O modernismo é um movimento filosófico que, juntamente com as tendências e mudanças culturais, surgiu de transformações de grande escala e de longo alcance na sociedade ocidental durante o final do século XIX e início do século XX. Entre os fatores que moldaram o modernismo estavam o desenvolvimento das sociedades industriais modernas e o rápido crescimento das cidades, seguido por reações de horror à Primeira Guerra Mundial. O modernismo também rejeitou a certeza do pensamento iluminista e muitos modernistas rejeitaram a crença religiosa.

O modernismo, em geral, inclui as atividades e criações daqueles que sentiram as formas tradicionais de arte, arquitetura, literatura, fé religiosa, filosofia, organização social, atividades da vida cotidiana e até mesmo as ciências, tornando-se mal adaptadas às suas tarefas. e desatualizado no novo ambiente econômico, social e político de um mundo totalmente industrializado emergente. A injunção do poeta Ezra Pound, de 1934, de “fazer nova!” era a pedra de toque da abordagem do movimento em direção ao que via como a cultura agora obsoleta do passado. Nesse espírito, suas inovações, como o romance do fluxo de consciência, a música atonal (ou pantonal) e de doze tons, a pintura divisionista e a arte abstrata, tiveram precursores no século XIX.

Uma característica notável do modernismo é a autoconsciência e a ironia em relação às tradições literárias e sociais, que muitas vezes levaram a experimentos com a forma, juntamente com o uso de técnicas que chamaram atenção para os processos e materiais usados ​​na criação de uma pintura, poema, construção etc. O modernismo rejeitou explicitamente a ideologia do realismo e fez uso das obras do passado pelo emprego de reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia.

Após a Segunda Guerra Mundial (principalmente as artes visuais e performáticas)

Introdução
Enquanto The Oxford Encyclopedia of British Literature afirma que o modernismo terminou por c. 1939 com relação à literatura britânica e americana, “Quando (se) o modernismo se esgotou e o pós-modernismo começou foi contestado quase tão ardentemente quanto quando ocorreu a transição do vitorianismo para o modernismo”. Clement Greenberg vê o modernismo terminando na década de 1930, com exceção das artes visuais e performáticas, mas com relação à música, Paul Griffiths observa que, enquanto o modernismo “parecia ser uma força gasta” no final da década de 1920, após a Segunda Guerra Mundial, “uma nova geração de compositores – Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis” reviveu o modernismo “. Na verdade, muitos modernistas literários viveram nos anos 50 e 60, embora geralmente não mais produzissem obras importantes. O termo” modernismo tardio ” “também é aplicado às obras modernistas publicadas depois de 1930. Entre os modernistas (ou modernistas tardios) que ainda publicam depois de 1945 estavam Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Ana Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys e Ezra Pound. Basil Bunting, nascido em 1901, publicou seu mais importante poema modernista, Briggflatts, em 1965. Além disso, em 1945, The Death of Virgil, de Hermann Broch, e em 1947, o Dr. Faustus, de Thomas Mann. Samuel Beckett, wh. o morreu em 1989, foi descrito como um “modernista posterior”. Beckett é um escritor com raízes na tradição expressionista do modernismo, que produziu obras dos anos 1930 até os anos 1980, incluindo Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) e Rockaby (1981). Os termos “minimalista” e “pós-modernista” também foram aplicados a seus trabalhos posteriores. Os poetas Charles Olson (1910-1970) e JH Prynne (nascido em 1936) estão entre os escritores da segunda metade do século XX que foram descritos como modernistas tardios.

Mais recentemente, o termo “modernismo tardio” foi redefinido por pelo menos um crítico e usado para se referir a obras escritas depois de 1945, em vez de 1930. Com esse uso, a ideologia do modernismo foi significativamente remodelada pelos eventos de Segunda Guerra Mundial, especialmente o Holocausto e a queda da bomba atômica.

O período pós-guerra deixou as capitais da Europa em agitação com urgência para reconstruir econômica e fisicamente e se reagrupar politicamente. Em Paris (o antigo centro da cultura européia e antiga capital do mundo da arte), o clima para a arte era um desastre. Importantes colecionadores, comerciantes e artistas, escritores e poetas modernistas haviam fugido da Europa para Nova York e América. Os surrealistas e artistas modernos de todos os centros culturais da Europa tinham fugido do ataque dos nazistas para um refúgio seguro nos Estados Unidos. Muitos daqueles que não fugiram morreram. Alguns artistas, notavelmente Pablo Picasso, Henri Matisse e Pierre Bonnard, permaneceram na França e sobreviveram.

A década de 1940 na cidade de Nova York anunciava o triunfo do expressionismo abstrato americano, um movimento modernista que combinou as lições aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, surrealismo, Joan Miró, cubismo, fauvismo e modernismo inicial através de grandes professores na América como Hans Hofmann e John. D. Graham. Artistas americanos se beneficiaram da presença de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, da galeria Pierre Matisse, e da galeria de Peggy Guggenheim, The Art of This Century, além de outros fatores.

Paris, além disso, recapturou muito do seu esplendor nos anos 50 e 60 como o centro de um florescimento da máquina mecânica, com os dois principais escultores de arte mecânica Jean Tinguely e Nicolas Schöffer tendo se mudado para lá para lançar suas carreiras – e que florescem na luz do caráter tecnocêntrico da vida moderna, pode muito bem ter uma influência particularmente duradoura.

Teatro do Absurdo
O termo “Teatro do Absurdo” é aplicado a peças, escritas principalmente por europeus, que expressam a crença de que a existência humana não tem significado ou propósito e, portanto, toda a comunicação se rompe. A construção e o argumento lógico dão lugar ao discurso irracional e ilógico e à sua conclusão final, o silêncio. Embora existam precursores significativos, incluindo Alfred Jarry (1873-1907), o Teatro do Absurdo é geralmente visto como começando na década de 1950 com as peças de Samuel Beckett.

O crítico Martin Esslin cunhou o termo em seu ensaio de 1960 “Theatre of the Absurd”. Ele relacionou essas peças com base em um tema amplo do Absurdo, semelhante à maneira como Albert Camus usa o termo em seu ensaio de 1942, O Mito de Sísifo. O Absurdo nestas peças assume a forma de reação do homem a um mundo aparentemente sem sentido, e / ou o homem como um fantoche controlado ou ameaçado por forças externas invisíveis. Embora o termo seja aplicado a uma ampla gama de peças, algumas características coincidem em muitas das peças: comédia ampla, muitas vezes semelhante ao vaudeville, misturada a imagens horríveis ou trágicas; personagens pegos em situações sem esperança forçadas a fazer ações repetitivas ou sem sentido; diálogo cheio de clichês, jogos de palavras e bobagens; parcelas cíclicas ou absurdamente expansivas; ou uma paródia ou dispensa do realismo e o conceito de “jogo bem feito”.

Os dramaturgos comumente associados ao Theatre of the Absurd incluem Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nascido em 1937), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-1990), Alejandro Jodorowsky (nascido em 1929), Fernando Arrabal (nascido em 1932), Václav Havel (1936-2011) e Edward Albee (1928 – 2016).

Pollock e influências abstratas
Durante o final da década de 1940, a abordagem radical de Jackson Pollock à pintura revolucionou o potencial de toda a arte contemporânea que o seguia. Até certo ponto, Pollock percebeu que a jornada para fazer uma obra de arte era tão importante quanto a própria obra de arte. Como as inovações de pintura e escultura de Pablo Picasso no início do século 20, através do cubismo e da escultura construída, Pollock redefiniu a forma como a arte é feita. Seu afastamento da pintura de cavalete e da convencionalidade foi um sinal libertador para os artistas de sua época e para todos os que vieram depois. Os artistas perceberam que o processo de Jackson Pollock – colocando telas cruas não esticadas no chão, onde poderiam ser atacadas de todos os quatro lados usando materiais artísticos e industriais; pingando e jogando meadas lineares de tinta; desenho, coloração e escovação; usando imagens e não-imagens – essencialmente, explodindo a arte além de qualquer limite anterior. O expressionismo abstrato geralmente expandiu e desenvolveu as definições e possibilidades disponíveis aos artistas para a criação de novas obras de arte.

Os outros expressionistas abstratos seguiram o avanço de Pollock com novos avanços próprios. De certa forma, as inovações de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos e outros abriram as comportas para a diversidade e escopo de toda a arte que os seguiu. As releituras em arte abstrata de historiadores da arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher mostram, de forma crítica, que artistas mulheres pioneiras que produziram grandes inovações na arte moderna foram ignoradas pelos relatos oficiais de sua história.

Figuras internacionais da arte britânica
Henry Moore (1898-1986) surgiu após a Segunda Guerra Mundial como principal escultor da Grã-Bretanha. Ele era mais conhecido por suas esculturas monumentais de bronze semi-abstratas, localizadas em todo o mundo como obras de arte públicas. Suas formas são geralmente abstrações da figura humana, tipicamente representando figuras de mãe e filho ou reclináveis, geralmente sugestivas do corpo feminino, além de uma fase na década de 1950, quando ele esculpiu grupos familiares. Suas formas são geralmente perfuradas ou contêm espaços ocos.

Na década de 1950, Moore começou a receber comissões cada vez mais significativas, incluindo uma figura reclinada na construção da UNESCO em Paris em 1958. Com muitas outras obras de arte públicas, a escala das esculturas de Moore cresceu significativamente. As últimas três décadas da vida de Moore continuaram no mesmo tom, com várias retrospectivas importantes ocorrendo em todo o mundo, especialmente uma exposição proeminente no verão de 1972, no terreno do Forte di Belvedere, com vista para Florença. No final da década de 1970, havia cerca de 40 exposições por ano apresentando seu trabalho. No campus da Universidade de Chicago, em dezembro de 1967, 25 anos depois de a equipe de físicos liderada por Enrico Fermi ter conseguido a primeira reação nuclear controlada e autossustentada, a Energia Nuclear de Moore foi revelada. Também em Chicago, Moore comemorou a ciência com um grande relógio de sol de bronze, localmente chamado Man Enters the Cosmos (1980), que foi contratado para reconhecer o programa de exploração espacial.

A “London School” de pintores figurativos, incluindo Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nascido em 1931), Leon Kossoff (nascido em 1926), e Michael Andrews (1928-1995), têm recebeu amplo reconhecimento internacional.

Francis Bacon era um pintor figurativo britânico nascido na Irlanda, conhecido por suas imagens arrojadas, gráficas e emocionalmente cruas. Suas figuras pintadas, mas abstratas, parecem tipicamente isoladas em gaiolas geométricas de vidro ou aço, emolduradas a fundos planos e indefinidos. Bacon começou a pintar durante os seus 20 e poucos anos, mas trabalhou apenas esporadicamente até os 30 e poucos anos. Seu avanço veio com o tríptico de 1944, Três Estudos para Figuras na Base de uma Crucificação, que selou sua reputação como um cronista singularmente sombrio da condição humana. Sua saída pode ser descrita grosseiramente como consistindo em seqüências ou variações em um único motivo; começando com os chefes masculinos dos anos 40 isolados em quartos, os papas gritando no início dos anos 50, e os animais dos anos 50 até meados dos anos 50 e as figuras solitárias suspensas em estruturas geométricas. Estes foram seguidos por suas variações modernas do início da década de 1960 da crucificação no formato do tríptico. Desde meados da década de 1960 até o início da década de 1970, Bacon produziu principalmente retratos de amigos impressionantemente compassivos. Após o suicídio de seu amante, George Dyer, em 1971, sua arte tornou-se mais pessoal, introspectiva e preocupada com temas e motivos da morte. Durante sua vida, Bacon foi igualmente injuriado e aclamado.

Lucian Freud era um pintor britânico nascido na Alemanha, conhecido principalmente por seu retrato densamente impassível e pinturas de figuras, que foi amplamente considerado o artista britânico preeminente de sua época. Seus trabalhos são conhecidos por sua penetração psicológica e por seu exame muitas vezes desconfortável da relação entre artista e modelo. Segundo William Grimes, do New York Times, “Lucien Freud e seus contemporâneos transformaram a pintura de figuras no século 20. Em pinturas como Girl with a White Dog (1951-52), Freud colocou a linguagem pictórica da pintura européia tradicional no serviço. de um estilo de retrato anti-romântico e confrontativo que desnudava a fachada social do assistente. Pessoas comuns – muitas delas seus amigos – olhavam com os olhos arregalados da tela, vulneráveis ​​à inspeção implacável do artista. ”

Nos anos 60 após o expressionismo abstrato
Na pintura abstrata, durante as décadas de 1950 e 1960, várias novas direções, como a pintura de ponta e outras formas de abstração geométrica, começaram a aparecer nos estúdios de artistas e nos círculos de vanguarda radical como uma reação contra o subjetivismo do expressionismo abstrato. Clement Greenberg tornou-se a voz da abstração pós-pintura quando ele curou uma exposição influente de uma nova pintura que percorreu importantes museus de arte nos Estados Unidos em 1964. A pintura colorida, a pintura hard-edge e a abstração lírica emergiram como novas direções radicais.

No final da década de 1960, o pós-minimalismo, a arte processual e a Arte Povera também emergiram como conceitos e movimentos revolucionários que abrangiam tanto a pintura quanto a escultura, através da abstração lírica e do movimento pós-minimalista e da arte conceitual primitiva. A arte de processo, inspirada em Pollock, permitiu que os artistas experimentassem e usassem uma enciclopédia diversa de estilo, conteúdo, material, posicionamento, noção de tempo, espaço plástico e real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz e Peter Reginato foram alguns dos artistas mais jovens que surgiram durante a era do modernismo tardio que gerou o auge da arte do final dos anos 1960.

Arte pop
Em 1962, a Sidney Janis Gallery montou The New Realists, a primeira grande exposição do grupo de arte pop em uma galeria de arte de cidade alta em Nova York. Janis montou a exposição em uma loja da 57th Street perto de sua galeria na 15 E. 57th Street. O show enviou ondas de choque pela New York School e reverberou em todo o mundo. Mais cedo na Inglaterra, em 1958, o termo “Pop Art” foi usado por Lawrence Alloway para descrever pinturas que celebravam o consumismo da era pós Segunda Guerra Mundial. Este movimento rejeitou o expressionismo abstrato e seu foco no interior hermenêutico e psicológico em favor da arte que representava e frequentemente celebrava a cultura material de consumo, a propaganda e a iconografia da era da produção em massa. As primeiras obras de David Hockney e as obras de Richard Hamilton e Eduardo Paolozzi (que criaram o inovador I era um Brinquedo do Homem Rico, 1947) são consideradas exemplos seminais no movimento. Enquanto isso, na cena do centro das galerias de East Village na 10th Street de Nova York, os artistas estavam formulando uma versão americana da pop art. Claes Oldenburg tinha sua loja, e a Green Gallery na 57th Street começou a mostrar as obras de Tom Wesselmann e James Rosenquist. Mais tarde, Leo Castelli exibiu as obras de outros artistas americanos, incluindo os de Andy Warhol e Roy Lichtenstein durante a maior parte de suas carreiras. Há uma conexão entre as obras radicais de Marcel Duchamp e Man Ray, os rebeldes dadaístas com senso de humor e artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein, cujas pinturas reproduzem o visual dos pontos de Ben-Day, um técnica utilizada na reprodução comercial.

Minimalismo
Minimalismo descreve movimentos em várias formas de arte e design, especialmente arte visual e música, onde artistas pretendem expor a essência ou identidade de um assunto através da eliminação de todas as formas, características ou conceitos não essenciais. Minimalismo é qualquer design ou estilo em que os elementos mais simples e poucos são usados ​​para criar o efeito máximo.

Como um movimento específico nas artes, ele é identificado com os desenvolvimentos da arte ocidental pós-Segunda Guerra Mundial, mais fortemente com as artes visuais americanas nos anos 1960 e início dos anos 1970. Artistas proeminentes associados a esse movimento incluem Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt e Frank Stella. Deriva dos aspectos reducionistas do modernismo e é freqüentemente interpretado como uma reação contra o expressionismo abstrato e uma ponte para as práticas artísticas pós-mínimas. No início dos anos 1960, o minimalismo emergiu como um movimento abstrato na arte (com raízes na abstração geométrica de Kazimir Malevich, Bauhaus e Piet Mondrian) que rejeitava a ideia de pintura relacional e subjetiva, a complexidade das superfícies expressionistas abstratas e o espírito emocional. e polêmicas presentes na arena da pintura de ação. O minimalismo argumentou que a extrema simplicidade poderia capturar toda a representação sublime necessária na arte. O minimalismo é interpretado de várias maneiras ou como um precursor do pós-modernismo, ou como um movimento pós-moderno em si. Na última perspectiva, o minimalismo inicial produziu obras modernistas avançadas, mas o movimento parcialmente abandonou essa direção quando alguns artistas como Robert Morris mudaram de direção em favor do movimento anti-forma.

Hal Foster, em seu ensaio O ponto crucial do minimalismo, examina até que ponto Donald Judd e Robert Morris reconhecem e superam o modernismo greenbergiano em suas definições publicadas de minimalismo. Ele argumenta que o minimalismo não é um “beco sem saída” do modernismo, mas uma “mudança de paradigma em direção às práticas pós-modernas que continuam a ser elaboradas hoje”.

Os termos se expandiram para abranger um movimento na música que apresenta repetição e repetição como as das composições de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass e John Adams. Composições minimalistas são às vezes conhecidas como sistemas de música. O termo “minimalista” muitas vezes refere-se coloquialmente a tudo o que é de reposição ou despojado de seus fundamentos. Também foi usado para descrever as peças e romances de Samuel Beckett, os filmes de Robert Bresson, as histórias de Raymond Carver e os desenhos de automóveis de Colin Chapman.

Pós-minimalismo
No final da década de 1960, Robert Pincus-Witten cunhou o termo “pós-minimalismo” para descrever a arte derivada do minimalismo, que apresentava contornos contextuais e contextuais que o minimalismo rejeitava. O termo foi aplicado por Pincus-Whitten ao trabalho de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e novo trabalho dos ex-minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, LeWitt Sol, Barry Le Va e outros. Outros minimalistas, incluindo Donald Judd, Dan Flavin, Carl André, Agnes Martin, John McCracken e outros, continuaram a produzir pinturas e esculturas modernistas tardias para os remanescentes de suas carreiras.

Desde então, muitos artistas abraçaram estilos mínimos ou pós-mínimos, e o rótulo “Postmodern” foi anexado a eles.

Colagem, montagem, instalações
Relacionado ao expressionismo abstrato estava o surgimento da combinação de itens manufaturados com materiais artísticos, afastando-se das convenções anteriores de pintura e escultura. O trabalho de Robert Rauschenberg exemplifica essa tendência. Suas “combinações” dos anos 50 foram precursores da arte pop e da instalação, e usaram montagens de grandes objetos físicos, incluindo bichos de pelúcia, pássaros e fotografias comerciais. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine e Edward Kienholz estavam entre os pioneiros importantes da abstração e da pop art. Criando novas convenções de fazer arte, eles fizeram aceitáveis ​​em sérios círculos de arte contemporânea a inclusão radical em suas obras de materiais improváveis. Outro pioneiro da colagem foi Joseph Cornell, cujas obras mais intimamente dimensionadas eram vistas como radicais tanto por sua iconografia pessoal quanto pelo uso de objetos encontrados.

Neo-Dada
No início do século 20, Marcel Duchamp apresentou para a exposição um mictório como escultura. Ele professou sua intenção de que as pessoas olhassem para o mictório como se fosse uma obra de arte, porque ele disse que era uma obra de arte. Ele se referiu ao seu trabalho como “readymades”. Fonte foi um mictório assinado com o pseudônimo “R. Mutt”, cuja exibição chocou o mundo da arte em 1917. Este e outros trabalhos de Duchamp são geralmente rotulados como Dada. Duchamp pode ser visto como um precursor da arte conceitual, outros exemplos famosos são 4’33 “de John Cage, que são quatro minutos e trinta e três segundos de silêncio, e Erasus de Kooning Drawing de Rauschenberg. Muitos trabalhos conceituais tomam a posição de que a arte é a resultado do espectador ver um objeto ou agir como arte, não das qualidades intrínsecas da própria obra Ao escolher “um artigo ordinário da vida” e criar “um novo pensamento para esse objeto”, Duchamp convidou os espectadores a verem Fountain como uma escultura .

Marcel Duchamp deu a famosa “arte” em favor do xadrez. O compositor de vanguarda David Tudor criou uma peça, Reunion (1968), escrita em conjunto com Lowell Cross, que apresenta um jogo de xadrez em que cada movimento desencadeia um efeito de iluminação ou projeção. Duchamp e Cage jogaram o jogo na premier do trabalho.

Steven Best e Douglas Kellner identificam Rauschenberg e Jasper Johns como parte da fase de transição, influenciada por Duchamp, entre o modernismo e o pós-modernismo. Ambas usaram imagens de objetos comuns, ou os próprios objetos, em seu trabalho, enquanto retinham a abstração e os gestos pictóricos do alto Modernismo.

Performance e acontecimentos
Durante o final dos anos 1950 e 1960, artistas com uma ampla gama de interesses começaram a empurrar as fronteiras da arte contemporânea. Yves Klein na França, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono em Nova York, e Joseph Beuys, Wolf Vostell e Nam June Paik na Alemanha foram pioneiros em obras de arte baseadas em performance. Grupos como The Living Theatre com Julian Beck e Judith Malina colaboraram com escultores e pintores criando ambientes, mudando radicalmente a relação entre público e intérprete, especialmente em sua obra Paradise Now. O Judson Dance Theatre, localizado na Igreja Judson Memorial, em Nova York; e as dançarinas de Judson, notavelmente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e outros; Colaborou com os artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e engenheiros como Billy Klüver. A Park Place Gallery foi um centro de apresentações musicais dos compositores eletrônicos Steve Reich, Philip Glass e outros artistas de destaque, incluindo Joan Jonas.

Estas performances foram concebidas como obras de uma nova forma de arte combinando escultura, dança e música ou som, muitas vezes com participação do público. Eles foram caracterizados pelas filosofias redutoras do minimalismo e pela improvisação espontânea e expressividade do expressionismo abstrato. Imagens de performances de Schneeman de peças destinadas a chocar são ocasionalmente usadas para ilustrar esses tipos de arte, e ela é frequentemente vista fotografada enquanto executa sua peça Interior Scroll. No entanto, as imagens dela realizando esta peça estão ilustrando precisamente o que a arte performática não é. Na arte performática, a performance em si é o meio. Outras mídias não podem ilustrar a arte de desempenho. Arte performática é executada, não capturada. Por sua natureza, o desempenho é momentâneo e evanescente, o que faz parte do ponto do meio como arte. As representações da performance art em outras mídias, seja por imagem, vídeo, narrativa ou outra, selecionam certos pontos de vista no espaço ou no tempo ou envolvem as limitações inerentes de cada mídia e, portanto, não podem realmente ilustrar o meio de performance como arte.

Durante o mesmo período, vários artistas de vanguarda criaram acontecimentos, encontros misteriosos e muitas vezes espontâneos e improvisados ​​de artistas e seus amigos e parentes em vários locais especificados, muitas vezes incorporando exercícios de absurdo, fisicalidade, fantasias, nudez espontânea e vários aleatórios ou aparentemente atos desconectados. Notáveis ​​criadores de acontecimentos incluíram Allan Kaprow – que usou pela primeira vez o termo em 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.

Intermedia, multimídia
Outra tendência na arte que tem sido associada ao termo pós-moderno é o uso de vários meios diferentes juntos. Intermedia é um termo cunhado por Dick Higgins e destinado a transmitir novas formas de arte ao longo das linhas de Fluxus, poesia concreta, objetos encontrados, arte performática e arte computacional. Higgins foi o editor da Something Else Press, um poeta concreto casado com a artista Alison Knowles e admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclui “Intermedia, a fusão de formas, a confusão de reinos”, em sua lista das características da arte pós-moderna. Uma das formas mais comuns de “arte multimídia” é o uso de monitores de fita de vídeo e CRT, denominados videoarte. Embora a teoria da combinação de artes múltiplas em uma arte seja bastante antiga e tenha sido revivida periodicamente, a manifestação pós-moderna é frequentemente combinada à arte performática, onde o subtexto dramático é removido, e o que resta são as declarações específicas do artista em questão ou a declaração conceptual da sua acção.

Fluxus
Fluxus foi nomeado e vagamente organizado em 1962 por George Maciunas (1931-1978), um artista americano nascido na Lituânia. Fluxus traça seus primórdios para as aulas de Composição Experimental de 1957 a 1959 de John Cage na New School for Social Research em Nova York. Muitos de seus alunos eram artistas que trabalhavam em outras mídias com pouco ou nenhum conhecimento musical. Os alunos de Cage incluíam os membros fundadores do Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.

Fluxus encorajou uma estética do tipo “faça você mesmo” e valorizou a simplicidade em detrimento da complexidade. Como Dada antes, Fluxus incluía uma corrente forte de anticomercialismo e uma sensibilidade anti-arte, depreciando o mundo da arte convencional orientado pelo mercado em favor de uma prática criativa centrada no artista. Os artistas da Fluxus preferiram trabalhar com qualquer material que estivesse à mão e criaram seu próprio trabalho ou colaboraram no processo de criação com seus colegas.

Andreas Huyssen critica as tentativas de reivindicar Fluxus para o pós-modernismo como “ou o código mestre do pós-modernismo ou o movimento de arte em última instância irrepresentável – por assim dizer, o sublime do pós-modernismo”. Em vez disso, ele vê Fluxus como um dos principais fenômenos neodatistas dentro da tradição de vanguarda. Não representou um grande avanço no desenvolvimento de estratégias artísticas, embora tenha expressado uma rebelião contra “a cultura administrada dos anos 50, na qual um modernismo moderado e domesticado servia de apoio ideológico à Guerra Fria”.

Período tardio
A continuação do expressionismo abstrato, pintura de campo colorido, abstração lírica, abstração geométrica, minimalismo, ilusionismo abstrato, arte de processo, pop art, pós-minimalismo e outros movimentos modernistas do final do século XX tanto na pintura quanto na escultura continuaram na primeira década do século XXI. século e constituem novas direções radicais nesses meios.

Na virada do século 21, artistas consagrados como Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski , Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein e artistas mais jovens, incluindo Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile e outros continuaram a produzir pinturas e esculturas vitais e influentes.

Diferenças entre modernismo e pós-modernismo
No início dos anos 80, o movimento pós-moderno em arte e arquitetura começou a estabelecer sua posição através de vários formatos conceituais e intermediários. O pós-modernismo na música e na literatura começou a se firmar mais cedo. Na música, o pós-modernismo é descrito em uma obra de referência, como um termo introduzido na década de 1970, enquanto na literatura britânica, The Oxford Encyclopedia of British Literature vê o modernismo “cedendo sua predominância ao pós-modernismo” em 1939. No entanto, datas são altamente discutível, especialmente de acordo com Andreas Huyssen: “o pós-modernismo de um crítico é o modernismo de outro crítico”. Isso inclui aqueles que são críticos da divisão entre os dois e os veem como dois aspectos do mesmo movimento, e acreditam que o modernismo tardio continua.

O modernismo é um rótulo abrangente para uma ampla variedade de movimentos culturais. O pós-modernismo é essencialmente um movimento centralizado que se nomeou, baseado na teoria sociopolítica, embora o termo seja agora usado em um sentido mais amplo para se referir às atividades do século XX em diante que exibem consciência e reinterpretam o moderno.

A teoria pós-moderna afirma que a tentativa de canonizar o modernismo “depois do fato” está condenada a contradições não ambigüiveis.

Em um sentido mais restrito, o que era modernista não era necessariamente também pós-moderno. Aqueles elementos do modernismo que acentuaram os benefícios da racionalidade e do progresso sociotecnológico foram apenas modernistas.

Modernismo na África e na Ásia
“Conceitos modernistas, especialmente a autonomia estética, foram fundamentais para a literatura de descolonização na África anglófona.” Rajat Neogy, Christopher Okigbo e Wole Soyinka, estavam entre os escritores que “reaproveitaram versões modernistas da autonomia estética para declarar sua liberdade da escravidão colonial, dos sistemas de discriminação racial e até mesmo do novo estado pós-colonial”.

Os termos “modernismo” e “modernista” “só recentemente se tornaram parte do discurso padrão em inglês sobre literatura moderna japonesa e dúvidas sobre sua autenticidade diante do modernismo europeu ocidental permanecem”. Isso é estranho dado “a prosa decididamente modesta” de tais “escritores japoneses conhecidos como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu e Jun’ichirō Tanizaki”. No entanto, “estudiosos do visual e belas artes, arquitetura e poesia prontamente abraçaram” modanizumu “como um conceito-chave para descrever e analisar a cultura japonesa nas décadas de 1920 e 1930”.

Em 1924, vários jovens escritores, incluindo Kawabata Yasunari, Riichi Yokomitsu iniciaram uma revista literária Bungei Jidai (“A Era Artística”). Esta revista era “parte de um movimento de ‘arte pela arte’, influenciado pelo cubismo europeu, expressionismo, dadá e outros estilos modernistas”.

O arquiteto modernista japonês Kenzō Tange (1913 – 2005) foi um dos arquitetos mais importantes do século XX, combinando estilos tradicionais japoneses com o modernismo, e projetou grandes edifícios em cinco continentes. Tange também foi um influente patrono do movimento Metabolista. : “Foi, creio eu, por volta de 1959 ou no início dos anos 60 que comecei a pensar sobre o que mais tarde eu chamaria de estruturalismo”. Ele foi influenciado desde cedo pelo modernista suíço Le Corbusier, Tange ganhou reconhecimento internacional. reconhecimento em 1949, quando venceu a competição para o projeto do Parque Memorial da Paz de Hiroshima.

Na China, os “Novos Sensacionistas” (New 感觉 派) eram um grupo de escritores baseados em Xangai que, nas décadas de 1930 e 1940, foram influenciados, em diferentes graus, pelo modernismo ocidental e japonês. Eles escreveram ficção que estava mais preocupada com o inconsciente e com a estética do que com problemas políticos ou sociais. Entre esses escritores estavam Mu Shiying, Liu Na’ou e Shi Zhecun.

O Progressive Artists ‘Group era um grupo de artistas modernos, baseado principalmente em Mumbai, Índia, formado em 1947. Embora não tivesse nenhum estilo em particular, ele sintetizou a arte indiana com influências européias e norte-americanas da primeira metade do século XX, incluindo Post -Impressionismo, cubismo e expressionismo.