Il modernismo è un movimento filosofico che, insieme alle tendenze e ai cambiamenti culturali, è il risultato di trasformazioni su larga scala e di ampia portata nella società occidentale durante la fine del XIX secolo e l’inizio del XX. Tra i fattori che hanno modellato il modernismo c’erano lo sviluppo delle moderne società industriali e la rapida crescita delle città, seguite poi dalle reazioni di orrore alla prima guerra mondiale. Il modernismo respingeva anche la certezza del pensiero illuminista e molti modernisti respingevano la credenza religiosa.
Termine applicato all’invenzione e l’efficace ricerca di strategie artistiche che cercano non solo connessioni strette ma essenziali alle potenti forze della modernità sociale Le risposte dei modernisti alla modernità vanno dalla celebrazione trionfale alla condanna agonizzante e differiscono in modalità dalla rappresentazione diretta degli impatti di modernizzazione fino a rinnovamenti estremi di assunzioni e pratiche puramente artistiche Tali strategie, perseguite da artisti che lavorano individualmente o, spesso, in gruppi, così come da critici, storici e teorici, si verificano in tutte le arti, sebbene in forme distintive e diverse traiettorie storiche Sono stati i più forti nella pittura, nel design e nel movimento moderno in architettura, molto significativi nella letteratura e nella musica, ma abbastanza silenziosi nell’artigianato Hanno echi in aspetti della cultura commerciale e popolare Pur essendo intermittenti nella loro presenza e non sistematici in natura, queste strategie sono state più efficaci in Europa e in Europa colonie della metà del XIX secolo e negli Stati Uniti dal 20esimo secolo, passando dai margini al centro delle culture visive, dalla radicalità reattiva alla normalità istituzionalizzata.
Il modernismo, in generale, include le attività e le creazioni di coloro che sentivano le forme tradizionali di arte, architettura, letteratura, fede religiosa, filosofia, organizzazione sociale, attività della vita quotidiana e persino le scienze, si stavano adattando male ai loro compiti e superato nel nuovo ambiente economico, sociale e politico di un mondo emergente pienamente industrializzato. L’ingiunzione del poeta Ezra Pound del 1934 a “Make it new!” era la pietra di paragone dell’approccio del movimento verso ciò che vedeva come la cultura ormai obsoleta del passato. In questo spirito, le sue innovazioni, come il romanzo stream-of-consciousness, la musica atonale (o pantonale) e dodecafonica, la pittura divisionista e l’arte astratta, avevano tutti i precursori nell’Ottocento.
Una caratteristica notevole del modernismo è l’autocoscienza e l’ironia relative alle tradizioni letterarie e sociali, che spesso hanno portato a sperimentazioni con la forma, insieme all’uso di tecniche che hanno attirato l’attenzione sui processi e sui materiali utilizzati nella creazione di un dipinto, poesia, edificio, ecc. Il modernismo respinge esplicitamente l’ideologia del realismo e si avvale delle opere del passato con l’impiego della ripresa, dell’incorporazione, della riscrittura, della ricapitolazione, della revisione e della parodia.
Alcuni commentatori definiscono il modernismo come un modo di pensare – una o più caratteristiche filosoficamente definite, come autocoscienza o autoreferenzialità, che attraversano tutte le novità nelle arti e nelle discipline. Più comuni, specialmente in Occidente, sono quelli che la vedono come una tendenza di pensiero socialmente progressista che afferma il potere degli esseri umani di creare, migliorare e rimodellare il loro ambiente con l’aiuto di sperimentazione pratica, conoscenza scientifica o tecnologia. Da questa prospettiva, il modernismo ha incoraggiato il riesame di ogni aspetto dell’esistenza, dal commercio alla filosofia, con l’obiettivo di trovare ciò che stava “trattenendo” il progresso e sostituendolo con nuovi modi di raggiungere lo stesso fine. Altri si concentrano sul modernismo come un’introspezione estetica. Questo facilita la considerazione di specifiche reazioni all’uso della tecnologia nella prima guerra mondiale, e aspetti anti-tecnologici e nichilistici delle opere di diversi pensatori e artisti che abbracciano il periodo da Friedrich Nietzsche (1844-1900) a Samuel Beckett (1906-1989 ).
Mentre alcuni studiosi vedono il modernismo continuare nel ventunesimo secolo, altri lo vedono evolversi nel tardo modernismo o nell’alto modernismo, che viene poi sostituito dal postmodernismo.
Storia antica
Gli inizi: il 19 ° secolo
Secondo un critico, il modernismo si sviluppò dalla rivolta del Romanticismo contro gli effetti della rivoluzione industriale e dei valori borghesi: “Il motivo fondamentale del modernismo, afferma Graff, fu la critica all’ordine sociale borghese del diciannovesimo secolo e la sua visione del mondo dei modernisti, portando la torcia del romanticismo. ” Mentre JMW Turner (1775-1851), uno dei più grandi pittori paesaggisti del XIX secolo, era un membro del movimento romantico, come “un pioniere nello studio della luce, del colore e dell’atmosfera”, egli “anticipava gli impressionisti francesi “e quindi il modernismo” nell’abbattere le convenzionali formule di rappresentazione, [sebbene] diversamente da loro, credeva che le sue opere dovessero sempre esprimere significativi temi storici, mitologici, letterari o di altra natura narrativa “.
Le tendenze dominanti dell’Inghilterra vittoriana industriale furono opposte, dal 1850 circa, ai poeti e pittori inglesi che costituivano la Confraternita dei preraffaelliti, a causa della loro “opposizione alle capacità tecniche senza ispirazione”.: 815 Erano influenzati dagli scritti del il critico d’arte John Ruskin (1819-1900), che aveva forti sentimenti riguardo al ruolo dell’arte nell’aiutare a migliorare la vita delle classi lavoratrici urbane, nelle città industriali in rapida espansione della Gran Bretagna.:816 Il critico d’arte Clement Greenberg descrive il Confraterniti raffaelliti come proto-modernisti: “I proto-modernisti erano, tra tutti i popoli, i preraffaelliti (e anche prima di loro, come proto-proto-modernisti, i nazareni tedeschi). I preraffaelliti in realtà prefigurarono Manet (1832) -83), con il quale la pittura modernista inizia definitivamente: hanno agito insoddisfazione per la pittura come praticato nel loro tempo, sostenendo che il suo realismo non era abbastanza veritiero “. Il razionalismo ha avuto anche oppositori nei filosofi Søren Kierkegaard (1813-55) e in seguito Friedrich Nietzsche (1844-1900), entrambi i quali hanno avuto un’influenza significativa sull’esistenzialismo.
Tuttavia, la rivoluzione industriale ha continuato. Le innovazioni influenti includevano l’industrializzazione a vapore, e in particolare lo sviluppo delle ferrovie, a partire dalla Gran Bretagna negli anni 1830, e i successivi progressi in fisica, ingegneria e architettura associati a questo. Un importante risultato di ingegneria del 19 ° secolo fu The Crystal Palace, l’enorme sala espositiva in ghisa e lastre di vetro costruita per la Great Exhibition del 1851 a Londra. Vetro e ferro vennero usati in un simile stile monumentale nella costruzione dei principali terminal ferroviari di Londra, come la stazione di Paddington (1854) e la stazione di King’s Cross (1852). Questi progressi tecnologici portarono alla costruzione di strutture successive come il Ponte di Brooklyn (1883) e la Torre Eiffel (1889). Quest’ultimo ha rotto tutte le precedenti limitazioni su quanto potrebbero essere alti gli oggetti fatti dall’uomo. Queste meraviglie dell’ingegneria hanno radicalmente modificato l’ambiente urbano del XIX secolo e la vita quotidiana delle persone. L’esperienza umana del tempo fu alterata, con lo sviluppo del telegrafo elettrico del 1837 e l’adozione del tempo standard da parte delle compagnie ferroviarie britanniche dal 1845, e nel resto del mondo nei successivi cinquant’anni.
Ma nonostante i continui progressi tecnologici, a partire dagli anni ’70 in poi, l’idea che la storia e la civiltà fossero intrinsecamente progressiste e che il progresso fosse sempre buono, fu oggetto di un crescente attacco. Le argomentazioni sorsero che i valori dell’artista e quelli della società non erano semplicemente diversi, ma che la Società era antitetica al Progresso e che non poteva andare avanti nella sua forma attuale. Il filosofo Schopenhauer (1788-1860) (Il mondo come volontà e rappresentazione, 1819) rimette in discussione il precedente ottimismo e le sue idee hanno avuto un’influenza importante sui pensatori successivi, tra cui Nietzsche. Due dei pensatori più significativi del periodo furono il biologo Charles Darwin (1809-82), autore di L’origine delle specie di Means of Natural Selection (1859) e il politologo Karl Marx (1818-1883), autore di Das Kapital (1867). La teoria dell’evoluzione di Darwin per selezione naturale ha minato la certezza religiosa e l’idea di unicità umana. In particolare, l’idea che gli esseri umani fossero guidati dagli stessi impulsi di “animali inferiori” si dimostrò difficile da riconciliare con l’idea di una spiritualità nobilitante. Karl Marx sosteneva che c’erano delle contraddizioni fondamentali all’interno del sistema capitalista e che i lavoratori erano tutt’altro che liberi.
Gli inizi del modernismo in Francia
Storici e scrittori di diverse discipline hanno suggerito varie date come punti di partenza per il modernismo. Lo storico William Everdell, ad esempio, ha sostenuto che il modernismo iniziò negli anni ’70 dell’Ottocento, quando la continuità metaforica (o ontologica) cominciò a cedere al discreto con il matematico Richard Dedekind (1831-1916) Dedekind e Ludwig Boltzmann (1844-1906) statistico termodinamica. Everdell pensa anche che il modernismo in pittura iniziò nel 1885-86 con il Divisionism di Seurat, i “punti” usati per dipingere Un Sunday Afternoon sull’isola di La Grande Jatte. D’altra parte, il critico d’arte visiva Clement Greenberg definì Immanuel Kant (1724-1804) “il primo vero modernista”, anche se scrisse anche: “Ciò che può tranquillamente chiamarsi Modernismo è emerso nella metà del secolo scorso – e piuttosto localmente, in Francia, con Baudelaire in letteratura e Manet in pittura, e forse anche con Flaubert in narrativa in prosa (fu un po ‘più tardi, e non così localmente, che il Modernismo apparve nella musica e nell’architettura). ” Il poeta Baudelaire Les Fleurs du mal (The Flowers of Evil) e il romanzo di Flaubert Madame Bovary furono entrambi pubblicati nel 1857.
Nelle arti e nelle lettere, due importanti approcci si sono sviluppati separatamente in Francia. Il primo era Impressionismo, una scuola di pittura che inizialmente si concentrava sul lavoro svolto, non in studio, ma all’aperto (en plein air). Le pitture impressioniste hanno dimostrato che gli esseri umani non vedono oggetti, ma vedono invece la luce stessa. La scuola ha riunito aderenti nonostante le divisioni interne tra i suoi principali professionisti, e divenne sempre più influente. Inizialmente rifiutato dal più importante spettacolo commerciale dell’epoca, il Salone di Parigi sponsorizzato dal governo, gli impressionisti organizzarono mostre collettive annuali in sedi commerciali negli anni tra il 1870 e il 1880, sincronizzandoli in modo da coincidere con il Salone ufficiale. Un evento significativo del 1863 fu il Salon des Refusés, creato dall’imperatore Napoleone III per esporre tutti i dipinti respinti dal Salone di Parigi. Mentre la maggior parte erano in stili standard, ma da artisti inferiori, il lavoro di Manet ha attirato un’enorme attenzione e aperto le porte commerciali al movimento. La seconda scuola francese era il simbolismo, che gli storici della letteratura vedono cominciando da Charles Baudelaire (1821-1867), e inclusi i poeti successivi, Arthur Rimbaud (1854-91) Une Saison en Enfer (Una stagione all’Inferno, 1873), Paul Verlaine ( 1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-98) e Paul Valéry (1871-1945). I simbolisti “sottolineavano la priorità della suggestione e dell’evocazione sulla descrizione diretta e l’analogia esplicita” e erano particolarmente interessati alle “proprietà musicali del linguaggio”. Cabaret, che ha dato origine a così tante arti del modernismo, compresi gli immediati precursori del cinema, si può dire che abbia avuto inizio in Francia nel 1881 con l’apertura del Gatto nero a Montmartre, l’inizio del monologo ironico, e il fondazione della Society of Incoherent Arts.
Influenti agli inizi del modernismo furono le teorie di Sigmund Freud (1856-1939). Il primo grande lavoro di Freud fu Studi sull’isteria (con Josef Breuer, 1895). Centrale per il pensiero di Freud è l’idea “del primato della mente inconscia nella vita mentale”, così che tutta la realtà soggettiva era basata sul gioco delle pulsioni e degli istinti di base, attraverso i quali veniva percepito il mondo esterno. La descrizione di Freud degli stati soggettivi implicava una mente inconscia piena di impulsi primari e controbilanciare le restrizioni autoimposte derivate dai valori sociali.
Friedrich Nietzsche (1844-1900) fu un altro importante precursore del modernismo, con una filosofia in cui le pulsioni psicologiche, in particolare la “volontà di potenza” (Wille zur Macht), era di fondamentale importanza: “Nietzsche spesso identificava la vita stessa con potere ‘, cioè con un istinto di crescita e durata. ” Henri Bergson (1859-1941), d’altra parte, enfatizzava la differenza tra tempo scientifico, tempo dell’orologio e esperienza diretta, soggettiva, umana. Il suo lavoro sul tempo e sulla coscienza “ebbe una grande influenza sui romanzieri del ventesimo secolo , “specialmente quei modernisti che hanno usato la tecnica del flusso di coscienza, come Dorothy Richardson, James Joyce e Virginia Woolf (1882-1941). Altrettanto importante nella filosofia di Bergson era l’idea di élan vital, la forza vitale, che “determina l’evoluzione creativa di ogni cosa”.: 132 La sua filosofia ha anche attribuito un valore elevato all’intuizione, sebbene senza rifiutare l’importanza dell’intelletto.
Importanti precursori letterari del modernismo furono Fëdor Dostoevskij (1821-81), che scrisse i romanzi Crime and Punishment (1866) e The Brothers Karamazov (1880); Walt Whitman (1819-92), che ha pubblicato la raccolta di poesie Leaves of Grass (1855-91); e August Strindberg (1849-1912), in particolare le sue opere teatrali successive, tra cui la trilogia To Damascus 1898-1901, A Dream Play (1902) e The Ghost Sonata (1907). Henry James è stato anche suggerito come un precursore significativo, in un lavoro già nel Il ritratto di una donna (1881).
Dalla collisione di ideali derivati dal Romanticismo, e dal tentativo di trovare una via per la conoscenza per spiegare ciò che era ancora sconosciuto, arrivò la prima ondata di opere nel primo decennio del XX secolo, che, mentre i loro autori le consideravano estensioni delle tendenze esistenti nell’arte, ha rotto il contratto implicito con il pubblico in generale che gli artisti erano gli interpreti e i rappresentanti della cultura e delle idee borghesi. Questi punti di riferimento “modernisti” includono il finale atonale del secondo quartetto d’archi di Arnold Schoenberg nel 1908, i dipinti espressionisti di Wassily Kandinsky a partire dal 1903 e culminano con la sua prima pittura astratta e la fondazione del gruppo Blue Rider a Monaco nel 1911, e il l’ascesa del fauvismo e le invenzioni del cubismo dagli studi di Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque e altri, negli anni tra il 1900 e il 1910.
Esplosione, inizio 20 ° secolo al 1930
Un aspetto importante del modernismo è il modo in cui si relaziona con la tradizione attraverso l’adozione di tecniche come la ripresa, l’incorporazione, la riscrittura, la ricapitolazione, la revisione e la parodia in nuove forme.
Un esempio di come l’arte modernista possa essere sia rivoluzionaria che legata alla tradizione passata, è la musica del compositore Arnold Schoenberg. Da un lato Schoenberg respingeva l’armonia tonale tradizionale, il sistema gerarchico di organizzazione di opere musicali che avevano guidato la produzione musicale per almeno un secolo e mezzo. Credeva di aver scoperto un modo completamente nuovo di organizzare il suono, basato sull’uso di righe di dodici note. Eppure, mentre questo era davvero del tutto nuovo, le sue origini possono essere fatte risalire al lavoro di compositori precedenti, come Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss e Max Reger. Inoltre, va notato che Schoenberg ha anche scritto musica tonale per tutta la sua carriera.
Nel mondo dell’arte, nel primo decennio del XX secolo, giovani pittori come Pablo Picasso e Henri Matisse stavano causando uno shock con il loro rifiuto della prospettiva tradizionale come mezzo per strutturare i dipinti, anche se l’impressionista Monet era già stato innovativo nel il suo uso della prospettiva. Nel 1907, mentre Picasso dipingeva Les Demoiselles d’Avignon, Oskar Kokoschka scriveva Mörder, Hoffnung der Frauen (Assassino, Speranza delle donne), il primo dramma espressionista (prodotto con lo scandalo nel 1909), e Arnold Schoenberg stava componendo il suo quartetto d’archi N ° 2 in Fa diesis minore (1908), la sua prima composizione senza un centro tonale.
L’espressionismo è notoriamente difficile da definire, in parte perché “si sovrappone ad altri principali” ismi “del periodo modernista: con il futurismo, il vorticismo, il cubismo, il surrealismo e il dadaismo”. Anche Richard Murphy commenta: “la ricerca di una definizione omnicomprensiva è problematica nella misura in cui gli espressionisti più stimolanti” come il romanziere Franz Kafka, il poeta Gottfried Benn e il romanziere Alfred Döblin erano contemporaneamente i più rumorosi anti-espressionisti. 43 Ciò che, tuttavia, si può dire, è che fu un movimento che si sviluppò all’inizio del XX secolo principalmente in Germania in reazione all’effetto disumanizzante dell’industrializzazione e della crescita delle città, e che “uno dei mezzi centrali con cui l’espressionismo si identifica come un movimento d’avanguardia e con il quale segna la distanza dalle tradizioni e l’istituzione culturale nel suo complesso è attraverso il suo rapporto con il realismo e le convenzioni dominanti della rappresentazione. “: 43 Più esplicitamente: che gli espressionisti respingevano l’ideologia di realismo.:43-48
C’era un movimento espressionista concentrato nel teatro tedesco del primo Novecento, di cui Georg Kaiser ed Ernst Toller erano i più famosi drammaturghi. Altri illustri drammaturghi espressionisti inclusi Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn e Arnolt Bronnen. Hanno guardato indietro al drammaturgo svedese August Strindberg e all’attore e drammaturgo tedesco Frank Wedekind come precursori dei loro esperimenti drammaturgici. L’assassino di Oskar Kokoschka, Hope of Women fu la prima opera interamente espressionista per il teatro, inaugurata il 4 luglio 1909 a Vienna. L’estrema semplificazione dei personaggi ai tipi mitici, gli effetti corali, il dialogo declamatorio e l’intensificarsi dell’intensità diverrebbero caratteristiche delle successive rappresentazioni espressioniste. La prima opera a pieno titolo dell’espressionismo fu The Son di Walter Hasenclever, pubblicato nel 1914 e presentato per la prima volta nel 1916.
Il futurismo è ancora un altro movimento modernista. Nel 1909, il quotidiano parigino Le Figaro pubblicò il primo manifesto di F.T. Marinetti. Poco dopo un gruppo di pittori (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Gino Severini) ha co-firmato il Manifesto del Futurismo. Modellato sul famoso “Manifesto comunista” di Marx ed Engels (1848), tali manifesti propongono idee che hanno lo scopo di provocare e raccogliere seguaci. Tuttavia, gli argomenti a favore della pittura geometrica o puramente astratta erano, in questo momento, in gran parte limitati a “piccole riviste” che avevano solo piccole circolazioni. Il primitivismo modernista e il pessimismo erano controversi, e il mainstream nel primo decennio del XX secolo era ancora incline a una fede in progresso e all’ottimismo liberale.
Gli artisti astratti, prendendo come esempi gli impressionisti, così come Paul Cézanne (1839-1906) e Edvard Munch (1863-1944), iniziarono con l’assunto che il colore e la forma, non la rappresentazione del mondo naturale, formassero le caratteristiche essenziali dell’arte. L’arte occidentale era stata, dal Rinascimento fino alla metà del 19 ° secolo, sostenuta dalla logica della prospettiva e un tentativo di riprodurre un’illusione di realtà visibile. Le arti di culture diverse dall’europea erano diventate accessibili e mostravano modi alternativi di descrivere l’esperienza visiva all’artista. Alla fine del XIX secolo molti artisti sentirono il bisogno di creare un nuovo tipo di arte che comprenderebbe i cambiamenti fondamentali che avvengono in tecnologia, scienza e filosofia. Le fonti da cui i singoli artisti hanno tratto le loro argomentazioni teoriche erano diverse e riflettevano le preoccupazioni sociali e intellettuali in tutte le aree della cultura occidentale in quel momento. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Kazimir Malevich credevano tutti nella ridefinizione dell’arte come disposizione del colore puro. L’uso della fotografia, che aveva reso obsoleta gran parte della funzione di rappresentazione dell’arte visiva, ha fortemente influenzato questo aspetto del modernismo.
Architetti e designer modernisti, come Frank Lloyd Wright e Le Corbusier, ritenevano che la nuova tecnologia rendesse obsoleti i vecchi stili di costruzione. Le Corbusier pensava che gli edifici dovessero funzionare come “macchine per vivere”, analoghe alle macchine, che vedeva come macchine per viaggiare. Proprio come le automobili avevano sostituito il cavallo, il design modernista dovrebbe rifiutare i vecchi stili e strutture ereditati dall’antica Grecia o dal Medioevo. Seguendo questa estetica della macchina, i designer modernisti hanno tipicamente rifiutato i motivi decorativi nel design, preferendo enfatizzare i materiali usati e le forme geometriche pure. Il grattacielo è l’archetipo dell’edificio modernista e il Wainwright Building, un edificio per uffici di 10 piani costruito nel 1890-91, a St. Louis, nel Missouri, negli Stati Uniti, è uno dei primi grattacieli del mondo. Il Seagram Building di Ludwig Mies van der Rohe a New York (1956-1958) è spesso considerato l’apice di questa architettura modernista a molti piani. Molti aspetti del design modernista persistono ancora nella corrente principale dell’architettura contemporanea, sebbene il precedente dogmatismo abbia lasciato il posto a un uso più scherzoso della decorazione, della citazione storica e del dramma spaziale.
Il flusso di coscienza era un’importante innovazione letteraria modernista, ed è stato suggerito che Arthur Schnitzler (1862-1931) fu il primo a farne pieno uso nel suo racconto “Leutnant Gustl” (“Nessuno tranne i coraggiosi”) (1900 ). Dorothy Richardson fu la prima scrittrice inglese a usarlo, nei primi volumi del suo romanzo Pilgrimage (1915-67). Gli altri romanzieri modernisti associati all’uso di questa tecnica narrativa includono James Joyce in Ulisse (1922) e Italo Svevo in La coscienza di Zeno (1923).
Tuttavia, con l’avvento della Grande Guerra del 1914-18 e la rivoluzione russa del 1917, il mondo fu drasticamente cambiato e il dubbio gettò le credenze e le istituzioni del passato. Il fallimento dello status quo precedente sembrava ovvio per una generazione che aveva visto milioni di persone morire combattendo per brandelli di terra: prima del 1914 era stato sostenuto che nessuno avrebbe combattuto una simile guerra, dal momento che il costo era troppo alto. La nascita di un’età della macchina che aveva apportato importanti cambiamenti nelle condizioni della vita quotidiana nel diciannovesimo secolo, aveva radicalmente cambiato la natura della guerra. La natura traumatica della recente esperienza ha alterato le assunzioni di base e la rappresentazione realistica della vita nelle arti sembrava inadeguata di fronte alla natura fantasticamente surreale della guerra di trincea. La visione secondo cui l’umanità stava facendo un costante progresso morale ora sembrava ridicola di fronte al massacro insensato, descritto in opere come il romanzo di Erich Maria Remarque, All Quiet on the Western Front (1929). Pertanto, la visione del modernismo della realtà, che era stata un gusto minoritario prima della guerra, divenne generalmente accettata negli anni ’20.
Nella letteratura e nell’arte visiva alcuni Modernisti cercavano di sfidare le aspettative principalmente per rendere la loro arte più vivida o per costringere il pubblico a prendersi la briga di mettere in discussione i propri preconcetti. Questo aspetto del modernismo è spesso sembrato una reazione alla cultura del consumo, sviluppata in Europa e in Nord America alla fine del XIX secolo. Mentre la maggior parte dei produttori cerca di creare prodotti che possano essere commercializzati facendo appello alle preferenze e ai pregiudizi, gli alti modernisti hanno respinto tali atteggiamenti consumistici al fine di indebolire il pensiero convenzionale. Il critico d’arte Clement Greenberg espose questa teoria del modernismo nel suo saggio Avant-Garde e Kitsch. Greenberg ha etichettato i prodotti della cultura del consumatore “kitsch”, perché il loro design mirava semplicemente ad avere il massimo appeal, eliminando qualsiasi caratteristica difficile. Per Greenberg, il modernismo costituì quindi una reazione contro lo sviluppo di esempi della moderna cultura del consumo come la musica popolare commerciale, Hollywood e la pubblicità. Greenberg ha associato questo con il rifiuto rivoluzionario del capitalismo.
Il Surrealismo, che ebbe origine nei primi anni ’20, venne considerato dal pubblico come la forma più estrema del modernismo, o “l’avanguardia del Modernismo”. La parola “surrealista” fu coniata da Guillaume Apollinaire e apparve per la prima volta nella prefazione al suo dramma Les Mamelles de Tirésias, scritto nel 1903 e interpretato per la prima volta nel 1917. I maggiori surrealisti includono Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró e Marcel Duchamp.
Nel 1930, il Modernismo aveva conquistato un posto nello stabilimento, incluso l’establishment politico e artistico, sebbene a quel tempo lo stesso Modernismo fosse cambiato.
Il modernismo continua: 1930-1945
Il modernismo ha continuato ad evolversi negli anni ’30. Tra il 1930 e il 1932 il compositore Arnold Schoenberg lavorò a Moses und Aron, una delle prime opere a utilizzare la tecnica a dodici toni, Pablo Picasso dipinse nel 1937 Guernica, la sua condanna cubista al fascismo, mentre nel 1939 James Joyce spinse i confini di il romanzo moderno ulteriormente con Finnegans Wake. Sempre nel 1930 il Modernismo iniziò a influenzare la cultura mainstream, così che, per esempio, la rivista The New Yorker iniziò a pubblicare lavori, influenzati dal Modernismo, da giovani scrittori e umoristi come Dorothy Parker, Robert Benchley, EB White, SJ Perelman e James Thurber, fra gli altri. Perelman è molto apprezzato per i suoi racconti umoristici che ha pubblicato su riviste negli anni ’30 e ’40, più spesso nel New Yorker, che sono considerati i primi esempi di umorismo surrealista in America. Le idee moderne nell’arte cominciarono anche ad apparire più frequentemente negli spot e nei loghi, un primo esempio del quale, dal 1916, è il famoso logo London Underground disegnato da Edward Johnston.
Uno dei cambiamenti più visibili di questo periodo è stata l’adozione di nuove tecnologie nella vita quotidiana delle persone comuni nell’Europa occidentale e nel Nord America. L’elettricità, il telefono, la radio, l’automobile – e la necessità di lavorare con loro, ripararli e vivere con loro – hanno creato un cambiamento sociale. Il tipo di momento disgregativo che solo pochi conoscevano negli anni 1880 divenne un evento comune. Ad esempio, la velocità di comunicazione riservata agli agenti di borsa del 1890 divenne parte della vita familiare, almeno nella classe media del Nord America. Associati all’urbanizzazione e al cambiamento dei costumi sociali, anche le famiglie più piccole e le relazioni tra genitori e figli sono cambiate.
Significative opere letterarie moderniste continuarono a essere create negli anni ’20 e ’30, inclusi ulteriori romanzi di Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil e Dorothy Richardson. La carriera del drammaturgo modernista americano Eugene O’Neill iniziò nel 1914, ma i suoi lavori più importanti apparvero negli anni ’20, ’30 e primi anni ’40. Altri due significativi drammaturghi modernisti che scrivono negli anni ’20 e ’30 furono Bertold Brecht e Federico García Lorca. Lady Chatterley’s Lover di DH Lawrence fu pubblicata privatamente nel 1928, mentre un altro importante punto di riferimento per la storia del romanzo moderno arrivò con la pubblicazione di The Sound and the Fury di William Faulkner nel 1929. Negli anni ’30, oltre a ulteriori importanti lavori di Faulkner, Samuel Beckett pubblicò la sua prima opera importante, il romanzo Murphy (1938). Poi nel 1939 apparve Finnegans Wake di James Joyce. Questo è scritto in un linguaggio largamente idiosincratico, costituito da una combinazione di elementi lessicali inglesi standard e giochi di parole neologisti multilingue e parole portmanteau, che tenta di ricreare l’esperienza del sonno e dei sogni. Nella poesia T. S. Eliot, E. E. Cummings e Wallace Stevens scrivevano dagli anni ’20 fino agli anni ’50. Mentre la poesia modernista in inglese è spesso vista come un fenomeno americano, con esponenti di spicco tra cui Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD e Louis Zukofsky, c’erano importanti poeti modernisti britannici, tra cui David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting e WH Auden. I poeti modernisti europei includono Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy e Paul Valéry.
Nella pittura, negli anni Venti e Trenta e nella Grande Depressione, il modernismo è definito dal Surrealismo, dal tardo cubismo, dal Bauhaus, dal De Stijl, dal Dada, dall’espressionismo tedesco, dai pittori modernisti e magistrali come Henri Matisse e Pierre Bonnard e dalle astrazioni di artisti come Piet Mondrian e Wassily Kandinsky che hanno caratterizzato la scena artistica europea. In Germania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz e altri hanno politicizzato i loro dipinti, prefigurando l’avvento della seconda guerra mondiale, mentre in America il modernismo è visto sotto forma di scene americane e di realismo sociale e movimenti di regionalismo che contenevano sia e il commento sociale dominava il mondo dell’arte. Artisti come Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh e altri divennero importanti. Il modernismo è definito in America Latina dai pittori Joaquín Torres García dell’Uruguay e Rufino Tamayo dal Messico, mentre è iniziato il movimento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martinez Delgado e i dipinti simbolisti di Frida Kahlo una rinascita delle arti per la regione, caratterizzata da un uso più libero del colore e un’enfasi sui messaggi politici.
Diego Rivera è forse meglio conosciuto dal mondo pubblico per il suo murale del 1933, Man at the Crossroads, nella hall del RCA Building al Rockefeller Center. Quando il suo mecenate Nelson Rockefeller scoprì che il murale includeva un ritratto di Vladimir Lenin e altre immagini comuniste, licenziò Rivera, e il lavoro incompiuto fu infine distrutto dallo staff di Rockefeller. Le opere di Frida Kahlo (la moglie di Rivera) sono spesso caratterizzate da una severa rappresentazione del dolore. Kahlo è stato profondamente influenzato dalla cultura indigena messicana, che è evidente nei colori vivaci dei suoi dipinti e nel simbolismo drammatico. I temi cristiani ed ebrei sono spesso raffigurati anche nel suo lavoro; combinò elementi della classica tradizione religiosa messicana, che erano spesso sanguinosi e violenti. Le opere simboliste di Frida Kahlo si riferiscono fortemente al surrealismo e al movimento di realismo magico in letteratura.
L’attivismo politico è stato un pezzo importante della vita di David Siqueiros e spesso lo ha ispirato a mettere da parte la sua carriera artistica. La sua arte era profondamente radicata nella rivoluzione messicana. Il periodo che va dagli anni ’20 agli anni ’50 è noto come il Rinascimento messicano, e Siqueiros fu attivo nel tentativo di creare un’arte che fosse al tempo stesso messicana e universale. Il giovane Jackson Pollock ha partecipato al seminario e ha contribuito a costruire carri allegorici per la parata.
Negli anni ’30 la politica di sinistra radicale ha caratterizzato molti degli artisti legati al Surrealismo, incluso Pablo Picasso. Il 26 aprile 1937, durante la guerra civile spagnola, la città basca di Gernika fu bombardata dalla Luftwaffe della Germania nazista. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural-sized Guernica to commemorate the horrors of the bombing.
During the Great Depression of the 1930s and through the years of World War II, American art was characterized by Social Realism and American Scene Painting, in the work of Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, and several others. Nighthawks (1942) is a painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper’s most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The scene was inspired by a diner in Greenwich Village. Hopper began painting it immediately after the attack on Pearl Harbor. After this event there was a large feeling of gloominess over the country, a feeling that is portrayed in the painting. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper’s work.
American Gothic is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Carpenter Gothic style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics had favorable opinions about the painting; like Gertrude Stein and Christopher Morley, they assumed the painting was meant to be a satire of rural small-town life. It was thus seen as part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America, along the lines of Sherwood Anderson’s 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis’s 1920 Main Street, and Carl Van Vechten’s The Tattooed Countess in literature. However, with the onset of the Great Depression, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.
The situation for artists in Europe during the 1930s deteriorated rapidly as the Nazis’ power in Germany and across Eastern Europe increased. Degenerate art was a term adopted by the Nazi regime in Germany for virtually all modern art. Such art was banned on the grounds that it was un-German or Jewish Bolshevist in nature, and those identified as degenerate artists were subjected to sanctions. These included being dismissed from teaching positions, being forbidden to exhibit or to sell their art, and in some cases being forbidden to produce art entirely. Degenerate Art was also the title of an exhibition, mounted by the Nazis in Munich in 1937. The climate became so hostile for artists and art associated with modernism and abstraction that many left for the Americas. German artist Max Beckmann and scores of others fled Europe for New York. In New York City a new generation of young and exciting Modernist painters led by Arshile Gorky, Willem de Kooning, and others were just beginning to come of age.
Arshile Gorky’s portrait of someone who might be Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham, Gorky created biomorphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky’s work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.