Neoclassicismo
Il neoclassicismo era un movimento culturale occidentale nelle arti decorative e visive, nella letteratura, nel teatro, nella musica e nell’architettura che trasse ispirazione dall’arte e dalla cultura dell’antichità classica. Il neoclassicismo è nato a Roma in gran parte grazie agli scritti di Johann Joachim Winckelmann, al tempo della riscoperta di Pompei ed Ercolano, ma la sua popolarità si diffuse in tutta Europa quando una generazione di studenti d’arte europei terminò il loro Grand Tour e tornò dall’Italia al loro tour paesi d’origine con ideali greco-romani recentemente riscoperti. Il principale movimento neoclassico coincise con l’Età dell’Illuminismo del 18 ° secolo, e continuò fino all’inizio del 19 ° secolo, in competizione laterale con il Romanticismo. In architettura, lo stile è continuato per tutto il XIX, XX e fino al XXI secolo.
Il neoclassicismo europeo nelle arti visive iniziò c. 1760 in opposizione allo stile rococò allora dominante. L’architettura rococò sottolinea grazia, ornamenti e asimmetria; L’architettura neoclassica si basa sui principi di semplicità e simmetria, che sono stati visti come virtù delle arti di Roma e della Grecia antica, e sono stati più immediatamente tratti dal classicismo rinascimentale del XVI secolo. Ogni classico “neo” seleziona alcuni modelli tra i possibili classici a sua disposizione e ne ignora altri. Gli scrittori e gli oratori neoclassici, i mecenati e i collezionisti, gli artisti e gli scultori del 1765-1830 hanno reso omaggio a un’idea della generazione di Fidia, ma gli esempi di scultura che hanno effettivamente abbracciato avevano più probabilità di essere copie romane di sculture ellenistiche.
L’arte “rococò” dell’antica Palmira venne come una rivelazione, attraverso incisioni in Le rovine di Palmira di Wood. Perfino la Grecia era quasi invisibile, una brutta zona arretrata dell’Impero ottomano, pericolosa da esplorare, quindi l’apprezzamento dei neoclassicisti per l’architettura greca è stato mediato da disegni e incisioni, che hanno delicatamente levigato e regolarizzato, “corretto” e “restaurato” i monumenti della Grecia, non sempre consapevolmente.
Lo stile impero, una seconda fase del neoclassicismo in architettura e arti decorative, ebbe il suo centro culturale a Parigi in epoca napoleonica.
Panoramica
L’apparizione del neoclassicismo fu innanzitutto un rifiuto dello stile rococò che segnò l’Europa nell’era dell’illuminismo. Per i tedeschi intrisi di sentimenti anti-francesi, perché rappresenta il regno di Luigi XV e le sue stravaganze, per l’inglese della tradizione anglicana, che sostengono un ritorno alla semplicità, perché è l’ultimo rappresentante di una caratteristica estetica del contatore cattolico -Riforma. Intorno al 1770, questo rifiuto colpì anche l’Italia e la Francia, tuttavia promotori del rococò, ma con loro si espresse contro il carattere considerato immorale di questo stile, rappresentando lusso, frivolezza,
A metà del xviii secolo, la popolarità del Grand Tour porta una comunità di viaggiatori aristocratici, venuti dall’Inghilterra, dalla Francia o dalla Prussia per confrontarsi direttamente con gli antichi resti durante i viaggi di istruzione in Italia, Grecia o Turchia. Uno di questi viaggi, quello del Marchese de Marigny nel 1750-1751, ebbe un grande impatto sull’evoluzione del gusto in Francia e in Europa. Fratello minore della Marchesa di Pompadour, Abel-François Poisson de Vandières viene inviato in missione a Roma accompagnato dall’incisore Charles Nicolas Cochin e dall’architetto Jacques-Germain Soufflot. Da questo viaggio, gli artisti diventano consapevoli della particolarità delle opere antiche, senza passare attraverso la reinterpretazione stilistica derivante dal Rinascimento o dalla tradizione classica.
Soufflot spinge la sua escursione più a sud scoprendo il sito di Paestum in Campania, dove il confronto con i templi greci che presentano uno stile arcaico con colonne doriche senza basi è per lui una rivelazione. Nello stesso periodo, i viaggiatori inglesi, approfittando del rilassamento della pressione turca in Grecia, possono fare il viaggio che consente la pubblicazione di collezioni di antichità greche tra cui quella di Richard Dalton, Antichità e vedute della Grecia e dell’Egitto, che porta gli amanti di antichità, come Caylus e Winckelmann per considerare l’estetica greca antica, superiore a quella dell’antichità romana.
Il neoclassicismo sarà anche favorito dalla politica culturale difesa dai monarchi “illuminati”. Il futuro Carlo III di Spagna, ebbe la collezione incisa delle Pitture antiche di Ercolano e contorni, Giorgio III re d’Inghilterra distribuito in tutta Europa, incoraggiò lo sviluppo del nuovo stile, facendo l’architetto Robert Adam e il pittore Benjamin West, gli artisti ufficiali del regime 5. Il re di Francia Luigi XVI, pone alla testa degli edifici del re, il conte di Angiviller, che promuove il ritorno alla grandiosità del secolo di Luigi XIV, incoraggiando le opere con destinazioni virtuose, morale e patriottico. Queste linee guida comprendono la realizzazione da parte di David del giuramento degli orazi ..
Storia
Il neoclassicismo è una rinascita dei molti stili e dello spirito dell’antichità classica ispirati direttamente dal periodo classico, che coincideva e rifletteva gli sviluppi della filosofia e di altre aree dell’Età dell’Illuminismo, e inizialmente era una reazione contro gli eccessi del precedente stile rococò . Mentre il movimento è spesso descritto come la controparte opposta del Romanticismo, questa è una grande semplificazione eccessiva che tende a non essere sostenibile quando vengono considerati artisti o opere specifici. Il caso del presunto principale campione del neoclassicismo tardo, Ingres, lo dimostra particolarmente bene. Il risveglio può essere ricondotto all’istituzione dell’archeologia formale.
Gli scritti di Johann Joachim Winckelmann furono importanti nel plasmare questo movimento sia nell’architettura che nelle arti visive. I suoi libri Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1750) e Geschichte der Kunst des Alterthums (“History of Ancient Art”, 1764) furono i primi a distinguere nettamente tra l’antica arte greca e romana, e definire periodi all’interno del greco arte, tracciando una traiettoria dalla crescita alla maturità e poi imitazione o decadenza che continua ad avere influenza ai giorni nostri. Winckelmann credeva che l’arte dovesse mirare alla “nobile semplicità e calma grandezza”, e lodava l’idealismo dell’arte greca, in cui diceva che troviamo “non solo la natura nella sua forma più bella, ma anche qualcosa al di là della natura, vale a dire alcune forme ideali della sua bellezza , quale,
Con l’avvento del Grand Tour, iniziò una mania di collezionismo di antichità che gettò le basi di molte grandi collezioni diffondendo un risveglio neoclassico in tutta Europa. Il “neoclassicismo” in ogni arte implica un canone particolare di un modello “classico”.
Il termine “Neoclassicismo” è usato principalmente per le arti visive; il movimento simile nella letteratura inglese, iniziato molto prima, si chiama letteratura augustea. Questo, che era stato dominante per diversi decenni, stava iniziando a declinare quando il Neoclassicismo nelle arti visive divenne di moda. Sebbene i termini differiscano, la situazione nella letteratura francese era simile. Nella musica, il periodo ha visto l’ascesa della musica classica e il “Neoclassicismo” è utilizzato per gli sviluppi del 20 ° secolo. Tuttavia, le opere di Christoph Willibald Gluck rappresentavano un approccio specificamente neoclassico, spiegato nella sua prefazione alla colonna sonora pubblicata di Alceste (1769), che mirava a riformare l’opera rimuovendo gli ornamenti, aumentando il ruolo del coro in linea con la tragedia greca, e usando linee melodiche semplici e senza ornamenti.
Il termine “neoclassico” non fu inventato fino alla metà del XIX secolo, e all’epoca lo stile era descritto da termini come “il vero stile”, “riformato” e “rinascita”; ciò che è stato considerato come rianimato varia considerevolmente. I modelli antichi furono certamente molto coinvolti, ma lo stile poteva anche essere considerato come una rinascita del Rinascimento, e soprattutto in Francia come un ritorno al barocco più austero e nobile dell’età di Luigi XIV, per il quale si era sviluppata una notevole nostalgia poiché la posizione militare e politica dominante della Francia iniziò un grave declino. Il ritratto dell’incoronazione di Napoleone di Ingres prese addirittura in prestito dai dittici consolari del tardo antico e dal loro risveglio carolingio, con disapprovazione della critica.
Il neoclassicismo era il più forte in architettura, scultura e arti decorative, dove i modelli classici nello stesso mezzo erano relativamente numerosi e accessibili; esempi della pittura antica che hanno dimostrato le qualità che la scrittura di Winckelmann ha trovato nella scultura erano e mancano. Winckelmann fu coinvolto nella diffusione della conoscenza dei primi grandi dipinti romani da scoprire, a Pompei ed Ercolano e, come la maggior parte dei contemporanei tranne Gavin Hamilton, non fu impressionato da loro, citando i commenti di Plinio il Giovane sul declino della pittura nel suo periodo .
Per quanto riguarda la pittura, la pittura greca fu completamente persa: i pittori neoclassici la resuscitarono in modo fantasioso, in parte attraverso fregi in bassorilievo, mosaici e dipinti in ceramica, e in parte attraverso gli esempi di pittura e decorazione del Rinascimento della generazione di Raffaello, affreschi nella Domus Aurea di Nerone , Pompei ed Ercolano, e attraverso rinnovata ammirazione di Nicholas Poussin. Molta pittura “neoclassica” è più classica in materia che in qualsiasi altra cosa. Una disputa feroce, ma spesso molto mal informata, imperversava per decenni sui meriti relativi dell’arte greca e romana, con Winckelmann e i suoi compagni ellenisti in genere dalla parte dei vincitori.
Pittura e incisione
È difficile riconquistare la natura radicale ed eccitante della prima pittura neoclassica per il pubblico contemporaneo; ora colpisce perfino quegli scrittori favorevolmente propensi ad “insipidi” e “quasi del tutto poco interessanti per noi” – alcuni dei commenti di Kenneth Clark sull’ambizioso Parnassus di Anton Raphael Mengs a Villa Albani, dell’artista che il suo amico Winckelmann ha descritto come ” il più grande artista suo e forse di epoche successive “. I disegni, successivamente trasformati in stampe, di John Flaxman utilizzavano un disegno al tratto molto semplice (pensato per essere il mezzo classico più puro) e figure per lo più di profilo per rappresentare l’Odissea e altri soggetti, e una volta “licenziarono la gioventù artistica dell’Europa”, ma sono ora “trascurato”, mentre i dipinti di storia di Angelica Kauffman, principalmente ritrattista, sono descritti come aventi “una morbidezza e una noiosa morbidezza” da Fritz Novotny. La frivolezza rococò e il movimento barocco erano stati messi a nudo, ma molti artisti hanno faticato a mettere qualsiasi cosa al loro posto, e in assenza di antichi esempi per la pittura di storia, oltre ai vasi greci usati da Flaxman, Raffaello tendeva ad essere usato come modello sostitutivo, come raccomandato da Winckelmann.
Il lavoro di altri artisti, che non potevano essere facilmente descritti come insipidi, combinava aspetti del Romanticismo con uno stile generalmente neoclassico e fa parte della storia di entrambi i movimenti. Il pittore tedesco-danese Asmus Jacob Carstens terminò pochissime delle grandi opere mitologiche che aveva pianificato, lasciando per lo più disegni e studi sui colori che spesso riescono ad avvicinarsi alla prescrizione di Winckelmann di “nobile semplicità e calma grandezza”. A differenza degli schemi non realizzati di Carstens, le incisioni di Giovanni Battista Piranesi erano numerose e redditizie, e riportate da coloro che effettuavano il Grand Tour in tutte le parti d’Europa. Il suo argomento principale erano gli edifici e le rovine di Roma, ed era più stimolato dall’antico che dal moderno.
L’atmosfera alquanto inquietante di molti dei suoi Vedute (vedute) diventa dominante nella sua serie di 16 stampe di Carceri d’Invenzione (“Prigioni immaginarie”) la cui “architettura ciclopica oppressiva” trasmette “sogni di paura e frustrazione”. Lo svizzero Johann Heinrich Füssli trascorse gran parte della sua carriera in Inghilterra, e mentre il suo stile fondamentale era basato sui principi neoclassici, i suoi soggetti e il suo trattamento riflettevano più spesso la tensione “gotica” del romanticismo e cercavano di evocare il dramma e l’eccitazione.
Il neoclassicismo nella pittura acquisì un nuovo senso dell’orientamento con il sensazionale successo del giuramento degli orazi di Jacques-Louis David al Salone di Parigi del 1785. Nonostante la sua evocazione delle virtù repubblicane, questa fu una commissione del governo reale, che David insistette sulla pittura A Roma. David è riuscito a combinare uno stile idealista con drammaticità e forza. La prospettiva centrale è perpendicolare al piano pittorico, reso più enfatico dall’oscuro porticato dietro, contro il quale le figure eroiche sono disposte come in un fregio, con un accenno di illuminazione artificiale e messa in scena dell’opera, e la classica colorazione di Nicholas Poussin . David divenne rapidamente il leader dell’arte francese e dopo la Rivoluzione francese divenne un politico con il controllo di molto patrocinio del governo nell’arte. Riuscì a mantenere la sua influenza nel periodo napoleonico,
Tra i numerosi studenti di David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, che si è visto come un classicista per tutta la sua lunga carriera, nonostante uno stile maturo che ha un rapporto equivoco con la corrente principale del neoclassicismo, e molte successive diversioni nell’orientalismo e nello stile Troubadour che sono difficile da distinguere da quelli dei suoi contemporanei spudoratamente romantici, tranne per il primato che le sue opere danno sempre al disegno. Ha esposto al Salon per oltre 60 anni, dal 1802 agli inizi dell’impressionismo, ma il suo stile, una volta formato, è cambiato poco.
Scultura
Se la pittura neoclassica soffriva della mancanza di modelli antichi, la scultura neoclassica tendeva a soffrirne per un eccesso, anche se gli esempi di scultura greca attuale del “periodo classico” che iniziavano intorno al 500 a.C. erano allora molto pochi; le opere più apprezzate erano per lo più copie romane. I principali scultori neoclassici godettero di un’enorme reputazione ai loro tempi, ma ora sono meno considerati, ad eccezione di Jean-Antoine Houdon, il cui lavoro era principalmente ritratti, molto spesso come busti, che non sacrificano una forte impressione della personalità della scrittrice a idealismo. Il suo stile divenne più classico man mano che la sua lunga carriera continuava, e rappresenta una progressione piuttosto regolare dal fascino rococò alla dignità classica. A differenza di alcuni scultori neoclassici, non ha insistito sul fatto che le sue sedute indossassero abiti romani o non fossero vestite.
Antonio Canova e Dane Bertel Thorvaldsen erano entrambi di base a Roma e, oltre ai ritratti, produssero molte figure e gruppi ambiziosi a grandezza naturale; entrambi rappresentavano la tendenza fortemente idealizzante nella scultura neoclassica. Canova ha una leggerezza e una grazia, dove Thorvaldsen è più severo; la differenza è esemplificata nei rispettivi gruppi delle Tre Grazie. Tutti questi, e Flaxman, erano ancora attivi nel 1820, e il Romanticismo ebbe un impatto lento sulla scultura, dove le versioni del Neoclassicismo rimasero lo stile dominante per gran parte del XIX secolo.
Uno dei primi neoclassicisti nella scultura era lo svedese Johan Tobias Sergel. John Flaxman era anche, o principalmente, uno scultore, producendo principalmente rilievi severamente classici che sono paragonabili nello stile alle sue stampe; ha anche disegnato e modellato ceramiche neoclassiche per Josiah Wedgwood per diversi anni. Johann Gottfried Schadow e suo figlio Rudolph, uno dei pochi scultori neoclassici a morire giovani, furono i principali artisti tedeschi, con Franz Anton von Zauner in Austria. Lo scultore austriaco tardo barocco Franz Xaver Messerschmidt si rivolse al Neoclassicismo a metà carriera, poco prima che sembrasse aver subito una sorta di crisi mentale, dopo di che si ritirò nel paese e si dedicò alle “teste di carattere” altamente distintive delle figure calve tirando espressioni facciali estreme. Come Piranesi’s Carceri, questi godettero di un grande risveglio di interesse durante l’era della psicoanalisi all’inizio del XX secolo. Lo scultore neoclassico olandese Mathieu Kessels ha studiato con Thorvaldsen e ha lavorato quasi esclusivamente a Roma.
Poiché prima degli anni 1830 gli Stati Uniti non avevano una propria tradizione scultorea, salvo nelle aree di lapidi, pale meteorologiche e polene di navi, vi fu adottato il modo neoclassico europeo, che dovette dominare per decenni ed è esemplificato in le sculture di Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers e William Henry Rinehart.
Architettura e arti decorative
L’arte neoclassica era tradizionale e nuova, storica e moderna, conservatrice e progressiva allo stesso tempo.
Il neoclassicismo ottenne per la prima volta influenza in Inghilterra e Francia, attraverso una generazione di studenti d’arte francesi formati a Roma e influenzati dagli scritti di Winckelmann, e fu rapidamente adottato da circoli progressisti in altri paesi come Svezia, Polonia e Russia. Inizialmente, l’arredamento classicizzante è stato innestato su forme europee familiari, come negli interni dell’amante di Caterina II, il conte Orlov, progettato da un architetto italiano con una squadra di stuccadori italiani: solo i medaglioni ovali isolati come cammei e il bassorilievo al di fuori suggeriscono del neoclassicismo; l’arredamento è completamente italiano in stile rococò.
Una seconda ondata neoclassica, più grave, più studiata (attraverso il mezzo di incisioni) e più consapevolmente archeologica, è associata all’altezza dell’Impero napoleonico. In Francia, la prima fase del Neoclassicismo fu espressa nello “stile Luigi XVI”, e la seconda negli stili chiamati “Directoire” o Impero. Lo stile rococò rimase popolare in Italia fino a quando i regimi napoleonici portarono il nuovo classicismo archeologico, che fu abbracciato come una dichiarazione politica da giovani, progressisti, cittadini italiani con inclinazioni repubblicane. [Secondo chi?]
Nelle arti decorative, il neoclassicismo è esemplificato nei mobili dell’Impero realizzati a Parigi, Londra, New York, Berlino; in mobili Biedermeier realizzati in Austria; nei musei di Karl Friedrich Schinkel a Berlino, la Banca d’Inghilterra di Sir John Soane a Londra e la “capitale” di recente costruzione a Washington, DC; e nei bassorilievi di Wedgwood e vasi “basalto nero”. Lo stile era internazionale; L’architetto scozzese Charles Cameron ha creato interni sontuosi all’italiana per la nata tedesca Caterina II il Grande, nella russa San Pietroburgo.
All’interno, il neoclassicismo fece una scoperta degli interni classici e genuini, ispirati alle riscoperte di Pompei ed Ercolano. Questi erano iniziati alla fine del 1740, ma raggiunsero un vasto pubblico solo nel 1760, con i primi lussuosi volumi di distribuzione strettamente controllata de Le Antichità di Ercolano. Le antichità di Ercolano mostravano che persino gli interni più classici del barocco, o le stanze più “romane” di William Kent erano basate sull’architettura esterna della basilica e del tempio rivolta all’esterno, da qui il loro aspetto spesso burrascoso per gli occhi moderni: i telai delle finestre frontali giravano in specchi dorati, caminetti sormontati da facciate di templi. I nuovi interni hanno cercato di ricreare un vocabolario autenticamente romano e autenticamente interno.
Le tecniche impiegate nello stile includevano motivi più piatti, più chiari, scolpiti in bassorilievo simile a un fregio o dipinti in monotoni in camaïeu (“come cameo”), medaglioni isolati o vasi o busti o bucrania o altri motivi, sospesi su sciami di alloro o nastro , con sottili arabeschi sullo sfondo, forse, di “rosso pompeiano” o tinte pallide o colori di pietra. Lo stile in Francia era inizialmente uno stile parigino, il Goût grec (“stile greco”), non uno stile di corte; quando Luigi XVI salì al trono nel 1774, Maria Antonietta, la sua regina amante della moda, portò in tribunale lo stile “Luigi XVI”. Tuttavia, non vi fu alcun reale tentativo di impiegare le forme di base dei mobili romani fino alla fine del secolo e i fabbricanti di mobili avevano maggiori probabilità di prendere in prestito dall’architettura antica,
A partire dal 1800 un nuovo afflusso di esempi di architettura greca, visti attraverso il mezzo di incisioni e incisioni, diede un nuovo impulso al Neoclassicismo, il Revival greco. Allo stesso tempo, lo stile impero fu un’ondata più grandiosa di neoclassicismo nell’architettura e nelle arti decorative. Principalmente basato su stili imperiali romani, ebbe origine e prese il nome dal dominio di Napoleone nel primo impero francese, dove aveva lo scopo di idealizzare la leadership di Napoleone e lo stato francese. Lo stile corrisponde allo stile più borghese Biedermeier nelle terre di lingua tedesca, lo stile federale negli Stati Uniti, lo stile Regency in Gran Bretagna e lo stile Napoleone in Svezia. Secondo lo storico dell’arte Hugh Honor “così lontano dall’essere, come talvolta si suppone, il culmine del movimento neoclassico,
Il neoclassicismo ha continuato a essere una delle forze maggiori nell’arte accademica per tutto il diciannovesimo secolo e oltre – un’antitesi costante al romanticismo o alle rinascite gotiche -, sebbene dalla fine del XIX secolo in poi fosse stato spesso considerato antimoderno, o addirittura reazionario, in influenti critiche cerchi. I centri di diverse città europee, in particolare San Pietroburgo e Monaco, assomigliavano molto ai musei di architettura neoclassica.
L’architettura rinascimentale gotica (spesso legata al movimento culturale romantico), uno stile originario del 18 ° secolo che è cresciuto in popolarità durante il 19 ° secolo, ha contrastato il Neoclassicismo. Mentre il Neoclassicismo era caratterizzato da stili, linee geometriche e ordine di influenza greca e romana, l’architettura di rinascita gotica poneva l’accento su edifici dall’aspetto medievale, spesso fatti per avere un aspetto rustico, “romantico”.
Giardini neoclassici
In Inghilterra, la letteratura augustea aveva un parallelo diretto con lo stile di progettazione paesaggistica augustea. I collegamenti sono chiaramente visibili nell’opera di Alexander Pope. I migliori esempi sopravvissuti di giardini neoclassici inglesi sono Chiswick House, Stowe House e Stourhead.
Neoclassicismo e moda
Nella moda, il neoclassicismo ha influenzato la semplicità molto maggiore degli abiti da donna e la moda duratura per il bianco, ben prima della Rivoluzione francese, ma non è stato fino a dopo che i tentativi approfonditi di imitare gli stili antichi sono diventati di moda in Francia, almeno per le donne. I costumi classici erano stati a lungo indossati da donne alla moda in posa come una figura del mito greco o romano in un ritratto (in particolare c’era un’eruzione di tali ritratti della giovane modella Emma, Lady Hamilton del 1780), ma tali costumi erano indossati solo per il ritratto seduto e balli in maschera fino al periodo rivoluzionario, e forse, come altri stili esotici, come spogliarsi a casa. Ma gli stili indossati nei ritratti di Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien e altri trend-setter parigini erano anche per uscire in pubblico. Vedendo la signora Tallien all’opera, Talleyrand ha scherzato sul fatto che: “Il passo più lungo possibile di s’exposer più un divertimento!” (“Non si potrebbe essere spogliati più sontuosamente”).
Nel 1788, poco prima della Rivoluzione, la ritrattista di corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun aveva tenuto una cena greca in cui le donne indossavano semplici tuniche greche bianche. Le acconciature classiche più corte, ove possibile con i ricci, erano meno controverse e ampiamente adottate e i capelli erano ora scoperti anche all’aperto; fatta eccezione per l’abito da sera, i cofani o altri rivestimenti erano stati indossati in genere anche al chiuso prima. Invece, sono stati usati sottili nastri o filetti in stile greco per legare o decorare i capelli.
Abiti molto leggeri e larghi, di solito bianchi e spesso con braccia incredibilmente nude, si alzavano dalla caviglia a poco sotto il corpetto, dove c’era un orlo sottile o una cravatta fortemente enfatizzata attorno al corpo, spesso di un colore diverso. La forma è ora spesso conosciuta come la sagoma dell’Impero anche se precede il Primo Impero francese di Napoleone, ma la sua prima imperatrice Joséphine de Beauharnais fu influente nel diffonderla in Europa. Un lungo scialle rettangolare o un involucro, molto spesso di un semplice rosso ma con un bordo decorato nei ritratti, aiutava nelle giornate più fredde e apparentemente era appoggiato attorno alla mezzana quando era seduto, per il quale erano preferite posizioni tentacolari semi-sdraiate. All’inizio del XIX secolo, tali stili si erano ampiamente diffusi in tutta Europa.
La moda neoclassica per gli uomini era molto più problematica e non decollò mai se non per i capelli, dove ebbe un ruolo importante negli stili più corti che alla fine spedì l’uso delle parrucche, e poi della polvere per capelli bianca, per gli uomini più giovani. Il pantalone era stato il simbolo del barbaro per i greci e i romani, ma fuori dallo studio del pittore o, soprattutto, dello scultore, pochi uomini erano pronti ad abbandonarlo. In effetti, il periodo ha visto il trionfo del pantalone puro, o pantalone, sulle culotte o sui calzoni al ginocchio dell’Ancien Régime. Anche quando David progettò un nuovo “costume nazionale” francese su richiesta del governo durante l’apice dell’entusiasmo rivoluzionario per aver cambiato tutto nel 1792, includeva leggings abbastanza stretti sotto un cappotto che si fermava sopra il ginocchio.
Il problema dei pantaloni era stato riconosciuto dagli artisti come una barriera alla creazione di dipinti di storia contemporanea; come altri elementi dell’abbigliamento contemporaneo sono stati visti come irrimediabilmente brutti e non eroici da molti artisti e critici. Furono usati vari strategem per evitare di rappresentarli nelle scene moderne. In James Dawkins e Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) di Gavin Hamilton, i due signori antiquari sono rappresentati in toghe arabe simili a toga. In Watson and the Shark (1778) di John Singleton Copley, la figura principale poteva essere plausibilmente mostrata nuda, e la composizione è tale che degli altri otto uomini mostrati, solo uno mostra una singola gamba con la culatta prominente. Tuttavia gli americani Copley e Benjamin West guidarono gli artisti che dimostrarono con successo che i pantaloni potevano essere usati in scene eroiche, con opere come West ‘
Gli stili di capelli maschili di ispirazione classica includevano il Bedford Crop, probabilmente il precursore della maggior parte dei semplici stili maschili moderni, che fu inventato dal politico radicale Francis Russell, quinto duca di Bedford come protesta contro una tassa sulla polvere per capelli; incoraggiò i suoi amici ad adottarlo scommettendo che non lo avrebbero fatto. Un altro stile influente (o un gruppo di stili) è stato chiamato dal francese “à la Titus” dopo Titus Junius Brutus (non in realtà l’imperatore romano Tito come spesso ipotizzato), con i capelli corti e a strati ma un po ‘ammucchiati sulla corona, spesso con trapunte o chiusure contenute che pendono; le varianti sono familiari dai capelli di Napoleone e Giorgio IV d’Inghilterra.
Lo stile avrebbe dovuto essere introdotto dall’attore François-Joseph Talma, che ha messo in scena i suoi co-attori parigini quando è apparso in produzioni di opere come Voltaire Bruto (su Lucius Junius Bruto, che ordina l’esecuzione di suo figlio Tito). Nel 1799 una rivista di moda parigina riferì che persino uomini calvi stavano adottando le parrucche di Titus, e lo stile era anche indossato dalle donne, secondo il Journal de Paris nel 1802 che “più della metà delle donne eleganti indossava i capelli o la parrucca alla Titus.
Neoclassicismo successivo
Nell’architettura americana, il neoclassicismo era un’espressione del movimento rinascimentale americano, ca. 1890-1917; la sua ultima manifestazione fu nell’architettura delle Belle Arti e i suoi ultimi, grandi progetti pubblici furono il Lincoln Memorial (fortemente criticato all’epoca), la National Gallery of Art di Washington, DC (anche pesantemente criticata dalla comunità architettonica come arretrata pensiero e vecchio stile nel suo design), e il Roosevelt Memorial del Museo Americano di Storia Naturale. Questi erano considerati anacronismi stilistici al termine. Nel Raj britannico, la monumentale pianificazione urbanistica di Sir Edwin Lutyens per Nuova Delhi segna il glorioso tramonto del neoclassicismo. La seconda guerra mondiale avrebbe distrutto il desiderio (e l’imitazione di) tempi mitici ed eroici.
Architetti modernisti conservatori come Auguste Perret in Francia hanno mantenuto i ritmi e la spaziatura dell’architettura colonnare anche negli edifici industriali. Laddove un colonnato sarebbe stato definito “reazionario”, i pannelli scanalati simili a pilastri di un edificio sotto un fregio ripetuto sembravano “progressivi”. Pablo Picasso ha sperimentato motivi classicizzanti negli anni immediatamente successivi alla prima guerra mondiale e lo stile Art Deco che è venuto alla ribalta in seguito all’Esposizione delle arti decorative di Parigi del 1925, spesso attingeva a motivi neoclassici senza esprimerli apertamente: comodi, pesanti blocchi di É .-J. Ruhlmann o Süe & Mare; fregi croccanti e bassorilievi di damigelle e gazzelle in ogni mezzo; abiti alla moda che sono stati drappeggiati o tagliati sul pregiudizio per ricreare le linee greche; la danza artistica di Isadora Duncan; lo stile Streamline Moderne degli uffici postali statunitensi e degli edifici del tribunale della contea costruiti nel 1950; e il Roosevelt dime.
C’era un intero movimento del XX secolo nelle arti che era anche chiamato neoclassicismo. Comprendeva almeno musica, filosofia e letteratura. Fu tra la fine della prima guerra mondiale e la fine della seconda guerra mondiale. (Per informazioni sugli aspetti musicali, vedere la musica classica del 20 ° secolo e il Neoclassicismo in musica. Per informazioni sugli aspetti filosofici, vedere Grandi libri.)
Questo movimento letterario neoclassico respinse l’estremo romanticismo (ad esempio) di Dada, a favore della moderazione, della religione (in particolare del cristianesimo) e di un programma politico reazionario. Sebbene le basi di questo movimento nella letteratura inglese siano state gettate da TE Hulme, i neoclassicisti più famosi furono TS Eliot e Wyndham Lewis. In Russia, il movimento si cristallizzò già nel 1910 sotto il nome di Acmeism, con Anna Akhmatova e Osip Mandelshtam come rappresentanti principali.
Nella musica
Il neoclassicismo in musica è un movimento del 20 ° secolo; in questo caso sono gli stili musicali classici e barocchi del XVII e XVIII secolo, con la loro passione per i temi greci e romani, a essere rianimati, non la musica del mondo antico stesso. (L’inizio del 20 ° secolo non aveva ancora distinto il periodo barocco nella musica, su cui attingevano principalmente i compositori neoclassici, da quello che oggi chiamiamo il periodo classico.) Il movimento fu una reazione nella prima parte del 20 ° secolo al cromatismo disintegrante di tardo-romanticismo e impressionismo, emergendo parallelamente al modernismo musicale, che ha cercato di abbandonare del tutto la tonalità chiave. Ha manifestato il desiderio di pulizia e semplicità di stile, che ha permesso di parafrasare in modo abbastanza dissonante le procedure classiche,
La sala da ballo del XVII-XVIII secolo aveva avuto un piccolo risveglio prima della prima guerra mondiale, ma i neoclassicisti non erano del tutto contenti del diatonicismo immodificato e tendevano a enfatizzare la brillante dissonanza di sospensioni e ornamenti, le qualità angolari dell’armonia modale del XVII secolo e il linee energiche di scrittura parziale. Respighi’s Ancient Airs and Dances (1917) ha aperto la strada al tipo di suono a cui aspiravano i neoclassicisti. Sebbene la pratica di prendere in prestito stili musicali del passato non sia stata rara in tutta la storia della musica, le musiche d’arte hanno attraversato periodi in cui i musicisti hanno usato tecniche moderne abbinate a forme o armonie più vecchie per creare nuovi tipi di opere.
Notevoli caratteristiche compositive sono: riferirsi alla tonalità diatonica, alle forme convenzionali (suite da ballo, concerti grossi, forme di sonata, ecc.), All’idea di musica assoluta non interpretata da associazioni descrittive o emotive, all’uso di trame musicali leggere e una concisione di espressione musicale . Nella musica classica, questo è stato percepito in particolare tra gli anni ’20 e ’50. Igor Stravinsky è il compositore più noto che usa questo stile; iniziò effettivamente la rivoluzione musicale con il suo ottetto simile a Bach per strumenti a fiato (1923). Un particolare lavoro individuale che rappresenta bene questo stile è la Sinfonia classica n. 1 di Prokofiev in re, che ricorda lo stile sinfonico di Haydn o Mozart. Il balletto neoclassico come innovato da George Balanchine ha disordinato lo stile imperiale russo in termini di costume, passaggi e narrativa,
Architettura in Russia e Unione Sovietica
Nel 1905-1914 l’architettura russa attraversò un breve ma influente periodo di rinascita neoclassica; la tendenza iniziò con la ricreazione dello stile impero del periodo alessandrino e si espanse rapidamente in una varietà di scuole neorinascimentali, palladiane e modernizzate, ma riconoscibilmente classiche. Erano guidati da architetti nati nel 1870, che raggiunsero il picco creativo prima della prima guerra mondiale, come Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky. Quando l’economia si riprese negli anni ’20, questi architetti e i loro seguaci continuarono a lavorare in un ambiente prevalentemente modernista; alcuni (Zholtovsky) seguirono rigorosamente il canone classico, altri (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) svilupparono i loro stili modernizzati.
Con la repressione dell’indipendenza degli architetti e la negazione ufficiale del modernismo (1932), dimostrata dal concorso internazionale per il Palazzo dei Soviet, il Neoclassicismo fu immediatamente promosso come una delle scelte dell’architettura stalinista, sebbene non l’unica. Ha convissuto con l’architettura moderatamente modernista di Boris Iofan, al confine con l’Art Deco contemporaneo (Schuko); di nuovo, gli esempi più puri dello stile furono prodotti dalla scuola Zholtovsky che rimase un fenomeno isolato. L’intervento politico è stato un disastro per i leader costruttivisti, ma è stato sinceramente accolto dagli architetti delle scuole classiche.
Il neoclassicismo fu una scelta facile per l’URSS poiché non si basava sulle moderne tecnologie di costruzione (struttura in acciaio o cemento armato) e poteva essere riprodotto in muratura tradizionale. Così i disegni di Zholtovsky, Fomin e altri vecchi maestri furono facilmente replicati in città remote sotto severi razionamento dei materiali. Il miglioramento della tecnologia di costruzione dopo la seconda guerra mondiale permise agli architetti stalinisti di avventurarsi nella costruzione di grattacieli, sebbene stilisticamente questi grattacieli (inclusa l’architettura “esportata” del Palazzo della Cultura e della Scienza, Varsavia e il Centro Congressi Internazionale di Shanghai) condividono poco con i modelli classici. Il neoclassicismo e il neorinascimentale persistettero in progetti residenziali e per uffici meno impegnativi fino al 1955, quando Nikita Kruscev pose fine alla costosa architettura stalinista.
Architettura nel 21 ° secolo
Dopo una pausa durante il periodo di dominazione architettonica moderna (all’incirca dopo la seconda guerra mondiale fino alla metà degli anni ’80), il neoclassicismo ha visto una sorta di rinascita.
A partire dal primo decennio del 21 ° secolo, l’architettura neoclassica contemporanea è di solito classificata sotto il termine generale della nuova architettura classica. A volte viene anche chiamato Neo-storicismo o tradizionalismo. Inoltre, alcuni pezzi di architettura postmoderna traggono ispirazione e includono riferimenti espliciti al neoclassicismo, al distretto di Antigone e al Teatro Nazionale della Catalogna a Barcellona. L’architettura postmoderna include occasionalmente elementi storici, come colonne, capitelli o il timpano.
Per sincera architettura in stile tradizionale che si attacca all’architettura, ai materiali e all’artigianato regionali, viene usato principalmente il termine architettura tradizionale (o volgare). Il Driehaus Architecture Prize viene assegnato a importanti collaboratori nel campo dell’architettura classica o classica del 21 ° secolo e viene fornito con un premio in denaro doppio rispetto a quello del modernista Pritzker Prize.
Negli Stati Uniti, vari edifici pubblici contemporanei sono costruiti in stile neoclassico, con lo Schermerhorn Symphony Center del 2006 a Nashville.
In Gran Bretagna, numerosi architetti sono attivi in stile neoclassico. Esempi del loro lavoro includono due biblioteche universitarie: la Maitland Robinson Library di Quinlan Terry al Downing College e la Sackler Library di Robert Adam Architects.