين أن الحداثة “تبدو وكأنها قوة مستنفذة” في أواخر العشرينات ، بعد الحرب العالمية الثانية ، “جيل جديد من الملحنين – Boulez ، Barraqué ، Babbitt ، Nono ، Stockhausen ، Xenakis” أحيوا الحداثة “. في الواقع ، عاش العديد من المبتدئين الأدبيين في الخمسينات والستينات ، على الرغم من أنهم لم يعودوا ينتجون أعمالًا رئيسية. “أحيانًا يتم تطبيقه على الأعمال الحداثية المنشورة بعد عام 1930. من بين الحداثيين (أو الحداثيين المتأخرين) الذين ما زالوا ينشرون بعد عام 1945 كان والاس ستيفنز ، جوتفريد بين ، تي إس إليوت ، آنا أخماتوفا ، وليام فولكنر ، دوروثي ريتشاردسون ، جون كاوبر بوويز ، وعزرا باوند. نشر باسل بونتينج ، ولدت في عام 1901 ، قصته الأكثر حداثة Briggflatts في عام 1965. بالإضافة إلى ذلك ، تم نشر فيلم هيرمان بروش بعنوان The Death of Virgil في عام 1945 وطبيب توماس مان Faustus عام 1947. صموئيل بيكيت ، توفي في عام 1989 ، وقد وصفت بأنها “في وقت لاحق الحداثة”. بيكيت كاتبة ذات جذور في التقليد التعبيري للحداثة ، الذي أنتج أعمالًا من الثلاثينيات حتى الثمانينيات ، بما في ذلك مولوي (1951) ، وانتظر غودو (1953) ، وهابي دايز (1961) ، وروكابي (1981). كما تم تطبيق المصطلحات “الحد الأدنى” و “ما بعد الحداثة” على أعماله اللاحقة. كان الشاعران تشارلز أولسون (1910-1970) و JH Prynne (من مواليد 1936) من بين الكتاب في النصف الثاني من القرن العشرين الذين تم وصفهم بأنهم من الحداثيين المتأخرين.

وفي الآونة الأخيرة ، أعاد ناقد واحد على الأقل تعريف مصطلح “الحداثة المتأخرة” واستخدم للإشارة إلى المصنفات المكتوبة بعد عام 1945 ، بدلاً من 1930. ومع هذا الاستخدام ، فإن فكرة أن أيديولوجية الحداثة أعيد تشكيلها بشكل كبير من خلال أحداث الحرب العالمية الثانية ، وخاصة المحرقة وإسقاط القنبلة الذرية.

تركت فترة ما بعد الحرب عواصم أوروبا في حالة من الاضطراب مع الحاجة الملحة لإعادة البناء الاقتصادي والمادي وإعادة تجميعها سياسياً. في باريس (المركز السابق للثقافة الأوروبية والعاصمة السابقة لعالم الفن) كان مناخ الفن كارثة. لقد هرب جامعو التحف الفنية والتجار والفنانين المعاصرين والكتاب والشعراء من أوروبا إلى نيويورك وأمريكا. كان السرياليون والفنانون العصريون من كل مركز ثقافي في أوروبا قد فروا من هجوم النازيين على الملاذ الآمن في الولايات المتحدة. كثير من أولئك الذين لم يهربوا هلكوا. وبقي عدد قليل من الفنانين ، لا سيما بابلو بيكاسو وهنري ماتيس وبيير بونار ، في فرنسا ونجا.

كانت فترة الأربعينيات من القرن العشرين في مدينة نيويورك بمثابة انتصار للتعبير التجريدي الأمريكي ، وهي حركة حداثية جمعت بين الدروس المستفادة من هنري ماتيس ، وبابلو بيكاسو ، والسريالية ، وجوان ميرو ، والتكعيبية ، وفوفيس ، والحداثة المبكرة عبر معلمين عظماء في أمريكا مثل هانز هوفمان وجون د. جراهام. استفاد الفنانون الأميركيون من وجود بيت موندريان وفيرناند ليجر وماكس إرنست ومجموعة أندريه بريتون ومعرض بيير ماتيس ومعرض بيجي غوغنهايم “فن هذا القرن” بالإضافة إلى عوامل أخرى.

علاوة على ذلك ، استعادت باريس الكثير من بريقها في الخمسينات والستينات من القرن الماضي كمركز لحنان فني آلي ، حيث انتقل كل من النحاتين الرائدين في فن الماكينات جان تينغلي ونيكولا شوفر إلى هناك لإطلاق مسيرتهما – وهما في طور الإزهار من الطابع التكنيري للحياة الحديثة ، قد يكون لها تأثير طويل الأمد بشكل خاص.

مسرح العبث
يتم تطبيق المصطلح “مسرح العبث” على المسرحيات ، التي كتبها في المقام الأول الأوروبيون ، والتي تعبر عن الاعتقاد بأن الوجود البشري ليس له معنى أو هدف ، وبالتالي فإن كل الاتصالات تتعطل. إن البناء المنطقي والحجة المنطقية تفسح المجال لخطاب غير منطقي وغير منطقي ولإبرامه النهائي ، الصمت. في حين أن هناك سلائف كبيرة ، بما في ذلك ألفريد جاري (1873-1907) ، فإن مسرح العبث يعتبر عموما في الخمسينات مع مسرحيات صامويل بيكيت.

ابتدع الناقد مارتن إيسلين المصطلح في مقالته عام 1960 “مسرح العبث”. لقد ربط هذه المسرحيات على أساس موضوع واسع من العبث ، على غرار الطريقة التي استخدم بها ألبير كامو المصطلح في مقالته في 1942 ، أسطورة سيزيف. يأخذ العبث في هذه المسرحيات شكل رد فعل الإنسان إلى عالم ظاهر بلا معنى ، و / أو رجل كدمية تتحكم بها أو تهددها قوى خارجية غير مرئية. على الرغم من أن المصطلح يطبق على مجموعة واسعة من المسرحيات ، فإن بعض الخصائص تتطابق في العديد من المسرحيات: كوميديا ​​عريضة ، غالباً ما تشبه vaudeville ، ممزوجة بصور مروعة أو مأساوية. شخصيات تم القبض عليها في أوضاع ميؤوس منها اضطرت للقيام بأعمال متكررة أو بلا معنى ؛ الحوار الكامل من الكليشيهات ، والتلاعب بالألفاظ ، والهراء ؛ مؤامرات دورية أو توسعية بشكل سخيف ؛ إما محاكاة ساخرة أو إقالة من الواقعية ومفهوم “اللعب جيد الصنع”.

المؤلفون المسرحيون المرتبطون عادة بمسرح العبث يشمل صموئيل بيكيت (1906-1989) ، أوجين إيونيسكو (1909-1899) ، جان جينيه (1910–1986) ، هارولد بينتر (1930–2008) ، توم ستوبارد (مواليد 1937) ، ألكساندر Vvedensky (1904-1941) ، Daniil Kharms (1905-1942) ، Friedrich Dürrenmatt (1921–1990) ، Alejandro Jodorowsky (من مواليد 1929) ، Fernando Arrabal (من مواليد 1932) ، Václav Havel (1936-2011) و Edward Albee (1928– 2016).

بولوك وتأثيرات مجردة
خلال أواخر الأربعينيات من القرن العشرين ، أحدث نهج جاكسون بولوك الراديكالي في الرسم ثورة في كل الفن المعاصر الذي تبعه. أدرك بولوك إلى حد ما أن الرحلة نحو صنع عمل فني لا تقل أهمية عن العمل الفني نفسه. ومثل ابتكارات بابلو بيكاسو المبتكرة للرسم والنحت في أوائل القرن العشرين عن طريق التكعيب والمنحوتات المبنية ، أعاد بولوك تعريف طريقة صنع الفن. كان تحركه بعيدا عن لوحة الحامل والتقليد هو إشارة تحريرية للفنانين في عصره ولجميع الذين جاءوا بعد ذلك. أدرك الفنانون أن عملية جاكسون بولوك – وضع قماش خام غير ممدود على الأرض حيث يمكن مهاجمته من الجوانب الأربعة باستخدام المواد الفنية والصناعية. تقطر ورمي سلالات خطية من الطلاء. الرسم ، وتلطيخ ، والفرشاة. باستخدام الصور و nonimagery – صناعة الفن انتقد أساسا خارج أي حدود مسبقة. وعمّقت التعبيرات التجريديّة عمومًا التعاريف والإمكانيات المتاحة للفنانين من أجل إنشاء أعمال فنية جديدة.

تبع التعبيرون الآخرون المجردون اختراق بولوك بإختراقات جديدة خاصة بهم. بمعنى أن ابتكارات جاكسون بولوك ، وويليم دي كوننغ ، وفرانز كلين ، ومارك روثكو ، وفيليب جوستون ، وهانس هوفمان ، وكليفورد ستيل ، وبارنيت نيومان ، وأد رينهاردت ، وروبرت ماذرويل ، وبيتر فولكوس وغيرهم ، فتحت البوابات أمام التنوع والنطاق. كل الفن الذي تبعهم. ومع ذلك ، فإن إعادة قراءة الفن التجريدي من قبل مؤرخي الفن مثل ليندا نوشلين ، وغريسيلدا بولوك ، وكاترين دو زغير ، تظهر بشكل حاسم ، أن الفنانين الرائدات اللاتي قدمن ابتكارات رئيسية في الفن الحديث قد تم تجاهلها من خلال الروايات الرسمية لتاريخها.

شخصيات دولية من الفن البريطاني
ظهر هنري مور (1898-1986) بعد الحرب العالمية الثانية كنحات بارزة في بريطانيا. وقد اشتهر بمنحوتاته البرونزية التذكارية شبه المجردة التي تقع حول العالم كعمل فني عام. وأشكاله عادة ما تكون تجريدية للشخصية البشرية ، وهي عادة ما تصور شخصيات الأم والطفل أو الاتكاء ، التي توحي عادة بالجسم الأنثوي ، باستثناء مرحلة في الخمسينيات عندما قام بنحت مجموعات عائلية. أشكاله عادة ما تكون مثقوبة أو تحتوي على مساحات فارغة.

في عام 1950 ، بدأ مور في الحصول على لجان ذات أهمية متزايدة ، بما في ذلك شخصية متكئة لمبنى اليونسكو في باريس عام 1958. مع العديد من الأعمال الفنية العامة ، زاد حجم منحوتات مور بشكل ملحوظ. استمرت العقود الثلاثة الأخيرة من حياة مور على نفس المنوال ، مع العديد من الأحداث الاسترجاعية الرئيسية التي تحدث حول العالم ، لا سيما معرض بارز في صيف عام 1972 في أراضي فورتي دي بلفيدير يطل على فلورنسا. بحلول نهاية السبعينيات ، كان هناك حوالي 40 معرضًا سنويًا يعرض أعماله. في حرم جامعة شيكاغو في ديسمبر / كانون الأول 1967 ، بعد 25 سنة إلى دقيقة بعد أن حقق فريق الفيزيائيين بقيادة إنريكو فيرمي أول سلسلة من التفاعلات النووية الخاضعة للرقابة والمكتفية ذاتياً ، تم الكشف عن الطاقة النووية لشركة مور. أيضا في شيكاغو ، احتفل مور بعلم مع ساعة شمسية برونزية كبيرة ، أطلق عليها اسم “رجل يدخل الكون” (1980) ، والذي تم تكليفه بالاعتراف ببرنامج استكشاف الفضاء.

“مدرسة لندن” للرسامين التصويريين ، بما في ذلك فرانسيس بيكون (1909-1992) ولوسيان فرويد (1922-2011) وفرانك أورباخ (من مواليد 1931) وليون كوسوف (من مواليد 1926) ومايكل أندروز (1928-1995) ، حصل على اعتراف دولي واسع النطاق.

كان فرانسيس بيكون رسامًا مجازًا بريطانيًا أيرلنديًّا موالً معروفًا بصورته الجريئة والبيانية والصورة العاطفية. عادة ما تظهر شخصياته الرساميه والمجردة المعزولة في أقفاص هندسية من الزجاج أو الصلب على خلفيات مسطحة غير موصلة. بدأ بيكون الرسم في أوائل العشرينات من عمره ولكنه عمل بشكل متقطع حتى منتصف الثلاثينيات من عمره. وجاءت انطلاقته مع ثلاثية الدراسات ثلاثية الأبعاد للأرقام في عام 1944 في قاعدة الصلب الذي ختم سمعته باعتباره مؤشرا قاتما بشكل فريد لحالة الإنسان. يمكن وصف مخرجاته بشكل فاضل بأنها تتكون من تتابعات أو اختلافات في شكل واحد. بدءا من 1940s رؤساء الذكور المعزولة في الغرف ، في أوائل 1950s صراخ الباباوات ، ومن منتصف إلى أواخر 1950s الحيوانات والشخصيات الوحيدة علقت في الهياكل الهندسية. وقد تبع ذلك في أوائل الستينيات من القرن العشرين التغيرات الحديثة للصلب في الشكل ثلاثي الجوانب. من منتصف الستينيات إلى أوائل السبعينيات ، أنتج بيكون بشكل رئيسي صور رحمة للأصدقاء. بعد انتحار حبيبه جورج داير في عام 1971 ، أصبح فنه أكثر شخصية ، وينظر إلى الداخل ، وانشغلت بمواضيع وزخارف الموت. خلال حياته ، كان بيكون على نفس القدر من الشجب والامتنان.

كان لوسيان فرويد رسامًا بريطانيًا المولدًا في ألمانيا ، ويشتهر بشكل رئيسي بلوحاته ولوحاته الشخصية ذات الأشكال الكثيفة ، والتي كانت تعتبر على نطاق واسع الفنانة البريطانية البارزة في عصره. ولوحظت أعماله بسبب اختراقها النفسي ، ولتفحصها المزعج في كثير من الأحيان للعلاقة بين الفنان والنموذج. وفقا لوليام غرايمز من صحيفة نيويورك تايمز ، “حول لوسيان فرويد ومعاصروه الرسم في القرن العشرين. في لوحات مثل فتاة مع كلب أبيض (1951-1952) ، وضع فرويد اللغة التصويرية للرسم الأوروبي التقليدي في الخدمة من نمط المواجهة الرومانسي المواجه للصورة الذي جرد من الواجهة الاجتماعية للفتاة ، حيث كان الناس العاديون – وكثير منهم أصدقاءه – يحدقون في عيونهم من اللوحة ، وهم معرضون للفحص الذي لا يرحم من قبل الفنان.

في 1960s بعد التعبيرية التجريدية
في الرسم التجريدي خلال الخمسينات والستينات من القرن العشرين ، بدأت عدة اتجاهات جديدة مثل الرسم المتطور وغيره من أشكال التجريد الهندسي في الظهور في استوديوهات الفنانين وفي الأوساط الطليعية الراديكالية كرد فعل ضد موضوعية التعبيرية التجريدية. أصبح كليمنت غرينبرغ صوت التجريد ما بعد الدهليز عندما قام بتنظيم معرض مؤثر من اللوحات الجديدة التي تجولت في متاحف فنية مهمة في جميع أنحاء الولايات المتحدة في عام 1964. ظهرت اللوحة الميدانية الملونة ، اللوحة المتطورة والتجريد الغنائي كترابطات جذرية جديدة.

في أواخر الستينيات ، برزت بعد الميل ، وعملية التصنيع ، و Arte Povera كمفاهيم وحركات ثورية شملت كل من الرسم والنحت ، عن طريق التجريد الغنائي وحركة ما بعد الماضي ، وفي الفن المفاهيمي المبكر. فن الرسم مستوحى من الفنانين من بولوك ليقوموا بالتجربة والاستفادة من موسوعة متنوعة من الأنماط والمحتوى والمواد والمكان وإحساس بالوقت والبلاستيك ومساحة حقيقية. نانسي جريفز ، رونالد ديفيس ، هوارد هودجكين ، لاري بونز ، جانيز كونيلس ، بريس ماردن ، كولين ماكاهون ، بروس ناومان ، ريتشارد تاتل ، آلان سارت ، والتر داربي بانارد ، ليندا بنجليز ، دان كريستنسن ، لاري زوكس ، روني لاندفيلد ، إيفا هيس ، كيث كان سونير وريتشارد سييرا وسام غيلام وماريو ميرز وبيتر ريجيناتو من الفنانين الأصغر سنا الذين ظهروا في عصر الحداثة المتأخرة التي ولدت ذروة الفن في أواخر الستينات.

فن البوب
في عام 1962 ، أقام معرض سيدني جانيس The New Realists ، أول معرض جماعي كبير للفن الشعبي في معرض فني أبتاون في مدينة نيويورك. أقامت جانيس المعرض في واجهة شارع 57 بالقرب من معرضه في 15 شارع إي 57. أرسل العرض موجات صادمة عبر مدرسة نيويورك وتردد صداها في جميع أنحاء العالم. في وقت سابق في انكلترا في عام 1958 تم استخدام مصطلح “فن البوب” من قبل لورانس لواتي لوصف اللوحات التي احتفلت بالنزعة الاستهلاكية في فترة ما بعد الحرب العالمية الثانية. هذه الحركة رفضت تعبيرية تجريدية وتركيزها على التأويلي والداخلي النفسي لصالح الفن الذي يصور وغالبا ما يحتفي بثقافة المستهلك المادية ، والإعلان ، والرموز المصورة لعصر الإنتاج الضخم. تعتبر الأعمال المبكرة لديفيد هوكني وأعمال ريتشارد هاميلتون وإدواردو باولوزي (الذي ابتكر اللعبة الرائدة التي كنت أعملها في مسرحية Rich Man’s Plaything، 1947) من الأمثلة البارزة في الحركة. في هذه الأثناء ، في مشهد وسط المدينة في صالات العرض في شارع الشرق في شارع 10 في نيويورك ، كان الفنانون يصوغون نسخة أمريكية من فن البوب. كان أمام كلوز أولدنبورغ واجهة متجره ، وبدأ المعرض الأخضر في شارع 57 بإظهار أعمال توم ويسلمان وجيمس روزنكويست. في وقت لاحق عرض ليو كاستيلي أعمال الفنانين الأمريكيين الآخرين ، بما في ذلك أعمال آندي وارهول وروي ليختنشتاين في معظم حياتهم المهنية. هناك علاقة بين الأعمال الراديكالية مارسيل دوشامب ومان راي ، والداديين المتمردين مع حس الفكاهة ، وفناني البوب ​​مثل كلاس أولدنبورغ ، وآندي وارهول ، وروي ليختنشتاين ، واللوحات التي تبرز مظهر نقاط بن-داي ، التقنية المستخدمة في الاستنساخ التجاري.

شيوع
يصف الحد الأدنى الحركات في أشكال مختلفة من الفن والتصميم ، وخاصة الفن والموسيقى البصرية ، حيث يعتزم الفنانين لفضح جوهر أو هوية موضوع من خلال القضاء على جميع الأشكال أو السمات أو المفاهيم غير الضرورية. Minimalism هو أي تصميم أو نمط حيث يتم استخدام أبسط العناصر وأقلها لإنشاء التأثير الأقصى.

كحركة محددة في الفنون ، تم تحديدها بالتطورات في الفن الغربي لما بعد الحرب العالمية الثانية ، وبصورة أقوى مع الفنون البصرية الأمريكية في الستينيات وأوائل السبعينيات. ومن بين الفنانين البارزين المرتبطين بهذه الحركة دونالد جود ، وجون مكراكين ، وأغنيس مارتن ، ودان فلافين ، وروبرت موريس ، ورونالد بلادين ، آن ترويت ، وفرانك ستيلا. وهي مستمدة من الجوانب المختزلة للحداثة وغالبا ما تفسر على أنها رد فعل ضد التعبيرية المجردة وجسر لممارسات الفن بعد الحرب. في أوائل الستينيات ظهرت البسيط كحركة مجردة في الفن (مع جذور في التجريد الهندسي لكازمير ماليفيتش ، وباوهاوس وبيت موندريان) التي رفضت فكرة اللوحة العلائقية والذاتية ، وتعقيد السطوح التعبيرية التجريدية ، وروح العصر العاطفي. والجدل الموجود في ساحة رسم الحركة. جادل بساطتها أن البساطة الشديدة يمكن التقاط كل من التمثيل سامية اللازمة في الفن. يفسر بساطتها على نحو مختلف إما كإشارة إلى ما بعد الحداثة ، أو كحركة ما بعد الحداثة نفسها. في المنظور الأخير ، أسفرت البسيط البسيط عن أعمال عصرية متطورة ، لكن الحركة تخلت جزئياً عن هذا الاتجاه عندما قام بعض الفنانين مثل روبرت موريس بتغيير الاتجاه لصالح الحركة المضادة للنموذج.

يدرس هال فوستر في مقالته The Crux of Minimalism ، مدى إدراك كل من دونالد جود وروبرت موريس للحداثة في غرينبرغيا وتجاوزهما في تعريفاتهما المنشورة للبسط. يجادل بأن الحد الأدنى ليس “طريق مسدود” للحداثة ، لكنه “تحول نموذجي نحو ممارسات ما بعد الحداثة التي ما زالت تتطور اليوم”.

وقد توسعت المصطلحات لتشمل حركة في الموسيقى التي تتميز بالتكرار والتكرار كتلك الخاصة بتركيبات La Monte Young و Terry Riley و Steve Reich و Philip Glass و John Adams. تُعرَف التراكيب المبسطة أحيانًا باسم أنظمة الموسيقى. يشير المصطلح “الحد الأدنى” في كثير من الأحيان بالعامية إلى أي شيء هو قطع أو تجريده من الضروريات. كما تم استخدامه لوصف مسرحيات وروايات صموئيل بيكيت ، وأفلام روبرت بريسون ، وقصص ريمون كارفر ، وتصاميم السيارات لكولين شابمان.

Postminimalism
في أواخر الستينيات ، صاغ روبرت بينكوس فيتن مصطلح “ما بعد اللفظية” لشرح الفن المستمد من الحد الأدنى الذي كان يحتوي على مضمون وإيحاءات سياقية رفضتها البساطة. تم تطبيق هذا المصطلح من قبل بينكوس-ويتن لعمل إيفا هيس ، وكيث سونير ، وريتشارد سييرا ، وعمل جديد قام به البسطاء السابقون روبرت سميثون ، وروبرت موريس ، وسول لايت ، وباري لو فا ، وغيرهم. وواصل بعض البسطاء الآخرين من ضمنهم دونالد جود ودان فلافين وكارل أندريه وأغنيس مارتن وجون مكراكين وآخرون إنتاج لوحات وحداثة مؤخرًا متأخرة لما تبقى من حياتهم المهنية.

ومنذ ذلك الحين ، اعتنق العديد من الفنانين أنماطًا بسيطة أو لاحقة ، وتم إرفاق التسمية “ما بعد الحداثة” بها.

الكلية ، التركيب ، التركيبات
تتعلق التعبيرية التجريدية بظهور عناصر مصنعة مع مواد فنان ، والابتعاد عن الاتفاقيات السابقة للرسم والنحت. يمثل عمل روبرت راوشينبرج هذا الاتجاه. كانت “مقتنياته” في الخمسينيات من القرن العشرين رائدة في فن البوب ​​وفن التركيب ، واستخدمت مجموعات كبيرة من الأشياء المادية ، بما في ذلك الحيوانات المحنطة والطيور والصور التجارية. كان كل من راوشنبرغ وجاسبر جونز ولاري ريفرز وجون تشامبرلين وكليس أولدنبورج وجورج سيغال وجيم دين وإدوارد كينهولز من بين الرواد المهمين في كل من فن التجريد والفن الشعبي. إنشاء اتفاقيات جديدة من صنع الفن ، وجعلت مقبولة في الدوائر الفنية المعاصرة الخطيرة إدراج جذري في أعمالهم من المواد غير المحتمل. كان جوزيف كورنيل رائدا آخر في الفن التصويري ، حيث كان ينظر إلى أعماله المتقاربة بشكل أكبر على أنها راديكالية بسبب كل من رسوماته الشخصية واستخدامه للأجسام الموجودة.

النيو دادا
في أوائل القرن العشرين قدم مارسيل دوشامب للمعرض مبولة كنحت. وقد أعلن عن نيته أن ينظر الناس إلى المبولة كما لو كانت عملاً فنياً لأنه قال إنها عمل فني. وأشار إلى عمله “readymades”. كانت فاونتن مبولة موقعة بالاسم المستعار “آر. موت” ، المعرض الذي صدم عالم الفن في عام 1917. وصفت هذه الأعمال الأخرى لدوشامب عموما بأنها دادا. يمكن رؤية دوشامب على أنها مقدمة للفن المفاهيمي ، والأمثلة الشهيرة الأخرى هي جون كيج 4’33 “، وهي أربع دقائق وثلاثين وثلاثين دقيقة من الصمت ، ورسم راينس دي كوننغ الرسم ، والعديد من الأعمال المفاهيمية تأخذ الموقف بأن الفن هو نتيجة مشاهدة المشاهد لشيء ما أو التصرف كفن ، وليس من الصفات الجوهرية للعمل نفسه.في اختيار “مقال عادي من الحياة” وخلق “فكر جديد لهذا الكائن” ، دعت دوشامب المشاهدين لعرض فاونتن كنحت .

أعطى مارسيل دوشامب شعار “فن” لصالح الشطرنج. ابتكر الملحن الطليعي ديفيد تيودور قطعة ، ريونيون (1968) ، كتب بالاشتراك مع لويل كروس ، والتي تحتوي على لعبة الشطرنج التي فيها كل حركة تؤدي إلى تأثير الإضاءة أو الإسقاط. لعبت دوشامب وكيج اللعبة في رئيس الوزراء العمل.

ستيفن بيست ودوغلاس كيلنر يحددان راوشينبرغ وجاسبر جونز كجزء من المرحلة الانتقالية ، متأثرين بدوشامب ، بين الحداثة وما بعد الحداثة. كلاهما استخدم صوراً للأشياء العادية ، أو الأشياء نفسها ، في عملهم ، مع الإبقاء على التجريد والإيماءات الرسالية للحداثة العالية.

الأداء والأحداث
خلال أواخر الخمسينيات والستينيات بدأ الفنانين الذين لديهم مجموعة واسعة من الاهتمامات في دفع حدود الفن المعاصر. كان إيف كلاين في فرنسا ، كارولي شنيمان ، يايوي كوساما ، شارلوت مورمان ويوكو أونو في مدينة نيويورك ، وجوزيف بويس ، وولف فوستيل ، ونام جون بايك في ألمانيا من رواد الأعمال الفنية القائمة على الأداء. تعاونت مجموعات مثل The Living Theatre مع جوليان بيك وجوديث مالينا مع النحاتين والرسامين في خلق البيئات ، مما غيّر العلاقة بين الجمهور والفنان بشكل جذري ، خاصة في جسدهم الآن. مسرح جودسون للرقص ، الكائن في كنيسة جودسون التذكارية ، نيويورك. وراقصو جودسون ، ولا سيما إيفون رينر وتريشا براون وإيلين سومرز وسالي غروس وسيمون فورتي وديبورا هاي ولوسيندا تشايلدز وستيف باكستون وآخرون. تعاون مع الفنانين روبرت موريس وروبرت وايتمان وجون كيج وروبرت راوشنبرغ ومهندسين مثل بيلي كلوفر. كان “بارك بليس غاليري” مركزًا للعروض الموسيقية من تأليف الموسيقيين الإلكترونيين “ستيف رايش” و “فيليب جلاس” وغيرهم من فناني الأداء البارزين بما فيهم جوان جوناس.

كان الهدف من هذه العروض هو العمل على شكل فن جديد يجمع بين النحت والرقص والموسيقى أو الصوت ، وغالباً ما يكون ذلك بمشاركة الجمهور. كانت تتميز بالفلسفات الاختزالية من بساطتها والارتجال التلقائي والتعبير عن التعبيرية التجريدية. تُستخدم أحيانًا صور لأداء Schneeman للقطع المقصود منها الصدمة لتوضيح هذه الأنواع من الفن ، وغالبًا ما يتم تصويرها أثناء أداء التمرير الداخلي للقطعة. ومع ذلك ، فإن صور لها أداء هذه القطعة توضح بالضبط ما هو فن الأداء. في الأداء الفني ، الأداء نفسه هو الوسيط. لا يمكن لوسائط أخرى توضيح فن الأداء. يتم تنفيذ فن الأداء ، لا يتم التقاطها. من خلال طبيعته الأداء هو لحظة و evanescent ، والتي هي جزء من نقطة الوسط والفن. إن تمثيل فن الأداء في وسائل الإعلام الأخرى ، سواء كان ذلك عن طريق الصورة أو الفيديو أو السرد أو غير ذلك ، اختر بعض وجهات النظر في الفضاء أو الوقت أو غير ذلك من الأمور التي تنطوي على القيود المتأصلة في كل وسيط ، وبالتالي لا يمكن أن توضح حقاً مدى الأداء كفن.

خلال الفترة نفسها ، قام العديد من الفنانين الطليعيين بخلق الأحداث ، والتجمعات الغامضة والفورية في كثير من الأحيان من الفنانين وأصدقائهم وأقاربهم في مواقع محددة مختلفة ، وغالبا ما تدرج تمارين في عبثية ، والبدنية ، والملابس ، العري العفوي ، ومختلف عشوائي أو على ما يبدو أعمال منفصلة. ومن بين مؤسسي الأحداث البارزين ألان كابرو – الذين استخدموا المصطلح لأول مرة في عام 1958 ، كلايس أولدينبيرغ ، جيم دين ، ريد غوومز ، وروبرت وايتمان.

Intermedia ، الوسائط المتعددة
اتجاه آخر في الفن الذي ارتبط مع مصطلح ما بعد الحداثة هو استخدام عدد من وسائل الإعلام المختلفة معا. Intermedia هو مصطلح صاغه ديك هيغنز ويهدف إلى نقل أشكال فنية جديدة على غرار Fluxus ، الشعر الخرساني ، الأشياء التي تم العثور عليها ، وفن الأداء ، وفن الكمبيوتر. كان هيغنز ناشر مطبعة “شيمز أونس” ، وهو شاعر إسمنتي تزوج من الفنانة أليسون نولز ومعجباً من مارسيل دوشامب. يتضمن إيهاب حسن “Intermedia ، دمج الأشكال ، الخلط بين العوالم” ، في قائمته لخصائص الفن ما بعد الحداثي. أحد أكثر أشكال “الفن متعدد الوسائط” شيوعًا هو استخدام الشرائط المرئية وشاشات CRT ، والتي يطلق عليها اسم فن الفيديو. في حين أن نظرية الجمع بين الفنون المتعددة في فن واحد قديمة جدا ، وقد تم إحيائها بشكل دوري ، فإن مظاهر ما بعد الحداثة غالبا ما تكون مقترنة بفن الأداء ، حيث تتم إزالة النص الفرعي الدرامي ، وما تبقى هو التصريحات الخاصة للفنان في سؤال أو بيان مفاهيمي من عملهم.

Fluxus
تم تسمية Fluxus وتم تنظيمه بشكل فضفاض في عام 1962 بواسطة جورج Maciunas (1931-1978) ، وهو فنان أمريكي ولد في ليتوانيا. يتتبع Fluxus بداياته لفصول John Cage 1957-1995 التجريبية التركيبية في المدرسة الجديدة للبحوث الاجتماعية في مدينة نيويورك. كان العديد من طلابه من الفنانين الذين يعملون في وسائل الإعلام الأخرى مع خلفية ضئيلة أو معدومة في الموسيقى. شمل طلاب كيج أعضاء مؤسسة فلوكسوس ، وهم جاكسون ماك لو ، وهانسن ، وجورج بريخت وديك هيجينز.

شجع Fluxus على ذلك بنفسك الجمالية والبساطة القيمة على مدى التعقيد. وشأنه شأن دادا قبله ، شملت Fluxus تيارًا قويًا من مناهضة التجارة والحساسية المضادة للفن ، مما أدى إلى تحطيم عالم الفن التقليدي المدفوع بالسوق لصالح ممارسة مبتكرة تركز على الفنان. فنانو Fluxus فضلوا العمل مع أي مواد كانت في متناول اليد ، وإما أنشأوا أعمالهم الخاصة أو تعاونوا في عملية الإبداع مع زملائهم.

ينتقد أندرياس هويسن محاولات ادّعاء Fluxus لما بعد الحداثة بأنه “إما رمز رئيسي لما بعد الحداثة أو الحركة الفنية غير القابلة للتمثيل في نهاية المطاف – كما كان ، سامية ما بعد الحداثة”. بدلا من ذلك يرى فلوكسوس كظاهرة كبيرة من الدعاة الجدد في التقليد الطليعي. لم يمثل ذلك تقدمًا كبيرًا في تطوير الاستراتيجيات الفنية ، على الرغم من أنها عبرت عن تمرد ضد “الثقافة الخاضعة للإدارة في خمسينيات القرن العشرين ، حيث كانت الحداثة المعتدلة والمدعمة بمثابة الدعم الأيديولوجي للحرب الباردة”.

الفترة المتأخرة
استمر تعبير “التعبيرية التجريدية” و “الرسم الميداني الملون” و “التجريد الغنائي” و “التجريد الهندسي” و “الحد الأدنى” و “الإيهام التجريدي” و “فن المعالجة” و “فن البوب” و “ما بعد الابعاد” و غيرها من الحركات الحديثة في أواخر القرن العشرين في كل من الرسم والنحت خلال العقد الأول من القرن الواحد و العشرين. القرن وتشكل اتجاهات جذرية جديدة في تلك الوسائل.

في مطلع القرن الحادي والعشرين ، كان هناك فنانون راسخون مثل السير أنتوني كارو ولوسيان فرويد وسيه تومبلي وروبرت راوشنبرغ وجاسبر جونز وأغنيس مارتن واللد وإلسورث كيلي وهلين فرانكينثالر وفرانك ستيلا وكينيث نولاند وجولس أوليتسكي ، Claes Oldenburg ، Jim Dine ، James Rosenquist ، Alex Katz ، Philip Pearlstein ، والفنانين الأصغر سناً بما في ذلك Brice Marden و Chuck Close و Sam Gilliam و Isaac Witkin و Sean Scully و Mahirwan Mamtani و Joseph Nechvatal و Elizabeth Murray و Larry Poons و Richard Serra استمر كل من والتر داربي بانار ، ولاري زوكس ، وروني لاندفيلد ، ورونالد ديفيس ، ودان كريستنسن ، وجويل شابيرو ، وتوم أوترنيس ، وجوان سنايدر ، وروس بليكنر ، وآرشي راند ، وسوزان كريل ، وغيرهم في إنتاج لوحات ونقوش حيوية ومؤثرة.

الاختلافات بين الحداثة وما بعد الحداثة
وبحلول أوائل الثمانينيات ، بدأت حركة ما بعد الحداثة في الفن والعمارة في ترسيخ مكانتها من خلال العديد من الأشكال المفاهيمية والوسائط المتعددة. بدأت ما بعد الحداثة في الموسيقى والأدب لترسو في وقت سابق. في الموسيقى ، يوصف ما بعد الحداثة في عمل مرجعي واحد ، بأنه “مصطلح أدخل في 1970s” ، بينما في الأدب البريطاني ، ترى موسوعة أكسفورد للأدب البريطاني الحداثة “تتنازل عن سيطرتها على ما بعد الحداثة” في وقت مبكر من عام 1939. ومع ذلك ، فإن التواريخ وهذا أمر مثير للجدل إلى حد كبير ، خاصة كما يقول أندرياس هويزن: “إن ما بعد الحداثة هو أحد الانتقادات التي ينتقدها الحداثيون الآخرون”. يشمل ذلك أولئك الذين ينتقدون التقسيم بين الاثنين ويرونهم كجانبين من نفس الحركة ، ويعتقدون أن الحداثة المتأخرة مستمرة.

الحداثة هي علامة شاملة لمجموعة واسعة من الحركات الثقافية. ما بعد الحداثة هي في جوهرها حركة مركزية سميت نفسها ، مبنية على النظرية الاجتماعية والسياسية ، على الرغم من أن المصطلح يستخدم الآن بمعنى أوسع للإشارة إلى الأنشطة من القرن العشرين فصاعدا التي تظهر الوعي وإعادة تفسير الحديث.

تؤكد نظرية ما بعد الحداثة أن محاولة تجسيد الحداثة “بعد الحقيقة” محكوم عليها بتناقضات لا يمكن تغييرها.

بالمعنى الضيق ، لم يكن الحداثة بالضرورة ما بعد الحداثة. تلك العناصر من الحداثة التي أبرزت فوائد العقلانية والتقدم الاجتماعي – التكنولوجي كانت حداثية فقط.

الحداثة في أفريقيا وآسيا
“المفاهيم الحداثية ، وخاصة الاستقلالية الجمالية ، كانت أساسية لأدب إنهاء الاستعمار في أفريقيا الناطقة باللغة الإنجليزية”. كان راجات نيوجي ، وكريستوفر أوكيغبو ، ووي سوينكا ، من بين المؤلفين الذين “أعادوا صياغة نسخ حديثة من الاستقلالية الجمالية للإعلان عن حريتهم من الاستعباد الاستعماري ، ومن أنظمة التمييز العنصري ، وحتى من حالة ما بعد الاستعمار الجديدة”.

أصبحت مصطلحات “الحداثة” و “الحداثية” في الآونة الأخيرة فقط جزءًا من الخطاب المعياري في اللغة الإنجليزية في الأدب الياباني الحديث ، ولا تزال الشكوك حول صحتها في مواجهة الحداثة الأوروبية الغربية “. وهذا أمر غريب بالنظر إلى “النثر الموديلي المؤكد” لكتاب يابانيين معروفين مثل كواباتا ياسوناري ، ونجاي كافو ، وجونيشيري تانيزاكي “. ومع ذلك ، “احتضن العلماء في الفنون البصرية والغرامة ، والهندسة المعمارية ، والشعر بسهولة” modanizumu “كمفهوم رئيسي لوصف وتحليل الثقافة اليابانية في 1920s و 1930s”.

في عام 1924 ، بدأ العديد من الكتاب الشباب ، بما في ذلك Kawabata Yasunari و Riichi Yokomitsu ، مجلة أدبية Bungei Jidai (“The Artistic Age”). كانت هذه المجلة “جزءًا من حركة فن من أجل الفن ، متأثرة بالتكبر الأوروبي ، والتعبيرية ، والدادا ، وغيرها من الأساليب الحداثية”.

كان المهندس المعماري الياباني الحداثي كنزي تانج (1913 – 2005) أحد أهم المهندسين المعماريين في القرن العشرين ، حيث جمع بين الأنماط اليابانية التقليدية والحداثة ، كما صمم مباني رئيسية في القارات الخمس ، وكان تانج راعيًا مؤثرًا لحركة الأيض. : “كان ، في اعتقادي ، حوالي عام 1959 أو في بداية الستينيات بدأت أفكر فيما كنت أسميه لاحقا البنيوية” ، تأثر من سن مبكرة من قبل الحداثي السويسري ، لو كوربوزييه ، اكتسب Tange الدولي الاعتراف في عام 1949 عندما فاز في المسابقة لتصميم هيروشيما السلام التذكاري بارك.

في الصين كان “المتحمسون الجدد” (新 感觉 派) مجموعة من الكتاب المتمركزين في شنغهاي الذين تأثروا في ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين ، بدرجات متفاوتة ، بالحداثة الغربية واليابانية. لقد كتبوا الرواية التي كانت أكثر اهتماما باللاوعي وعلم الجمال أكثر من الاهتمام بالسياسة أو المشاكل الاجتماعية. وكان من بين هؤلاء الكتاب مو شيينغ وليو ناو وشي زهكون.

كانت مجموعة الفنانين التقدميين عبارة عن مجموعة من الفنانين المعاصرين ، ومقرها في مومباي ، بالهند في عام 1947. وعلى الرغم من افتقاره إلى أي أسلوب معين ، فقد صنع الفن الهندي مع التأثيرات الأوروبية والأمريكية الشمالية من النصف الأول من القرن العشرين ، بما في ذلك البريد -الانطباعية ، التكعيبية والتعبيرية.