Modernismo de la posguerra

El modernismo es un movimiento filosófico que, junto con las tendencias culturales y los cambios, surgió a partir de transformaciones de gran alcance y trascendentales en la sociedad occidental a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Entre los factores que dieron forma al modernismo se encuentran el desarrollo de sociedades industriales modernas y el rápido crecimiento de las ciudades, seguido de reacciones de horror a la Primera Guerra Mundial. El modernismo también rechazó la certeza del pensamiento de la Ilustración y muchos modernistas rechazaron la creencia religiosa.

El modernismo, en general, incluye las actividades y creaciones de aquellos que sentían que las formas tradicionales de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, filosofía, organización social, actividades de la vida cotidiana, e incluso las ciencias, se estaban adaptando mal a sus tareas y obsoleto en el nuevo entorno económico, social y político de un mundo emergente plenamente industrializado. ¡El mandato de 1934 del poeta Ezra Pound para «¡Hazlo nuevo!» fue la piedra de toque del enfoque del movimiento hacia lo que veía como la cultura ahora obsoleta del pasado. En este espíritu, sus innovaciones, como la novela de la corriente de la conciencia, la música atonal (o pantonal) y la música de doce tonos, la pintura divisionista y el arte abstracto, tuvieron precursores en el siglo XIX.

Una característica notable del modernismo es la autoconciencia y la ironía sobre las tradiciones literarias y sociales, que a menudo conducen a experimentos con la forma, junto con el uso de técnicas que llaman la atención sobre los procesos y materiales utilizados en la creación de una pintura, poema, construcción, etc. El modernismo rechazó explícitamente la ideología del realismo y hace uso de las obras del pasado mediante el empleo de repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia.

Después de la Segunda Guerra Mundial (principalmente las artes visuales y escénicas)

Introducción
Mientras que The Oxford Encyclopedia of British Literature declara que el modernismo terminó por c. 1939 con respecto a la literatura británica y estadounidense, «Cuando (si) el modernismo desapareció y el postmodernismo comenzó se ha disputado casi tan acaloradamente como cuando se produjo la transición del periodo victoriano al modernismo». Clement Greenberg ve que el modernismo termina en la década de 1930, con la excepción de las artes visuales y escénicas, pero con respecto a la música, Paul Griffiths señala que, aunque el Modernismo «parecía ser una fuerza agotada» a fines de la década de 1920, después de la Segunda Guerra Mundial, «Una nueva generación de compositores -Buellez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis» revivió el modernismo «. De hecho, muchos modernistas literarios vivieron en los años 50 y 60, aunque en general ya no producían obras importantes. El término» modernismo tardío » «también se aplica a veces a las obras modernistas publicadas después de 1930. Entre los modernistas (o modernistas tardíos) que aún publicaron después de 1945 estaban Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys y Ezra Pound. Basil Bunting, nacido en 1901, publicó su poema modernista más importante, Briggflatts, en 1965. Además, The Death of Virgil, de Hermann Broch, se publicó en 1945 y Doctor Faustus, de Thomas Mann, en 1947. Samuel Beckett, wh o murió en 1989, ha sido descrito como un «modernista posterior». Beckett es un escritor con raíces en la tradición expresionista del Modernismo, que produjo obras desde la década de 1930 hasta la década de 1980, incluyendo Molloy (1951), Esperando a Godot (1953), Happy Days (1961) y Rockaby (1981). Los términos «minimalista» y «posmodernista» también se han aplicado a sus trabajos posteriores. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (nacido en 1936) se encuentran entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX que han sido descritos como modernistas tardíos.

Más recientemente, el término «modernismo tardío» ha sido redefinido por al menos un crítico y se utiliza para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue significativamente redefinida por los eventos de La Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y la caída de la bomba atómica.

El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en un estado de agitación con la urgencia de reconstruir económica y físicamente y reagruparse políticamente. En París (el antiguo centro de la cultura europea y la antigua capital del mundo del arte) el clima para el arte fue un desastre. Importantes coleccionistas, marchantes y artistas, escritores y poetas modernistas habían huido de Europa hacia Nueva York y América. Los surrealistas y artistas modernos de todos los centros culturales de Europa habían huido de la embestida de los nazis en busca de refugio en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Algunos artistas, notablemente Pablo Picasso, Henri Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.

La década de 1940 en Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo, entre otros factores.

París, además, recuperó gran parte de su brillo en las décadas de 1950 y 1960 como centro de una florería de máquinas de arte, con los dos principales escultores de máquinas de arte, Jean Tinguely y Nicolas Schöffer, que se trasladaron allí para iniciar sus carreras, y cuya fluorescencia, a la luz del carácter tecnocéntrico de la vida moderna, bien puede tener una influencia particularmente duradera.

Teatro del Absurdo
El término «Teatro del Absurdo» se aplica a obras de teatro, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana no tiene ningún significado o propósito y, por lo tanto, toda comunicación se rompe. La construcción lógica y el argumento dan paso al discurso irracional e ilógico y a su conclusión final, el silencio. Si bien hay precursores significativos, incluido Alfred Jarry (1873-1907), el Teatro del Absurdo generalmente se considera que comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett.

El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960 «Theatre of the Absurd». Relacionó estas obras basadas en un amplio tema del Absurdo, similar a la forma en que Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo. El Absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre ante un mundo aparentemente sin significado, y / o el hombre como un títere controlado o amenazado por fuerzas externas invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de las obras: comedia amplia, a menudo similar al vodevil, mezclado con imágenes horribles o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas forzados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; un diálogo lleno de clichés, juegos de palabras y tonterías; tramas que son cíclicas o absurdamente expansivas; ya sea una parodia o rechazo del realismo y el concepto del «juego bien hecho».

Los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo incluyen a Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-94), Jean Genet (1910-86), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nacido en 1937), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-90), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936-2011) y Edward Albee (1928- 2016).

Pollock e influencias abstractas
A fines de la década de 1940, el enfoque radical de la pintura de Jackson Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la propia obra de arte. Al igual que las reinvenciones innovadoras de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace el arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y la convencionalidad fue una señal de liberación para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock consistía en colocar un lienzo en bruto sin estirar sobre el suelo, donde podía ser atacado desde los cuatro lados utilizando materiales artísticos e industriales; goteando y lanzando madejas lineales de pintura; dibujo, manchado y cepillado; usando imágenes y no imágenes-esencialmente arte dramático más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto generalmente expandió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte.

Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos y otros abrieron las puertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que los siguió. Las relecturas en el arte abstracto de historiadores del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher demuestran críticamente, sin embargo, que las artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia.

Figuras internacionales del arte británico
Henry Moore (1898-1986) surgió después de la Segunda Guerra Mundial como el escultor líder de Gran Bretaña. Era mejor conocido por sus esculturas de bronce monumentales semi-abstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas son generalmente abstracciones de la figura humana, típicamente representando figuras de madre e hijo o reclinables, usualmente sugerentes del cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 cuando esculpió grupos familiares. Sus formas son generalmente perforadas o contienen espacios huecos.

En la década de 1950, Moore comenzó a recibir comisiones cada vez más importantes, incluida una figura reclinable para el edificio de la UNESCO en París en 1958. Con muchas obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar, con varias retrospectivas importantes que tienen lugar en todo el mundo, especialmente una exposición destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia. A finales de la década de 1970, hubo unas 40 exposiciones al año presentando su trabajo. En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se descubrió la Energía Nuclear de Moore. También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado Man insiste en el cosmos (1980), que recibió el encargo de reconocer el programa de exploración espacial.

La «London School» de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nacido en 1931), Leon Kossoff (nacido en 1926) y Michael Andrews (1928-1995), recibió un amplio reconocimiento internacional.

Francis Bacon fue un pintor figurativo británico de origen irlandés, conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente primas. Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero contra fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar durante sus primeros 20 años, pero trabajó solo esporádicamente hasta los 30 años. Su avance se produjo con el tríptico de 1944 Tres estudios para las figuras en la base de una crucifixión que selló su reputación como un cronista único y sombrío de la condición humana. Su salida se puede describir crudamente como consistiendo en secuencias o variaciones en un solo motivo; empezando por los jefes masculinos de la década de 1940 aislados en salas, los papas que gritaban a principios de la década de 1950 y desde mediados hasta finales de la década de 1950 animales y figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas. Estos fueron seguidos por sus variaciones modernas de la crucifixión de principios de la década de 1960 en el formato de tríptico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la década de 1970, Bacon produjo principalmente retratos sorprendentemente compasivos de amigos. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, más centrado en el interior y más preocupado por los temas y los motivos de la muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente injuriado y aclamado.

Lucian Freud era un pintor británico de origen alemán, conocido principalmente por sus pinturas de figuras y retratos densamente empastados, que fue ampliamente considerado como el artista británico más destacado de su tiempo. Sus obras se caracterizan por su penetración psicológica y por su examen a menudo incómodo de la relación entre el artista y el modelo. Según William Grimes del New York Times, «Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo 20. En pinturas como La niña con un perro blanco (1951-52), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura europea tradicional al servicio de un estilo anti-romántico, confrontacional del retrato que desnudaba la fachada social de la modelo. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos desorbitados desde el lienzo, vulnerables a la despiadada inspección del artista «.

En la década de 1960 después del expresionismo abstracto
En la pintura abstracta durante los años 1950 y 1960, varias direcciones nuevas como la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radicales como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica cuando fue comisario de una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte en todo Estados Unidos en 1964. La pintura Field Field, la pintura de borde duro y la abstracción lírica emergieron como nuevas direcciones radicales.

Sin embargo, a fines de la década de 1960, el postminimalismo, el arte procesual y el Arte Povera también emergieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaron tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento postminimalista, y en el arte conceptual temprano. El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz y Peter Reginato fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que engendró el apogeo del arte de finales de la década de 1960.

Arte pop
En 1962, la Galería Sidney Janis montó The New Realists, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la parte alta de la ciudad de Nueva York. Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y repercutió en todo el mundo. Anteriormente, en Inglaterra, en 1958, el término «Pop Art» fue utilizado por Lawrence Alloway para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico en favor del arte que representaba y a menudo celebraba la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los primeros trabajos de David Hockney y los trabajos de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (quien creó el innovador I was a Rich Man’s Plaything, 1947) se consideran ejemplos fundamentales en el movimiento. Mientras tanto, en la escena del centro de la ciudad en las galerías East Village 10th Street de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense de arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate, y la Galería Verde en la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist. Más tarde Leo Castelli exhibió las obras de otros artistas estadounidenses, incluidos los de Andy Warhol y Roy Lichtenstein durante la mayor parte de sus carreras. Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes con sentido del humor y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein, cuyas pinturas reproducen la apariencia de los puntos Ben-Day, una técnica utilizada en reproducción comercial.

Minimalismo
El minimalismo describe los movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente el arte visual y la música, donde los artistas intentan exponer la esencia o identidad de un sujeto mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que los elementos más simples y menos utilizados se utilizan para crear el efecto máximo.

Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en los años sesenta y principios de los setenta. Destacados artistas asociados con este movimiento incluyen a Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt y Frank Stella. Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y, a menudo, se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y como un puente hacia las prácticas del arte postminimal. A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich, la Bauhaus y Piet Mondrian) que rechazaba la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu emocional y polémicas presentes en el campo de la pintura de acción. El minimalismo argumentó que la simplicidad extrema podría capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se interpreta de diversas maneras ya sea como un precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. En esta última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas como Robert Morris cambiaron de dirección a favor del movimiento anti-forma.

Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism, examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el Modernismo Greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Él argumenta que el minimalismo no es un «callejón sin salida» del Modernismo, sino un «cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan siendo elaboradas hoy».

Los términos se han expandido para abarcar un movimiento en la música que presenta tales repeticiones e iteraciones como las de las composiciones de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams. Las composiciones minimalistas a veces se conocen como música de sistemas. El término «minimalista» a menudo se refiere coloquialmente a todo lo que es de repuesto o despojado de sus elementos esenciales. También se ha utilizado para describir las obras de teatro y las novelas de Samuel Beckett, las películas de Robert Bresson, las historias de Raymond Carver y los diseños de automóvil de Colin Chapman.

Postminimalismo
A fines de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término «postminimalismo» para describir el arte de derivación minimalista que tenía un contenido y matices contextuales rechazados por el minimalismo. El término fue utilizado por Pincus-Whitten para el trabajo de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y el nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va y otros. Otros minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin y John McCracken continuaron produciendo pinturas y esculturas modernistas tardías para el resto de sus carreras.

Desde entonces, muchos artistas han adoptado estilos mínimos o postminimal, y la etiqueta «Postmodern» se ha unido a ellos.

Collage, ensamblaje, instalaciones
Relacionado con el expresionismo abstracto estaba el surgimiento de combinar artículos manufacturados con materiales de artistas, alejándose de las convenciones previas de pintura y escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg ejemplifica esta tendencia. Sus «cosechadoras» de la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y del arte de instalación, y utilizaron ensamblajes de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine y Edward Kienholz estuvieron entre los pioneros importantes de la abstracción y el arte pop. Creando nuevas convenciones de creación artística, hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical en sus obras de materiales improbables. Otro pionero del collage fue Joseph Cornell, cuyas obras más íntimamente escaladas fueron vistas como radicales debido tanto a su iconografía personal como a su uso de objetos encontrados.

Neo-Dada
A principios del siglo XX, Marcel Duchamp presentó para su exhibición un urinario como escultura. Él profesó su intención de que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como «readymades». La fuente era un urinario firmado con el seudónimo de «R. Mutt», cuya exposición conmocionó al mundo del arte en 1917. Esta y otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada. Duchamp puede ser visto como un precursor del arte conceptual, otros ejemplos famosos son el 4’33 «de John Cage, que es de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y el dibujo borrado de Rauschenberg de Kooning. Muchos trabajos conceptuales toman la posición de que el arte es el resultado del espectador viendo un objeto o actuando como arte, no de las cualidades intrínsecas de la obra misma. Al elegir «un artículo de vida ordinario» y crear «un nuevo pensamiento para ese objeto» Duchamp invitó a los espectadores a ver la Fuente como una escultura .

Marcel Duchamp renunció al «arte» a favor del ajedrez. El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunion (1968), escrita conjuntamente con Lowell Cross, que presenta un juego de ajedrez en el que cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. Duchamp y Cage jugaron el juego en el estreno de la obra.

Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Duchamp, entre el Modernismo y el Posmodernismo. Ambos usaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, conservando la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo.

Rendimiento y acontecimientos
Durante los últimos años de la década de 1950 y 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York, y Joseph Beuys, Wolf Vostell y Nam June Paik en Alemania fueron pioneros de las obras de arte basadas en el rendimiento. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando entornos, cambiando radicalmente la relación entre el público y el intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now. Judson Dance Theatre, ubicado en Judson Memorial Church, Nueva York; y los bailarines Judson, notablemente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton y otros; colaboró ​​con los artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Park Place Gallery fue un centro de actuaciones musicales de los compositores electrónicos Steve Reich, Philip Glass y otros artistas notables como Joan Jonas.

Estas representaciones fueron concebidas como obras de una nueva forma de arte que combina escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Se caracterizaron por las filosofías reductivas del minimalismo y la improvisación y expresividad espontánea del expresionismo abstracto. Las imágenes de las representaciones de piezas de Schneeman destinadas a conmocionar se utilizan ocasionalmente para ilustrar este tipo de arte, y a menudo se la ve fotografiada mientras realiza su pieza Interior Scroll. Sin embargo, las imágenes de ella interpretando esta pieza están ilustrando precisamente qué performance no es el arte. En el arte de performance, el rendimiento en sí es el medio. Otros medios no pueden ilustrar arte de performance. El arte de performance se realiza, no se captura. Por su naturaleza, el rendimiento es momentáneo y evanescente, lo cual es parte del punto del medio como arte. Las representaciones de arte de performance en otros medios, ya sea por imagen, video, narrativa u otra, seleccionan ciertos puntos de vista en el espacio o tiempo o involucran las limitaciones inherentes de cada medio, y que por lo tanto no pueden ilustrar verdaderamente el medio de performance como arte.

Durante el mismo período, varios artistas de vanguardia crearon happenings, reuniones misteriosas y, a menudo espontáneas e improvisadas, de artistas y sus amigos y familiares en diversos lugares específicos, a menudo incorporando ejercicios de absurdidad, fisicalidad, vestimenta, desnudez espontánea y varios aleatorios o aparentemente actos desconectados. Creadores notables de los acontecimientos incluyeron a Allan Kaprow, quien utilizó por primera vez el término en 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman.

Intermedia, multimedia
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia es un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte a lo largo de las líneas de Fluxus, la poesía concreta, los objetos encontrados, el arte de performance y el arte informático. Higgins fue el editor de Something Else Press, un poeta concreto casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan incluye «Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos», en su lista de las características del arte posmoderno. Una de las formas más comunes de «arte multimedia» es el uso de video-tape y monitores CRT, denominados videoart. Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el performance art, donde se elimina el subtexto dramático, y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en pregunta o la declaración conceptual de su acción.

Fluxus
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus comienzos a las clases de Composición Experimental de 1957 a 1959 de John Cage en la Nueva Escuela de Investigación Social en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia en música. Los estudiantes de Cage incluyen a los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins.

Fluxus fomentó una estética «hágalo usted mismo» y valora la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que Dada antes, Fluxus incluyó una fuerte corriente de anti-comercialismo y una sensibilidad anti-arte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado a favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que estuviera a mano, y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.

Andreas Huyssen critica los intentos de reclamar a Fluxus por el posmodernismo como «el código maestro de la postmodernidad o el movimiento del arte en última instancia irrepresentable, por así decirlo, el postmodernismo es sublime». En cambio, ve a Fluxus como uno de los principales fenómenos neodidatistas dentro de la tradición de la vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra «la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió de apoyo ideológico a la Guerra Fría».

Período tardío
La continuación del expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, la abstracción lírica, la abstracción geométrica, el minimalismo, el ilusionismo abstracto, el arte procesual, el pop art, el postminimalismo y otros movimientos modernistas de finales del siglo XX tanto en pintura como en escultura continuaron durante la primera década del siglo XXI. siglo y constituyen nuevas direcciones radicales en esos medios.

Al final del siglo XXI, artistas bien establecidos como Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski , Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein y artistas más jóvenes como Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile y otros continuaron produciendo pinturas y esculturas vitales e influyentes.

Diferencias entre el modernismo y el posmodernismo
A principios de la década de 1980, el movimiento posmoderno en el arte y la arquitectura comenzó a establecer su posición a través de diversos formatos conceptuales e intermedios. El postmodernismo en la música y la literatura comenzó a consolidarse antes. En la música, el postmodernismo se describe en una obra de referencia, como un «término introducido en la década de 1970», mientras que en la literatura británica, la Enciclopedia de Oxford de la literatura británica ve el modernismo «cediendo su predominio al posmodernismo» ya en 1939. Sin embargo, las fechas son muy debatible, especialmente según Andreas Huyssen: «el postmodernismo de un crítico es el modernismo de otro crítico». Esto incluye a aquellos que son críticos con la división entre los dos y los ven como dos aspectos del mismo movimiento, y creen que el modernismo tardío continúa.

El modernismo es una etiqueta que abarca una gran variedad de movimientos culturales. Postmodernism es esencialmente un movimiento centralizado que se nombró a sí mismo, basado en la teoría sociopolítica, aunque el término se usa ahora en un sentido más amplio para referirse a las actividades del siglo 20 en adelante que exhiben conocimiento y reinterpretan lo moderno.

La teoría posmoderna afirma que el intento de canonizar el modernismo «después del hecho» está condenado a contradicciones imposibles de resolver.

En un sentido más restringido, lo que era modernista no era necesariamente también posmoderno. Aquellos elementos del modernismo que acentuaban los beneficios de la racionalidad y el progreso socio-tecnológico eran solo modernistas.

Modernismo en África y Asia
«Los conceptos modernistas, especialmente la autonomía estética, fueron fundamentales para la literatura de la descolonización en el África anglófona». Rajat Neogy, Christopher Okigbo y Wole Soyinka, se encontraban entre los escritores que «modificaron las versiones modernistas de la autonomía estética para declarar su libertad de la esclavitud colonial, de los sistemas de discriminación racial e incluso del nuevo estado poscolonial».

Los términos «modernismo» y «modernista» se han convertido recientemente en parte del discurso estándar en inglés sobre la literatura japonesa moderna y persisten las dudas sobre su autenticidad frente al modernismo europeo occidental «. Esto es extraño dado «la prosa decididamente modana» de «escritores japoneses tan conocidos como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu y Jun’ichirō Tanizaki». Sin embargo, «los estudiosos de las artes visuales y artísticas, la arquitectura y la poesía aceptaron rápidamente a» modanizumu «como un concepto clave para describir y analizar la cultura japonesa en los años 1920 y 1930».

En 1924, varios escritores jóvenes, entre ellos Kawabata Yasunari, Riichi Yokomitsu comenzaron una revista literaria Bungei Jidai («La edad artística»). Esta revista fue «parte de un movimiento de ‘arte por el arte’, influenciado por el cubismo europeo, el expresionismo, el dadaísmo y otros estilos modernistas».

El arquitecto modernista japonés Kenzō Tange (1913 – 2005) fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, combinando los estilos tradicionales japoneses con el modernismo, y diseñó importantes edificios en cinco continentes. Tange también fue un influyente mecenas del movimiento Metabolista. : «Fue, creo, alrededor de 1959 o al comienzo de los años sesenta que comencé a pensar en lo que más tarde llamaría estructuralismo», fue influido desde temprana edad por el modernista suizo, Le Corbusier, Tange ganó internacional reconocimiento en 1949 cuando ganó la competencia para el diseño del Parque Memorial de la Paz de Hiroshima.

En China, los «Nuevos Sensacionistas» (新 感觉 派) eran un grupo de escritores radicados en Shanghái que en las décadas de 1930 y 1940 fueron influenciados, en diversos grados, por el modernismo occidental y japonés. Escribieron ficción que estaba más preocupada con el inconsciente y con la estética que con la política o los problemas sociales. Entre estos escritores se encontraban Mu Shiying, Liu Na’ou y Shi Zhecun.

The Progressive Artists ‘Group era un grupo de artistas modernos, principalmente radicado en Mumbai, India, formado en 1947. Aunque carecía de un estilo particular, sintetizó el arte indio con influencias europeas y norteamericanas de la primera mitad del siglo XX, incluidos -Impresionismo, cubismo y expresionismo.