Der Modernismus ist eine philosophische Bewegung, die zusammen mit kulturellen Trends und Veränderungen aus weitreichenden und weitreichenden Veränderungen in der westlichen Gesellschaft während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts hervorging. Zu den Faktoren, die den Modernismus prägten, zählten die Entwicklung moderner Industriegesellschaften und das rasche Wachstum der Städte, gefolgt von Reaktionen des Schreckens auf den Ersten Weltkrieg. Die Moderne lehnte auch die Gewissheit des aufklärerischen Denkens ab, und viele Modernisten lehnten den religiösen Glauben ab.

Die Moderne umfaßt im allgemeinen die Aktivitäten und Schöpfungen derjenigen, die die traditionellen Formen von Kunst, Architektur, Literatur, religiösem Glauben, Philosophie, sozialer Organisation, Aktivitäten des täglichen Lebens und sogar der Wissenschaften für ihre Aufgaben ungeeignet hielten und veraltet im neuen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Umfeld einer aufstrebenden voll industrialisierten Welt. Die Anweisung des Dichters Ezra Pound von 1934, „es neu zu machen!“ war der Prüfstein für den Ansatz der Bewegung gegenüber dem, was sie als die heute obsolete Kultur der Vergangenheit ansah. In diesem Sinne hatten seine Innovationen, wie der Strom des Bewusstseinsromanes, atonale (oder pantonale) und Zwölftonmusik, divisionistische Malerei und abstrakte Kunst, alle Vorläufer im 19. Jahrhundert.

Ein bemerkenswertes Merkmal der Moderne ist das Selbstbewusstsein und die Ironie der literarischen und sozialen Traditionen, die oft zu Experimenten mit der Form führten, sowie Techniken, die auf die Prozesse und Materialien aufmerksam machten, die bei der Schaffung eines Gemäldes, eines Gedichts, eines Gebäudes usw. verwendet wurden Die Moderne lehnt die Ideologie des Realismus ausdrücklich ab und nutzt die Werke der Vergangenheit durch Reprise, Inkorporation, Neufassung, Reprise, Revision und Parodie.

Nach dem Zweiten Weltkrieg (hauptsächlich die bildenden und darstellenden Künste)

Einführung
Während die Oxford Encyclopedia of British Literatur besagt, dass der Modernismus endete um c. 1939 in Bezug auf britische und amerikanische Literatur: „Wann (wenn) die Moderne ausweichte und der Postmodernismus begann, wurde fast genauso heftig angefochten wie damals, als der Übergang vom Viktorianismus zum Modernismus stattfand.“ Clement Greenberg sieht Modernismus in den 1930er Jahren mit Ausnahme der visuellen und darstellenden Künste, aber in Bezug auf die Musik, Paul Griffiths stellt fest, dass, während die Moderne „schien eine verbrauchte Kraft“ in den späten 1920er Jahren, nach dem Zweiten Weltkrieg, „Eine neue Generation von Komponisten – Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis – hat die Moderne wiederbelebt.“ Tatsächlich lebten viele literarische Modernisten in den 1950er und 1960er Jahren, obwohl sie in der Regel keine größeren Werke mehr produzierten „wird manchmal auch auf modernistische Werke angewendet, die nach 1930 veröffentlicht wurden. Unter Modernisten (oder späten Modernisten), die noch nach 1945 veröffentlichen, waren Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Achmatowa, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys und Ezra Pound. Basil Bunting, geboren 1901, veröffentlichte 1965 sein wichtigstes modernistisches Gedicht Briggflats. Außerdem erschien 1945 Hermann Brochs Der Tod Virgils und 1947 Thomas Manns Doktor Faustus. Samuel Beckett, geb. o starb 1989, wurde als „späterer Modernist“ beschrieben. Beckett ist ein Schriftsteller mit Wurzeln in der expressionistischen Tradition der Moderne, der Werke von den 1930er bis in die 1980er Jahre produzierte, darunter Molloy (1951), Warten auf Godot (1953), Glückliche Tage (1961) und Rockaby (1981). Die Begriffe „minimalistisch“ und „postmodern“ wurden auch auf seine späteren Arbeiten übertragen. Die Dichter Charles Olson (1910-1970) und JH Prynne (geb. 1936) gehören zu den Schriftstellern der späten zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die als Spätmodernisten bezeichnet wurden.

In jüngerer Zeit wurde der Begriff „Spätmoderne“ von mindestens einem Kritiker neu definiert und bezieht sich auf Werke, die nach 1945 statt nach 1930 entstanden sind. Mit dieser Verwendung geht die Vorstellung einher, dass die Ideologie der Moderne durch die Ereignisse von Der Zweite Weltkrieg, besonders der Holocaust und der Abwurf der Atombombe.

Die Nachkriegszeit hat die europäischen Hauptstädte im Umbruch mit der Dringlichkeit verlassen, wirtschaftlich und physisch wiederaufzubauen und sich politisch neu zu formieren. In Paris (dem ehemaligen Zentrum der europäischen Kultur und der ehemaligen Hauptstadt der Kunstwelt) war das Klima für Kunst eine Katastrophe. Wichtige Sammler, Händler und Künstler, Schriftsteller und Dichter der Moderne waren aus Europa nach New York und Amerika geflohen. Die Surrealisten und modernen Künstler aus allen Kulturzentren Europas waren vor den Angriffen der Nazis in die USA geflohen. Viele von denen, die nicht geflohen sind, sind umgekommen. Einige Künstler, vor allem Pablo Picasso, Henri Matisse und Pierre Bonnard, blieben in Frankreich und überlebten.

Die 1940er Jahre in New York City läuteten den Triumph des amerikanischen abstrakten Expressionismus ein, eine modernistische Bewegung, die Lehren aus Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealismus, Joan Miró, Kubismus, Fauvismus und Frühe Moderne über große Lehrer wie Hans Hofmann und John in Amerika verband D. Graham. Amerikanische Künstler profitierten von der Anwesenheit von Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und der André-Breton-Gruppe, der Galerie von Pierre Matisse und Peggy Guggenheims Galerie The Art of This Century sowie weiteren Faktoren.

Darüber hinaus hat Paris in den 1950er und 1960er Jahren einen Großteil seines Glanzes als Zentrum der maschinellen Kunst erhalten. Die beiden führenden Bildhauer Jean Tinguely und Nicolas Schöffer sind dorthin gezogen, um ihre Karrieren – und ihre Blütezeit – ins Licht zu setzen des technozentrischen Charakters des modernen Lebens mag besonders lang anhaltenden Einfluß haben.

Theater des Absurden
Der Begriff „Theater des Absurden“ bezieht sich auf Stücke, die hauptsächlich von Europäern geschrieben wurden und Ausdruck der Überzeugung sind, dass die menschliche Existenz keinen Sinn und Zweck hat und deshalb jegliche Kommunikation zusammenbricht. Logische Konstruktion und Argumentation weichen der irrationalen und unlogischen Sprache und ihrem endgültigen Schluss, der Stille, zu. Während es bedeutende Vorläufer gibt, darunter Alfred Jarry (1873-1907), wird das Theater des Absurden in den 1950er Jahren allgemein mit den Stücken von Samuel Beckett gesehen.

Der Kritiker Martin Esslin prägte diesen Begriff 1960 in seinem Aufsatz „Theater des Absurden“. Er erzählte diese Stücke basierend auf einem breiten Thema des Absurden, ähnlich wie Albert Camus den Begriff in seinem Essay The Myth of Sisyphus von 1942 verwendet. Das Absurde in diesen Stücken nimmt die Form der Reaktion des Menschen auf eine scheinbar sinnlose Welt und / oder den Menschen als eine von unsichtbaren äußeren Kräften kontrollierte oder bedrohte Puppe an. Obwohl der Begriff auf eine Vielzahl von Stücken angewendet wird, stimmen einige Merkmale in vielen Stücken überein: breite Komödie, oft ähnlich Varieté, gemischt mit schrecklichen oder tragischen Bildern; Charaktere, die in hoffnungslosen Situationen gefangen sind und zu wiederholten oder bedeutungslosen Handlungen gezwungen werden; Dialog voller Klischees, Wortspiele und Unsinn; Diagramme, die zyklisch oder absurd expansiv sind; entweder eine Parodie oder Entlassung des Realismus und das Konzept des „gut gemachten Spiels“.

Dramatiker, die häufig mit dem Theater des Absurden assoziiert werden, sind Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-94), Jean Genet (1910-86), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (geboren 1937), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Charms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-90), Alejandro Jodorowsky (geb. 1929), Fernando Arrabal (geb. 1932), Václav Havel (1936-2011) und Edward Albee (1928- 2016).

Pollock und abstrakte Einflüsse
In den späten 1940er Jahren revolutionierte Jackson Pollocks radikale Herangehensweise an die Malerei das Potenzial für alle zeitgenössische Kunst, die ihm folgten. Zu einem gewissen Grad erkannte Pollock, dass der Weg zum Kunstwerk ebenso wichtig war wie das Kunstwerk selbst. Wie Pablo Picassos innovative Neuerscheinungen von Malerei und Skulptur im frühen 20. Jahrhundert über den Kubismus und die konstruierte Skulptur definierte Pollock die Art und Weise neu, wie Kunst gemacht wird. Seine Abkehr von Staffeleimalerei und Konventionalität war ein befreiendes Signal für die Künstler seiner Zeit und für alle, die danach kamen. Die Künstler erkannten, dass Jackson Pollocks Prozess – ungedehnte, rohe Leinwand auf den Boden legte, wo er von allen vier Seiten mit künstlerischen und industriellen Materialien angegriffen werden konnte; tropft und wirft lineare Farbstränge; Zeichnen, Färben und Bürsten; mit Bildern und Nicht-Bildern – im Wesentlichen gestrahlten Kunstwerken jenseits jeder vorherigen Grenze. Der abstrakte Expressionismus erweiterte und entwickelte im Allgemeinen die Definitionen und Möglichkeiten, die Künstlern für die Schaffung neuer Kunstwerke zur Verfügung stehen.

Die anderen abstrakten Expressionisten folgten Pollocks Durchbruch mit eigenen neuen Durchbrüchen. In gewissem Sinne haben die Innovationen von Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos und anderen die Tore für die Vielfalt und Tragweite von all die Kunst, die ihnen folgte. Der Rückgriff auf abstrakte Kunst von Kunsthistorikern wie Linda Nochlin, Griselda Pollock und Catherine de Zegher zeigt jedoch kritisch, dass Pionierkünstlerinnen, die große Innovationen in der modernen Kunst hervorbrachten, von offiziellen Berichten ihrer Geschichte ignoriert worden waren.

Internationale Figuren aus der britischen Kunst
Henry Moore (1898-1986) entstand nach dem Zweiten Weltkrieg als führender Bildhauer Großbritanniens. Bekannt wurde er vor allem durch seine halbabstrakten monumentalen Bronzeskulpturen, die als öffentliche Kunstwerke in der ganzen Welt zu finden sind. Seine Formen sind normalerweise Abstraktionen der menschlichen Figur, die normalerweise Mutter-Kind- oder liegende Figuren darstellen, die normalerweise den weiblichen Körper andeuten, abgesehen von einer Phase in den 1950er Jahren, als er Familiengruppen formte. Seine Formen sind in der Regel durchbohrt oder enthalten Hohlräume.

In den 1950er Jahren erhielt Moore zunehmend bedeutende Aufträge, darunter eine Liegefigur für das UNESCO-Gebäude in Paris im Jahr 1958. Mit vielen weiteren öffentlichen Kunstwerken wuchs das Ausmaß der Skulpturen Moores erheblich. Die letzten drei Jahrzehnte des Lebens von Moore setzten sich in ähnlicher Weise fort, mit einigen bedeutenden Retrospektiven, die überall auf der Welt stattfinden, namentlich eine prominente Ausstellung im Sommer 1972 auf dem Gelände des Forte di Belvedere mit Blick auf Florenz. Ende der 1970er Jahre gab es rund 40 Ausstellungen pro Jahr mit seinen Arbeiten. Auf dem Campus der University of Chicago im Dezember 1967, 25 Jahre nach der ersten von Enrico Fermis geleiteten Physikergruppe, wurde Moores Nuclear Energy enthüllt. Auch in Chicago gedenkt Moore der Wissenschaft mit einer großen Bronzesonnenuhr, lokal genannt Man Betritt den Kosmos (1980), der beauftragt wurde, das Weltraumexplorationsprogramm anzuerkennen.

Die „London School“ figurativer Maler, darunter Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (* 1931), Leon Kossoff (* 1926) und Michael Andrews (* 1928-1995), haben erhielt breite internationale Anerkennung.

Francis Bacon war ein in Irland geborener britischer figurativer Maler, der für seine kühne, grafische und emotional rohe Bildsprache bekannt ist. Seine malerischen, aber abstrahierten Figuren erscheinen typischerweise isoliert in geometrischen Glas- oder Stahlkäfigen, die vor flachen, unscheinbaren Hintergründen stehen. Bacon begann in seinen frühen 20er Jahren zu malen, arbeitete aber nur sporadisch bis Mitte 30. Sein Durchbruch kam mit dem 1944 entstandenen Triptychon Drei Studien für Figuren an der Basis einer Kreuzigung, das seinen Ruf als einzigartig düsterer Chronist des menschlichen Daseins besiegelte. Sein Output kann grob als aus Sequenzen oder Variationen eines einzelnen Motivs bestehend beschrieben werden; beginnend mit den 1940er Jahren männliche Köpfe in den Zimmern isoliert, die frühen 1950er Jahre schreien Päpste und Mitte bis Ende der 1950er Jahre Tiere und einsame Figuren in geometrischen Strukturen ausgesetzt. Es folgten seine frühen Variationen der Kreuzigung im Triptychon der frühen 1960er Jahre. Von Mitte der 1960er bis Anfang der 1970er Jahre produzierte Bacon hauptsächlich auffallend mitfühlende Porträts von Freunden. Nach dem Selbstmord seines Geliebten George Dyer im Jahr 1971 wurde seine Kunst persönlicher, nach innen gerichtet und beschäftigt sich mit Themen und Motiven des Todes. Zu seinen Lebzeiten wurde Bacon gleichermaßen geschmäht und gefeiert.

Lucian Freud war ein in Deutschland geborener britischer Maler, der vor allem für seine dick aufgetragenen Porträt- und Figurenbilder bekannt war, der weithin als der bedeutendste britische Künstler seiner Zeit galt. Seine Arbeiten sind bekannt für ihre psychologische Durchdringung und für ihre oft unangenehme Auseinandersetzung mit der Beziehung zwischen Künstler und Modell. William Grimes von der New York Times: „Lucien Freud und seine Zeitgenossen haben die Figurenmalerei im 20. Jahrhundert verändert. In Gemälden wie Mädchen mit einem weißen Hund (1951-52) hat Freud die Bildsprache der traditionellen europäischen Malerei in den Dienst gestellt von einem antiromantischen, konfrontativen Stil des Porträts, der die soziale Fassade des Porträtierten entblößte. Gewöhnliche Leute – viele von ihnen seine Freunde – starrten mit weit aufgerissenen Augen von der Leinwand, verwundbar für die rücksichtslose Inspektion des Künstlers.

In den 1960er Jahren nach dem abstrakten Expressionismus
In der abstrakten Malerei der 1950er und 1960er Jahre entstanden in Künstlerateliers und radikalen Avantgarde-Kreisen als Reaktion auf den Subjektivismus des abstrakten Expressionismus mehrere neue Richtungen wie Hard-Edge-Malerei und andere Formen geometrischer Abstraktion. Clement Greenberg wurde zur Stimme der post-malerischen Abstraktion, als er eine einflussreiche Ausstellung neuer Malerei kuratierte, die 1964 in den Vereinigten Staaten wichtige Kunstmuseen bereiste. Farbfeldmalerei, Hard-Edge-Malerei und lyrische Abstraktion entstanden als radikale neue Richtungen.

In den späten 1960er Jahren entstanden Postminimalismus, Prozesskunst und Arte Povera jedoch auch als revolutionäre Konzepte und Bewegungen, die sowohl Malerei und Skulptur, über die lyrische Abstraktion und die postminimalistische Bewegung als auch die frühe Konzeptkunst umfassten. Die von Pollock inspirierte Prozesskunst befähigte Künstler, mit einer vielfältigen Enzyklopädie von Stil, Inhalt, Material, Platzierung, Sinn für Zeit und plastischem und realem Raum zu experimentieren und diese zu nutzen. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz und Peter Reginato waren einige der jüngeren Künstler, die während der späten Moderne entstanden, die die Blütezeit der Kunst der späten 1960er Jahre hervorbrachte.

Pop-Art
Im Jahr 1962 die Sidney Janis Gallery montiert The New Realists, die erste große Pop-Art-Gruppe Ausstellung in einer Uptown Kunstgalerie in New York City. Janis montierte die Ausstellung in einer 57th Street Schaufensterfront in der Nähe seiner Galerie in der 15 E. 57th Street. Die Show schickte Schockwellen durch die New York School und hallte weltweit wider. In England wurde 1958 der Begriff „Pop Art“ von Lawrence Alloway verwendet, um Gemälde zu beschreiben, die den Konsumismus der Nachkriegszeit zelebrierten. Diese Bewegung lehnte den abstrakten Expressionismus und seinen Fokus auf das hermeneutische und psychologische Interieur zugunsten der Kunst ab, die materielle Konsumkultur, Werbung und Ikonographie des Massenproduktionszeitalters darstellte und oft zelebrierte. Die frühen Werke von David Hockney und die Werke von Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi (der das bahnbrechende Ich schuf, war ein Rich Man’s Plaything, 1947) gelten als wegweisende Beispiele in der Bewegung. Unterdessen formulierten die Künstler in der Downtown-Szene in der New Yorker East Village Gallery eine amerikanische Version der Pop Art. Claes Oldenburg hatte sein Geschäft, und in der Green Gallery in der 57th Street begannen die Arbeiten von Tom Wesselmann und James Rosenquist. Später stellte Leo Castelli die Werke anderer amerikanischer Künstler aus, darunter die von Andy Warhol und Roy Lichtenstein. Es gibt eine Verbindung zwischen den radikalen Arbeiten von Marcel Duchamp und Man Ray, den rebellischen Dadaisten mit Sinn für Humor, und Pop-Künstlern wie Claes Oldenburg, Andy Warhol und Roy Lichtenstein, deren Bilder das Aussehen von Ben-Day-Punkten reproduzieren Technik in der kommerziellen Reproduktion verwendet.

Minimalismus
Minimalismus beschreibt Bewegungen in verschiedenen Formen von Kunst und Design, insbesondere visuelle Kunst und Musik, wobei Künstler beabsichtigen, die Essenz oder Identität eines Subjekts durch die Eliminierung aller nicht-essentiellen Formen, Merkmale oder Konzepte aufzudecken. Minimalismus ist ein Design oder Stil, bei dem die einfachsten und wenigsten Elemente verwendet werden, um den maximalen Effekt zu erzielen.

Als eine spezifische Bewegung in den Künsten wird sie mit den Entwicklungen der westlichen Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg identifiziert, am stärksten mit den amerikanischen bildenden Künsten in den 1960er und frühen 1970er Jahren. Prominente Künstler mit dieser Bewegung verbunden sind Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt und Frank Stella. Es stammt aus den reduktiven Aspekten der Moderne und wird oft als Reaktion auf den abstrakten Expressionismus und eine Brücke zu postminimalen Kunstpraktiken interpretiert. In den frühen 1960er Jahren entstand der Minimalismus als abstrakte Bewegung in der Kunst (mit Wurzeln in der geometrischen Abstraktion von Kasimir Malewitsch, dem Bauhaus und Piet Mondrian), die die Idee relationaler und subjektiver Malerei, die Komplexität abstrakter expressionistischer Oberflächen und den emotionalen Zeitgeist ablehnten und Polemiken in der Arena des Action Paintings. Der Minimalismus argumentierte, dass extreme Einfachheit all die erhabene Repräsentation erfassen könnte, die in der Kunst benötigt wird. Minimalismus wird verschiedentlich entweder als Vorläufer der Postmoderne oder als postmoderne Bewegung selbst interpretiert. In der letzteren Perspektive lieferte der frühe Minimalismus fortgeschrittene modernistische Werke, aber die Bewegung gab diese Richtung teilweise auf, als einige Künstler wie Robert Morris die Richtung zugunsten der Anti-Form-Bewegung änderten.

Hal Foster untersucht in seinem Essay The Crux of Minimalism, inwieweit Donald Judd und Robert Morris die Greenberg’sche Moderne in ihren publizierten Definitionen des Minimalismus anerkennen und übertreffen. Er argumentiert, dass Minimalismus keine „Sackgasse“ der Moderne ist, sondern ein „Paradigmenwechsel hin zu postmodernen Praktiken, die bis heute weiterentwickelt werden“.

Die Begriffe haben sich erweitert, um eine Bewegung in der Musik zu umfassen, die solche Wiederholungen und Iterationen aufweist wie die Kompositionen von La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass und John Adams. Minimalistische Kompositionen werden manchmal als Systemmusik bezeichnet. Der Begriff „minimalistisch“ bezieht sich umgangssprachlich oft auf alles, was im Wesentlichen entbehrlich ist. Es wurde auch verwendet, um die Spiele und Romane von Samuel Beckett, die Filme von Robert Bresson, die Geschichten von Raymond Carver und die Automobilentwürfe von Colin Chapman zu beschreiben.

Postminimalismus
In den späten 1960er Jahren prägte Robert Pincus-Witten den Begriff „Postminimalismus“, um minimalistische Kunst zu beschreiben, die inhaltliche und kontextuelle Obertöne hatte, die der Minimalismus ablehnte. Der Begriff wurde von Pincus-Whitten auf das Werk von Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra und neue Arbeiten der ehemaligen Minimalisten Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va und anderen angewendet. Andere Minimalisten, darunter Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken und andere, produzierten weiterhin spätmoderne Gemälde und Skulpturen für den Rest ihrer Karriere.

Seitdem haben viele Künstler minimale oder postminimale Stile angenommen und ihnen wurde das Label „Postmodern“ beigefügt.

Collage, Assemblage, Installationen
Im Zusammenhang mit dem abstrakten Expressionismus entstand das Zusammentreffen von Kunstgegenständen mit Künstlermaterialien, die sich von früheren Konventionen der Malerei und Skulptur wegbewegten. Die Arbeit von Robert Rauschenberg ist ein Beispiel für diesen Trend. Seine „Mähdrescher“ der 1950er Jahre waren Vorläufer der Pop-Art- und Installationskunst und verwendeten Assemblagen großer physischer Objekte, darunter ausgestopfte Tiere, Vögel und kommerzielle Fotografien. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine und Edward Kienholz gehörten zu den bedeutenden Pionieren der Abstraktion und der Pop Art. Indem sie neue Konventionen des Kunstmachens kreierten, machten sie in ernsten zeitgenössischen Kunstkreisen die radikale Einbeziehung ihrer Werke in unwahrscheinliche Materialien akzeptabel. Ein weiterer Pionier der Collage war Joseph Cornell, dessen intimeren Arbeiten wegen seiner persönlichen Ikonographie und seiner Verwendung gefundener Objekte als radikal angesehen wurden.

Neo-Dada
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hat Marcel Duchamp zur Ausstellung ein Urinal als Skulptur eingereicht. Er gab seiner Absicht zu, dass die Leute das Pissoir wie ein Kunstwerk betrachten, weil er sagte, es sei ein Kunstwerk. Er bezeichnete seine Arbeit als „Readymades“. Fountain war ein mit dem Pseudonym „R. Mutt“ signiertes Pissoir, dessen Ausstellung die Kunstwelt 1917 schockierte. Diese und Duchamps andere Arbeiten werden allgemein als Dada bezeichnet. Duchamp kann als Vorläufer der Konzeptkunst angesehen werden, andere berühmte Beispiele sind John Cages 4’33 „, vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden Stille, und Rauschenbergs Erased de Kooning Drawing. Viele konzeptuelle Arbeiten vertreten die Position, dass Kunst das ist Ergebnis des Betrachters, der ein Objekt betrachtet oder als Kunst handelt, nicht als die inneren Qualitäten des Werks selbst. Indem er „einen gewöhnlichen Artikel des Lebens“ wählte und „einen neuen Gedanken für dieses Objekt“ kreierte, lud Duchamp die Zuschauer ein, Fountain als Skulptur zu betrachten .

Marcel Duchamp hat bekanntlich „Kunst“ zugunsten von Schach aufgegeben. Der Avantgarde-Komponist David Tudor hat zusammen mit Lowell Cross ein Stück geschrieben, Reunion (1968), das ein Schachspiel zeigt, in dem jede Bewegung einen Lichteffekt oder eine Projektion auslöst. Duchamp und Cage spielten das Spiel bei der Premiere des Werkes.

Steven Best und Douglas Kellner identifizieren Rauschenberg und Jasper Johns als Teil der von Duchamp beeinflussten Übergangsphase zwischen Moderne und Postmoderne. Beide verwendeten Bilder von gewöhnlichen Objekten oder den Objekten selbst in ihrer Arbeit, während sie die Abstraktion und die malerischen Gesten der Hochmoderne behielten.

Leistung und Geschehnisse
In den späten 1950er und 1960er Jahren begannen Künstler mit einer breiten Palette von Interessen, die Grenzen der zeitgenössischen Kunst zu erweitern. Yves Klein in Frankreich, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman und Yoko Ono in New York City sowie Joseph Beuys, Wolf Vostell und Nam June Paik in Deutschland waren Pioniere von Performance-Kunstwerken. Gruppen wie The Living Theatre mit Julian Beck und Judith Malina arbeiteten mit Bildhauern und Malern zusammen, um Umgebungen zu schaffen, die die Beziehung zwischen Publikum und Darsteller radikal veränderten, insbesondere in ihrem Stück Paradise Now. Das Judson Dance Theatre, gelegen an der Judson Memorial Church, New York; und die Judson Tänzer, vor allem Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Sommer, Sally Gross, Simonne Forte, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton und andere; arbeitete mit den Künstlern Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg und Ingenieuren wie Billy Klüver zusammen. Die Park Place Gallery war ein Zentrum für musikalische Aufführungen der elektronischen Komponisten Steve Reich, Philip Glass und anderer bemerkenswerter Performance-Künstler wie Joan Jonas.

Diese Performances waren als Werke einer neuen Kunstform gedacht, die Skulptur, Tanz und Musik oder Sound, oft mit Beteiligung des Publikums, kombiniert. Sie zeichneten sich durch die Reduktionsphilosophien des Minimalismus und die spontane Improvisation und Expressivität des abstrakten Expressionismus aus. Bilder von Schneemans Aufführungen von schockierenden Stücken werden gelegentlich verwendet, um diese Art von Kunst zu illustrieren, und sie wird oft fotografiert, während sie ihr Stück Interior Scroll spielt. Die Bilder, in denen sie dieses Stück spielt, veranschaulichen jedoch genau, was Performance-Kunst nicht ist. In der Performance-Kunst ist die Performance selbst das Medium. Andere Medien können keine Performance Art darstellen. Performance-Art wird durchgeführt, nicht aufgenommen. Die Performance ist von Natur aus momentan und vergänglich, was Teil des Mediums als Kunst ist. Darstellungen von Performancekunst in anderen Medien, ob durch Bild, Video, Erzählung oder auf andere Weise, wählen bestimmte Gesichtspunkte in Raum oder Zeit aus oder bringen auf andere Weise die inhärenten Begrenzungen jedes Mediums mit sich und können daher das Medium der Performance als Kunst nicht wirklich veranschaulichen.

In der gleichen Zeit schufen verschiedene Avantgarde-Künstler Happenings, mysteriöse und oft spontane und improvisierte Zusammenkünfte von Künstlern und ihren Freunden und Verwandten an verschiedenen bestimmten Orten, oft mit Übungen in Absurdität, Körperlichkeit, Kostümierung, spontaner Nacktheit und verschiedenen zufälligen oder scheinbar getrennte Handlungen. Bemerkenswerte Schöpfer von Geschehnissen schlossen Allan Kaprow (Allan Kaprow) – wer verwendete zuerst Begriff 1958, Claes Oldenburg (Claes Oldenburg), Jim Dine, Red Grooms, und Robert Whitman (Robert Whitman) ein.

Intermedia, multimedial
Ein weiterer Trend in der Kunst, der mit dem Begriff Postmodern verbunden ist, ist die Verwendung einer Reihe verschiedener Medien zusammen. Intermedia ist ein von Dick Higgins geprägter Begriff, der neue Kunstformen im Sinne von Fluxus, konkreter Poesie, Fundstücken, Performancekunst und Computerkunst vermitteln soll. Higgins war der Herausgeber der Something Else Press, einer konkreten Dichterin, die mit der Künstlerin Alison Knowles verheiratet ist und ein Bewunderer von Marcel Duchamp ist. Ihab Hassan schließt „Intermedia, die Verschmelzung von Formen, die Verwirrung der Reiche“ in seine Liste der Eigenschaften der postmodernen Kunst ein. Eine der häufigsten Formen von „Multimedia-Kunst“ ist die Verwendung von Videokassetten und CRT-Monitoren, die als Videokunst bezeichnet werden. Während die Theorie des Kombinierens mehrerer Künste zu einer Kunst ziemlich alt ist und periodisch wiederbelebt wird, ist die postmoderne Manifestation oft in Kombination mit Performance – Kunst, wo der dramatische Subtext entfernt wird und die spezifischen Aussagen des Künstlers in Frage oder die konzeptionelle Aussage ihres Handelns.

Fluxus
Fluxus wurde 1962 von George Maciunas (1931-1978), einem in Litauen geborenen amerikanischen Künstler, benannt und lose organisiert. Fluxus führt seine Anfänge zu John Cages 1957 bis 1959 Experimental Composition Klassen an der New School für Sozialforschung in New York City. Viele seiner Studenten waren Künstler, die in anderen Medien mit wenig oder keinem Hintergrund in der Musik arbeiteten. Cages Studenten schlossen die Gründungsmitglieder von Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht und Dick Higgins ein.

Fluxus förderte eine Do-it-yourself-Ästhetik und schätzte Einfachheit gegenüber Komplexität. Wie zuvor Dada hatte Fluxus eine starke Strömung des Anti-Kommerzialismus und einer Anti-Kunst-Sensibilität, die die konventionelle marktgetriebene Kunstwelt zugunsten einer künstlerzentrierten kreativen Praxis herabsetzte. Fluxus-Künstler zogen es vor, mit den Materialien zu arbeiten, die ihnen zur Verfügung standen, und kreierten entweder ihre eigene Arbeit oder arbeiteten mit ihren Kollegen am Entstehungsprozess mit.

Andreas Huyssen kritisiert Versuche, Fluxus für die Postmoderne als „entweder den Master-Code der Postmoderne oder die letztlich nicht darstellbare Kunstbewegung – sozusagen die Sublimen der Postmoderne“ zu bezeichnen. Stattdessen sieht er Fluxus als ein bedeutendes neodadaistisches Phänomen innerhalb der Avantgarde-Tradition. Sie stellte keinen großen Fortschritt in der Entwicklung künstlerischer Strategien dar, obwohl sie eine Rebellion gegen „die verwaltete Kultur der 1950er Jahre, in der eine gemäßigte, domestizierte Moderne als ideologische Stütze des Kalten Krieges diente“ zum Ausdruck brachte.

Spätzeit
Die Fortsetzung von abstraktem Expressionismus, Farbfeldmalerei, lyrischer Abstraktion, geometrischer Abstraktion, Minimalismus, abstraktem Illusionismus, Prozesskunst, Pop Art, Postminimalismus und anderen modernistischen Bewegungen des späten 20. Jahrhunderts in Malerei und Skulptur setzte sich im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts fort Jahrhundert und stellen radikale neue Richtungen in diesen Medien dar.

An der Wende zum 21. Jahrhundert, etablierten Künstlern wie Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski , Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein und jüngere Künstler wie Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile und andere produzierten weiterhin vitale und einflussreiche Gemälde und Skulpturen.

Unterschiede zwischen Moderne und Postmoderne
In den frühen 1980er Jahren begann sich die postmoderne Bewegung in Kunst und Architektur durch verschiedene konzeptuelle und intermediale Formate zu etablieren. Die Postmoderne in Musik und Literatur begann sich früher durchzusetzen. In der Musik wird die Postmoderne in einem Nachschlagewerk als „in den 1970er Jahren eingeführter Begriff“ beschrieben, während in der britischen Literatur die Oxford Encyclopedia of British Literature die Moderne bereits 1939 als „Abschaffung ihrer Vorherrschaft der Postmoderne“ ansieht höchst umstritten, zumal Andreas Huyssen: „Die Postmoderne eines Kritikers ist die Modernität eines anderen Kritikers“. Dies schließt diejenigen ein, die die Trennung zwischen den beiden kritisieren und sie als zwei Aspekte derselben Bewegung betrachten und glauben, dass die Späte Moderne weitergeht.

Der Modernismus ist ein umfassendes Etikett für eine Vielzahl von kulturellen Bewegungen. Die Postmoderne ist im Wesentlichen eine zentralisierte Bewegung, die sich auf der Grundlage der gesellschaftspolitischen Theorie benannte, obwohl der Begriff nun in einem weiteren Sinne auf Aktivitäten ab dem 20. Jahrhundert verweist, die das Moderne aufzeigen und neu interpretieren.

Die postmoderne Theorie behauptet, der Versuch, die Moderne „nach der Tat“ zu kanonisieren, ist zu undisierbaren Widersprüchen verurteilt.

Im engeren Sinne war das Modernistische nicht notwendigerweise auch postmodern. Jene Elemente der Moderne, die die Vorteile von Rationalität und sozio-technischem Fortschritt hervorhoben, waren nur Modernismus.

Modernismus in Afrika und Asien
„Modernistische Konzepte, insbesondere ästhetische Autonomie, waren grundlegend für die Literatur der Entkolonialisierung im anglophonen Afrika.“ Rajat Neogy, Christopher Okigbo und Wole Soyinka gehörten zu den Schreibern, die „modernistische Versionen der ästhetischen Autonomie umgewidmet haben, um ihre Freiheit von der kolonialen Knechtschaft, von Systemen der Rassendiskriminierung und sogar vom neuen postkolonialen Staat zu deklarieren“.

Die Begriffe „Modernismus“ und „Modernist“ sind erst seit kurzem Teil des Standarddiskurses der modernen japanischen Literatur in der englischen Sprache, und Zweifel an ihrer Authentizität gegenüber der westeuropäischen Moderne bleiben bestehen. Das ist merkwürdig, wenn man „die entschieden modanische Prosa“ solcher „bekannter japanischer Schriftsteller wie Kawabata Yasunari, Nagai Kafu und Jun’ichirō Tanizaki“ nennt. „Gelehrte der bildenden und bildenden Kunst, der Architektur und der Poesie haben jedoch“ modanizumu „als Schlüsselkonzept zur Beschreibung und Analyse der japanischen Kultur in den 1920er und 1930er Jahren gerne angenommen.“

Im Jahr 1924 begannen verschiedene junge Schriftsteller, darunter Kawabata Yasunari, Riichi Yokomitsu eine literarische Zeitschrift Bungei Jidai („The Artistic Age“). Diese Zeitschrift war „Teil einer“ Kunst um der Kunst Willen „Bewegung, beeinflusst von europäischen Kubismus, Expressionismus, Dada und anderen modernistischen Stilen“.

Der japanische modernistische Architekt Kenzō Tange (1913 – 2005) war einer der bedeutendsten Architekten des 20. Jahrhunderts, der traditionelle japanische Stile mit der Moderne verband und große Gebäude auf fünf Kontinenten entwarf. Tange war auch ein einflussreicher Förderer der metabolischen Bewegung „Ich glaube, um 1959 oder zu Beginn der sechziger Jahre begann ich darüber nachzudenken, was ich später den Strukturalismus nennen sollte.“ Schon früh wurde er vom Schweizer Modernisten Le Corbusier beeinflusst, Tange wurde international Anerkennung im Jahr 1949, als er den Wettbewerb für das Design von Hiroshima Peace Memorial Park gewann.

In China waren die „New Sensationists“ (新 感觉 派) eine in Shanghai ansässige Gruppe von Schriftstellern, die in den 1930er und 1940er Jahren in unterschiedlichem Maße vom westlichen und japanischen Modernismus beeinflusst wurden. Sie schrieben Fiktionen, die sich mehr mit dem Unbewussten und mit Ästhetik beschäftigten als mit Politik oder sozialen Problemen. Unter diesen Autoren waren Mu Shiying, Liu Na’ou und Shi Zhecun.

Die Progressive Artists ‚Group war eine Gruppe moderner Künstler, die 1947 hauptsächlich in Mumbai, Indien, gegründet wurde. Obwohl es keinen bestimmten Stil gab, synthetisierte sie indische Kunst mit europäischen und nordamerikanischen Einflüssen aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, einschließlich Post – Impressionismus, Kubismus und Expressionismus.